Oscar-Claude Monet (Reino Unido: /ˈmɒneɪ / , Estados Unidos : / m oʊˈneɪ , məˈ- / ; francés : [ klod mɔnɛ ] ; 14 de noviembre de 1840 - 5 de diciembre de 1926) fue un pintor francés y fundador de la pintura impresionista que es visto como un precursor clave del modernismo , especialmente en sus intentos de pintar la naturaleza como él la percibía. [1] Durante su larga carrera, fue el practicante más consistente y prolífico de la filosofía del impresionismo de expresar las percepciones de la naturaleza, especialmente aplicadas a la pintura de paisajes al aire libre . [2] El término "impresionismo" se deriva del título de su pintura Impresión, soleil levant , que se exhibió por primera vez en la llamada "exposición de los rechazados" de 1874, una exposición iniciada por Monet y artistas afines como una alternativa al Salón .
Monet se crió en Le Havre , Normandía , y desde muy joven se interesó por la vida al aire libre y el dibujo. Aunque su madre, Louise-Justine Aubrée Monet, apoyaba sus ambiciones de ser pintor, su padre, Claude-Adolphe, lo desaprobaba y quería que siguiera una carrera en el mundo de los negocios. Monet era muy cercano a su madre, pero ella murió en enero de 1857 cuando él tenía dieciséis años, y fue enviado a vivir con su tía Marie-Jeanne Lecadre, viuda, sin hijos pero adinerada. Estudió en la Académie Suisse y con el pintor de historia académica Charles Gleyre , donde fue compañero de clase de Auguste Renoir . Sus primeras obras incluyen paisajes, marinas y retratos, pero atrajeron poca atención. Una influencia temprana clave fue Eugène Boudin , quien le introdujo al concepto de pintura al aire libre . A partir de 1883, Monet vivió en Giverny , también en el norte de Francia, donde compró una casa y una propiedad y comenzó un vasto proyecto de paisajismo, incluido un estanque de nenúfares.
La ambición de Monet de documentar la campiña francesa le llevó a pintar la misma escena muchas veces para captar los cambios de luz y el paso de las estaciones. Entre los ejemplos más conocidos se encuentran su serie de almiares (1890-1891), las pinturas de la catedral de Rouen (1892-1894) y las pinturas de nenúfares en su jardín de Giverny que lo ocuparon de forma continua durante los últimos 20 años de su vida.
Monet, cuyas obras fueron frecuentemente expuestas y tuvieron mucho éxito durante su vida, alcanzó su fama y popularidad en la segunda mitad del siglo XX, cuando se convirtió en uno de los pintores más famosos del mundo y en una fuente de inspiración para un creciente grupo de artistas.
Claude Monet nació el 14 de noviembre de 1840 en el quinto piso del número 45 de la rue Laffitte , en el distrito IX de París . [3] Fue el segundo hijo de Claude Adolphe Monet (1800-1871) y Louise Justine Aubrée Monet (1805-1857), ambos parisinos de segunda generación. El 20 de mayo de 1841, fue bautizado en la iglesia local de París, Notre-Dame-de-Lorette , como Oscar-Claude, pero sus padres lo llamaban simplemente Oscar. [3] [4] A pesar de ser bautizado como católico, Monet más tarde se convirtió en ateo. [5] [6]
En 1845, su familia se mudó a Le Havre, en Normandía . Su padre, comerciante mayorista , quería que se dedicara al negocio familiar de suministros para barcos y comestibles, [7] [8] pero Monet quería convertirse en artista. Su madre era cantante y apoyó el deseo de Monet de seguir una carrera en el arte. [9]
El 1 de abril de 1851, ingresó en la escuela secundaria de artes de Le Havre. [10] Era un estudiante apático que, después de mostrar habilidad en el arte desde una edad temprana, comenzó a dibujar caricaturas y retratos de conocidos a los 15 años por dinero. [11] Comenzó sus primeras lecciones de dibujo con Jacques-François Ochard , un ex alumno de Jacques-Louis David . [11] Alrededor de 1858, conoció a su compañero artista Eugène Boudin , quien alentaría a Monet a desarrollar sus técnicas, le enseñaría las técnicas de pintura " en plein air " (al aire libre) y lo llevaría a excursiones de pintura. [12] [13] Monet pensaba en Boudin como su maestro, a quien "le debía todo" por su éxito posterior. [14]
En 1857, su madre murió. [15] Vivió con su padre y su tía, Marie-Jeanne Lecadre; Lecadre sería una fuente de apoyo para Monet en su temprana carrera artística. [13] [15]
De 1858 a 1860, Monet continuó sus estudios en París, donde se inscribió en la Académie Suisse y conoció a Camille Pissarro en 1859. [16] [17] Fue llamado al servicio militar y sirvió bajo los Chasseurs d'Afrique (cazadores africanos), en Argelia , de 1861 a 1862. [18] Su tiempo en Argelia tuvo un poderoso efecto en Monet, quien más tarde dijo que los colores claros y vivos del norte de África "contenían la joya de mis futuras investigaciones". [19] La enfermedad lo obligó a regresar a Le Havre, donde pagó el servicio que le quedaba y conoció a Johan Barthold Jongkind , quien junto con Boudin fue un importante mentor para Monet. [12]
A su regreso a París, con el permiso de su padre, dividió su tiempo entre su casa de la infancia y el campo y se inscribió en el estudio de Charles Gleyre , donde conoció a Pierre-Auguste Renoir y Frédéric Bazille . [15] [21] [22] Bazille finalmente se convirtió en su amigo más cercano. [14] En busca de motivos, viajaron a Honfleur, donde Monet pintó varios "estudios" del puerto y la desembocadura del Sena. [23] Monet a menudo pintaba junto a Renoir y Alfred Sisley , [24] quienes compartían su deseo de articular nuevos estándares de belleza en temas convencionales. [25]
Durante este tiempo pintó Mujeres en el jardín , su primera pintura exitosa a gran escala, y Le déjeuner sur l'herbe , la "pintura más importante del período temprano de Monet". [24] [26] [27] Habiendo debutado en el Salón en 1865 con La Pointe de la Hève en marea baja y Desembocadura del Sena en Honfleur con grandes elogios, esperaba que Le déjeuner sur l'herbe lo ayudara a abrirse paso en el Salón de 1866. No pudo terminarlo de manera oportuna y en su lugar presentó La mujer con el vestido verde y Pavé de Chailly para su aceptación. [15] [28] A partir de entonces, presentó obras al Salón anualmente hasta 1870, pero fueron aceptadas por los jurados solo dos veces, en 1866 y 1868. [12] No envió más obras al Salón hasta su único y último intento en 1880. [12] Su trabajo fue considerado radical, "desalentado en todos los niveles oficiales". [21]
En 1867, su entonces amante, Camille Doncieux —a quien había conocido dos años antes como modelo para sus pinturas— dio a luz a su primer hijo, Jean . [13] Monet tenía una fuerte relación con Jean, alegando que Camille era su legítima esposa, por lo que Jean sería considerada legítima . [29] El padre de Monet dejó de apoyarlo económicamente como resultado de la relación. A principios de año, Monet se había visto obligado a mudarse a la casa de su tía en Sainte-Adresse . [15] [28] Allí se sumergió en su trabajo, aunque un problema temporal con su vista, probablemente relacionado con el estrés, le impidió trabajar a la luz del sol. [15] [28] [12] Monet amaba mucho a su familia, pintando muchos retratos de ellos, como Niño con una taza, un retrato de Jean Monet . Esta pintura en particular muestra los primeros signos del famoso trabajo impresionista posterior de Monet. [30]
Con la ayuda del coleccionista de arte Louis-Joachim Gaudibert, se reunió con Camille y se mudó a Étretat al año siguiente. [14] [15] En esa época, estaba tratando de establecerse como un pintor de figuras que representaba lo "explícitamente contemporáneo, burgués", una intención que continuó hasta la década de 1870. [15] [31] [21] [22] Evolucionó su técnica de pintura e integró la experimentación estilística en su estilo al aire libre, como lo demuestra La playa de Sainte-Adresse y En la orilla del Sena respectivamente, siendo la primera su "primera campaña sostenida de pintura que involucró el turismo". [15] [28]
Varios de sus cuadros habían sido adquiridos por Gaudibert, quien encargó un cuadro de su esposa, junto con otros proyectos; los Gaudibert fueron durante dos años "los mecenas de la ciudad natal de Monet que más apoyaron ". [12] [29] Monet recibiría más tarde el apoyo financiero del artista y coleccionista de arte Gustave Caillebotte , Bazille y quizás Gustave Courbet , aunque los acreedores todavía lo perseguían. [12] [21]
Se casó con Camille el 28 de junio de 1870, justo antes del estallido de la guerra franco-prusiana . [32] Durante la guerra, él y su familia vivieron en Londres y los Países Bajos para evitar el reclutamiento . [15] [16] Monet y Charles-François Daubigny vivieron en un exilio autoimpuesto . [16] [A] Mientras vivía en Londres, Monet conoció a su viejo amigo Pissarro y al pintor estadounidense James Abbott McNeill Whistler , y se hizo amigo de su primer y principal comerciante de arte , Paul Durand-Ruel , un encuentro que sería decisivo para su carrera. Allí vio y admiró las obras de John Constable y JMW Turner y quedó impresionado por el tratamiento de la luz de Turner, especialmente en las obras que representan la niebla en el Támesis . [12] [15] [33] [34] Pintó repetidamente el Támesis, Hyde Park y Green Park . [15] En la primavera de 1871, se le negó la autorización para incluir sus obras en la exposición de la Royal Academy y la policía sospechó que realizaba actividades revolucionarias. [35] [32] Ese mismo año se enteró de la muerte de su padre. [12]
La familia se mudó a Argenteuil en 1871, donde, influenciado por su tiempo con pintores holandeses, pintó principalmente los alrededores del Sena . [31] [36] Adquirió un velero para pintar en el río. [12] En 1874, firmó un contrato de arrendamiento de seis años y medio y se mudó a una "casa de color rosa con contraventanas verdes" recién construida en Argenteuil, donde pintó quince cuadros de su jardín desde una perspectiva panorámica . [31] [37] Pinturas como Gladiolos marcaron lo que probablemente fue la primera vez que Monet cultivó un jardín con el propósito de su arte. [31] La casa y el jardín se convirtieron en el motivo "más importante" de sus últimos años en Argenteuil. [37] Durante los siguientes cuatro años, pintó principalmente en Argenteuil y se interesó en las teorías del color del químico Michel Eugène Chevreul . [12] Durante tres años de esa década, alquiló una gran villa en Saint-Denis por mil francos al año. Camille Monet en un banco de jardín muestra el jardín de la villa y lo que algunos han argumentado que es el dolor de Camille al enterarse de la muerte de su padre. [38]
Monet y Camille pasaron a menudo por apuros económicos durante este período: no pudieron pagar la cuenta del hotel durante el verano de 1870 y probablemente vivieron en las afueras de Londres como resultado de la falta de fondos. Sin embargo, una herencia de su padre, junto con las ventas de sus pinturas, les permitió contratar a dos sirvientes y un jardinero en 1872. [13] [39] [40] Después de la exitosa exposición de algunas pinturas marítimas y la obtención de una medalla de plata en Le Havre, las pinturas de Monet fueron embargadas por los acreedores, a quienes se las recompró un comerciante naviero, Gaudibert, que también era mecenas de Boudin. [41]
Cuando el apoyo previo de Durand-Ruel a Monet y sus pares comenzó a declinar, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Paul Cézanne , Edgar Degas y Berthe Morisot exhibieron su trabajo de forma independiente; lo hicieron bajo el nombre de Sociedad Anónima de Pintores, Escultores y Grabadores, para la cual Monet fue una figura líder en su formación. [12] [15] Se inspiró en el estilo y la temática de sus contemporáneos un poco mayores, Pissarro y Édouard Manet. [42] El grupo, cuyo título fue elegido para evitar la asociación con cualquier estilo o movimiento, se unificó en su independencia del Salón y el rechazo del academicismo prevaleciente . [12] [43] Monet se ganó la reputación de ser el pintor de paisajes más destacado del grupo. [16]
En la primera exposición, en 1874, Monet exhibió, entre otras, Impresión, sol naciente , El almuerzo y El bulevar de las Capuchinas . [44] El crítico de arte Louis Leroy escribió una reseña hostil. Tomando nota en particular de Impresión, sol naciente (1872), una representación borrosa del puerto de Le Havre y un desvío estilístico, acuñó el término " impresionismo ". Los críticos conservadores y el público ridiculizaron al grupo, con el término inicialmente siendo irónico y denotando la pintura como inacabada. [15] [43] Los críticos más progresistas elogiaron la representación de la vida moderna: Louis Edmond Duranty llamó a su estilo una "revolución en la pintura". [43] Leroy más tarde lamentó haber inspirado el nombre, ya que creía que eran un grupo "cuya mayoría no tenía nada de impresionista". [14]
Se estima que la asistencia total fue de 3500 personas. Monet puso un precio de 1000 francos a Impresión: sol naciente, pero no logró venderla. [45] [46] [47] La exposición estaba abierta a cualquiera que estuviera dispuesto a pagar 60 francos y les dio a los artistas la oportunidad de mostrar su trabajo sin la interferencia de un jurado. [45] [46] [47] En 1876 se celebró otra exposición, nuevamente en oposición al Salón. Monet exhibió 18 pinturas, incluida La playa de Sainte-Adresse , que mostraba múltiples características impresionistas. [28] [48]
Para la tercera exposición, el 5 de abril de 1877, seleccionó siete pinturas de la docena que había hecho de la Gare Saint-Lazare en los últimos tres meses, la primera vez que había "sincronizado tantas pinturas del mismo sitio, coordinando cuidadosamente sus escenas y temporalidades". [49] Las pinturas fueron bien recibidas por los críticos, que elogiaron especialmente la forma en que capturó la llegada y salida de los trenes. [49] En la cuarta exposición, su participación fue mediante negociación por parte de Caillebotte. [15] Su última vez que expuso con los impresionistas fue en 1882, cuatro años antes de la exposición impresionista final. [50] [51]
Monet, Renoir, Pissarro, Morisot, Cézanne y Sisley experimentaron con nuevos métodos de representación de la realidad. Rechazaron la iluminación oscura y contrastante de las pinturas románticas y realistas, en favor de los tonos pálidos de las pinturas de sus pares, como las de Jean-Baptiste-Camille Corot y Boudin. [52] Después de desarrollar métodos para pintar efectos transitorios, Monet buscaría temas más exigentes, nuevos mecenas y coleccionistas; sus pinturas producidas a principios de la década de 1870 dejaron un impacto duradero en el movimiento y en sus pares, muchos de los cuales se mudaron a Argenteuil como resultado de admirar su representación. [15] [53]
En 1875, volvió a pintar figuras con Mujer con sombrilla - Madame Monet y su hijo , después de abandonarla de manera efectiva con El almuerzo . Su interés por la figura continuó durante los siguientes cuatro años, alcanzando su punto álgido en 1877 y concluyendo por completo en 1890. [29] [61] En una carta "inusualmente reveladora" a Théodore Duret , Monet habló de su renovado interés: "Estoy trabajando como nunca antes en un nuevo esfuerzo por las figuras al aire libre, tal como las entiendo. Este es un viejo sueño, uno que siempre me ha obsesionado y que me gustaría dominar de una vez por todas. ¡Pero es todo tan difícil! Estoy trabajando muy duro, casi al punto de enfermarme".
En 1876, Camille Monet enfermó gravemente. [62] Su segundo hijo, Michel , nació en 1878, después de lo cual la salud de Camille se deterioró aún más. [62] En el otoño de ese año, se mudaron al pueblo de Vétheuil , donde compartieron una casa con la familia de Ernest Hoschedé , un rico dueño de grandes almacenes y mecenas de las artes que había encargado cuatro pinturas a Monet. [12] [15] En 1878, a Camille le diagnosticaron cáncer de útero . [63] Murió al año siguiente. [15] Su muerte, junto con dificultades financieras (una vez tuvo que dejar su casa para evitar a los acreedores) afectó la carrera de Monet; Hoschedé había comprado recientemente varias pinturas, pero pronto se declaró en quiebra y se fue a París con la esperanza de recuperar su fortuna, ya que el interés por los impresionistas disminuyó. [16] [12] [15]
Monet hizo un estudio al óleo de su difunta esposa. Muchos años después, le confesó a su amigo Georges Clemenceau que su necesidad de analizar los colores le resultaba a la vez una alegría y un tormento. Explicó: "Un día me encontré mirando el rostro muerto de mi amada esposa y simplemente anotando sistemáticamente los colores según un reflejo automático". [64] John Berger describe la obra como "una ventisca de pintura blanca, gris y violácea... una terrible ventisca de pérdida que borrará para siempre sus rasgos. De hecho, puede haber muy pocas pinturas de lecho de muerte que hayan sido tan intensamente sentidas o subjetivamente expresivas". [65]
Monet continuó estudiando el Sena. Presentó dos pinturas al Salón en 1880, una de las cuales fue aceptada. [12] Comenzó a abandonar las técnicas impresionistas a medida que sus pinturas utilizaban tonos más oscuros y mostraban entornos, como el río Sena, en condiciones climáticas adversas. Durante el resto de la década, se centró en el aspecto elemental de la naturaleza. [24] [53] Su vida personal influyó en su distanciamiento de los impresionistas. [15] Regresó a Étretat y expresó en cartas a Alice Hoschedé —con quien se casaría en 1892, tras la muerte de su esposo el año anterior— su deseo de morir. [14] [15] [61] En 1881, se mudó con Alice y sus hijos a Poissy y nuevamente vendió sus pinturas a Durand-Ruel . [12] La tercera hija de Alice, Suzanne , se convertiría en la "modelo preferida" de Monet, después de Camille. [61]
En abril de 1883, mirando por la ventanilla del tren que iba de Vernon a Gasny, descubrió Giverny, en Normandía. [66] Ese mismo año se celebró su primera gran exposición retrospectiva. [53]
En una carta enviada a Monet en 1884, Paul Durand-Ruel menciona las preocupaciones financieras de Monet y le dice que tanto el corredor de bolsa Theodore-Charles Gadala como Georges Clemenceau habían comprado pinturas. [67] Las luchas de Monet con los acreedores terminaron después de prósperos viajes; fue a Bordighera en 1884 y trajo de regreso 50 paisajes. [12] [53] Viajó a los Países Bajos en 1886 para pintar los tulipanes. Pronto conoció y se hizo amigo de Gustave Geffroy , quien publicó un artículo sobre Monet. [12] A pesar de sus escrúpulos, las pinturas de Monet se vendieron en Estados Unidos y contribuyeron a su seguridad financiera. [15] A diferencia de las últimas dos décadas de su carrera, Monet prefería trabajar solo y sentía que siempre estaba mejor cuando lo hacía, ya que regularmente "anhelaba la soledad, lejos de los centros turísticos abarrotados y los entornos urbanos sofisticados". [68] [53] Tal deseo era recurrente en sus cartas a Alice. [68] [61]
En 1883, Monet y su familia alquilaron una casa y jardines en Giverny , lo que le proporcionó una estabilidad doméstica de la que aún no había disfrutado. [15] La casa estaba situada cerca de la carretera principal entre las ciudades de Vernon y Gasny en Giverny. Había un granero que también hacía las veces de estudio de pintura, huertos y un pequeño jardín. La casa estaba lo suficientemente cerca de las escuelas locales para que los niños asistieran, y el paisaje circundante proporcionaba numerosas áreas naturales para que Monet pintara. [69] [70] [71]
La familia trabajó y construyó los jardines, y la fortuna de Monet comenzó a cambiar para mejor a medida que Durand-Ruel tuvo un éxito cada vez mayor en la venta de sus pinturas. [72] Los jardines fueron la mayor fuente de inspiración de Monet durante 40 años. [73] [74] En 1890, Monet compró la casa. [53] Durante la década de 1890, Monet construyó un invernadero y un segundo estudio, un edificio espacioso bien iluminado con tragaluces.
Monet escribía instrucciones diarias a su jardinero, diseños y planos precisos para las plantaciones, facturas por sus compras de flores y su colección de libros de botánica. A medida que la riqueza de Monet crecía, su jardín evolucionó. Siguió siendo su arquitecto, incluso después de contratar a siete jardineros. [75] Monet compró terrenos adicionales con un prado acuático. [12] Se plantaron nenúfares blancos originarios de Francia junto con cultivares importados de Sudamérica y Egipto, lo que dio como resultado una gama de colores que incluía nenúfares amarillos, azules y blancos que se volvían rosados con el tiempo. [76] En 1902, aumentó el tamaño de su jardín acuático en casi 4000 metros cuadrados; el estanque se amplió en 1901 y 1910 con caballetes instalados por todas partes para permitir capturar diferentes perspectivas. [15] [74]
Insatisfecho con las limitaciones del impresionismo, Monet comenzó a trabajar en series de pinturas que mostraban temas únicos (almiares, álamos y la catedral de Ruán ) para resolver su frustración. [24] [61] Estas series de pinturas proporcionaron un gran éxito crítico y financiero; en 1898, se exhibieron 61 pinturas en la galería Petit. [77] También comenzó una serie de Mañanas en el Sena, que retrataba las horas del amanecer del río. [15] En 1887 y 1889 exhibió una serie de pinturas de Belle Île que recibieron excelentes críticas de los críticos. [68] Monet eligió el lugar con la esperanza de encontrar un "nuevo lenguaje estético que pasara por alto las fórmulas aprendidas, uno que fuera fiel a la naturaleza y único para él como individuo, no como cualquier otra persona". [68]
En 1899, comenzó a pintar los nenúfares que lo ocuparían continuamente durante los siguientes 20 años de su vida, siendo su última y "más ambiciosa" secuencia de pinturas. [31] [78] Había exhibido este primer grupo de cuadros del jardín, dedicado principalmente a su puente japonés, en 1900. [15] Regresó a Londres, ahora residiendo en el prestigioso Hotel Savoy , en 1899 para producir una serie que incluía 41 pinturas del puente de Waterloo , 34 del puente de Charing Cross y 19 de la Casa del Parlamento . [79] El último viaje de Monet sería a Venecia, con Alicia en 1908. [15]
Las representaciones de los nenúfares, con luz alternada y reflejos similares a espejos, se convirtieron en una parte integral de su obra. [80] A mediados de la década de 1910, Monet había logrado "un estilo de pintura completamente nuevo, fluido y algo audaz en el que el estanque de nenúfares se convirtió en el punto de partida para un arte casi abstracto". [81] Claude Roger-Marx señaló en una reseña de la exitosa exposición de Monet de 1909 de la primera serie de nenúfares que había "alcanzado el máximo grado de abstracción e imaginación unida a lo real". [82] Esta exposición, titulada Nenúfares, una serie de paisajes acuáticos, constaba de 42 lienzos, su "serie más grande y unificada hasta la fecha" . [15] Finalmente, realizaría más de 250 pinturas de los Nenúfares . [50]
En su casa, Monet se reunió con artistas, escritores, intelectuales y políticos de Francia, Inglaterra, Japón y Estados Unidos. [16] En el verano de 1887 conoció a John Singer Sargent , cuya experimentación con la pintura de figuras al aire libre lo intrigaba; ambos se influyeron mutuamente con frecuencia. [61]
La segunda esposa de Monet, Alice, murió en 1911, y su hijo mayor, Jean, que se había casado con la hija de Alice, Blanche, la favorita de Monet, murió en 1914. [83] Sus muertes dejaron a Monet deprimido, ya que Blanche lo cuidaba. [15] [84] Fue durante este tiempo que Monet comenzó a desarrollar los primeros signos de posibles cataratas . [84] En 1913, Monet viajó a Londres para consultar al oftalmólogo alemán Richard Liebreich . Le recetaron gafas nuevas y rechazó la cirugía de cataratas para el ojo derecho. [85] Al año siguiente, Monet, animado por Clemenceau, hizo planes para construir un nuevo y gran estudio que pudiera usar para crear un "ciclo decorativo de pinturas dedicadas al jardín acuático". [15]
En los años siguientes, su percepción del color se vio afectada; sus trazos amplios se hicieron más amplios y sus pinturas cada vez más oscuras. Para lograr el resultado deseado, comenzó a etiquetar sus tubos de pintura, mantuvo un orden estricto en su paleta y usó un sombrero de paja para anular el deslumbramiento . [85] Abordaba la pintura formulando las ideas y características en su mente, tomando el "motivo en grandes masas" y transcribiéndolos a través de la memoria y la imaginación. Esto se debía a que era "insensible" a los "tonos más finos de tonalidades y colores vistos de cerca". [86]
La producción de Monet disminuyó a medida que se retiraba, aunque produjo varias pinturas sobre tabla para el gobierno francés , de 1914 a 1918 con gran éxito financiero y más tarde crearía obras para el estado. [85] [74] [82] Su trabajo en el "ciclo de pinturas" ocurrió principalmente alrededor de 1916 a 1921. [15] La cirugía de cataratas fue recomendada una vez más, esta vez por Clemenceau. [85] Monet, que estaba aprensivo, después de las cirugías fallidas de Honoré Daumier y Mary Cassatt , declaró que preferiría tener mala vista y tal vez abandonar la pintura que renunciar a "un poco de estas cosas que amo". [85] En 1919, Monet comenzó una serie de pinturas de paisajes, "con toda su fuerza", aunque no estaba satisfecho con el resultado. [82] En octubre, el mal tiempo hizo que Monet dejara de pintar al aire libre y al mes siguiente vendió cuatro de las once pinturas de Nenúfares , a pesar de su renuencia en ese momento a renunciar a su trabajo. [82] La serie inspiró elogios de sus pares; sus obras posteriores fueron bien recibidas por comerciantes y coleccionistas, y recibió 200.000 francos de un coleccionista. [82]
En 1922, una prescripción de midriáticos le proporcionó un alivio temporal. Finalmente, en 1923, se sometió a una operación de cataratas . La cianopsia persistente y las gafas afáquicas resultaron ser un problema. Ahora, "capaz de ver los colores reales", comenzó a destruir los lienzos de su período preoperatorio. [85] Cuando le colocaron lentes Zeiss tintadas , Monet se mostró elogioso, aunque pronto tuvieron que cubrirle el ojo izquierdo por completo con una lente negra. En 1925, su discapacidad visual mejoró y comenzó a retocar algunas de sus obras preoperatorias, con nenúfares más azules que antes. [87] [85]
Durante la Primera Guerra Mundial , en la que sirvió su hijo menor, Michel, Monet pintó una serie de sauces llorones como homenaje a los soldados franceses caídos. [88] Se dedicó profundamente a la decoración de su jardín durante la guerra. [74]
Monet ha sido descrito como "la fuerza impulsora detrás del impresionismo". [89] Crucial para el arte de los pintores impresionistas fue la comprensión de los efectos de la luz en el color local de los objetos, y los efectos de la yuxtaposición de colores entre sí. [90] Su estilo fluido y el uso del color han sido descritos como "casi etéreos" y el "[epítome] del estilo impresionista"; Impresión, sol naciente es un ejemplo del principio impresionista "fundamental" de representar solo lo que es puramente visible. [24] [91] Monet estaba fascinado con los efectos de la luz y la pintura al aire libre -creía que su único "mérito radica en haber pintado directamente frente a la naturaleza, buscando plasmar mis impresiones de los efectos más fugaces" [14] [91] Queriendo "pintar el aire", a menudo combinaba temas de la vida moderna con luz exterior. [27] [92]
Monet hizo de la luz el foco central de sus pinturas. Para capturar sus variaciones, a veces terminaba un cuadro en una sola sesión, a menudo sin preparación. [93] Quería demostrar cómo la luz alteraba el color y la percepción de la realidad. [24] Su interés por la luz y el reflejo comenzó a fines de la década de 1860 y perduró durante toda su carrera. [21] Durante su primera estancia en Londres, desarrolló una admiración por la relación entre el artista y los motivos, por lo que él llamaba la "envoltura". [79] Utilizó dibujos a lápiz para anotar rápidamente temas y motivos para referencia futura. [15]
La representación de paisajes de Monet enfatizaba elementos industriales como ferrocarriles y fábricas; sus primeros paisajes marinos presentaban una naturaleza inquietante representada con colores apagados y residentes locales. [28] [43] El crítico y amigo de Monet, Théodore Duret señaló, en 1874, que estaba "poco atraído por las escenas rústicas... Se sentía particularmente atraído por la naturaleza cuando está embellecida y por las escenas urbanas y, por preferencia, pintó jardines floridos, parques y arboledas". [31] Al representar figuras y paisajes en tándem, Monet deseaba que el paisaje no fuera un mero telón de fondo y que las figuras no dominaran la composición. [61] Su dedicación a tal representación de paisajes resultó en que Monet reprendiera a Renoir por desafiarlo. [61] A menudo representó las actividades de ocio suburbanas y rurales de París y, como artista joven, experimentó con naturalezas muertas . [21] [43] A partir de la década de 1870, se alejó gradualmente de los paisajes suburbanos y urbanos; cuando los representó fue para profundizar su estudio de la luz. [50] Los críticos contemporáneos, y académicos posteriores, sintieron que con su elección de mostrar Belle Île, había indicado un deseo de alejarse de la cultura moderna de las pinturas impresionistas y, en cambio, acercarse a la naturaleza primitiva . [68]
Tras conocer a Boudin, Monet se dedicó a buscar nuevos y mejores métodos de expresión pictórica. Con este fin, cuando era joven, visitó el Salón y se familiarizó con las obras de pintores mayores, y se hizo amigo de otros artistas jóvenes. [89] Los cinco años que pasó en Argenteuil , pasando mucho tiempo en el río Sena en un pequeño estudio flotante, fueron formativos en su estudio de los efectos de la luz y los reflejos. Comenzó a pensar en términos de colores y formas en lugar de escenas y objetos. Utilizó colores brillantes en pinceladas, rayas y garabatos de pintura. Habiendo rechazado las enseñanzas académicas del estudio de Gleyre, se liberó de la teoría, diciendo "Me gusta pintar como canta un pájaro". [94] Boudin, Daubigny, Jongkind, Courbet y Corot estuvieron entre las influencias de Monet y a menudo trabajaba de acuerdo con los desarrollos del arte de vanguardia . [22] [14] [61] [95]
En 1877, una serie de pinturas en la estación de Saint-Lazare mostraba a Monet observando el humo y el vapor y la forma en que afectaban al color y la visibilidad, siendo a veces opacos y a veces translúcidos . Posteriormente, utilizó este estudio en la pintura de los efectos de la niebla y la lluvia en el paisaje. [96] El estudio de los efectos de la atmósfera evolucionaría en una serie de pinturas en las que Monet pintó repetidamente el mismo tema (como su serie de nenúfares) [97] con diferentes luces, a diferentes horas del día y a través de los cambios de clima y estación. Este proceso comenzó en la década de 1880 y continuó hasta el final de su vida en 1926. [ cita requerida ] En su carrera posterior, Monet "trascendió" el estilo impresionista y comenzó a ampliar los límites del arte. [24] [98]
Monet refinó su paleta en la década de 1870, minimizando conscientemente el uso de tonos más oscuros y favoreciendo los colores pastel. Esto coincidió con su enfoque más suave, utilizando pinceladas más pequeñas y variadas. Su paleta volvería a sufrir cambios en la década de 1880, con más énfasis que antes en la armonía entre tonos cálidos y fríos . [15] Después de su operación óptica en 1923, Monet regresó a su estilo de hace una década. Renunció a los colores chillones o la "aplicación gruesa" para enfatizar los esquemas de color de azul y verde. [85] Mientras sufría de cataratas, sus pinturas eran más amplias y abstractas: desde finales de la década de 1880 en adelante, había simplificado sus composiciones y buscado temas que pudieran ofrecer un color y un tono amplios. [85] [99] Utilizó cada vez más tonos rojos y amarillos, una tendencia que comenzó después de su viaje a Venecia. [91] Monet a menudo viajaba solo en esta época, desde Francia a Normandía a Londres; a Rivera y Rouen —en busca de temas nuevos y más desafiantes. [16] [100]
El cambio estilístico fue probablemente un subproducto del trastorno y no una elección intencional. [85] Monet solía trabajar en lienzos grandes debido al deterioro de su vista y en 1920 admitió que se había acostumbrado demasiado a la pintura amplia como para volver a los lienzos pequeños. [24] [82] La influencia de sus cataratas en su producción ha sido un tema de discusión entre los académicos; Lane et al. (1997) sostiene que la ocurrencia de un deterioro a partir de finales de la década de 1860 en adelante condujo a una disminución de las líneas nítidas. [91] Los jardines fueron un foco a lo largo de su arte, volviéndose prominentes en su trabajo posterior, especialmente durante la última década de su vida. [31] [74] Daniel Wildenstein notó una continuidad "sin fisuras" en sus pinturas que se "enriqueció con la innovación". [100]
A partir de la década de 1880, y en particular en la de 1890, la serie de pinturas de Monet sobre temas específicos buscó documentar las diferentes condiciones de luz y clima. [15] A medida que la luz y el clima cambiaban a lo largo del día, cambiaba de lienzo (a veces trabajaba en hasta ocho a la vez) y generalmente dedicaba una hora a cada uno. [15] En 1895, exhibió 20 pinturas de la Catedral de Rouen , mostrando la fachada en diferentes condiciones de luz, clima y atmósfera. [15] Las pinturas no se centran en el gran edificio medieval, sino en el juego de luces y sombras en su superficie, transformando la mampostería sólida. [101] Para esta serie, experimentó con la creación de sus propios marcos. [102]
Su primera serie expuesta fue de almiares , pintada desde diferentes puntos de vista y en diferentes momentos del día. Quince de las pinturas se exhibieron en la Galerie Durand-Ruel en 1891. En 1892 produjo veintiséis vistas de la catedral de Ruán . [90] Entre 1883 y 1908, Monet viajó al Mediterráneo , donde pintó monumentos, paisajes terrestres y marinos, incluida una serie de pinturas en Venecia . En Londres pintó cuatro series: las Casas del Parlamento, Londres , el puente de Charing Cross , el puente de Waterloo y Vistas del puente de Westminster . Helen Gardner escribe:
Monet, con una precisión científica, nos ha dado un registro incomparable e insuperable del paso del tiempo tal como se ve en el movimiento de la luz sobre formas idénticas. [103]
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Tras su regreso de Londres, Monet pintó sobre todo de la naturaleza, en su propio jardín, con sus nenúfares, su estanque y su puente. Del 22 de noviembre al 15 de diciembre de 1900, se celebró otra exposición dedicada a él en la galería Durand-Ruel, con una decena de versiones de los Nenúfares expuestas. Esta misma exposición se organizó en febrero de 1901 en la ciudad de Nueva York, donde tuvo un gran éxito. [34]
En 1901, Monet amplió el estanque de su casa comprando un prado situado al otro lado del río Ru, el curso de agua local. A partir de entonces dividió su tiempo entre el trabajo sobre la naturaleza y el trabajo en su estudio. [105]
Los lienzos dedicados a los nenúfares fueron evolucionando con los cambios realizados en su jardín. Además, hacia 1905, Monet modificó paulatinamente su estética abandonando el perímetro del cuerpo de agua y modificando así la perspectiva. También cambió la forma y el tamaño de sus lienzos pasando de bastidores rectangulares a bastidores cuadrados y luego circulares. [34]
Estos lienzos fueron realizados con gran dificultad: Monet dedicó mucho tiempo a retocarlos para encontrar los efectos y las impresiones perfectos. Cuando los consideró infructuosos, no dudó en destruirlos. Aplazó continuamente la exposición de Durand-Ruel hasta que estuvo satisfecho con las obras. Después de varios aplazamientos que se remontan a 1906, la exposición titulada Les Nymphéas terminó inaugurándose el 6 de mayo de 1909. Compuesta por cuarenta y ocho pinturas que datan de 1903 a 1908 y que representan una serie de paisajes y escenas de nenúfares, esta exposición fue una vez más un éxito. [34]
Monet murió de cáncer de pulmón el 5 de diciembre de 1926 a la edad de 86 años y está enterrado en el cementerio de la iglesia de Giverny. Monet había insistido en que la ocasión fuera sencilla; por lo tanto, solo unas cincuenta personas asistieron a la ceremonia. [106] En su funeral, Clemenceau quitó la tela negra que cubría el ataúd, diciendo: "¡Nada de negro para Monet!" y la reemplazó por una tela con estampados de flores. [107] En el momento de su muerte, Nenúfares estaba "técnicamente inacabado". [50]
La casa, el jardín y el estanque de nenúfares de Monet fueron legados por Michel a la Academia Francesa de Bellas Artes (parte del Institut de France ) en 1966. A través de la Fondation Claude Monet , la casa y los jardines se abrieron para visitas en 1980, después de la restauración. [108] Además de los recuerdos de Monet y otros objetos de su vida, la casa contiene su colección de xilografías japonesas , que tuvieron una marcada influencia en su arte. [109] La casa y el jardín, junto con el Museo del Impresionismo, son las principales atracciones de Giverny, que acoge a turistas de todo el mundo.
Al hablar del trabajo de Monet, Wildenstein dijo que es "tan extenso que su ambición y diversidad desafían nuestra comprensión de su importancia". [100] Se ha dicho que sus pinturas producidas en Giverny y bajo la influencia de las cataratas crean un vínculo entre el impresionismo y el arte del siglo XX y el arte abstracto moderno , respectivamente. [85] [100] Sus obras posteriores fueron una "gran" inspiración para la abstracción objetiva . [110] Ellsworth Kelly , después de una experiencia formativa en Giverny, rindió homenaje a las obras de Monet creadas allí con Tableau Vert (1952). [98] Se ha llamado a Monet un "intermediario" entre la tradición y el modernismo : su trabajo ha sido examinado en relación con el posmodernismo e influyó en Bazille, Sisley, Renoir y Pissarro. [21] [98] Monet es ahora el más famoso de los impresionistas; Como resultado de sus contribuciones al movimiento, "ejerció una enorme influencia en el arte de finales del siglo XIX". [16] [111]
En mayo de 1927, 27 pinturas sobre tabla se exhibieron en el Musée de l'Orangerie , luego de largas negociaciones con el gobierno francés. [82] Debido a que sus obras posteriores fueron ignoradas por artistas, historiadores de arte, críticos y el público, pocos asistieron a la exhibición. [98] En la década de 1950, las obras posteriores de Monet fueron "redescubiertas" por los expresionistas abstractos , quienes usaron lienzos similares [ aclaración necesaria ] y no estaban interesados en el arte contundente e ideológico de la guerra. [98] [24] Un ensayo de 1952 de André Masson ayudó a cambiar la percepción de las pinturas e inspiró una apreciación que comenzó a tomar forma en 1956-1957. [98] Al año siguiente, un incendio en el Museo de Arte Moderno vería arder las pinturas de Nenúfares que había adquirido. [98] La naturaleza a gran escala de las pinturas posteriores de Monet resultó ser difícil para algunos museos, lo que resultó en que alteraran el encuadre. [98]
En 1978, el jardín de Monet en Giverny, que se había vuelto decrépito durante cincuenta años, fue restaurado y abierto al público. [73] En 2004, Londres, le Parlement, trouée de soleil dans le brouillard ( 1904), se vendió por 20,1 millones de dólares. [112] En 2006, la revista Proceedings of the Royal Society publicó un artículo que proporcionaba evidencia de que estas obras fueron pintadas in situ en el St. Thomas' Hospital sobre el río Támesis . [113] En 1981, Ronald Pickvance señaló que las obras de Monet posteriores a 1880 estaban recibiendo cada vez más atención académica. [114]
Los Acantilados cerca de Dieppe han sido robados en dos ocasiones: una en 1998 (cuando el conservador del museo fue condenado por el robo y encarcelado durante cinco años y dos meses, junto con dos cómplices) y otra en agosto de 2007. [115] Fue recuperado en junio de 2008. [116]
El 14 de noviembre de 2001, se realizó un Doodle de Google para el 161.° cumpleaños de Claude Monet, que mostraba el logotipo de Google en el estilo característico de Monet. [117] Fue el primer Doodle de Google realizado para el cumpleaños de alguien.
El cuadro de Monet Le Pont du chemin de fer à Argenteuil , de 1873, que representa un puente ferroviario que cruza el Sena cerca de París, fue comprado por un postor telefónico anónimo por un récord de 41,4 millones de dólares en una subasta de Christie's en Nueva York el 6 de mayo de 2008. El récord anterior para una pintura de Monet estaba en 36,5 millones de dólares. [118] Unas semanas más tarde, Le bassin aux nymphéas (de la serie de los nenúfares) se vendió en la subasta de Christie's del 24 de junio de 2008 en Londres [119] por 40.921.250 libras (80.451.178 dólares), casi duplicando el récord para el artista. [120] Esta compra representó uno de los 20 precios más altos pagados por una pintura en ese momento.
En octubre de 2013, las pinturas de Monet L'Eglise de Vétheuil y Le Bassin aux Nympheas se convirtieron en objeto de un caso legal en Nueva York contra Vilma Bautista, ex asistente de Imelda Marcos , esposa del dictador Ferdinand Marcos , [121] residente en Nueva York, después de que vendiera Le Bassin aux Nympheas por $32 millones a un comprador suizo. Las mencionadas pinturas de Monet, junto con otras dos, fueron adquiridas por Imelda durante la presidencia de su esposo y supuestamente compradas con fondos de la nación. El abogado de Bautista afirmó que la asistente vendió la pintura para Imelda pero no tuvo la oportunidad de darle el dinero. El gobierno filipino busca la devolución de la pintura. [121] Le Bassin aux Nympheas , también conocido como Pasarela japonesa sobre el estanque de nenúfares en Giverny , es parte de la famosa serie de nenúfares de Monet.
Un retrato comprensivo de Claude Monet se puede encontrar en las novelas de ficción histórica de RW Meek , El coleccionista de sueños, Libro I [122] y Libro II . [123] El documentado ataque de ceguera histérica de Monet es reimaginado y curado a través de la hipnosis por la coleccionista de sueños, Julie Forette.
Bajo el régimen nazi, tanto en Alemania desde 1933 como en los países ocupados por Alemania hasta 1945, los coleccionistas de arte judíos de Monet fueron saqueados por los nazis y sus agentes. Varias de las obras de arte robadas han sido devueltas a sus legítimos propietarios, mientras que otras han sido objeto de batallas judiciales. En 2014, durante el espectacular descubrimiento de un tesoro de arte oculto en Múnich, un Monet que había pertenecido a un magnate minorista judío fue encontrado en la maleta de Cornelius Gurlitt , el hijo de uno de los comerciantes oficiales de arte saqueado de Hitler , Hildebrand Gurlitt . [124] [125]
Entre los ejemplos de obras de Monet saqueadas por los nazis se incluyen:
El Palacio Ducal de Monet y su obra de 1880 Campo de amapolas cerca de Vétheuil , anteriormente en la colección de Max Emden , han sido objeto de reclamaciones de restitución. [132] [133] "La Mare, Snow Effect" ("La Mare, effect de neige") fue objeto de un acuerdo con los herederos de Richard Semmel . [134]
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![Desembocadura del Sena en Honfleur, 1865, Norton Simon Foundation, Pasadena, California; indica la influencia de la pintura marítima holandesa.[54]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/42/Claude_Monet_-_Mouth_of_the_Seine.jpg/1280px-Claude_Monet_-_Mouth_of_the_Seine.jpg)
![Mujeres en el jardín, 1866-1867, Museo de Orsay, París[55]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/95/Claude_Monet_024.jpg/1280px-Claude_Monet_024.jpg)
![Jardín de Sainte-Adresse ("Jardin à Sainte-Adresse"), 1867, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York[56]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a0/Claude_Monet_-_Jardin_%C3%A0_Sainte-Adresse.jpg/1280px-Claude_Monet_-_Jardin_%C3%A0_Sainte-Adresse.jpg)
![El almuerzo, 1868, Städel, que presenta a Camille Doncieux y Jean Monet, fue rechazado por el Salón de París de 1870, pero incluido en la primera exposición de los impresionistas en 1874.[57]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/9e/Claude_Monet_-_The_Luncheon_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Claude_Monet_-_The_Luncheon_-_Google_Art_Project.jpg)
![La Grenouillére 1869, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York; una pequeña pintura al aire libre creada con pinceladas amplias de color intenso.[58]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/67/Claude_Monet_La_Grenouill%C3%A9re.jpg/1280px-Claude_Monet_La_Grenouill%C3%A9re.jpg)
![Le port de Trouville (rompeolas en Trouville, marea baja), 1870, Museo de Bellas Artes, Budapest[59]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e6/Claude_Monet,_1870,_Le_port_de_Trouville_(Breakwater_at_Trouville,_Low_Tide),_oil_on_canvas,_54_x_65.7_cm,_Museum_of_Fine_Arts,_Budapest.jpg/1280px-Claude_Monet,_1870,_Le_port_de_Trouville_(Breakwater_at_Trouville,_Low_Tide),_oil_on_canvas,_54_x_65.7_cm,_Museum_of_Fine_Arts,_Budapest.jpg)
![La playa de Trouville, 1870, National Gallery, Londres. La figura de la izquierda puede ser Camille, la de la derecha posiblemente la esposa de Eugène Boudin, cuyas escenas de playa influyeron en Monet.[60]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/df/Claude_Monet_002.jpg/1280px-Claude_Monet_002.jpg)
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![Llegada del tren de Normandía, Gare Saint-Lazare, 1877, The Art Institute of Chicago,[104] una parte de la serie Gare Saint-Lazare de Monet.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f2/Claude_Monet_-_Arrival_of_the_Normandy_Train,_Gare_Saint-Lazare_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Claude_Monet_-_Arrival_of_the_Normandy_Train,_Gare_Saint-Lazare_-_Google_Art_Project.jpg)
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{{cite book}}: Mantenimiento de CS1: falta la ubicación del editor ( enlace )La disputa por el Monet está enmarcada por la saga de la persecución de Max Emden una vez que los nazis tomaron el poder en 1933 y la confiscación o venta de su propiedad.
