Louise Joséphine Bourgeois ( francés: [lwiz buʁʒwa] ; 25 de diciembre de 1911 - 31 de mayo de 2010)[1]fue una artista franco-estadounidense. Aunque es más conocida por susesculturasysu arte de instalación, Bourgeois también fue una prolíficapintoraygrabadora. Exploró una variedad de temas a lo largo de su larga carrera, incluyendola domesticidady la familia,la sexualidady el cuerpo, así como la muerte y elinconsciente.[2]Estos temas se conectan con eventos de su infancia que ella consideraba unterapéutico. Aunque Bourgeois expuso con losexpresionistas abstractosy su trabajo tiene mucho en común conel surrealismoyel arte feminista, no estaba formalmente afiliada a un movimiento artístico en particular.
Bourgeois nació el 25 de diciembre de 1911 en París, Francia. [3] Fue la hija del medio de tres hijos de Joséphine Fauriaux y Louis Bourgeois. [4] Sus padres eran dueños de una galería que se dedicaba principalmente a los tapices antiguos . Unos años después de su nacimiento, su familia se mudó de París y montó un taller de restauración de tapices debajo de su apartamento en Choisy-le-Roi , para el cual Bourgeois rellenaba los diseños que se habían desgastado. [3] [5]
En 1930, Bourgeois ingresó en la Sorbona para estudiar matemáticas y geometría , materias que valoraba por su estabilidad, [6] [5] diciendo: "Obtuve paz mental, sólo a través del estudio de reglas que nadie podía cambiar". [5]
Su madre murió en 1932, mientras Bourgeois estudiaba matemáticas. La muerte de su madre la inspiró a abandonar las matemáticas y comenzar a estudiar arte. Continuó estudiando arte uniéndose a clases donde se necesitaban traductores para estudiantes de habla inglesa, especialmente porque los traductores no pagaban matrícula. En una de esas clases, Fernand Léger vio su trabajo y le dijo que era escultora , no pintora. [6] Bourgeois aceptó un trabajo como docente , guiando visitas guiadas en el Museo del Louvre . [7]
Bourgeois se graduó en la Sorbona en 1935. Comenzó a estudiar arte en París, primero en la École des Beaux-Arts y la École du Louvre , y después de 1932 en las academias independientes de Montparnasse y Montmartre , como la Académie Colarossi , la Académie Ranson , la Académie Julian , la Académie de la Grande Chaumière y con André Lhote , Fernand Léger , Paul Colin y Cassandre . [8] Bourgeois deseaba tener experiencia de primera mano y visitaba con frecuencia estudios en París, aprendiendo técnicas de los artistas y ayudando con las exposiciones. [9] De 1934 a 1938, se dice que hizo de aprendiz de algunos de los llamados "maestros" de la época, incluidos Fernand Léger, Paul Colin y André Lhote. [10] Más tarde, sin embargo, Bourgeois se desilusionó con la concepción del genio patriarcal que dominaba el mundo del arte, un cambio motivado en parte por la negativa de estos maestros a reconocer a las mujeres artistas. [10]
En 1938 abrió su propia galería en un espacio contiguo a la galería de tapices de su padre, donde expuso el trabajo de artistas como Eugène Delacroix , Henri Matisse y Suzanne Valadon , [11] y donde conoció como cliente al profesor de arte estadounidense Robert Goldwater, que estaba de visita allí . Se casaron y se mudaron a Estados Unidos (donde él enseñaba en la Universidad de Nueva York). Tuvieron tres hijos; uno fue adoptado. El matrimonio duró hasta la muerte de Goldwater en 1973. [6]
Bourgeois se instaló en la ciudad de Nueva York con su marido en 1938. Continuó su educación en la Art Students League de Nueva York , estudiando pintura con Vaclav Vytlacil y también produciendo esculturas y grabados. [5] "La primera pintura tenía una cuadrícula: la cuadrícula es algo muy pacífico porque nada puede salir mal... todo está completo. No hay lugar para la ansiedad... todo tiene un lugar, todo es bienvenido". [12]
Bourgeois incorporó esas referencias autobiográficas a su escultura Quarantania I , en exhibición en el Jardín de Esculturas Cullen del Museo de Bellas Artes de Houston . [13]
Para Bourgeois, los primeros años de la década de 1940 representaron las dificultades de la transición a un nuevo país y la lucha por entrar en el mundo de las exposiciones de la ciudad de Nueva York. Su obra durante esta época se construyó a partir de restos de chatarra y madera a la deriva que utilizó para tallar esculturas de madera verticales. Las impurezas de la madera se camuflaron luego con pintura, después de lo cual se emplearon clavos para inventar agujeros y rasguños en el intento de representar alguna emoción. La figura durmiente es un ejemplo de ello que representa a una figura de guerra que es incapaz de enfrentarse al mundo real debido a su vulnerabilidad. A lo largo de su vida, la obra de Bourgeois se creó a partir de la revisión de su propio pasado problemático, ya que encontró inspiración y catarsis temporal de sus años de infancia y el abuso que sufrió por parte de su padre. Poco a poco desarrolló una mayor confianza artística, aunque sus años intermedios son más opacos, lo que podría deberse al hecho de que recibió muy poca atención del mundo del arte a pesar de tener su primera exposición individual en 1945. [14] En 1951, su padre murió y ella se convirtió en ciudadana estadounidense. [15]
En 1945, Bourgeois participó en una exposición de catorce mujeres artistas en el Arte de este siglo de Peggy Guggenheim , titulada Las mujeres . [10] Si bien esta exposición estimuló el debate sobre el lugar de las mujeres artistas en el mundo del arte, también las definió como separadas de sus homólogos masculinos canonizados y reforzó la noción dañina de una experiencia universalmente femenina. Al comentar sobre su recepción como artista mujer en la década de 1940, Bourgeois dijo que no "sabe qué es el arte hecho por una mujer... No hay experiencia femenina en el arte, al menos no en mi caso, porque no solo por ser mujer se tiene una experiencia diferente". [10]
En 1954, Bourgeois se unió al American Abstract Artists Group , con varios contemporáneos, entre ellos Barnett Newman y Ad Reinhardt . En esta época también se hizo amiga de los artistas Willem de Kooning , Mark Rothko y Jackson Pollock . [9] Como parte del American Abstract Artists Group, Bourgeois hizo la transición de la madera y las estructuras verticales al mármol, el yeso y el bronce mientras investigaba preocupaciones como el miedo, la vulnerabilidad y la pérdida de control. Esta transición fue un punto de inflexión. Se refirió a su arte como una serie o secuencia estrechamente relacionada con días y circunstancias, describiendo su trabajo temprano como el miedo a caer que luego se transformó en el arte de caer y la evolución final como el arte de aguantar. Sus conflictos en la vida real la empoderaron para autenticar sus experiencias y luchas a través de una forma de arte única. En 1958, Bourgeois y su esposo se mudaron a una casa adosada en West 20th Street , en Chelsea, Manhattan , donde vivió y trabajó por el resto de su vida. [6]
A pesar de que rechazó la idea de que su arte fuera feminista, el tema de Bourgeois era lo femenino. Obras como Femme Maison (1946-1947), Torso self-portrait (1963-1964) y Arch of Hysteria (1993) representan el cuerpo femenino. A finales de los años 1960, su imaginería se volvió más explícitamente sexual a medida que exploraba la relación entre hombres y mujeres y el impacto emocional de su problemática infancia. Esculturas sexualmente explícitas como Janus Fleuri (1968) muestran que no tenía miedo de usar la forma femenina de nuevas maneras. [16] Afirmó: "Mi trabajo trata de problemas que son anteriores al género", escribió. "Por ejemplo, los celos no son masculinos ni femeninos". [17] A pesar de esta afirmación, en 1976 Femme Maison apareció en la portada del libro de Lucy Lippard From the Center: Feminist Essays on Women's Art y se convirtió en un ícono del movimiento artístico feminista. [1] Con el auge del feminismo, su obra encontró un público más amplio.
En 1973, Bourgeois comenzó a enseñar en el Pratt Institute , Cooper Union , Brooklyn College y New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture . Desde 1974 hasta 1977, Bourgeois trabajó en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, donde enseñó grabado y escultura. [1] También enseñó durante muchos años en las escuelas públicas de Great Neck, Long Island .
A principios de los años 70, Bourgeois celebraba reuniones llamadas "Domingos, sangrientos domingos" en su casa de Chelsea. Estos salones se llenaban de jóvenes artistas y estudiantes cuyo trabajo era criticado por Bourgeois. La crueldad de Bourgeois en la crítica y su sentido del humor seco llevaron a que se les diera nombre a estas reuniones. Bourgeois inspiró a muchos jóvenes estudiantes a hacer arte de naturaleza feminista. [18] Sin embargo, Jerry Gorovoy, amigo y asistente de Bourgeois desde hace mucho tiempo, ha declarado que Bourgeois consideraba que su propio trabajo era "pregénero". [19]
Bourgeois se alió con activistas y se convirtió en miembro del Fight Censorship Group, un colectivo feminista anticensura fundado por su colega artista Anita Steckel . En la década de 1970, el grupo defendió el uso de imágenes sexuales en las obras de arte. [20] Steckel argumentó: "Si el pene erecto no es lo suficientemente saludable como para entrar en museos, no debería considerarse lo suficientemente saludable como para entrar en las mujeres". [21]
En 1978, la Administración de Servicios Generales encargó a Bourgeois la creación de Facetas del Sol , su primera escultura pública. [1] La obra se instaló en el exterior de un edificio federal en Manchester, New Hampshire. [1] Bourgeois recibió su primera retrospectiva en 1982, por el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York. Hasta entonces, había sido una figura periférica en el arte cuyo trabajo era más admirado que aclamado. En una entrevista con Artforum , programada para coincidir con la inauguración de su retrospectiva, reveló que las imágenes de sus esculturas eran completamente autobiográficas. Compartió con el mundo que revivió obsesivamente a través de su arte el trauma de descubrir, cuando era niña, que su institutriz inglesa también era la amante de su padre. [22] [23]
Entre los años 1984 y 1986, Bourgeois creó una serie de esculturas, todas bajo el título Nature Study , que continuaba su compromiso de toda la vida de desafiar los estándares patriarcales y los métodos tradicionales de la feminidad en el arte.
En las últimas etapas de su carrera, Bourgeois continuó su exploración del uso de materiales menos tradicionales, como tela rellena, para sus esculturas, desafiando así la elevación aceptada de materiales resistentes como el bronce o la piedra. [24]
En 1989, Bourgeois realizó un grabado en punta seca , Mud Lane , de la casa que mantenía en Stapleton, Staten Island , que trataba como un entorno escultórico más que como un espacio habitable. [25]
Bourgeois tuvo otra retrospectiva en 1989 en la Documenta 9 en Kassel, Alemania. [14] En 1993, cuando la Royal Academy of Arts organizó su encuesta integral del arte estadounidense en el siglo XX, los organizadores no consideraron que el trabajo de Bourgeois fuera de importancia significativa para incluirlo en la encuesta. [22] Sin embargo, esta encuesta fue criticada por muchas omisiones, y un crítico escribió que "secciones enteras del mejor arte estadounidense han sido eliminadas" y señaló que muy pocas mujeres fueron incluidas. [26] En 2000, sus obras fueron seleccionadas para ser exhibidas en la inauguración de la Tate Modern en Londres. [14] En 2001, expuso en el Museo del Hermitage . [27]
En 2010, el último año de su vida, Bourgeois utilizó su arte para hablar en favor de la igualdad de lesbianas, gays, bisexuales y transexuales ( LGBT ). Creó la pieza I Do (Yo quiero) , que representa dos flores que crecen de un tallo, para beneficiar a la organización sin fines de lucro Freedom to Marry (Libertad para casarse). Bourgeois ha dicho: "Todos deberían tener derecho a casarse. Comprometerse a amar a alguien para siempre es algo hermoso". [28] Bourgeois tenía un historial de activismo en nombre de la igualdad LGBT, habiendo creado obras de arte para la organización activista contra el SIDA ACT UP en 1993. [29]
Bourgeois murió de insuficiencia cardíaca el 31 de mayo de 2010, en el Centro Médico Beth Israel en Manhattan. [30] [5] Wendy Williams, directora general del Louise Bourgeois Studio, anunció su muerte. [5] Había continuado creando obras de arte hasta su muerte, terminando sus últimas piezas la semana anterior. [31]
El New York Times afirmó que su obra "compartía un conjunto de temas repetidos, centrados en el cuerpo humano y su necesidad de cuidado y protección en un mundo aterrador". [5]
Su marido, Robert Goldwater , murió en 1973. Le sobrevivieron dos hijos, Alain Bourgeois y Jean-Louis Bourgeois . Su primer hijo, Michel, murió en 1990. [32]
Femme Maison (1946-1947) es una serie de pinturas en las que Bourgeois explora la relación entre la mujer y el hogar. En las obras, las cabezas de las mujeres han sido reemplazadas por casas, aislando sus cuerpos del mundo exterior y manteniendo sus mentes domésticas. Este tema va de la mano con la deshumanización del arte moderno. [33]
Destrucción del padre (1974) es una exploración biográfica y psicológica del poder dominante del padre y su descendencia. La pieza es una instalación de tonos carne en una habitación suave y parecida a un útero. Hecha de yeso, látex, madera, tela y luz roja, Destrucción del padre fue la primera pieza en la que utilizó materiales suaves a gran escala. Al entrar en la instalación, el espectador se encuentra en medio de las consecuencias de un crimen. En un comedor estilizado (con el doble impacto de un dormitorio), los hijos abstractos y con forma de masa de un padre autoritario se han rebelado, lo han asesinado y se lo han comido. [34]
... contándole a la audiencia cautiva lo grandioso que es, todas las cosas maravillosas que hizo, todas las personas malas que ha humillado hoy. Pero esto continúa día tras día. Hay tragedia en el aire. Una vez más ha dicho lo que tenía que decir. Es insoportablemente dominante, aunque probablemente él mismo no se dé cuenta. Una especie de resentimiento crece y un día mi hermano y yo decidimos: "¡Ha llegado el momento!". Lo agarramos, lo pusimos sobre la mesa y con nuestros cuchillos lo diseccionamos. Lo desmembramos, le cortamos el pene. Y se convirtió en comida. Nos lo comimos... fue liquidado de la misma manera que él liquidó a los niños. [35] [ verificación fallida ]
En 1982, el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York presentó la obra de la desconocida artista Louise Bourgeois, de 70 años de edad y artista de medios mixtos que trabajaba sobre papel, metal, mármol y huesos de animales. Los traumas familiares de su infancia "generaron un exorcismo en el arte", y ella intentó desesperadamente purgar su malestar a través de su trabajo. Sentía que podía entrar en contacto con cuestiones de identidad femenina, el cuerpo y la familia fracturada mucho antes de que el mundo del arte y la sociedad los consideraran temas para ser expresados en el arte. Esta fue la manera que tuvo Bourgeois de encontrar su centro y estabilizar su malestar emocional. El New York Times dijo en ese momento que "su trabajo está cargado de ternura y violencia, aceptación y desafío, ambivalencia y convicción". [36]
Cuando tenía ochenta años, Bourgeois produjo dos series de instalaciones cerradas a las que llamó Celdas . Muchas son pequeños recintos en los que se invita al espectador a mirar hacia adentro para ver conjuntos de objetos simbólicos; otras son pequeñas habitaciones en las que se invita al espectador a entrar. En las piezas de celdas, Bourgeois utiliza formas escultóricas anteriores, objetos encontrados y artículos personales que tenían una fuerte carga emocional personal para la artista.
Las células encierran estados psicológicos e intelectuales, principalmente sentimientos de miedo y dolor. Bourgeois afirmó que las células representan "diferentes tipos de dolor: físico, emocional y psicológico, mental e intelectual... Cada célula se ocupa de un miedo. El miedo es dolor... Cada célula se ocupa del placer del voyeur, la emoción de mirar y ser mirado". [37]
A finales de los años 1990, Bourgeois comenzó a utilizar la araña como imagen central en su arte. Maman , que mide más de nueve metros de altura, es una escultura de acero y mármol de la que posteriormente se fundieron seis bronces. Apareció por primera vez como parte del encargo de Bourgeois para The Unilever Series para la Sala de Turbinas de la Tate Modern en 2000, y recientemente, la escultura se instaló en el Centro Nacional de Convenciones de Qatar en Doha , Qatar . [38] Su escultura de araña más grande titulada Maman mide más de 30 pies (9,1 m) y se ha instalado en numerosos lugares alrededor del mundo. [39] Es la escultura de araña más grande jamás realizada por Bourgeois. [35] Además, Maman alude a la fuerza de su madre, con metáforas de hilado, tejido, crianza y protección. [35] La prevalencia del motivo de la araña en su trabajo ha dado lugar a su apodo de Spiderwoman . [40]
La araña es una oda a mi madre. Ella era mi mejor amiga. Al igual que una araña, mi madre era tejedora. Mi familia se dedicaba a la restauración de tapices y mi madre estaba a cargo del taller. Al igual que las arañas, mi madre era muy inteligente. Las arañas son presencias amistosas que se comen a los mosquitos. Sabemos que los mosquitos transmiten enfermedades y, por lo tanto, son indeseables. Por lo tanto, las arañas son útiles y protectoras, al igual que mi madre.
—Louise Bourgeois [35]
Las esculturas Maisons flawless (Casas frágiles) de Bourgeois son estructuras metálicas altas y paralelas que sostienen una bandeja sencilla. Hay que verlas en persona para sentir su impacto. No son una amenaza ni una protección, sino que sacan a la luz la ansiedad más profunda que hay en uno. Los hallazgos de Bachelard a partir de pruebas de psicólogos muestran que un niño ansioso dibujará una casa alta y estrecha sin base. Bourgeois tuvo una infancia difícil y traumática y esto podría respaldar la razón por la que se construyeron estas piezas. [12]
El grabado de Bourgeois floreció durante las primeras y últimas fases de su carrera: en los años 30 y 40, cuando llegó por primera vez a Nueva York desde París, y luego de nuevo a partir de los años 80, cuando su trabajo comenzó a recibir un amplio reconocimiento. Al principio, hizo grabados en casa en una pequeña prensa, o en el famoso taller Atelier 17. A ese período le siguió una larga pausa, ya que Bourgeois centró su atención por completo en la escultura. No fue hasta que tenía setenta años que comenzó a hacer grabados de nuevo, alentada primero por los editores de grabados. Montó su antigua prensa y agregó una segunda, al mismo tiempo que trabajaba estrechamente con impresores que iban a su casa para colaborar. Siguió una fase muy activa de grabado, que duró hasta la muerte de la artista. A lo largo de su vida, Bourgeois creó aproximadamente 1.500 composiciones impresas.
En 1990, Bourgeois decidió donar el archivo completo de su obra impresa al Museo de Arte Moderno . En 2013, el museo lanzó el catálogo razonado en línea . [41] El sitio se centra en el proceso creativo de la artista y coloca las impresiones y los libros ilustrados de Bourgeois en el contexto de su producción general al incluir obras relacionadas en otros medios que tratan los mismos temas e imágenes.
Un tema recurrente en la obra de Bourgeois es el del trauma infantil y las emociones ocultas. [42] Después de que la madre de Louise enfermara de gripe, su padre empezó a tener aventuras con otras mujeres, sobre todo con Sadie, la tutora de inglés de Louise. Llevaba a sus amantes a casa y les era infiel delante de toda su familia. [11] Louise era extremadamente vigilante y consciente de la situación. Este fue el comienzo del compromiso de la artista con los dobles estándares relacionados con el género y la sexualidad, que se expresaban en gran parte de su obra. Recuerda que su padre le decía "te amo" repetidamente a su madre, a pesar de la infidelidad. "Él era el lobo y ella era la liebre racional, que lo perdonaba y lo aceptaba como era". [43]
La maternidad es otro tema recurrente en la obra de Bourgeois. Fue su madre quien la animó a dibujar y quien la involucró en el negocio de los tapices. Bourgeois consideraba que su madre era intelectual y metódica; el motivo de la araña que aparece continuamente en su obra a menudo representa a su madre. [44] La noción de una araña que teje y hila su red es una referencia directa al negocio de tapices de sus padres y también puede verse como una metáfora de su madre, que repara cosas. [11]
Bourgeois ha explorado el concepto de feminidad desafiando los estándares patriarcales y haciendo obras de arte sobre la maternidad en lugar de mostrar a las mujeres como musas o ideales. [42] Se la ha descrito como la "heroína renuente del arte feminista". [45] Bourgeois tenía un enfoque feminista en su trabajo similar al de otras artistas como Agnes Martin y Eva Hesse , menos impulsadas por lo político sino que más bien hicieron un trabajo que se basó en sus experiencias de género y sexualidad, involucrándose naturalmente con los problemas de las mujeres . [11]
La arquitectura y la memoria son componentes importantes de la obra de Bourgeois. [46] Las obras de Bourgeois tienen un aire orgánico, biológico y reproductivo; llaman la atención sobre la obra en sí. [11] Bourgeois describe la arquitectura como una expresión visual de la memoria, o la memoria como un tipo de arquitectura. El recuerdo que aparece en gran parte de su obra es un recuerdo inventado: sobre la muerte o el exorcismo de su padre. El recuerdo imaginado está entrelazado con sus recuerdos reales, como el hecho de vivir frente a un matadero y la aventura de su padre. Para Louise, su padre representaba la herida y la guerra, el engrandecimiento de sí mismo y el menosprecio de los demás y, lo más importante, un hombre que representaba la traición. [43]
La obra de Bourgeois está alimentada por confesiones, autorretratos, recuerdos, fantasías de un ser inquieto que busca a través de su escultura una paz y un orden que le faltaron durante toda su infancia. [12]
El crítico de arte Christopher Allen describió a Bourgeois en el periódico The Australian en 2024 como "crónicamente sobrevalorada" y como "una artista mediocre elevada por la demanda institucional de un 'maestro moderno' a un nivel en el que su debilidad e insuficiencia son inevitablemente evidentes". [47]
Esta colaboración se llevó a cabo durante un lapso de dos años con la artista británica Tracey Emin . La obra se exhibió en Londres meses después de la muerte de Bourgeois en 2010. El tema consiste en imágenes masculinas y femeninas. Aunque parecen sexuales, retrata una pequeña figura femenina que rinde homenaje a una figura masculina gigante, como un Dios. Bourgeois hizo las acuarelas y Tracey Emin hizo el dibujo encima. Emin tardó dos años en decidir cómo averiguar qué contribuiría en la colaboración. Cuando supo qué hacer, terminó todos los dibujos en un día y cree que cada uno de ellos funcionó a la perfección. I Lost You trata sobre perder hijos, perder la vida. Bourgeois tuvo que enterrar a su hijo como madre. El abandono para ella no solo se trata de perder a su madre sino también a su hijo. A pesar de la diferencia de edad entre los dos artistas y las diferencias en su trabajo, la colaboración funcionó de manera suave y fácil. [48] [ ¿según quién? ]
La obra de Bourgeois continúa exhibiéndose en museos y espacios públicos a través de instalaciones específicas en todo el mundo. Por ejemplo, el Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts (MASS MoCA), North Adams , ha presentado una colección de piezas del artista en mármol y otros materiales durante casi una década. [49] [50]
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La escultura de gran formato Mamá , adquirida por el Instituto Itaú Cultural en 1996 y prestada al Museo de Arte Moderno de São Paulo , Brasil, fue enviada en una gira por varias ciudades a instituciones y espacios públicos como el Instituto Inhotim en Minas Gerais, la Fundación Iberê Camargo en Porto Alegre , y luego al Museo Oscar Niemeyer en Curitiba. [51]
En 2020, el trabajo de Bourgeois se presentó en una importante muestra colectiva en el Museo de Arte Pérez de Miami , Florida. My Body, My Rules , presentó una investigación sobre las diversas prácticas artísticas de 23 artistas identificadas como mujeres en el siglo XXI. Carolee Schneemann , Cindy Sherman , Lorna Simpson , Ana Mendieta , Wanguechi Mutu , Mickalene Thomas y Francesca Woodman , estaban entre ellas. [52] [53]
Entre sus principales colecciones se incluyen:
A lo largo de su carrera, Bourgeois conoció a muchos de sus principales coleccionistas, como Ginny Williams, Agnes Gund , Ydessa Hendeles y Ursula Hauser . [94] Otras colecciones privadas con piezas notables de Bourgeois incluyen la Colección Goetz en Múnich. [94]
Bourgeois comenzó a trabajar con la galerista Paule Anglim en San Francisco en 1987, con Karsten Greve en París en 1990 y con Hauser & Wirth en 1997. Hauser & Wirth ha sido la galería principal de su patrimonio. Otras galerías, como la galería Kukje en Seúl y Xavier Hufkens en Bruselas, siguen comercializando su obra. [94]
En 2011, una de las obras de Bourgeois, titulada Spider , se vendió por 10,7 millones de dólares, un nuevo precio récord para la artista en una subasta, [95] y el precio más alto pagado por una obra de una mujer en ese momento. [96] A finales de 2015, la pieza se vendió en otra subasta de Christie's por 28,2 millones de dólares . [97]
