Wangechi Mutu (nacida en 1972) es una artista visual keniana-estadounidense , conocida principalmente por su trabajo de pintura, escultura, cine y performance. [2] Nacida en Kenia, Mutu ahora divide su tiempo entre su estudio allí en Nairobi y su estudio en Brooklyn , Nueva York, donde ha vivido y trabajado durante más de 20 años. [3] El trabajo de Mutu ha abordado el cuerpo femenino como sujeto a través de la pintura collage , la instalación inmersiva y la performance en vivo y en video mientras explora cuestiones de autoimagen , construcciones de género , trauma cultural y destrucción ambiental y nociones de belleza y poder. [4] [5]
Mutu nació en 1972 en Nairobi , Kenia. [2] Se educó en el Convento de Loreto Msongari (1978-1989). Dejó Nairobi a los 16 años para ir a la escuela secundaria, estudiando en el United World College of the Atlantic , en Gales ( IB , 1991). [5] Mutu se mudó a Nueva York a fines de la década de 1990, y se centró en Bellas Artes y Antropología en The New School for Social Research y Parsons School of Art and Design . Obtuvo una licenciatura en Bellas Artes de Cooper Union for the Advancement of the Arts and Science en 1996 y una maestría en escultura de Yale School of Art en 2000. [6]
Tan pronto como Mutu se graduó en Yale, su trabajo comenzó a aparecer en importantes muestras, muchas de ellas exposiciones internacionales y bienales. En una entrevista por correo electrónico con NPR , Mutu escribió: "Hacer arte y viajar son mis mejores maestros. Todos deberían viajar, no solo para ver cosas nuevas, sino para ver cosas nuevas en sí mismos". [3] En 2015, la artista tomó la decisión de comenzar a dividir su tiempo entre sus estudios en Nueva York y Nairobi. Estos viajes de ida y vuelta, dice, ayudan a darle una perspectiva valiosa: Nueva York tiene "una potencia adictiva", y su densidad de personas creativas y emprendedoras la inspira mucho; Nairobi es "capaz, exuberante y fomenta la coexistencia entre los humanos y el mundo natural", y Mutu describe a Kenia como un país muy atractivo, a pesar de su "trauma anglófono". [3]
“Es la diferencia entre una planta con una sola raíz y una con una red de raíces. Si una planta tiene una sola raíz, eso no significa necesariamente que se mantendrá derecha y fuerte. La idea de tener muchas raíces, de tener los pies bien asentados en diferentes lugares, es sumamente empoderante para mí”. [5]
"El arte te permite imbuir la verdad de una especie de magia... para que pueda infiltrarse en la psique de más personas, incluidas aquellas que no creen en las mismas cosas que tú".
– Wangechi Mutu [7]
El trabajo de Mutu cruza una variedad de medios, incluyendo el collage , el bricolaje , el video , la performance y la escultura , e investiga temas de género, raza y colonialismo. [6] Estos medios, muchos de los cuales involucran la mezcla de materiales, fuentes e imágenes, son más que simples elecciones formales: apuntan hacia temas fundamentales de resiliencia y regeneración que aparecen en toda su obra. [8]
El trabajo de Mutu, en parte, se centra en la violencia y la tergiversación que experimentan las mujeres negras en la sociedad contemporánea. [9] Un tema recurrente en el trabajo de Mutu son sus diversas representaciones de la feminidad. Mutu utiliza el tema femenino en su arte, incluso cuando las figuras son más o menos irreconocibles, ya sea por el uso de la forma en sí o la textura y los patrones de los que está hecha la figura. A veces utiliza imágenes cliché de mujeres arquetípicas (madres, vírgenes, diosas) como material de origen, reconfigurando para crear imágenes potentes y cargadas que reflejan su propia agencia emocional, así como la agencia, las multitudes y las contradicciones de la feminidad en general. [8] Su uso de representaciones de otro mundo para mujeres, muchas veces mostradas en una pose aparentemente sexual o sensual, genera un debate sobre la cosificación de las mujeres. [10] Específicamente, Mutu aborda la hiper-cosificación de los cuerpos femeninos negros y ha utilizado una naturaleza de otro mundo para reiterar la naturaleza ficticia de las representaciones de las mujeres negras en la sociedad. [11] Mutu también utiliza la subjetividad femenina para examinar otras cuestiones sociales y políticas; sin embargo, su objetivo es mantener siempre el foco en las figuras, identidades y experiencias femeninas, para ponerlas en primer plano. [12]
Ya sea a través de delicados patrones de líneas o de estructuras femeninas familiares, se dice que las diversas formas de Mutu de representar las cualidades femeninas realzan la fuerza de las imágenes o la importancia de los temas presentados. Se sabe que muchas de las obras de arte de Mutu se interpretan de maneras contradictorias, tanto como cómplices de una sociedad problemática como esperanzadoras de un cambio futuro en la sociedad. [13] También se ha dicho que el uso que hace Mutu de esas imágenes intencionalmente repulsivas o de otro mundo puede ayudar a las mujeres a alejarse de las ideas de perfección de la sociedad y, en cambio, aceptar sus propias imperfecciones y aceptar más los defectos de los demás también. [14] Aunque sus imágenes de figuras femeninas a menudo se han descrito como "grotescas", ella afirma que, en cambio, están "discapacitadas", mostrando una manifestación de las tensiones históricas y sociales presentes en las identidades de las mujeres negras. En estas formas destrozadas, la lucha de las mujeres obligadas a cumplir con las expectativas sociales y las opresiones históricas adquiere forma física, retratando una agitación interna distintiva. [15]
Gran parte de esto se logra mediante el uso de medios mixtos, lo que le permite deshacer y reimaginar cuerpos a través de modos de collage. [15] En su serie Sentinel, que ha estado activa desde 2016 hasta ahora, crea formas femeninas abstractas, majestuosas y feroces hechas de arcilla, madera y varios materiales encontrados. [16]
En una entrevista con la curadora del Museo de Arte Contemporáneo de Australia , Rachel Kent, afirma: "Intento ampliar mis propias ideas sobre las formas apropiadas de representar a las mujeres. La crítica, la curiosidad y el voyeurismo me guían mientras miro cosas que me resultan difíciles de ver, cosas que a veces son desagradables o poco éticas". [17] Mutu utiliza con frecuencia texturas "grotescas" en sus obras de arte y ha citado los libros médicos de su madre sobre enfermedades tropicales como inspiración, [1] afirmando que no hay "nada más increíblemente interesante y repulsivo visualmente que un cuerpo infectado con una enfermedad tropical; estas son enfermedades que crecen y se infectan y se vuelven más grandes que el ser que han infectado, casi". [18]
Mutu es capaz de realizar transfiguraciones personales y culturales al pasar de la pintura a la escultura y viceversa. Mutu dice: "Esta transición fue tan poderosa porque usé mi mente como creadora de objetos; creo que siempre pinté como un escultor". [19] En el trabajo de collage de Mutu comenzó a responder a la publicidad occidental y a los estándares de belleza: "Comencé una crítica continua y una vandalización intelectual y real de esas imágenes, que me violaban al hacerme invisible " . [20]
Los temas y las narrativas de la obra de Mutu crean una representación visual de ciertas realidades sociales, políticas y físicas del mundo actual. Esto incluye cuestiones de feminismo, racismo, medio ambiente y los efectos del colonialismo y la reconstrucción del poscolonialismo. [12] Las artes visuales de Mutu rechazan deliberadamente las construcciones políticas y sociales coloniales con respecto a estas cuestiones, y las examinan deliberadamente a través de la lente de las identidades de las mujeres negras. Como resultado, es capaz de generar perspectivas únicas a partir de identidades subrepresentadas, ampliando y mejorando así el discurso en torno a ciertas cuestiones, al tiempo que reconoce y enfatiza la importancia de estas mujeres y sus experiencias. [12]
En su arte, Mutu presenta narrativas complejas de angustia mental y, en muchos sentidos, crisis de identidad. Sus transformaciones materiales del cuerpo humano implican una capa teórica, donde se pueden representar aspectos psicológicos de la experiencia africana. [15] Mutu ve su propio arte como una forma de autorreflexión y como una manera de procesar su propia identidad reducida a "negra" como mujer africana en Estados Unidos. Además, utiliza su arte como una forma de examinar cómo las identidades y experiencias africanas en general se simplifican en exceso en el discurso occidental, trayendo la realidad de las complejidades del feminismo y el colonialismo al primer plano a través de la estética del collage, el arte de medios mixtos y el afrofuturismo. [15]
El trabajo de Mutu ha sido llamado "firmemente africanofuturista y afrofuturista ", [21] como lo ejemplifica su trabajo, incluida una de sus piezas titulada The End of Eating Everything (2013). [22] En su instalación de 2013-2014 en el Museo de Brooklyn, el cartel curatorial que acompaña su trabajo A'gave describió el afrofuturismo como "una estética que utiliza las estrategias imaginativas de la ciencia ficción para visualizar realidades alternativas para África y las personas de ascendencia africana". [23] Para los críticos, las realidades alternativas imaginadas por Mutu para África a través del medio de la ciencia ficción definitivamente situaron a Mutu en el género del afrofuturismo. Los elementos específicos del arte de Mutu que la sitúan dentro de este género incluyen sus amalgamas de humanos y máquinas, o cyborgs , dentro de collages como Family Tree [24] así como la película The End of Eating Everything .
Además, el trabajo de Mutu implica constantemente reimaginaciones intencionales de la experiencia africana. En Misguided Little Unforgivable Hierarchies , examina la jerarquía social y las relaciones de poder a través del collage, ya que "las clasificaciones de los pueblos se han construido históricamente en torno a categorías raciales y étnicas inventadas". [25] En Family Tree , como en muchas de sus obras, Mutu construye deliberadamente tanto un pasado como un futuro dentro de la figura única mediante la visualización de diagramas de revistas médicas antiguas, así como imágenes mecánicas. [24] Mutu utiliza el afrofuturismo para explorar temas de alienación, que se relacionan con el feminismo, el colonialismo, la materialidad y la discapacidad. De esta manera, el afrofuturismo actúa como una lente para estos temas. El uso de la estética afrofuturista también permite la libertad creativa en la representación de cuerpos y representaciones de identidades y experiencias, como se puede ver con la presencia de cyborgs y figuras similares a extraterrestres en sus obras. [15]
La presencia de mujeres negras en un entorno futurista también actúa como un rechazo a las ideas evolucionistas y a las jerarquías culturales y sociales. Al contextualizar a estas mujeres en espacios modernos tan extremos, Mutu hace una declaración: las mujeres de color están incluidas en la idea del ser humano idealista "evolucionado". Esto rechaza las ideas colonialistas sobre que las personas de color son "menos evolucionadas", o las ideas modernistas sobre que las personas de color están atrapadas en un estado menos desarrollado. [12]
Con el objetivo de crear representaciones diferenciadas de las luchas y tensiones de las identidades femeninas y africanas, los principios y la estética del afrofuturismo funcionan bien con el uso que hace Mutu del collage y el arte en técnica mixta. Estos elementos forman un enfoque más holístico para examinar las identidades fracturadas. [15]
En toda la obra de Mutu se utilizan aspectos de temas femeninos. La mayoría de sus obras, ya sean collages, esculturas, fotografías o performances, resaltan un personaje femenino.
Un puñado de obras de Mutu resaltan la figura femenina y los rasgos femeninos. Utilizando referencias al cuerpo de una mujer negra, Mutu utiliza la silueta o imágenes fotográficas reales de una mujer para crear los personajes de sus obras. Una serie de obras de arte que reflejan el uso de la silueta femenina y elementos de imágenes fotográficas de mujeres negras es “The Ark Collection” de 2006. Una de las obras de arte de esta colección, titulada “Highland Woman”, muestra una imagen fotográfica de un cuerpo femenino entrelazada con varios elementos universitarios, lo que ayuda a crear una escena y también crea el resto de la silueta de una figura femenina, resaltando los elementos fotográficos de los pechos desnudos de una mujer. Se ha hablado del resto de estas obras como si utilizaran la forma femenina para crear “figuraciones de la corporalidad de las mujeres negras en la cultura visual”. También pone mucho énfasis en el lenguaje corporal y en la forma en que la mujer se sitúa dentro de la obra. [26]
Otro aspecto femenino del que se nutre Mutu es la idea del poder femenino. Ella extrae estas ideas en su serie “The Seated”. En una entrevista, Mutu afirmó que esta obra de arte está inspirada en “las cariátides a lo largo de la historia”, en la que utiliza una referencia de las mujeres de color. Mutu comparte que “en la arquitectura griega, se ven a estas mujeres con sus hermosas túnicas, y luego en la escultura africana en todo el continente, se ven a estas mujeres arrodilladas o sentadas, a veces sosteniendo un niño, así como sosteniendo el asiento del rey”. La mayoría de las mujeres africanas en estas esculturas históricas muestran a mujeres de color en estos contextos implementados en la parte inferior del pedestal. Quería mostrar a las mujeres afroamericanas como si estuvieran en la parte superior de un pedestal para expresar una reivindicación del poder femenino negro. Ella considera la experiencia femenina negra en sus piezas a través de su inspiración de formas femeninas que muestran el poder en la historia del arte. [27]
Mutu ha exhibido instalaciones escultóricas. [28] En 2006, Mutu y el arquitecto británico David Adjaye colaboraron en un proyecto. Transformaron la casa adosada Upper East Side Salon 94 en Nueva York en un entorno de cena subterránea titulado Exhuming Gluttony: A Lover's Requiem . Pieles y agujeros de bala adornaban las paredes mientras las botellas de vino colgaban en una forma descuidada similar a una lámpara de araña sobre la mesa manchada. Las múltiples patas de la mesa se asemejaban a fémures gruesos con tibias visiblemente delicadas, y todo el espacio tenía un aroma penetrante. Los artistas se esforzaron por mostrar un momento de glotonería como ella declaró: "Quería crear un festín, una comunión de mentes y espectadores. Algo ha ido mal, hay una tragedia o el desarrollo del mal". [29] Este hambre viciosa fue vista como una conexión entre las imágenes de La última cena , el clima del mundo de compra de arte actual y la guerra en Irak. [30]
Se trata de un vídeo de performance en el que una mujer utiliza una panga [una especie de machete] para cortar un tronco, pero la madera es imposible de cortar. La acción sirve para enfatizar la historia de África, que fue dividida en pedazos por las fuerzas coloniales. La obra se filmó en un pueblo de Presidio, Texas , una ciudad con tensión racial y violencia, ya que se encuentra en la frontera entre Estados Unidos y México, lo que desarraiga la energía del lugar.
Otra instalación de Mutu, Suspended Playtime (2008), es una serie de paquetes de bolsas de basura, envueltos en hilo dorado como si estuvieran suspendidos en telarañas , todos suspendidos del techo sobre el espectador. La instalación hace referencia al uso común de bolsas de basura como pelotas improvisadas y otros juguetes por parte de los niños africanos.
Parte de las Comisiones Performa para la Bienal de Performa , Stone Ihiga es una pieza de arte de performance creada por Mutu en colaboración con Imani Uzuri .
Como artista visual, Mutu se inspira en revistas de moda y viajes, pornografía, etnografía y mecánica. [31] En 2013, en el Museo de Arte Nasher, Mutu mostró sus dibujos en cuadernos de bocetos por primera vez en su exposición retrospectiva, Wangechi Mutu: A Fantastic Journey . Los libros consistían en figuras humanas extrañamente atractivas, pero grotescas, fusionadas con animales, plantas o máquinas.
En 2013, el primer video animado de Wangechi Mutu, The End of Eating Everything , [22] fue creado en colaboración con el artista discográfico Santigold , encargado por el Museo de Arte Nasher . El video fue animado por Awesome + Modest. [32]
En 2014, el arte de Mutu se exhibió en una exposición titulada Nguva na Nyoka , en la Galería Victoria Miro de Londres. En la noche de apertura de la exposición, Mutu mostró una pieza de performance, en la que se animaba a los invitados a consumir sirenas de chocolate Wangechi Mutu hechas a medida. Los invitados podían obtener una sirena solo "tomando una foto de su primer bocado, lamida y saboreo", lo que funcionaba como un comentario sobre "el consumo público de cuerpos morenos". [33]
Banana Stroke es el segundo encargo de Performa de Mutu después de Stone Ihiga (2007 ) . Para Performa 17 , Mutu diseñó un escenario que era en parte una arena y en parte una galería de cubos blancos. Con un mono de terciopelo negro y grandes hojas de plátano en los brazos, creó una pintura de acción en vivo específica para el sitio dentro de este espacio utilizando materia viscosa negra. La performance tuvo lugar en el Museo Metropolitano de Arte .
En 2019, Mutu creó estatuas de bronce (tituladas La sentada I, La sentada II, La sentada IV ) para los nichos exteriores del Museo Metropolitano de Arte. [34] Las estatuas de mujeres sentadas se exhibieron desde el 9 de septiembre de 2019 hasta el 12 de enero de 2020. [34]
En 2020, Mutu completó su gran escultura de bronce, MamaRay , encargada por el Museo de Arte Nasher de la Universidad de Duke .
La primera exposición individual de Mutu en un importante museo norteamericano se inauguró en la Galería de Arte de Ontario en marzo de 2010. [35] El 21 de marzo de 2013, realizó su primera exposición individual en los Estados Unidos, Wangechi Mutu: A Fantastic Journey en el Museo de Arte Nasher . [36] La exposición Wangechi Mutu: A Fantastic Journey viajó posteriormente al Centro de Arte Feminista Elizabeth A. Sackler del Museo de Brooklyn en octubre de 2013. [37]
En 2014, Mutu fundó la organización benéfica Africa's Out!, con sede en Brooklyn, Nueva York. La organización se dedica a apoyar a los artistas cuyo trabajo subvierte las narrativas tradicionales sobre África y su diáspora. [38]
En 2016, su película The End of Carrying All se exhibió en el Museo de Bellas Artes de Houston , Texas. La película muestra a Mutu cruzando un paisaje con una canasta que se llena de bienes de consumo a medida que el paisaje cambia, y termina con una erupción volcánica. [39] En 2016, también participó en varias exhibiciones grupales, entre ellas "Blackness in Abstraction", en la Galería Pace de Nueva York, "Black Pulp!" en el Centro Internacional de Impresión de Nueva York y "Africans in America" en la Galería Goodman de Johannesburgo. [40]
En 2017, su escultura de bronce negro Water Woman, que representaba una nguva, se colocó al pie del anfiteatro del parque de esculturas de catorce acres de Contemporary Austin en Laguna Gloria . Basada en el folclore de África oriental de la mitad mujer y mitad criatura marina, es una representación de la narrativa histórica de las mujeres como tentadoras astutas. La exposición estuvo abierta desde el 23 de septiembre de 2017 hasta el 14 de enero de 2018, cuando pasó a formar parte de la colección permanente del museo. [41]
En septiembre de 2019, cuatro esculturas femeninas de bronce de Mutu, "Sentada I, II, III y IV", se colocaron para ocupar los nichos vacíos siempre destinados a albergar esculturas independientes en la fachada del Museo Metropolitano de Arte en la primera instalación y exposición ("Los nuevos nos liberarán" 9 de septiembre - Otoño de 2020) de lo que será una comisión anual destinada a presentar el trabajo de artistas contemporáneos. [42] Mutu ha descrito las estatuas de bronce como inspiradas en cariátides . [43] [44] Inicialmente, se planeó que las esculturas se exhibieran hasta el 12 de enero de 2020, pero su exhibición se extendió al 8 de junio de 2020, [45] y se extendió aún más hasta el otoño de 2020 debido a la pandemia de COVID-19 . [46] "Sentada I" [47] y "Sentada III" fueron posteriormente adquiridas para la colección permanente del Met. [48] El 28 de julio de 2020 se grabó una conversación con ella sobre la exposición y la época contemporánea para una serie titulada Mujeres y el ojo crítico. [46]
En enero de 2020, Mutu formó parte de la exhibición de Artpace titulada Visibilities: Intrepid Women of Artpace . [49] [50] Curada por Erin K. Murphy, Visibilities no solo da inicio a la celebración del 25 aniversario de Artpace, sino que también destaca a artistas anteriores de su programa internacional de artistas en residencia, como Mutu, quien fue residente allí en el otoño de 2004. [51] La serie de 12 paneles de Mutu Histología de las diferentes clases de tumores uterinos, [52] compuesta por impresiones digitales en collage, se exhibió en el Hudson Showroom.
En 2023, el New Museum presentó una retrospectiva de la obra de Mutu. La exposición individual titulada Mutu: Intertwined presenta aproximadamente 115 piezas que abarcan desde los inicios de su carrera hasta piezas completamente nuevas que muestran varios medios y técnicas, entre ellas la escultura, el video, el collage y más. [53] [54] [55] La obra de Wangechi Mutu se incluyó en la exposición Spirit in the Land y la publicación que la acompañó en el Nasher Museum of Art, en 2023, que luego viajó al Pérez Art Museum de Miami en 2024. [56] [57]
La obra artística de Mutu también abarca instalaciones de cine y video como medios, y el artista ha producido una serie de películas como Amazing Grace (2005) en las colecciones del Pérez Art Museum Miami , [58] Eat Cake (2012), The End of eating Everything (2013) y My Cave Call (2021). [59]
Su obra está incluida en las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York ; [8] el Museo Whitney de Arte Americano ; [60] el Studio Museum de Harlem ; [61] el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago ; [62] el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles ; [63] el Museo de Arte Pérez de Miami , [64] el Museo de Arte Nasher de la Universidad de Duke; [65] el Museo de Brooklyn; [66] el Tate Modern de Londres. [67]
El 23 de febrero de 2010, Wangechi Mutu fue distinguido por el Deutsche Bank como su primer «Artista del año». [69] El premio incluyó una exposición individual en el Deutsche Guggenheim de Berlín. Titulada My Dirty Little Heaven , la muestra viajó en junio de 2010 al Centro de Arte Contemporáneo Wiels en Forest, Bélgica .
En 2013, Mutu recibió el Premio del Público del Festival de Cine BlackStar a la Película Experimental Favorita en Filadelfia, Pensilvania, por su película The End of Eating Everything , así como el Premio al Artista del Año del Museo de Brooklyn, Brooklyn, Nueva York. [70] [71]
En 2014, Mutu ganó la Beca para Artistas de los Estados Unidos [72] y en 2017, fue honrada con el Premio al Artista Internacional otorgado por Anderson Ranch Arts Center . [73]
En 2014, Mutu fundó la organización benéfica Africa's Out! para "promover un cambio radical a través del poder del arte y el activismo, apoyando particularmente a artistas, iniciativas e instituciones de África y su diáspora que celebran la libertad de expresión creativa". [74]
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