Lou Silver Harrison (14 de mayo de 1917 - 2 de febrero de 2003) fue un compositor , crítico musical , teórico musical , pintor y creador de instrumentos musicales únicos. Harrison escribió inicialmente en un estilo disonante y ultramodernista similar al de su antiguo maestro y contemporáneo, Henry Cowell , pero más tarde se inclinó hacia la incorporación de elementos de culturas no occidentales en su obra. Entre los ejemplos notables se incluyen varias piezas escritas para instrumentos de gamelan de estilo javanés , inspiradas después de estudiar con el conocido músico de gamelan Kanjeng Notoprojo en Indonesia . Harrison crearía sus propios conjuntos e instrumentos musicales con su socio, William Colvig , quienes ahora son considerados fundadores del movimiento gamelan estadounidense y la música del mundo ; junto con los compositores Harry Partch y Claude Vivier , y el etnomusicólogo Colin McPhee .
La mayoría de las obras de Harrison y sus instrumentos personalizados están escritos para una entonación justa en lugar del temperamento igual más extendido , lo que lo convierte en uno de los compositores más destacados que han experimentado con microtonos . También fue uno de los primeros compositores que escribió en el idioma internacional esperanto y uno de los primeros en incorporar fuertes temas de homosexualidad en su música.
Harrison nació el 14 de mayo de 1917 en Portland, Oregón , hijo de Clarence "Pop" Harrison y Calline Lillian "Cal" Harrison (née Silver), una ex residente de Alaska . [1] [2] La familia inicialmente estaba en una buena situación económica gracias a herencias pasadas, pero atravesó tiempos difíciles que condujeron a la Gran Depresión . Harrison vivió en el área de Portland solo nueve años antes de mudarse con sus padres y su hermano menor, Bill, a varios lugares del norte de California , incluidos Sacramento , Stockton y, finalmente, San Francisco . [3] Como la ciudad tenía una gran población de estadounidenses de origen asiático en ese momento, Harrison a menudo estaba rodeado por la influencia de Oriente . Su madre decoró su casa con linternas japonesas , alfombras persas ornamentadas y réplicas de antiguos artefactos chinos . [2] [4] La diversa variedad de música a la que estuvo expuesto allí, incluida la ópera cantonesa , la kīkākila hawaiana , el jazz , el norteño y la música clásica , lo fascinaron e interesaron profundamente. [5] [6] Más tarde diría que cuando era adulto había escuchado mucha más música tradicional china que europea. [7]
El temprano interés de Harrison por la música fue apoyado por sus padres, con Cal pagando lecciones de piano ocasionales y Pop conduciendo al joven Harrison a estudiar canto gregoriano tradicional en la Misión de San Francisco de Asís por un corto período. [5] Sin embargo, las frecuentes mudanzas de la familia en busca de trabajo le brindaron al adolescente Harrison pocas oportunidades de desarrollar amistades a largo plazo. A menudo sintiéndose como un extraño, confió en su propio juicio para guiar sus decisiones estéticas y decididamente se alejó cada vez más del estilo artístico de Occidente . En cambio, se retiró a promover su propia educación personal , a menudo pasando tiempo en la biblioteca local para leer libros sobre todo, desde zoología hasta el confucianismo . Recordó poder leer dos libros al día, y la diáspora extremadamente amplia de intereses lo impulsó a conectar influencias dispares a lo largo de su vida, incluso en sus futuras composiciones. [8] Se cree que la soledad de su juventud contribuyó a su fuerte aversión por las metrópolis urbanas y la llamada "vida de ciudad". [8]
Harrison descubrió que era gay mientras asistía a la escuela secundaria Burlingame y se dio cuenta de su atracción por un compañero de clase. Cuando se graduó en diciembre de 1934, a la edad de 17 años, ya se lo había contado a su familia y decidió no hacer ningún intento por ocultar su preferencia y personalidad sexual, algo casi inaudito para los hombres homosexuales de la época. [2] [9] [10]
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Después de graduarse de la escuela secundaria en 1934, Harrison se inscribió en el San Francisco State College (ahora San Francisco State University ). Fue allí donde tomó el curso "Música de los pueblos del mundo" de Henry Cowell que ofrecía la UC Berkeley Extension . Harrison rápidamente se convirtió en uno de los estudiantes más entusiastas de Cowell, y posteriormente lo nombró asistente de clase. [11] [12] Después de asistir a una interpretación en Palo Alto de una de las piezas de Cowell para piano y percusión improvisada en junio de 1935, Harrison la proclamaría como una de las obras más extraordinarias que había escuchado. Más tarde incorporaría elementos similares de percusión encontrada e interpretación aleatoria en su música. [13] En el otoño del mismo año, Harrison se acercó a Cowell para recibir lecciones privadas de composición , iniciando una amistad personal y profesional que continuó hasta la muerte de Cowell por cáncer en 1965. [14] [15] [16] Fue el primero en publicar la música de Harrison, a través de la editorial que fundó, New Music Edition. [17] Durante la estadía de cuatro años de Cowell en la prisión de San Quintín por un cargo de moral que involucraba actos homosexuales, Harrison apeló públicamente por su liberación y lo visitó regularmente para tomar lecciones de composición a través de los barrotes de la prisión. [18] [19] [20]
Mientras aún estudiaba a los 19 años, se convirtió en profesor interino de música en Mills College en Oakland de 1936 a 1939. En 1941, se trasladó a la Universidad de California, Los Ángeles para trabajar en el departamento de danza; enseñando a los estudiantes análisis de movimiento Laban y tocando acompañamiento de piano . [21] Mientras estaba allí, tomó lecciones de teoría de Arnold Schoenberg , lo que lo llevó a aumentar su interés en la infame técnica de doce tonos . [22] [23] Más tarde diría: "... no fue un salto en absoluto aprender a escribir música de doce tonos; Henry es quien me enseñó". [18] Sin embargo, las piezas que estaba escribiendo en este momento eran en gran parte obras de percusión que usaban materiales no convencionales, como tambores de freno de automóviles desechados y botes de basura , como instrumentos musicales. [24] Pocas de sus piezas sobrevivientes, incluido uno de los primeros ejemplos conocidos, Preludio para piano de cola (1937), siguen el idioma serialista de doce tonos. [2] [25] Comenzó a utilizar grupos de tonos en sus obras para piano, al estilo de Cowell, pero difería de su técnica al requerir una "barra de octava": una barra de madera plana de aproximadamente una octava de largo, con una base de goma ligeramente cóncava. [26] Esto permitió que los grupos fueran mucho más fuertes de lo que serían de otra manera, y le dio al piano un sonido más desafinado, parecido al de un gong . Su estilo experimental y de rueda libre floreció durante este período, con piezas como el Concierto para violín y orquesta de percusión (1940) y Laberinto (1941). [27] Esta música ultramoderna y vanguardista capturó la atención de John Cage , otro de los estudiantes de Cowell. [21] [28] Harrison y Cage colaborarían en los años siguientes y se involucrarían en varias relaciones románticas. [22] [26]
Harrison fue recomendado varias veces para estudiar composición musical en París -o en Europa en general- pero varias veces decidió no hacerlo, debido a su firme posición de promover y elevar el estatus de sus colegas compositores estadounidenses. [29] En 1943, Harrison se mudó a la ciudad de Nueva York y trabajó como crítico musical para el Herald Tribune a instancias de su colega compositor y tutor Virgil Thomson . [21] [23] [30] Mientras estaba allí, conoció y se hizo amigo de muchos compositores modernistas de la Costa Este, incluidos Carl Ruggles , Alan Hovhaness y, más importante, Charles Ives . Más tarde, Harrison se dedicaría a llamar la atención del mundo musical sobre Ives, cuyas obras habían sido en gran medida ridiculizadas o ignoradas hasta ese momento. [31] Con la ayuda de su mentor Cowell, grabó y dirigió el estreno de la Sinfonía n.º 3 de Ives (1910); [21] recibiendo ayuda financiera de Ives a cambio. Cuando Ives ganó el Premio Pulitzer de Música por esa pieza, le dio la mitad del dinero obtenido a Harrison, quien también editó una gran cantidad de obras de Ives y recibió una compensación que a menudo excedía lo que facturaba.
Por más fructíferos que fueran sus esfuerzos creativos, Harrison se vio acosado por la soledad y la ansiedad mientras estuvo en la ciudad. Una relación romántica con una bailarina en Los Ángeles tuvo que terminar debido a la mudanza, una mudanza de la que ya había comenzado a arrepentirse a medida que extrañaba cada vez más la Costa Oeste . [32] En 1945, había desarrollado varias úlceras dolorosas , que parecía que no podía curar a medida que su condición nerviosa empeoraba. A pesar de intentar completar nueva música para publicar, muchas de ellas (incluida una del encargo de Ives) fueron violentamente arrancadas y tachadas por Harrison debido a una extrema falta de confianza a medida que comenzaba a internalizar las opiniones negativas sobre sus composiciones y su imagen pública. [33]
En mayo de 1947, el estrés extremo por la nostalgia , un horario de trabajo vigoroso y colegas homofóbicos culminaron en una crisis nerviosa severa . [2] [34] Cage acudió en ayuda de Harrison, asistiéndolo y llevándolo a una clínica psiquiátrica en las cercanías de Ossining . Harrison permaneció en la clínica durante varias semanas antes de ser transferido al Hospital Presbiteriano de Nueva York . [35] Escribió con frecuencia a Cowell y su esposa Sidney en los primeros meses, expresando su profundo pesar y depresión por lo que sentía como una carrera y una adultez desperdiciadas. [30] Su recuperación implicó nueve meses de tratamiento extenso y varios años más de chequeos regulares, a pedido de Harrison. Muchos de sus colegas predijeron que la crisis anunciaría el final de su carrera, pero Harrison continuó componiendo a pesar del estrés que lo acosaba. Mientras permaneció en el hospital, compuso varias obras, incluida gran parte de su Sinfonía en sol (1952), y pintó regularmente . [33] [34]
Sin embargo, decidió regresar a California lo antes posible. [35] En una carta de 1948 dirigida a su madre, Harrison escribió desde el hospital: "Anhelo vivir de manera sencilla y bien, y eso simplemente no es posible aquí". [10]
La crisis durante sus años en Nueva York impulsó a Harrison a reevaluar profundamente su lenguaje y estilo compositivos. Finalmente rechazó el idioma disonante que había cultivado anteriormente y se inclinó hacia un lirismo melódico más sofisticado en escalas diatónicas y pentatónicas . Esto lo puso en marcado desacuerdo con los estilos académicos entonces vigentes y lo diferenció de los compositores ultramodernistas que había estudiado y con los que se había asociado. Los dos años posteriores a su baja del hospital en 1949 se convirtieron en uno de los más productivos de toda la carrera de Harrison, produciendo obras impresionistas como la Suite para violonchelo y arpa y The Perilous Chapel y Solstice . [33] Siguiendo los pasos del compositor canadiense-estadounidense y amigo Colin McPhee , que había investigado en profundidad la música indonesia en los años 1930 y había escrito varias composiciones que incorporaban elementos balineses y javaneses , el estilo de Harrison empezó a emular la influencia de la música gamelan de forma más clara, aunque sólo fuera en el timbre : "Fue el sonido en sí lo que me atrajo. En Nueva York, cuando cambié de rumbo y desviéndome del tonalismo de doce, exploré este timbre. Los movimientos gamelan de mi Suite para violín, piano y pequeña orquesta [1951] son imitaciones auditivas de los sonidos generalizados del gamelan". [36] [37]
A principios de la década de 1950, Harrison recibió una copia de la primera edición del libro de Harry Partch sobre afinación musical , Genesis of a Music (1949) de Thomson. [38] Esto lo impulsó a abandonar el temperamento igual y comenzar a escribir música en entonación justa . [39] Se esforzó por lograr una música poderosa utilizando proporciones simples, y más tarde consideraría que la música en sí misma era "matemáticas emocionales". [40] En un comentario frecuentemente citado que se refiere a las proporciones de frecuencia utilizadas en la entonación justa, dijo: "Durante mucho tiempo pensé que me encantaría una época en la que los músicos fueran tanto alfabetizados como numéricos. Me encantaría ser director y decir: 'Ahora, violonchelos, me dieron 10:9 allí, por favor denme un 9:8 en su lugar', ¡me encantaría conseguir eso! "
Harrison enseñó música en varias universidades, entre ellas Mills College de 1936 a 1939 y de nuevo de 1980 a 1985, San Jose State University , Cabrillo College , Reed College y Black Mountain College . En 1953 regresó a California y se instaló en Aptos, cerca de Santa Cruz, donde vivió el resto de su vida. Él y Colvig compraron un terreno en Joshua Tree, California , donde diseñaron y construyeron "Harrison House Retreat", una casa de balas de paja . Continuó trabajando en sus instrumentos musicales experimentales.
Aunque muy influenciado por la música asiática, Harrison no visitó el continente hasta un viaje a Japón y Corea en 1961, y un viaje a Taiwán en 1962 (donde estudió con el maestro zheng Liang Tsai-Ping ). [41] Él y su socio William Colvig construyeron más tarde un conjunto de percusión afinado, utilizando llaves y tubos de aluminio resonantes, así como tanques de oxígeno y otros instrumentos de percusión encontrados. Lo llamaron "un gamelan americano", para distinguirlo de los de Indonesia. También construyeron instrumentos tipo gamelan afinados solo a escalas pentatónicas a partir de materiales inusuales como latas y tubos de aluminio para muebles. Escribió "La Koro Sutro" (en esperanto) [42] para estos instrumentos y coro, así como Suite para violín y gamelan americano. Además, Harrison tocó y compuso para la cítara guzheng china y presentó (con Colvig, su alumno Richard Dee y la cantante Lily Chin) más de 300 conciertos de música tradicional china en la década de 1960. [43]
Fue compositor residente en la Universidad Estatal de San José en San José, California , durante la década de 1960. La universidad lo honró con un concierto exclusivamente de Harrison en el Auditorio Morris Daley en 1969, en el que participaron bailarines, cantantes y músicos. El momento culminante del concierto fue el estreno mundial de la representación de Harrison de la historia de Orfeo , que utilizó solistas, el coro a capela de la Universidad Estatal de San José, así como un grupo único de percusionistas.
Harrison era franco sobre sus opiniones políticas, como su pacifismo (era un defensor activo del idioma internacional esperanto ) y el hecho de que era homosexual. También era políticamente activo e informado, incluido el conocimiento de la historia gay. Escribió muchas piezas con textos o títulos políticos, escribiendo, por ejemplo, Homenaje a Pacifica para la inauguración de la sede de la Fundación Pacifica en Berkeley , y aceptando encargos del Coro de Hombres Gay de Portland (1988 y 1985) y del Coro de Hombres de Seattle para arreglar (1987) sus Canciones estrictas , originalmente para ocho barítonos, para "un coro de 120 entusiastas del canto masculino. Algunos de ellos buenos; otros no tanto. Pero el número es fabuloso". [44] Lawrence Mass describe:
Para Lou Harrison... ser gay es algo afirmativo. Está orgulloso de ser un compositor gay y le interesa hablar de lo que eso podría significar. No se siente amenazado por el hecho de que esto signifique que no se le considere un compositor estadounidense que también es grande, atemporal y universal. [45]
Janice Giteck describe a Harrison como:
Es abiertamente andrógino en su manera de abordar la creatividad. Tiene una conexión vital con lo femenino y lo masculino. La parte femenina es evidente en el sentido de ser. Pero al mismo tiempo, Lou también es muy masculino, ferozmente activo y asertivo, rítmico, vibrante y agresivo. [46]
Como muchos otros compositores del siglo XX, a Harrison le resultó difícil ganarse la vida con su música y aceptó otros trabajos para ganarse la vida, entre ellos, vendedor de discos, florista, cuidador de animales y bombero forestal.
El 2 de noviembre de 1990, la Filarmónica de Brooklyn estrenó la cuarta sinfonía de Harrison, a la que tituló "Last Symphony". Combinó música nativa americana, música antigua y música asiática, uniéndolas todas con una exuberante escritura orquestal. Una inclusión especial fue una serie de "Coyote Stories" en navajo. Hizo una serie de revisiones a las sinfonías antes de completar una versión final en 1995, que fue grabada por Barry Jekowsky y la Sinfónica de California para Argo Records en Skywalker Ranch en Nicasio, California , en marzo de 1997. El CD también incluía Elegy, to the Memory of Calvin Simmons de Harrison (un homenaje al ex director de la Sinfónica de Oakland, que se ahogó en un accidente de barco en 1982), extractos de Solstice , Concerto in Slendro y Double Music (su colaboración con John Cage).
A partir de finales de los años 1980, la salud de William Colvig comenzó a deteriorarse drásticamente. Primero perdió la audición, y la solución de Harrison fue que aprendieran lenguaje de señas americano . Aunque Colvig decidió no comunicarse en ASL, Harrison continuó aprendiendo, ya que estaba cautivado por la belleza bailable de las señas. Una serie de cirugías en la década de 1990 para reemplazar las débiles articulaciones de las rodillas de Colvig desencadenaron una serie de reacciones alérgicas que llevaron a una degeneración significativa de su salud física y mental. Harrison cuidó cuidadosamente a su pareja, sentándose con él durante meses, incluso después de que Colvig ya no pudiera reconocerlo debido a su demencia . Harrison estaba al lado de Colvig cuando murió el 1 de marzo de 2000. [47]
Harrison y su reciente pareja Todd Burlingame conducían desde Chicago en ruta a la Universidad Estatal de Ohio en Columbus, Ohio , donde un festival de seis días que mostraba su música -Beyond the Rockies: A Tribute to Lou Harrison at 85- estaba programado para la semana del 30 de enero de 2003. [47] [48] El domingo 2 de febrero, decidieron parar en la carretera en un Denny's en Lafayette, Indiana para almorzar. Mientras estaban adentro, Harrison comenzó a experimentar dolores inesperados en el pecho y se desplomó en el lugar. Los paramédicos lo declararon muerto en cuestión de minutos, la causa probablemente fue un ataque cardíaco , pero no se realizó una autopsia. Fue incinerado según sus deseos. [49]
Muchas de las primeras obras de Harrison son para instrumentos de percusión, a menudo hechas de lo que normalmente se consideraría basura u objetos encontrados, como botes de basura y tambores de freno de acero. [50] También escribió varias piezas utilizando la técnica de doce tonos de Schoenberg, incluida la ópera Rapunzel y su Sinfonía en sol (Sinfonía n.º 1) (1952). Varias obras presentan el piano de tachuelas , una especie de piano preparado con pequeños clavos insertados en los martillos para darle al instrumento un sonido más percusivo. El estilo musical maduro de Harrison se basa en "melodículas", motivos cortos que se dan vuelta hacia atrás y al revés para crear un modo musical en el que se basa la pieza. Su música es típicamente espartana en textura pero lírica, y la armonía suele ser simple o, a veces, inexistente por completo, centrándose en cambio en el ritmo y la melodía . [ cita requerida ] Ned Rorem describe: "Las composiciones de Lou Harrison demuestran una variedad de medios y técnicas. En general, es un melodista. El ritmo también tiene un lugar importante en su obra. La armonía no es importante, aunque la tonalidad sí lo es. Es uno de los primeros compositores estadounidenses en crear con éxito una unión viable entre las formas orientales y occidentales". [51]
Una técnica que se utiliza a menudo es el "control de intervalos", en el que sólo se utiliza un pequeño número de intervalos melódicos, ya sean ascendentes o descendentes, sin inversión. [52] Por ejemplo, para la apertura de la Cuarta Sinfonía, los intervalos permitidos son tercera menor, sexta menor y segunda mayor. [52]
Otro componente de la estética de Harrison es lo que Harry Partch llamaría corporeidad, un énfasis en lo físico y lo sensual que incluye la interpretación y la improvisación en vivo y humano, el timbre, el ritmo y el sentido del espacio en sus líneas melódicas, ya sea en solitario o en contrapunto, y más notablemente en sus frecuentes colaboraciones de baile. El bailarín y coreógrafo estadounidense Mark Morris utilizó la Serenata para guitarra [con percusión opcional] (1978) de Harrison como la "base de un nuevo tipo de baile. O, al menos, uno que [Morris] nunca había visto o hecho antes". [53]
Harrison y Colvig construyeron dos gamelans de estilo javanés, inspirados en la instrumentación de Kyai Udan Mas en la Universidad de California en Berkeley. Uno se llamó Si Betty en honor a la mecenas Betty Freeman; el otro, construido en el Mills College, se llamó Si Darius/Si Madeliene. Harrison ocupó la cátedra Darius Milhaud de composición musical en el Mills College desde 1980 hasta su jubilación en 1985. Uno de sus alumnos en el Mills fue Jin Hi Kim . También enseñó en la Universidad Estatal de San José y en el Cabrillo College.
Fue galardonado con la Medalla Edward MacDowell en 2000. [54]
Entre las obras más conocidas de Harrison se encuentran el Concierto en slendro , el Concierto para violín con orquesta de percusión, el Concierto para órgano con percusión (1973), que se presentó en los Proms de Londres en 1997; el 'Doble concierto' (1981-82) para violín, violonchelo y gamelán javanés; el Concierto para piano (1983-85) para piano afinado en Kirnberger #2 (una forma de buen temperamento ) y orquesta, que fue escrito para Keith Jarrett ; [55] y un Concierto para piano y gamelán javanés; así como cuatro sinfonías orquestales numeradas. También escribió una gran cantidad de obras en formas no tradicionales. Harrison hablaba con fluidez varios idiomas, incluidos el lenguaje de señas americano , el mandarín y el esperanto, y varias de sus piezas tienen títulos y textos en esperanto, la más notable es La Koro Sutro (1973). [42]
Al igual que Charles Ives, Harrison completó cuatro sinfonías. Por lo general, combinó una variedad de formas y lenguajes musicales que prefería. Esto es bastante evidente en la cuarta sinfonía, grabada por la Sinfónica de California para Argo Records, así como en su tercera sinfonía, que fue interpretada y transmitida por Dennis Russell Davies y la Orquesta Sinfónica de San Francisco . Russell Davies también grabó la tercera sinfonía con la orquesta del Festival de Música de Cabrillo.
