Lenore "Lee" Krasner (nacida Lena Krassner ; 27 de octubre de 1908 - 19 de junio de 1984) fue una pintora y artista visual expresionista abstracta estadounidense activa principalmente en Nueva York. Recibió su formación académica inicial en la Escuela de Arte para Mujeres de Cooper Union y en la Academia Nacional de Diseño de 1928 a 1932. La exposición de Krasner al postimpresionismo en el recién inaugurado Museo de Arte Moderno en 1929 llevó a un interés sostenido por el arte moderno. . En 1937 se matriculó en clases impartidas por Hans Hofmann , lo que la llevó a integrar influencias del cubismo en sus pinturas. Durante la Gran Depresión , Krasner se unió al Proyecto de Arte Federal de la Works Progress Administration , haciendo la transición a obras de arte de propaganda de guerra durante la era de los Servicios de Guerra.
En la década de 1940, Krasner era una figura prominente entre los artistas abstractos estadounidenses asociados con la Escuela de Nueva York , con una red que incluía figuras seminales como Willem de Kooning y Mark Rothko . A pesar de su éxito de crítica, el trabajo de Krasner a menudo se vio eclipsado por la carrera de su marido, Jackson Pollock , con quien se casó en 1945. Su vida se vio empañada por la infidelidad y el alcoholismo de Pollock , que tuvieron un profundo impacto emocional en Krasner. Desde finales de los años cincuenta hasta principios de los sesenta se caracterizaron por un estilo más expresivo y gestual, influenciado, entre otros aspectos, por la prematura muerte de su marido en 1956. En sus últimos años, recibió un reconocimiento artístico y comercial más amplio y su obra vio un Cambie hacia grandes pinturas horizontales marcadas por líneas duras y colores brillantes contrastantes que definen su estilo.
Durante su vida, Krasner recibió numerosos títulos honoríficos, incluido el de Doctor Honoris Causa en Bellas Artes de la Universidad de Stony Brook . Tras la muerte de Krasner en 1984, el crítico Robert Hughes la describió como "la madre coraje del expresionismo abstracto" y se celebró una exposición retrospectiva póstuma de su obra en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York. [1] La Casa y Centro de Estudios Pollock-Krasner en Springs, Nueva York y la Fundación Pollock-Krasner se establecieron para preservar el trabajo y la influencia cultural de ella y su esposo. Desde entonces, este último se ha centrado en apoyar a nuevos artistas y estudios de historia del arte en el arte estadounidense.
Krasner nació como Lena Krassner (fuera de la familia era conocida como Lenore Krasner ) el 27 de octubre de 1908 en Brooklyn, Nueva York . [2] Era hija de Chane (de soltera Weiss) y Joseph Krasner, [3] inmigrantes judíos rusos de Spykov (ahora Shpykiv , una comunidad judía en lo que hoy es Ucrania ). Los padres de Krasner eran inmigrantes judíos rusos que huyeron a los Estados Unidos para escapar del antisemitismo y la guerra ruso-japonesa , [4] y Chane cambió su nombre a Anna una vez que llegó. [5] Lee era el menor de seis hermanos y el único que nació en los Estados Unidos. [6]
Desde temprana edad, Krasner supo que quería dedicarse al arte como carrera. Su carrera como artista comenzó cuando era una adolescente. Ella buscó específicamente la inscripción en la Escuela Secundaria para Niñas Washington Irving, ya que ofrecían una especialización en arte. [6] Después de graduarse, asistió a la Escuela de Arte para Mujeres de Cooper Union con una beca. [7] Allí, completó el trabajo del curso requerido para un certificado de enseñanza en arte. [6] Krasner continuó con su educación artística en la Academia Nacional de Diseño en 1928, completando su carga académica allí en 1932. Cuando Krasner asistió a la escuela secundaria, casi no se graduó debido a su calificación en arte, que era la materia que estudiaba. Asistió a la escuela y solo le dieron 65 para aprobar la clase. [8]
Al asistir a una escuela de arte técnico, Krasner pudo obtener una educación artística extensa y completa, como lo ilustra su conocimiento de las técnicas de los viejos maestros . [9] También se volvió muy hábil en retratar figuras anatómicamente correctas. [10] Hay relativamente pocas obras que sobreviven de este período de tiempo, aparte de algunos autorretratos y naturalezas muertas , porque la mayoría de las obras fueron quemadas en un incendio. Una imagen que aún existe de este período es su "Autorretrato" pintado en 1930, ahora en el Museo Metropolitano de Arte . Lo presentó a la Academia Nacional para inscribirse en una determinada promoción, pero los jueces no podían creer que el joven artista hiciera un autorretrato al aire libre . [9] En él, Krasner se representa a sí misma con una expresión desafiante rodeada de naturaleza. También se inscribió brevemente en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York en 1928. [11] Allí, tomó una clase dirigida por George Bridgman , quien enfatizaba la forma humana. [11] [12]
Krasner estuvo muy influenciada por la apertura del Museo de Arte Moderno en 1929. Se vio muy afectada por el posimpresionismo y se volvió crítica con las nociones académicas de estilo que había aprendido en la Academia Nacional. En la década de 1930, comenzó a estudiar arte moderno aprendiendo los componentes de composición , técnica y teoría. [10] Comenzó a tomar clases de Hans Hofmann en 1937, lo que modernizó su enfoque del desnudo y la naturaleza muerta. [12] En sus lecciones, enfatizó la naturaleza bidimensional del plano de la imagen y el uso del color para crear una ilusión espacial que no era representativa de la realidad. [13] A lo largo de sus clases con Hofmann, Krasner trabajó en un estilo avanzado de cubismo , también conocido como neocubismo. Durante la clase, un desnudo humano o un escenario de naturaleza muerta sería el modelo a partir del cual Krasner y otros estudiantes tendrían que trabajar. Por lo general, creaba dibujos al carbón de los modelos humanos y estudios en color al óleo sobre papel de los escenarios de las naturalezas muertas. [14] Por lo general, ilustraba desnudos femeninos de manera cubista, con la tensión lograda a través de la fragmentación de formas y la oposición de colores claros y oscuros. Las naturalezas muertas ilustraron su interés por el fauvismo , ya que suspendió pigmentos de colores brillantes sobre fondos blancos. [15]
Hans Hofmann "fue muy negativo", dijo su antiguo alumno, "pero un día se paró frente a mi caballete y me dio el primer elogio que había recibido de él como artista. Dijo: 'Esto es tan bueno que nunca lo sabrías'. lo hizo una mujer". También recibió elogios de Piet Mondrian , quien una vez le dijo: "Tienes un ritmo interior muy fuerte; nunca debes perderlo". [ cita necesaria ]
Krasner se mantuvo como camarera durante sus estudios, pero finalmente esto se volvió demasiado difícil debido a la Gran Depresión . [16] En 1935, para continuar manteniéndose a sí misma, se unió al Proyecto de Arte Federal de la Works Progress Administration , trabajando en la división de murales como asistente de Max Spivak . [17] Su trabajo consistía en ampliar los diseños de otros artistas para murales públicos a gran escala . Los murales fueron creados para que el público en general los entendiera y apreciara fácilmente; sin embargo, el arte abstracto que produjo Krasner no satisfizo esta necesidad. Aunque estaba feliz de tener un empleo, estaba insatisfecha porque no le gustaba trabajar con las imágenes figurativas creadas por otros artistas. [16] A finales de la década de 1930 y principios de la de 1940, creó bocetos de gouache con la esperanza de algún día crear un mural abstracto . [18] Poco después de que una de sus propuestas para un mural fuera aprobada para la estación de radio WNYC , la Works Progress Administration se convirtió en War Services y todo el arte tuvo que crearse para la propaganda de guerra . [17] Krasner continuó trabajando para War Services creando collages para el esfuerzo bélico que se exhibieron en los escaparates de diecinueve grandes almacenes en Brooklyn y Manhattan . [19] [20] Estuvo intensamente involucrada con el Sindicato de Artistas durante su empleo con la WPA, pero fue una de las primeras en renunciar cuando se dio cuenta de que los comunistas se estaban apoderando del mismo. [17] Sin embargo, al ser parte de esta organización pudo conocer más artistas en la ciudad y ampliar su red. [21]
Se unió a American Abstract Artists en 1940. Mientras era miembro, normalmente exhibía naturalezas muertas cubistas en un estilo cloisonné con cuadrículas negras que era muy empastado y gestual . [22] A través de esta organización conoció a los futuros expresionistas abstractos Willem de Kooning , Arshile Gorky , Franz Kline , Adolph Gottlieb , Mark Rothko , Barnett Newman , Clyfford Still y Bradley Walker Tomlin . [23] Sin embargo, perdió interés en el uso del estilo geométrico de vanguardia después de comenzar su relación con Jackson Pollock . [24]
Krasner se identifica como una expresionista abstracta debido a sus trabajos abstractos, gestuales y expresivos en pintura, collage, dibujo al carboncillo y ocasionalmente mosaicos. A menudo cortaba sus propios dibujos y pinturas para crear sus collages. También solía revisar o destruir por completo una serie completa de obras debido a su carácter crítico; como resultado, su obra sobreviviente es relativamente pequeña. Su catálogo razonado , publicado en 1995 por Abrams , enumera 599 piezas conocidas.
Su naturaleza cambiante se refleja a lo largo de su obra, lo que ha llevado a críticos y estudiosos a sacar conclusiones diferentes sobre ella y su obra. [25] El estilo de Krasner a menudo alterna entre estructura clásica y acción barroca , forma abierta y forma de bordes duros, y colores brillantes y paleta monocromática . A lo largo de su carrera, se negó a adoptar un estilo singular y reconocible y, en cambio, abrazó el cambio variando con frecuencia el estado de ánimo, el tema, la textura, los materiales y las composiciones de su trabajo. [7] [26] Al cambiar su estilo de trabajo con frecuencia, se diferenciaba de otros expresionistas abstractos ya que muchos de ellos adoptaron identidades y modos de representación inmutables. [27] A pesar de estas intensas variaciones, sus obras generalmente se pueden reconocer a través de su estilo gestual, textura, ritmo y representación de imágenes orgánicas. [7] El interés de Krasner por uno mismo, la naturaleza y la vida moderna son temas que comúnmente surgen en sus obras. [25] A menudo se mostraba reacia a discutir la iconografía de su trabajo y, en cambio, enfatizaba la importancia de su biografía , ya que afirmaba que su arte se formó a través de su personalidad individual y su estado emocional. [28]
Durante la primera mitad de la década de 1940, Krasner luchó por crear un arte que satisficiera su naturaleza crítica. A lo largo de la década de 1930, la escena pictórica de Nueva York estuvo formada por un grupo muy íntimo de artistas que estudiaban los esfuerzos de los demás pero que aún no se mostraban en las galerías. La década de 1940 marcó una transición de una "era de la inocencia" a una mentalidad modernista de pura expresión. [29] Quedó muy afectada al ver la obra de Pollock por primera vez en 1942, lo que la hizo rechazar el estilo cubista de Hofmann, que requería trabajar a partir de un modelo humano o de naturaleza muerta. Llamó al trabajo producido durante este tiempo frustrante sus "pinturas de losa grises". Ella creaba estas pinturas trabajando en un lienzo durante meses, pintando encima, raspando o frotando la pintura y agregando más pigmento hasta que el lienzo era casi monocromático debido a tanta acumulación de pintura. Eventualmente destruiría estas obras, razón por la cual solo existe una pintura de este período de tiempo. [24] El amplio conocimiento de Krasner sobre el cubismo fue la fuente de su problema creativo, ya que necesitaba que su trabajo fuera más expresivo y gestual para ser considerado contemporáneo y relevante. [30] En el otoño de 1945, Krasner destruyó muchas de sus obras cubistas que creó durante sus estudios con Hofmann, aunque la mayoría de las pinturas creadas entre 1938 y 1943 sobrevivieron a esta reevaluación. [31]
A partir de 1946, Krasner comenzó a trabajar en su serie Little Image . Comúnmente categorizados como mosaicos, palmeados o jeroglíficos según el estilo de la imagen, [32] este tipo de pinturas, en total alrededor de 40, las creó hasta 1949. [33] Las imágenes en mosaico se crearon a través de una espesa acumulación de pintura mientras Las pinturas palmeadas se realizaron mediante una técnica de goteo en la que el pincel estaba siempre cerca de la superficie del lienzo. [34] Dado que Krasner utilizó una técnica de goteo, muchos críticos creyeron al ver este trabajo por primera vez que estaba reinterpretando las caóticas salpicaduras de pintura de Pollock. [35] [36] Sus pinturas de jeroglíficos están cuadriculadas y parecen un guión personal ilegible de la creación de Krasner. [34] Estas obras demuestran sus preocupaciones antifigurativas, su enfoque integral del lienzo, su pincelada gestual y su desprecio por el color naturalista. [37] Tienen poca variación de tono, pero son muy ricas en textura debido a la acumulación de empaste y también sugieren que el espacio continúa más allá del lienzo. [38] [39] Estas se consideran sus primeras imágenes exitosas que creó mientras trabajaba a partir de su propia imaginación en lugar de un modelo. [40] La escala relativamente pequeña de las imágenes se puede atribuir al hecho de que las pintó en un caballete en su pequeño espacio de estudio en un dormitorio de arriba en The Springs. [34] [38]
Muchos estudiosos interpretan estas imágenes como una reelaboración de la escritura hebrea por parte de Krasner . [32] [41] [42] En una entrevista posterior en su carrera, Krasner admitió haber trabajado inconscientemente de derecha a izquierda en sus lienzos, lo que llevó a los estudiosos a creer que su origen étnico y cultural afectó la interpretación de su trabajo. [41] Algunos estudiosos han interpretado que estas pinturas representan la reacción del artista ante la tragedia del Holocausto . [32] [38] [42] Otros han afirmado que el trabajo de Krasner con el proyecto War Services hizo que se interesara por el texto y los códigos, ya que el criptoanálisis era una de las principales preocupaciones para ganar la guerra. [43]
Cuando completó la serie Little Image en 1949, Krasner volvió a pasar por una fase crítica en su trabajo. Probó y rechazó muchos estilos nuevos y finalmente destruyó la mayor parte del trabajo que realizó a principios de la década de 1950. [44] Hay evidencia de que comenzó a experimentar con la pintura automática y creó figuras monstruosas, híbridas y en blanco y negro en grandes lienzos en 1950. [45] Estas fueron las pinturas que Betty Parsons vio cuando visitó The Springs ese verano. lo que provocó que el galerista le ofreciera a Krasner un espectáculo en otoño. [45] Entre el verano y el otoño, Krasner volvió a cambiar su estilo a la pintura de campos de color y destruyó las pinturas figurativas automáticas que hacía. La exposición de Betty Parsons fue la primera exposición individual de Krasner desde 1945. [46] Después de la exposición, Krasner utilizó las pinturas de campos de color para hacer sus pinturas de collage.
En 1951, Krasner había iniciado su primera serie de pinturas en collage. Para crearlos, Krasner pegó formas cortadas y rasgadas en todas menos dos de las pinturas de campos de color a gran escala que creó para la exposición de Betty Parsons en 1951. [47] Este período marca el momento en que la artista dejó de trabajar en un caballete. ya que ella creó estas obras tumbando el soporte en el suelo. [48] Para hacer estas imágenes, fijaba las piezas separadas a un lienzo y modificaba la composición hasta que estaba satisfecha. Luego pegaba los fragmentos en el lienzo y agregaba color con un pincel cuando lo deseaba. [49] La mayoría de las pinturas de collage que creó recuerdan formas vegetales u orgánicas, pero no se parecen completamente a un organismo vivo. [50] Al utilizar muchos materiales diferentes, pudo crear textura y evitar que la imagen fuera completamente plana. [47] El acto de rasgar y cortar elementos para el collage encarna la expresión de Krasner, ya que estos actos son agresivos. [51] Ella exploró contrastes de colores claros y oscuros, líneas duras y suaves, formas orgánicas y geométricas, y estructura e improvisación a través de este trabajo. [52] Estas pinturas de collage representan el alejamiento de Krasner de la abstracción no objetiva . A partir de este período crea un arte metafórico y cargado de contenido que alude a figuras o paisajes orgánicos. [48]
De 1951 a 1953, la mayoría de sus obras se realizaron a partir de dibujos rasgados completados con tinta negra o aguadas de manera figurativa. Al rasgar el papel en lugar de cortarlo, los bordes de las figuras son mucho más suaves en comparación con las formas geométricas y de bordes duros de sus trabajos anteriores. [51] De 1953 a 1954, creó pinturas collage de menor tamaño que estaban compuestas por fragmentos de obras no deseadas. [53] Algunas de las obras descartadas que utilizó eran pinturas salpicadas completadas por Pollock. Muchos estudiosos han expresado diferentes interpretaciones sobre por qué utilizó los lienzos no deseados de su pareja. Algunos afirman que ella simultáneamente demostró su admiración por su arte y al mismo tiempo recontextualizó su físico agresivo mediante la manipulación de sus imágenes en forma de collage. [25] [54] Otros creen que ella estaba creando una sensación de intimidad entre ellos, que faltaba en su relación real en ese período, al combinar sus trabajos. [55] En 1955, realizó pinturas en collage a mayor escala y varió el material que utilizaba para el soporte, ya sea masonita , madera o lienzo. [48] Estas obras fueron expuestas por primera vez por Eleanor Ward en la Stable Gallery en 1955 en la ciudad de Nueva York, pero recibieron poca aclamación del público aparte de una buena reseña de Clement Greenberg . [50] [56]
Durante el verano de 1956, Krasner inició su serie Earth Green. Si bien comenzó a hacer este trabajo antes de la muerte de Pollock, se considera que reflejan sus sentimientos de ira, culpa, dolor y pérdida que experimentó acerca de su relación antes y después de su muerte. [57] La intensa emoción que sintió durante este tiempo hizo que su arte se desarrollara a lo largo de líneas más liberadas de su autoexpresión y traspasó los límites de los conceptos de arte convencionales y desarrollados. [58] A través de estas pinturas de acción a gran escala, Krasner representa figuras híbridas que se componen de formas orgánicas parecidas a plantas y partes anatómicas, que a menudo aluden a partes del cuerpo tanto masculinas como femeninas. [57] Estas formas dominan el lienzo, lo que hace que esté abarrotado y densamente poblado de formas explosivas y abultadas. El dolor que experimentó durante este período se ilustra mediante el uso principal de tonos de piel con acentos rojo sangre en las figuras que sugieren heridas. Las gotas de pintura sobre su lienzo muestran su velocidad y su voluntad de renunciar al control absoluto, ambos necesarios para retratar sus emociones. [59]
En 1957, Krasner continuó creando formas abstractas figurativas en su trabajo, pero sugieren más elementos florales que anatómicos. Usó colores más brillantes que eran más vibrantes y comúnmente contrastaban con otros colores en la composición. También diluía la pintura o usaba un pincel seco para hacer los colores más transparentes. [60]
En 1958, Krasner recibió el encargo de crear dos murales abstractos para un edificio de oficinas en Broadway . Creó dos maquetas de collage que representaban motivos florales para dos entradas del edificio. Estos murales fueron posteriormente destruidos en un incendio. [61]
Las pinturas de la Serie Umber de Krasner fueron creadas durante una época en la que el artista sufría de insomnio . Como trabajaba de noche, tuvo que pintar con luz artificial en lugar de luz diurna , lo que provocó que su paleta cambiara de tonos brillantes y vibrantes a colores apagados y monocromáticos. [62] También todavía estaba lidiando con la muerte de Pollock y la reciente muerte de su madre, lo que la llevó a utilizar un estilo agresivo al crear estas imágenes. [63] Estas pinturas de acción del tamaño de un mural contrastan severamente la oscuridad y la luz, ya que el blanco, los grises, el negro y el marrón son los colores predominantes utilizados. [64] Se puede ver evidencia de su pincelada animada a través de las gotas y salpicaduras de pintura en el lienzo. No hay un punto central en el que el espectador pueda concentrarse en estas obras, lo que hace que la composición sea muy dinámica y rítmica. [64] Para pintar a una escala tan grande, Krasner clavaba el lienzo a una pared. [62] Estas imágenes ya no implicaban formas orgánicas, sino que a menudo se interpretan como paisajes violentos y turbulentos. [sesenta y cinco]
En 1962, comienza a utilizar colores brillantes y aluden a formas florales y vegetales. [66] Estas obras son compositivamente similares a sus imágenes monocromáticas debido a su gran tamaño y naturaleza rítmica sin un punto focal central. [67] Sus paletas a menudo contrastan entre sí y aluden a paisajes o plantas tropicales. [68] Continuó trabajando en este estilo hasta que sufrió un aneurisma , se cayó y se rompió la muñeca derecha en 1963. [67] [69] Como todavía quería trabajar, comenzó a pintar con la mano izquierda. Para superar el trabajo con su mano no dominante, a menudo aplicaba pintura directamente desde un tubo al lienzo en lugar de usar un pincel, lo que provocaba que quedaran grandes manchas de lienzo blanco en las superficies de las imágenes. El gesto y la fisicalidad de estas obras es más comedido. [67]
Después de recuperarse de su brazo roto, Krasner comenzó a trabajar en pinturas brillantes y decorativas que son menos agresivas que sus pinturas de las series Earth Green y Umber. A menudo, estas imágenes recuerdan caligrafía u ornamentación floral que no están claramente relacionadas con el estado emocional conocido de Krasner. [70] Las formas florales o caligráficas dominan el lienzo, conectando pinceladas variables en un solo patrón. [71]
En la segunda mitad de la década de 1960, los críticos comenzaron a reevaluar el papel de Krasner en la Escuela de Nueva York como pintor y crítico que influyó mucho en Pollock y Greenberg. [72] [73] [74] Antes de esto, los críticos y académicos normalmente pasaban por alto su condición de artista debido a su relación con Pollock. [72] Dado que fue una figura tan importante en el movimiento expresionista abstracto, a menudo todavía es difícil para los estudiosos discutir su trabajo sin mencionar a Pollock de alguna manera. [75] Esta reevaluación se refleja en su primera exposición retrospectiva de sus pinturas que se celebró en Londres en la Whitechapel Gallery en 1965. Esta exposición fue mejor recibida por la crítica en comparación con sus exposiciones anteriores en Nueva York. [72] [74]
En 1969, Krasner se concentró principalmente en crear obras sobre papel con gouache . Estas obras se llamaban Tierra, Agua, Semilla o Jeroglíficos y, a menudo, parecían una prueba de Rorschach . Algunos estudiosos afirman que estas imágenes eran una crítica a la teoría de Greenberg sobre la importancia de la naturaleza bidimensional del lienzo. [76]
A lo largo de las décadas de 1960 y 1970, la obra del pintor estuvo significativamente influenciada por el arte posmoderno y enfatizó los problemas inherentes al arte como forma de comunicación. [77]
A partir de 1970, Krasner comenzó a realizar grandes pinturas horizontales compuestas por líneas duras y una paleta de algunos colores brillantes que contrastaban entre sí. [78] Pintó en este estilo hasta aproximadamente 1973. Tres años más tarde, comenzó a trabajar en su segunda serie de imágenes de collage. Comenzó a trabajar en estos después de limpiar su estudio y descubrió algunos dibujos al carbón, en su mayoría estudios de figuras que completó entre 1937 y 1940. Después de guardar algunos, Krasner decidió usar el resto en una nueva serie de collages. En esta obra, las formas negras y grises de los estudios de figuras se yuxtaponen al lienzo en blanco o a la adición de pintura de colores brillantes. [76] Las formas de bordes duros de los dibujos cortados se reconstruyen en formas curvilíneas que recuerdan patrones florales. La textura se induce mediante el contraste del papel liso y el lienzo rugoso. [79] Dado que los estudios de figuras se cortan y reorganizan sin tener en cuenta su intención o mensaje original, las diferencias entre los dibujos antiguos y las nuevas estructuras son muy exageradas. [80] Todos los títulos de los collages de esta serie son diferentes tiempos verbales interpretados como una crítica de la insistencia de Greenberg y Michael Fried en la actualidad del arte moderno. [81] Esta serie fue muy bien recibida por un gran público cuando se exhibió en 1977 en la Pace Gallery . También se considera una declaración sobre cómo los artistas necesitan reexaminar y reelaborar su estilo para seguir siendo relevantes a medida que crecen. [82]
Aunque mucha gente cree que Krasner dejó de trabajar en la década de 1940 para nutrir la vida hogareña y la carrera de Pollock, en realidad ella nunca dejó de crear arte. [7] Mientras su relación se desarrollaba, ella cambió su enfoque de su propio arte al arte de Pollock para ayudarlo a obtener más reconocimiento debido al hecho de que creía que él tenía "mucho más que dar con su arte que ella con el de ella". . [83]
A lo largo de su carrera, Krasner atravesó períodos de lucha en los que experimentó con nuevos estilos que satisfarían sus medios de expresión y criticaría, revisaría o destruiría duramente el trabajo que produciría. Debido a esta autocrítica, hay períodos de tiempo en los que poco o nada de su trabajo existe, específicamente a finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta. [7]
Krasner y Pollock tuvieron un efecto inmenso en las carreras y estilos artísticos de cada uno. Dado que Krasner había aprendido de Hans Hofmann mientras Pollock recibía formación de Thomas Hart Benton , cada uno adoptó diferentes enfoques en su trabajo. Krasner aprendió de Hofmann la importancia de abstraerse de la naturaleza y enfatizar la naturaleza plana del lienzo mientras que la formación de Pollock destacó la importancia del diseño complejo a partir del dibujo automático. El amplio conocimiento de Krasner sobre el arte moderno ayudó a Pollock ya que lo puso al día sobre lo que debería ser el arte contemporáneo. Por tanto, pudo realizar obras más organizadas y cosmopolitas. Además, Krasner fue responsable de presentar a Pollock a muchos artistas, coleccionistas y críticos que apreciaban el arte abstracto, como Willem de Kooning , Peggy Guggenheim y Clement Greenberg . A través de su amistad con el coleccionista y artista Alfonso Ossorio , Pollock también conoció a Ossorio y Joseph Glasco . [84] Pollock ayudó a Krasner a ser menos comedida al hacer su trabajo. Él la inspiró a dejar de pintar a partir de modelos humanos y de naturalezas muertas para liberar sus emociones interiores y volverse más espontánea y gestual a través de su trabajo. [85]
Krasner luchó con la recepción pública de su identidad, tanto como mujer como esposa de Pollock. Cuando ambos expusieron en una muestra llamada "Artistas: hombre y esposa" en 1949, un crítico de ARTnews declaró: "Existe una tendencia entre algunas de estas esposas a 'ordenar' los estilos de sus maridos. Lee Krasner (Sra. Jackson Pollock) toma la pintura y los esmaltes de su marido y cambia sus líneas amplias y desenfrenadas en pequeños cuadrados y triángulos prolijos". [86] Incluso después del ascenso del feminismo en las décadas de 1960 y 1970, la carrera artística de Krasner siempre se puso en relación con Pollock, ya que los comentarios hechos sobre su trabajo a menudo comentaban cómo se había convertido en una artista exitosa al salir de la sombra de Pollock. [87] En artículos sobre su trabajo, se hace referencia continuamente a Pollock. A Krasner todavía se la conoce a veces como "Action Widow", un término acuñado en 1972 por el crítico de arte BH Friedman , quien acusó a las compañeras supervivientes de artistas expresionistas abstractos de dependencia artística de sus parejas masculinas. [88] Por lo general, en las décadas de 1940 y 1950, Krasner tampoco firmaba ninguna obra, ni firmaba con las iniciales sin género "LK", ni mezclaba su firma en la pintura para no enfatizar su estatus como mujer y como esposa. otro pintor. [89]
Some Living American Women Artists / Last Supper (1972) de Mary Beth Edelson se apropió de La última cena de Leonardo da Vinci , con las cabezas de mujeres artistas notables, incluida la de Krasner, en collage sobre las cabezas de Cristo y sus apóstoles. La imagen, que aborda el papel de la iconografía histórica religiosa y del arte en la subordinación de las mujeres, se convirtió en "una de las imágenes más icónicas del movimiento artístico feminista ". [90] [91]
Krasner murió el 19 de junio de 1984, a los 75 años, en el Hospital de Nueva York. Krasner llevó una exitosa carrera comercial y estuvo a cargo del patrimonio de su marido, y en el momento de su muerte, su patrimonio valía más de 20 millones de dólares. [92]
Seis meses después de su muerte, el Museo de Arte Moderno ( MoMA ) de la ciudad de Nueva York celebró una exposición retrospectiva de su obra. Una reseña en The New York Times señaló que "define claramente el lugar de Krasner en la Escuela de Nueva York" y que ella "es una importante artista independiente de la generación pionera del expresionismo abstracto, cuyo conmovedor trabajo ocupa un lugar destacado entre los producidos aquí en los últimos años". medio siglo." [93] En 2008, Krasner es una de las cuatro únicas artistas mujeres que han tenido una exposición retrospectiva en esta institución. Las otras tres mujeres son Louise Bourgeois (1982), Helen Frankenthaler (1989) y Elizabeth Murray (2004). [94]
Sus artículos fueron donados a Archives of American Art en 1985; fueron digitalizados y publicados en la web para los investigadores. [95]
Después de su muerte, su propiedad en East Hampton se convirtió en Pollock-Krasner House and Studio y está abierta al público para visitas guiadas. En 1985 se estableció una organización separada, la Fundación Pollock-Krasner . La Fundación funciona como patrimonio oficial tanto para Krasner como para Pollock y también, según los términos de su testamento, sirve "para ayudar a artistas individuales de mérito con necesidades financieras". ". [96] El representante de derechos de autor en Estados Unidos para la Fundación Pollock-Krasner es la Artists Rights Society . [97]
El 11 de noviembre de 2003, Celebration, una gran pintura de 1960, se vendió al Museo de Arte de Cleveland por 1,9 millones de dólares y, en mayo de 2008, Polar Stampede se vendió por 3,2 millones de dólares. "Nadie hoy podría persistir en llamarla un talento periférico", dijo el crítico Robert Hughes . [98]
En 2016 su obra fue incluida en la exposición Mujeres del expresionismo abstracto organizada por el Museo de Arte de Denver . [99]
En 2017, Krasner fue uno de los temas del libro Mujeres de la Novena Calle: Lee Krasner, Elaine de Kooning, Grace Hartigan, Joan Mitchell y Helen Frankenthaler: Cinco pintores y el movimiento que cambió el arte moderno de Mary Gabriel. [100]
En 2023 su obra fue incluida en la exposición Action, Gesture, Paint: Women Artists and Global Abstraction 1940-1970 en la Whitechapel Gallery de Londres. [101]
Krasner fue interpretada por Marcia Gay Harden en la película Pollock (2000), que trata sobre la vida de su marido Jackson Pollock . Harden ganó un Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto por su actuación en la película.
En la novela Seek My Face (2002) de John Updike , una parte importante de la vida del personaje principal se basa en la de Krasner.
Krasner y Jackson Pollock establecieron una relación en 1942 después de que ambos expusieron en la Galería McMillen. Estaba intrigada por su trabajo y por el hecho de que no sabía quién era a pesar de que conocía a muchos pintores abstractos en Nueva York. Ella fue a su apartamento para encontrarse con él. [20] [102] En 1945, se mudaron a The Springs en las afueras de East Hampton, Nueva York. En el verano de ese año se casaron en una iglesia con dos testigos. [103]
Mientras los dos vivieron en la granja de The Springs, continuaron creando arte. Trabajaron en espacios de estudio separados con Krasner en un dormitorio de arriba de la casa mientras Pollock trabajaba en el granero de su patio trasero. Cuando no estaban trabajando, los dos pasaban su tiempo cocinando, horneando, haciendo jardinería, manteniendo la casa organizada y entreteniendo a amigos. [104]
En 1956, su relación se volvió tensa al enfrentar ciertos problemas. Pollock había comenzado a luchar contra su alcoholismo y estaba teniendo una relación extramatrimonial con Ruth Kligman . Krasner se fue en verano para visitar a unos amigos en Europa, pero tuvo que regresar rápidamente cuando Pollock murió en un accidente automovilístico mientras ella estaba fuera. [105]
Krasner se crió en un hogar judío ortodoxo durante su infancia y adolescencia. Su familia vivía en Brownsville, Brooklyn, que tenía una gran población de inmigrantes judíos pobres. Su padre pasó la mayor parte de su tiempo practicando el judaísmo y su madre se ocupaba de la casa y el negocio familiar. [106] Krasner apreciaba aspectos del judaísmo como la escritura hebrea , las oraciones y las historias religiosas.
Cuando era adolescente, se volvió crítica con lo que percibía como misoginia en el judaísmo ortodoxo. En una entrevista realizada más adelante en su vida, Krasner recuerda haber leído una traducción de una oración y haber pensado que era "de hecho una oración hermosa en todos los sentidos excepto en el final... si eres hombre dices: 'Gracias, oh Señor, por crearme a tu imagen'; y si eres mujer dices: 'Gracias, oh Señor, por crearme como mejor te pareció'". [107] También comenzó a leer filosofías existencialistas durante este período, lo que le provocó alejarse aún más del judaísmo. [108]
Mientras se casó con Pollock en una iglesia, Krasner continuó identificándose como judía pero decidió no practicar la religión. Su identidad como mujer judía ha afectado la forma en que los estudiosos interpretan el significado de su arte. [108]
El Museo Metropolitano de Arte , Nueva York
El Museo de Arte Moderno , Nueva York
Otras instituciones:
En una subasta de Christie's en Nueva York en 2003, la composición horizontal en óleo sobre lienzo de Lee Krasner, Celebration (1960), multiplicó su estimación de preventa por más de cuatro y terminó su curso ascendente en 1,9 millones de dólares. [127] En 2019, Sotheby's estableció un nuevo récord de subasta para Krasner cuando The Eye is the First Circle (1960) se vendió por 10 millones de dólares a Robert Mnuchin . [128]
