Las cuatro estaciones ( en francés : Les Quatre Saisons ) fue la última serie de cuatro óleos que realizó el pintor francés Nicolas Poussin (1594-1665). La serie fue pintada en Roma entre 1660 y 1664 para el duque de Richelieu , sobrino nieto del cardenal Richelieu . Cada cuadro es un paisaje elegíaco con figuras del Antiguo Testamento que representan las diferentes estaciones y momentos del día. Realizadas cuando el artista tenía problemas de salud y sufría temblores en las manos, las estaciones son una reflexión filosófica sobre el orden del mundo natural. La iconografía evoca no solo los temas cristianos de muerte y resurrección, sino también la imaginería pagana de la antigüedad clásica: los mundos poéticos del Paraíso perdido de Milton y las Geórgicas de Virgilio . Las pinturas actualmente cuelgan en una sala independiente en el Louvre de París.
Por su absoluta humildad, por su anonimato, por su negativa a recurrir a trucos o exageraciones, Poussin ha conseguido identificarse con la naturaleza, concebida como manifestación de la razón divina. Las Estaciones se cuentan entre los ejemplos supremos de la pintura paisajística panteísta.
—Anthony Blunt y Nicolas Poussin [1]
Jamais peut-être, dans toute la peinture occidentale, des choses aussi nombreuses et parfois si difficiles n'avaient été dites avec une telle simplicité. Jamais un peintre ne s'était aussi pleinement identifié à l'ordre du monde. Pero esta identificación no es ni «una proyección» ni una confianza: es el sentido de esta impersonalidad que puede reprochar a Poussin, y qui fait sa grandeur.
— Alain Mérot, Nicolas Poussin [2]
chargé d'années, paralytique, plein d'infirmités de toutes sortes, étranger et sans amis... Voilà l'état où je me trouve... J'ai si grande dificultadé d'écrire pour le grand tremblement de ma main. ..
Nicolas Poussin , 18 de noviembre de 1664 [3]
El pintor francés Nicolas Poussin había establecido su residencia en Roma desde los 30 años. Al final de su vida, entre 1660 y 1664, realizó su última serie de pinturas, Las cuatro estaciones , una obra encargada por el duque de Richelieu , sobrino nieto del cardenal Richelieu . El trabajo en las pinturas fue necesariamente lento, debido a su mala salud general y al temblor constante en sus manos, que había afectado a Poussin desde 1640 y lo había convertido en un recluso.
Las estaciones son una continuación de los paisajes mitológicos de Poussin, que representan el poder y la grandeza de la naturaleza, "benigna en primavera, rica en verano, sombría pero fructífera en otoño y cruel en invierno". [4] La serie también representa los momentos sucesivos del día: la madrugada para la primavera, el mediodía para el verano, la tarde para el otoño y una noche de luna para el invierno. Tanto para los filósofos estoicos como para los primeros cristianos , las estaciones representaban la armonía de la naturaleza; pero para los cristianos las estaciones, a menudo representadas personificadas rodeando al Buen Pastor , y la sucesión de la noche y el día también simbolizaban la muerte y resurrección de Cristo y la salvación del hombre (1 Clemente 9: 4-18, 11: 16-20 s:1 Clemente (traducción de William Wake)).
Partiendo de las tradiciones de la antigüedad clásica o de las iluminaciones medievales , donde las estaciones se representaban mediante figuras alegóricas o mediante escenas de la vida cotidiana del campo, Poussin eligió simbolizar cada estación con un episodio específico del Antiguo Testamento . Para la primavera eligió a Adán y Eva en el Jardín del Edén del Génesis ; para el verano, Booz descubre a Rut espigando trigo en sus campos del Libro de Rut ; para el otoño, los espías israelitas que regresan con uvas de la Tierra Prometida de Canaán del Libro de los Números ; y para el invierno, el Diluvio del Libro de Noé . Además de las obvias referencias estacionales, algunos comentaristas han visto otras referencias bíblicas menos inmediatas. El pan y el vino en verano y las uvas en otoño podrían referirse a la eucaristía . Toda la secuencia también podría representar el camino del hombre hacia la redención: su estado de inocencia antes del pecado original y el otoño en primavera; la unión que dio lugar al nacimiento de Cristo a través de la Casa de David en verano; las leyes mosaicas en otoño; y finalmente el Juicio Final en Invierno. [5]
Además de esta iconografía cristiana, las pinturas también podrían contener alusiones mitológicas a cuatro deidades de la antigüedad clásica . [5] En Primavera, Poussin reutiliza el recurso del sol naciente, empleado previamente en El nacimiento de Baco para denotar a Apolo , el padre de Baco . En Verano, Ruth con su gavilla de trigo podría denotar a Ceres , la diosa del grano y la fertilidad. En Otoño, las uvas podrían ser una referencia a Baco. La serpiente es un símbolo utilizado en la obra anterior de Poussin. [6] En Invierno, la serpiente deslizándose sobre las rocas podría ser una referencia alegórica al inframundo clásico y a Plutón .
Dadas sus complejas referencias iconográficas, las pinturas en sí mismas tienen una engañosa simplicidad. Sin embargo, en su composición, Poussin, que pintaba a sus setenta años, utilizó toda la experiencia adquirida a lo largo de su vida. La sobriedad es notable en todo el conjunto. No se hace ningún intento de deslumbrar al espectador con la técnica y Poussin parece haberse esforzado mucho por dejar atrás todo rastro del artista y dejar que la grandiosidad de la Naturaleza hable por sí sola. [1]
En La primavera o El paraíso terrenal , Poussin representa a Adán y Eva en el Jardín del Edén junto al Árbol del Conocimiento . Es antes del pecado original y la posterior expulsión del Edén : no se ve ninguna serpiente mientras Eva señala el fruto prohibido a Adán. La imagen muestra un bosque con vegetación exuberante con diferentes gradaciones de verdor. Siniestramente, el primer plano está tenuemente iluminado. A lo lejos, el sol de la mañana revela cisnes en un lago con prados y montañas detrás; también se puede ver la luz del amanecer brillando a través de un hueco en las rocas y arbustos en el plano medio, haciendo eco de la iconografía de El nacimiento de Baco .
Adán y Eva forman una pequeña pareja estática en el centro del tranquilo bosque, empequeñecidos por la exuberante vegetación. Igualmente pequeña, la figura del Creador, vestida con una túnica , se puede ver en lo alto de una nube rodeada de un halo de luz; ha señalado en dirección contraria al espectador, alejándose como si fuera consciente de lo que está por venir. Las figuras de la composición recuerdan representaciones clásicas en miniaturas medievales . [7] [8]
Como comenta Clark (1961), la obra es una contraparte visual perfecta de El Paraíso Perdido de John Milton , escrita en el mismo período.
En Verano o Rut y Booz , la escena está construida en bloques rectangulares detrás de las tres figuras principales en primer plano, que se ven de perfil como en un bajorrelieve . Rut la moabita se arrodilla ante Booz, mientras su sirviente observa benignamente. Se ven dos paredes paralelas de maíz, junto con la pintura decorativa detallada de los tallos individuales. El propio campo de maíz forma el centro de la pintura. Su borde irregular lleva la vista a las rocas, el mar y las montañas en la distancia. En el plano medio, un grupo de segadores forma un friso extendido , mientras que más atrás se puede ver un grupo de cinco caballos, ejecutados en el estilo clásico de los arcos de triunfo de la Antigua Roma . [9] La escena bucólica se completa con las figuras de un campesino tocando la gaita a la derecha y, a la izquierda, un segador saciando su sed con un frasco de vino mientras las mujeres preparan pan a la sombra del gran árbol en primer plano.
Como ha comentado Clark (1961), en el tratamiento elegíaco que Poussin hace del verano "el estado de ánimo de las Geórgicas se eleva a una especie de gravedad sacramental".
La textura más áspera y la pincelada temblorosa evidente en Otoño o Los espías con las uvas de la tierra prometida sugieren que esta podría haber sido la última pintura del conjunto en completarse. [10] La exuberante vegetación de la primavera es reemplazada por un suelo pedregoso con pequeños grupos de hierba. Solo el manzano en el centro da frutos; las hojas ya están comenzando a caer de los dos árboles pequeños de la izquierda. El sol del atardecer proyecta largas sombras, cuya luz moribunda atrapa una ciudad enclavada bajo una montaña en la distancia y edificios encaramados en una cornisa rocosa a la derecha. La mirada del observador se dirige suavemente hacia las figuras centrales de los dos espías israelitas por las líneas de nubes y acantilados debajo de ellos. Como se relata en el Libro de los Números , necesitan un palo para transportar las enormes uvas; uno de los espías sostiene una rama de naranjas tan grande como melones. En el plano medio hay un pescador y una mujer con una canasta de fruta en la cabeza.
En la composición central en bajorrelieve , Poussin ha utilizado elementos de un grabado alegórico de 1607 de Hieronymus Wierix para las figuras clásicas de los dos hombres con uvas. En el cuadro de Poussin, se puede ver a una mujer recogiendo fruta en una escalera apoyada en el árbol, y la escalera parece elevarse desde las uvas. En el original, el cuerpo de Cristo se eleva desde las uvas. Esto ha sugerido una interpretación iconográfica del manzano como el árbol de la vida , las recompensas celestiales prometidas en el paraíso después de la salvación.
El diluvio o el invierno se conoce más comúnmente por su título en francés Le Deluge . [11] En esta pintura sumamente original, Poussin representa las etapas finales del terrible cataclismo del diluvio con moderación. La imagen registra el momento en que las inundaciones finalmente cubren la llanura y los últimos afloramientos rocosos desaparecen bajo las aguas crecientes. Las líneas horizontales utilizadas en sus otras pinturas para crear una sensación de orden aquí guían la vista a través de la pintura con creciente inquietud. La escena iluminada por la luna está coloreada en diferentes tonos de gris azulado, interrumpida por destellos de relámpagos. Los contornos tenues del Arca de Noé se pueden distinguir flotando en las aguas más tranquilas en la distancia. En contraste con las formas irregulares de las rocas y los árboles, la cascada produce un fondo horizontal para el friso de los sobrevivientes varados en primer plano, inseguros de su inminente fatalidad. [12] Poussin coloca de manera ominosa una serpiente deslizándose por la roca a la izquierda del cuadro, un símbolo que suele emplear en sus cuadros para evocar una sensación de horror. Además, la presencia de una serpiente desempeña un papel iconográfico especial en el ciclo, porque también sirve como recordatorio de la singular ausencia de una serpiente en el Jardín del Edén. [6] [13]
Él aplica la naturaleza a sus propios fines, elabora sus imágenes según los estándares de su propio pensamiento... y una vez dada la primera concepción, todo el resto parece surgir de ella y asimilarse a ella mediante el proceso infalible de una imaginación estudiosa.
William Hazlitt [14]
Muchos historiadores del arte consideran a Nicolas Poussin como una de las figuras más influyentes de la pintura paisajística francesa. [15] En sus pinturas buscó una armonía entre elementos verticales y horizontales, recurriendo en ocasiones a recursos matemáticos como la proporción áurea . En la pintura de paisajes, en la que los elementos son en su mayoría horizontales, introdujo la arquitectura clásica para hacer de los ángulos rectos pitagóricos algo tan esencial para sus métodos, muy estudiados posteriormente por comentaristas y artistas por igual. Cuando se exhibieron por primera vez las Estaciones de Poussin , fueron inmediatamente discutidas por académicos, conocedores y artistas franceses, entre ellos Charles le Brun , Sébastien Bourdon , Loménie de Brienne y Michel Passart, mecenas tanto de Claude como de Poussin. Como informó Brienne en su momento:
¡Maldita sea! Un Poussin provenzal me vendría como anillo al dedo. Veinte veces he querido pintar el tema de Ruth et Booz ... Quisiera, [...] como en Otoño , dar a un recolector de frutas la esbeltez de una planta olímpica y la celestial facilidad de un verso virgiliano.
Paul Cézanne [17]
A diferencia de otros artistas que engendraron imitadores serviles, la influencia de Poussin parece haber sido completamente positiva. [18] Otros artistas entendieron su equilibrio entre ideal y realidad. Su influencia se puede ver en la obra de pintores paisajistas franceses como Bourdon , Gaspard Dughet , Millet , Corot , Pissarro y Cézanne . Aunque el crítico William Hazlitt reconoció a Poussin como un gran pintor, la escuela inglesa prefirió en gran medida los paisajes suavemente poéticos de Claude al rigor intelectual de Poussin. Turner , aunque influenciado por El diluvio , tenía fuertes reservas; Constable fue uno de los pocos que aprendió de Poussin, cuyas pinturas le gustaba copiar. [19]
El cuadro de las Estaciones que más se ha comentado a lo largo de los años es probablemente El invierno o El diluvio . [11] Aunque Poussin es considerado principalmente como uno de los más grandes pintores clasicistas, su Diluvio le creó una posición única en la historia de la pintura romántica. El Diluvio fue el prototipo e inspiración de un gran número de diluvios y tempestades del siglo XIX. Llegó a ser conocido como una de las primeras obras maestras de lo "sublime horrible" y adquirió una importancia única en el Louvre para los pintores de paisajes románticos. Casi todos los críticos e historiadores del arte franceses comentaron sobre él, y muchos lo aclamaron como la mejor pintura de todos los tiempos. En Inglaterra, Hazlitt lo describió como "quizás el mejor paisaje histórico del mundo" y Constable lo consideró "único en el mundo". [20]
Poco después de su primera exposición, la Académie Royale le dedicó excepcionalmente una breve conferencia en 1668, a la que siguieron cinco debates, algo sin precedentes, entre 1694 y 1736, lo que indica la impresión única que había causado en Francia. Estas primeras valoraciones reconocieron la audaz originalidad del cuadro, otorgándole un lugar especial de honor entre la obra de Poussin. Si bien reconocieron la armonía del cuadro y su económico monocromatismo, los académicos sintieron, sin embargo, que el gris inherente del tema no dejaba lugar para los objetos agradables . [20]
En 1750, el Diluvio se incluyó en una exposición de pinturas de Luis XV en el Palacio de Luxemburgo . En ese momento, su popularidad entre el público eclipsó el ciclo de María de Médici de Rubens , que se exhibió por primera vez; esto incluyó visitantes famosos como Charles-Antoine Coypel , James Barry y Horace Walpole , quien en particular destacó el Diluvio como "vale la pena ir a verlo solo" y "el primer cuadro de este tipo en el mundo". Sin embargo, fue el comentario del abad Louis Gougenot en ese momento el que captó los cuatro aspectos de la pintura que serían los puntos principales de toda discusión futura: [21]
El Diluvio inspiró muchas pinturas similares de artistas posteriores. Se distribuyó ampliamente como grabado y numerosos artistas hicieron copias del original, entre ellos Peyron , Géricault , Etty , Danby y Degas . Las pinturas apocalípticas se hicieron populares en Francia en la segunda mitad del siglo XVIII y el Diluvio fue un tema para el Prix de Rome en escultura en 1780. Muchos de los Diluvios monumentales posteriores deben algún tipo de deuda al original sobrio de Poussin. Estos incluyen obras de Géricault , Regnault y Girodet . Al otro lado del canal, el primer pintor importante que produjo un Diluvio inglés fue Turner . Ver el original en 1802 marcó un punto de inflexión en su carrera. Fascinado por la imagen, en particular por su color "sublime", fue sin embargo crítico con su composición y la encontró demasiado sobria y poco dramática. Su propia reelaboración es más dramática, pero, junto con otras variaciones posteriores sobre el mismo tema, todavía debe mucho al original de Poussin. Los diluvios ingleses posteriores de John Martin y Francis Danby estuvieron menos influenciados por el original del Louvre y fueron a menudo una reacción consciente a su sobriedad y calma. Más tarde, Ruskin descartó el Diluvio de Poussin y dirigió a sus lectores a la versión de Turner, sin mencionar la deuda de Turner con Poussin. [27] Desde principios del siglo XX, el Diluvio ha seguido siendo popular y aún conserva su modernidad como pieza de arte universal, incluso abstracto. Como Verdi (1981) ha comentado irónicamente, es la única pintura de Poussin que "conservaría gran parte de su atractivo para el amante del arte moderno incluso si se colgara inadvertidamente boca abajo".
Admirable temblor del tiempo , película de Alain Jaubert de la serie Paletas (1991).
