Las Oceánides (en finlandés: Aallottaret ; traducción literal al español: Ninfas de las olas o Espíritus de las olas ; título original de trabajo: Rondeau der Wellen ; en español: Rondo de las olas ), Op. 73, es un poema sinfónico de un solo movimiento para orquesta escrito entre 1913 y 1914 por el compositor finlandés Jean Sibelius . La pieza, que hace referencia a las ninfas de la mitología griega que habitaban el mar Mediterráneo , se estrenó el 4 de junio de 1914 en el Festival de Música de Norfolk en Connecticut con Sibelius dirigiendo. Elogiado en su estreno como "la mejor evocación del mar... jamás... producida en música", el poema sinfónico, en re mayor , consta de dos temas , que se dice que representan la actividad lúdica de las ninfas y la majestuosidad del océano, respectivamente. Sibelius desarrolla gradualmente este material en tres etapas informales: primero, un océano plácido; segundo, una tormenta que se avecina; y tercero, un clímax atronador de olas rompientes. Cuando la tempestad amaina, suena un acorde final que simboliza el gran poder y la extensión ilimitada del mar.
Desde el punto de vista estilístico, muchos comentaristas han descrito Las Oceánides como un ejemplo de impresionismo . Otros han rebatido que el desarrollo activo de los dos temas por parte de Sibelius, su uso moderado de las escalas preferidas por los impresionistas y su priorización de la acción y la estructura sobre el fondo atmosférico y efímero distinguen la pieza de ejemplos por excelencia, como La mer de Debussy .
Aparte del poema sinfónico definitivo en re mayor, sobreviven dos versiones intermedias de Las Oceánides : la primera, una suite orquestal de tres movimientos , en mi bemol mayor , que data de 1913 (el movimiento n.º 1 se perdió); y la segunda, la versión inicial de un solo movimiento "Yale" del poema sinfónico, en re bemol mayor , que Sibelius envió a Estados Unidos antes de su viaje pero que revisó antes del festival de música. Las Oceánides se sitúa así, junto con En saga , la Suite Lemminkäinen , el Concierto para violín y la Quinta sinfonía , como una de las obras más revisadas de Sibelius. La suite y la versión de Yale, nunca interpretadas en vida del compositor, recibieron sus estrenos mundiales por Osmo Vänskä y la Orquesta Sinfónica de Lahti el 10 de septiembre y el 24 de octubre de 2002, respectivamente. Una interpretación típica de la versión final dura unos 10 minutos, unos 3 minutos más que su predecesora de Yale.
En agosto de 1913, Sibelius recibió un mensaje del compositor estadounidense y profesor de la Universidad de Yale Horatio Parker : un mecenas de las artes de Nueva Inglaterra , Carl Stoeckel (1858-1925), y su esposa, Ellen Stoeckel née Battell (1851-1939), habían autorizado $1,000 para el encargo de un nuevo poema sinfónico de Sibelius, por recomendación de Parker. [2] [3] [n 1] La pieza, que no excedería los quince minutos de duración, se tocaría en el Festival de Música de Norfolk de 1914 en Connecticut, que los Stoeckel organizaban anualmente (y financiaban) en su propiedad en una sala de espectáculos de madera llamada "The Music Shed". [2] [3] A pesar de sus constantes luchas con otro encargo, música incidental para el trágico ballet-pantomima Scaramouche de Poul Knudsen , [4] Sibelius aceptó la oferta de Stoeckel, escribiendo en su diario: "Un poema sinfónico, listo para abril". [3]
A principios de septiembre, llegó otra carta de Parker diciendo que Stockel deseaba pagar los honorarios del copista por escribir las partes orquestales en Finlandia. [3] A finales de 1913, Sibelius no había avanzado mucho en el encargo americano, ya que había pasado todo el otoño en otras piezas y revisiones. [3] Siguió un viaje a Berlín en enero de 1914, y el diario y la correspondencia de Sibelius indican que el encargo de Stoeckel estaba en primer plano en su mente; un plan inicial para poner música al poema de Rydberg Fantasos y Sulamit fue posteriormente descartado. [3] [5] Su estancia en Berlín no fue productiva, y a mediados de febrero regresó a Helsinki ("Inquieto por el asunto de América [encargo de Norfolk]. Presumiblemente tendré que volver a casa a mi celda para poder concentrarme"). [3]
En la actualidad, sobreviven tres versiones de la obra. Inicialmente, en 1913, Sibelius concibió el encargo como una suite de tres movimientos para orquesta en mi bemol mayor , de la que solo se conservan la n.º 2 ( Tempo moderato ) y la n.º 3 ( Allegro ). [6] [n 2] En algún momento entre 1913 y 1914, Sibelius decidió reelaborar el material temático del Allegro , en gran medida un «trabajo en progreso», [7] en un poema sinfónico de un solo movimiento; el contenido musical del Tempo moderato encontraría su camino en la pieza para piano Till trånaden ( Al anhelo ), JS 202. Al hacer la transición de suite a poema sinfónico, Sibelius transpuso el material de mi bemol mayor a re bemol mayor ; además, también introdujo nuevas ideas musicales, como el motivo ondulante en forma de onda en las cuerdas y los instrumentos de viento , y amplió la orquestación. [7]
En abril de 1914, Sibelius envió la partitura y las partes a los Estados Unidos, llamando a la pieza Rondeau der Wellen (esta versión intermedia del poema sinfónico se conoce comúnmente como la versión "Yale"). [7] [n 3] El 12 y el 20 de abril de 1914, Parker escribió en nombre de Stoeckel, ampliando el acuerdo inicial: el mecenas estadounidense de Sibelius ahora deseaba que viajara y dirigiera un programa de su música en el festival de Norfolk; como compensación, Sibelius recibiría $ 1,200, así como un doctorado honorario de música de la Universidad de Yale. [8] Aunque ya había enviado el manuscrito a Norfolk, Sibelius no estaba satisfecho con la partitura e inmediatamente comenzó a revisar la pieza, optando finalmente por una revisión completa ("¿No es propio de mí rehacer el poema sinfónico? En este momento estoy entusiasmado con él"). [9] Aunque Sibelius era propenso a revisar sus composiciones, dicho esfuerzo generalmente se realizaba cuando preparaba una pieza para su publicación o después de haberla escuchado por primera vez en un concierto. [3] Con respecto a la versión de Yale, es posible que la invitación a asistir al festival de música en persona impulsara a Sibelius a "reevaluar" el poema sinfónico con un ojo más crítico. [3]
Las diferencias entre la primera y la versión final del poema sinfónico son sustanciales; Sibelius no sólo volvió a transponer la pieza a re mayor, sino que también añadió el clímax con el choque de las olas. A pesar de estos cambios, la orquestación es más o menos la misma, con la adición de una trompeta. [10] A medida que se acercaba el viaje a América, Sibelius se apresuró a completar las revisiones a tiempo. Aino Sibelius , la esposa del compositor, relata las escenas en Ainola :
El viaje a América se acerca. El Rondeau der Wellen aún no está terminado. Hay una prisa terrible... la partitura está apenas a medio terminar. El copista, el señor Kauppi, se queda con nosotros y escribe día y noche... Es sólo gracias a la energía de Janne [Sibelius] que estamos avanzando... Encendimos una lámpara en el comedor, una araña en la sala de estar, era un momento festivo. No me atreví a decir una palabra. Sólo comprobé que el ambiente estaba en orden. Luego me fui a la cama y Janne se quedó despierto. Durante toda la noche pude escuchar sus pasos, alternados con música que sonaba suavemente. [11]
Sibelius siguió haciendo cambios a la versión final del poema sinfónico mientras navegaba por el océano Atlántico a bordo del barco de vapor SS Kaiser Wilhelm II e incluso durante los ensayos en Norfolk, pero estos cambios de último minuto, según Andrew Barnett, debieron ser relativamente "menores", ya que las partes orquestales habían sido copiadas antes de su partida de Finlandia. [10] Sibelius estaba encantado con la nueva pieza y le escribió a Aino: "Es como si me hubiera encontrado a mí mismo, y más. La Cuarta Sinfonía fue el comienzo. Pero en esta pieza hay mucho más. Hay pasajes en ella que me vuelven loco. Qué poesía". [10] Ni la suite ni la versión de Yale del poema sinfónico se interpretaron en vida de Sibelius, y recibieron sus estrenos mundiales a cargo de Osmo Vänskä y la Orquesta Sinfónica de Lahti el 19 de septiembre y el 24 de octubre de 2002, respectivamente. [12]
Sibelius parece haber dudado sobre el nombre del nuevo poema sinfónico. El 3 de abril de 1914 había abandonado Rondeau der Wellen en favor de Aallottaret . [3] [n 4] El 29 de abril escribió a Parker a favor del título original ("Herr Doctor, ahora debe perdonarme por interpretar el nuevo poema sinfónico en su versión final con el título original Rondeau der Wellen . La versión Aallottaret que le envié puede quedarse con el Sr. Stoeckel"). [3] Esta posición, también, resultó efímera. A finales de mayo, Sibelius se había decidido por Aallottaret , y el poema sinfónico apareció con este título, aunque mal escrito, en el programa del Festival de Norfolk del 4 de junio: " Aalottaret [sic] — Poema sinfónico (Ninfas del océano)". [20] En preparación para la publicación del poema sinfónico por Breitkopf & Härtel en junio de 1915, Sibelius incluyó junto al título finlandés, Aallottaret , una traducción alemana "explicativa", Die Okeaniden (en español: Las Oceánides ). [14] La pieza fue publicada como Op. 73 y dedicada al Sr. y la Sra. Carl Stoeckel. [21]
El poema sinfónico se estrenó el 4 de junio de 1914 en la sala de conciertos "The Shed" del Festival de Música de Norfolk, dirigido por el propio Sibelius en un podio decorado con los colores nacionales de Estados Unidos y Finlandia. La orquesta, que Sibelius elogió como "maravillosa... supera todo lo que tenemos en Europa", [22] estaba compuesta por músicos procedentes de tres de las mejores sociedades musicales de Estados Unidos: la Filarmónica de Nueva York , la Orquesta de la Ópera Metropolitana y la Orquesta Sinfónica de Boston . [23] The Oceanides no se parecía a nada que los músicos hubieran conocido antes. "Creo que al principio no lo entendieron todo por lo que dijeron", recordó Stoeckel. "A la mañana siguiente, después de haberlo interpretado tres veces, estaban completamente encantados con él y comentaron que la belleza de la música crecía con cada ensayo". [24] El público del festival expresó una opinión igualmente positiva sobre la nueva pieza, que concluyó un concierto de música de Sibelius que incluyó La hija de Pohjola , la Suite del rey Cristián II , El cisne de Tuonela , Finlandia y Valse triste . Stoeckel relata los acontecimientos del 4 de junio:
Todos los que tuvieron la suerte de estar entre el público coincidieron en que se trataba del acontecimiento musical de sus vidas y, tras la interpretación del último número, el compositor recibió una ovación que nunca he visto igualada en ningún otro lugar; todo el público se puso de pie y gritó con entusiasmo y, probablemente, el hombre más tranquilo de toda la sala fue el propio compositor; se inclinó repetidamente con esa distinción de modales que era tan típica de él... Tan tranquilo como Sibelius parecía en el escenario, después de terminar su parte subió las escaleras y se hundió en una silla en uno de los camerinos y se sintió muy emocionado. Algunas personas afirmaron que lloró. Personalmente, no creo que lo hiciera, pero había lágrimas en sus ojos cuando nos estrechó la mano y nos agradeció por lo que se complació en llamar el "honor que le habíamos hecho". [25]
Al concluir la segunda mitad del programa (que incluyó la Novena Sinfonía de Dvořák , la rapsodia Desde la pradera de Coleridge-Taylor y la obertura de la ópera Die Feen de Wagner ), la orquesta interpretó el himno nacional finlandés, Vårt Land . [n 5] [n 6]
Con el estallido de la Primera Guerra Mundial el 28 de julio de 1914, Las Oceánides languidecieron. La política de tiempos de guerra era lo que era, y la música de Sibelius rara vez se tocaba fuera de los países nórdicos y de los Estados Unidos: en Alemania , había poca demanda de la música de un «nacional enemigo», [n. 7] mientras que en Rusia , los finlandeses eran vistos como «menos que leales súbditos del zar». [27] En cualquier caso, muchas de las obras de Sibelius habían sido impresas por editoriales alemanas, un detalle que dañó la reputación de Sibelius no solo en Rusia, sino también en Gran Bretaña y los Estados Unidos. [28] Según Tawaststjerna , la guerra sumió a Sibelius en un estado de melancolía y lucha creativa (las sinfonías Quinta y Sexta estaban en proceso de gestación simultánea en ese momento). Su respuesta fue retirarse a una casi soledad: se abstuvo de asistir y dar conciertos y descuidó su círculo de amigos, y se imaginó a sí mismo "olvidado e ignorado, un solitario faro de luz en una oscuridad invernal cada vez más profunda". [29]
Sibelius no se desanimó fácilmente de su exilio; su amigo y colega compositor Wilhelm Stenhammar , entonces director artístico y director principal de la Orquesta Sinfónica de Gotemburgo , le escribió en repetidas ocasiones para persuadirlo de que dirigiera un concierto de sus obras en Gotemburgo . Creyéndose obligado a estrenar una "obra importante" en Suecia, como una sinfonía, Sibelius, para disgusto de Stenhammar, retrasó cada viaje programado. Se retiró de los conciertos planeados para marzo de 1914, escribiendo a Stenhammar: "Mi conciencia me obliga a esto. Pero cuando tenga algunas obras nuevas listas el próximo año, como espero, me dará una gran alegría interpretarlas en Gotemburgo". Se hicieron nuevos arreglos para febrero de 1915, pero Sibelius también los canceló en diciembre de 1914. Al final, el infatigable Stenhammar prevaleció y se fijaron nuevos conciertos para marzo de 1915 ("Veo una vez más vuestra gran simpatía por mi música. Iré"). [30]
Los esfuerzos de Stenhammar se vieron recompensados con el estreno europeo de Las Oceánides . Para Sibelius, fue una oportunidad de volver a ser un «artista de gira», alimentándose de la energía y las «ovaciones entusiastas» de una audiencia (habían pasado nueve meses desde los conciertos de Norfolk, que ahora parecían un lejano recuerdo). [31] El primer concierto, el 22 de marzo, incluyó la Segunda sinfonía , Scènes historiques II y dos movimientos de Swanwhite antes de concluir con Las Oceánides . Según el diario de Sibelius, la interpretación fue un «gran éxito», con Stenhammar «cautivado» particularmente por el número final. [32] El programa del 24 de marzo mantuvo Las Oceánides , pero la emparejó con Scènes historiques I , el Nocturno de la Suite del rey Cristián II , un movimiento de Rakastava , El regreso de Lemminkäinen y la Cuarta sinfonía. Sibelius se mostró muy satisfecho con la interpretación de The Oceanides por parte de la orquesta , calificándola de «maravillosa». En su diario anota que «después del último número [ The Oceanides ] hubo un torrente ensordecedor de aplausos, pisotones, gritos de bravo, una ovación de pie y fanfarrias de la orquesta». [32]
El estreno finlandés de Las Oceánides se produjo con motivo de la celebración del quincuagésimo cumpleaños de Sibelius el 8 de diciembre de 1915 en el Gran Aula de la Universidad de Helsinki , [n. 8] con Sibelius dirigiendo la Orquesta Filarmónica de Helsinki . El programa, que abrió Las Oceánides , también incluyó las dos Serenatas para violín y orquesta (Op. 69, Richard Burgin fue el solista) y, lo más importante, el estreno mundial de la Quinta Sinfonía, en ese momento todavía en cuatro movimientos. [33] El programa de cumpleaños fue bien recibido, y Sibelius lo repitió dos veces, una en el Teatro Nacional de Finlandia el 12 de diciembre y otra en la Universidad de Helsinki el 18 de diciembre. Las celebraciones continuaron en el nuevo año, con Sibelius dirigiendo Las Oceánides en un concierto en el Folketshus de Finlandia el 9 de enero de 1916. El poema sinfónico también fue retomado en la primavera por el cuñado de Sibelius, Armas Järnefelt , quien dirigió la Orquesta de la Ópera de Estocolmo . [34] Robert Kajanus siguió más tarde con una representación de The Oceanides en febrero de 1917. [35]
La versión revisada de The Oceanides está compuesta para los siguientes instrumentos, [1] organizados por familia ( instrumentos de viento de madera , instrumentos de viento de metal , percusión y cuerdas ):
La versión original de la pieza requería una trompeta menos. [37]
Las Oceánides es un poema tonal de un solo movimiento que consta de dos temas principales, A y B. Se puede decir que la "animada" sección A (en compás binario ), introducida por primera vez por las flautas al principio de la pieza, representa la actividad lúdica de las ninfas: [38] [39]
[ a-. mi-. a-.] \scaleDurations 2/3 { e32( ae } d8.~ | d4.. a'16) r8 a,16( a') d,( a') e( a) | } \new Staff \relative c'' { \set Staff.midiInstrument = #"flauta" \clave de sol \tiempo 4/4 \clave b \menor r4^"2 Fl." r16 fis8\p( e16) r16 fis8( e16) r8 fis8( | \scaleDurations 2/3 { fis32 e fis } e8.) r8. e16]( d)[ e-. d-. e-.] d d8.(~ | d4.. e16) r8 fis ,16( a) d( e) d( e) } >> }](http://upload.wikimedia.org/score/3/y/3ym6xmmdktvgit3qtok4qklyoxamatv/3ym6xmmd.png)
Poco después, el oboe y el clarinete solistas, apoyados por glissandi de arpa y cuerdas, introducen la "majestuosa" sección B (en compás ternario ), que recuerda la profundidad y la amplitud del océano y tal vez, al menos según Tawaststjerna, "al mismísimo Dios del Mar ": [38] [39]
Sibelius amplía y profundiza gradualmente los dos temas, construyendo hasta un enorme clímax (casi onomatopéyico) de choque de olas que Daniel Grimley ha caracterizado como un "punto de saturación textural, dinámica y cromática". [40] Formalmente enunciado por Tawaststjerna, el poema sinfónico procede estructuralmente de la siguiente manera:
Grimley interpreta la pieza como si progresara a través de "una serie de tres ciclos generativos, similares a olas", [40] quizás mejor descritos como océano plácido ( A – B ), tormenta que se avecina ( A 1 – B 1 ) y clímax con el choque de las olas ( C – A ). David Hurwitz ve la estructura de la pieza de manera similar a Tawaststjerna, aunque como A – B – A – B – Coda ( B – A ), que él llama " forma de sonata sin desarrollo", [39] mientras que Robert Layton considera a The Oceanides "algo ... de un rondó libre ", debido a la continua reaparición del tema de flauta de apertura ( A ). [41]
La opinión crítica sobre el mérito de The Oceanides ha sido abrumadoramente positiva, y hoy la pieza se cuenta entre las obras maestras de Sibelius. Tras el estreno en 1914, Olin Downes , el crítico musical estadounidense y devoto de Sibelius, describió la nueva obra como "la mejor evocación del mar que se haya producido jamás en música", elogiando al compositor por su "sensación extraordinariamente desarrollada para la forma, la proporción y la continuidad". [42] Downes, además, evaluó el concierto de Norfolk de Sibelius como la tercera vez desde 1900 en que se había "sentido en presencia de un genio de clase mundial" (las otras dos fueron Richard Strauss en 1904 y Arturo Toscanini en 1910). [42] Una reseña anónima en el New-York Tribune (casi con certeza escrita por el crítico Henry Krehbiel ) encontró la nueva obra "fresca y vital, llena de imaginación y fuerte en su clímax". [20] Continúa:
Los extremistas probablemente deplorarán el hecho de que el compositor todavía respete la forma, siga siendo un devoto de la belleza, siga creyendo en la potencia de la melodía; pero esto es más motivo de felicitación que de arrepentimiento... El señor Sibelius es un excelente constructivista musical, un elocuente armonista y un excelente colorista a pesar de su afición por los tintes oscuros. [20]
El influyente crítico sueco Wilhelm Peterson-Berger , siempre una espina en el costado de Sibelius y a quien el compositor una vez se había burlado llamándolo "su señoría", [43] [n 9] necesitó tres encuentros con Las Oceánides antes de simpatizar con el nuevo poema sinfónico: después de escuchar a la Sociedad de Conciertos de Estocolmo bajo la dirección de Sibelius en 1923, Peterson-Berger finalmente abrazó la pieza. " Las Oceánides era total y completamente diferente a la de hace tres años bajo la dirección de Schnéevoigt ", escribió. "En este hermoso poema uno realmente escuchaba algo del sonido del mar Egeo y de Homero ". [46]
El compositor (y antiguo alumno de Sibelius) Leevi Madetoja elogió aún más la partitura tras la reseña, escribiendo en Uusi Suometar en julio de 1914 que Sibelius, en lugar de "repetir sin fin" el estilo de sus obras anteriores, había vuelto a mostrar su inclinación por "renovarse musicalmente... siempre hacia adelante, luchando por nuevos objetivos". [47] El crítico finlandés Karl Wasenius (también conocido como BIS), escribiendo en Hufvudstadsbladet después de las actuaciones de celebración del cumpleaños de 1915, escribió con aprobación sobre la "refinada maestría" de la técnica de Sibelius. "Ni una sola nota se desperdicia en efectos atrevidos", continuó Wasenius. "Aun así, se logran cosas poderosas. Sibelius nos da la extensión y magnitud del océano, su poderoso canto de las olas pero sin gestos jactanciosos. Es demasiado noble para eso". [48] En Tidning för musik , Otto Anderssen interpretó las últimas composiciones de Sibelius (entre ellas Las Oceánides ) como otro indicador de que se encontraba entre los modernistas más vanguardistas: "Sibelius es, creo, un hombre del futuro... constantemente adelantado a su tiempo. Ahora se encuentra en las alturas donde el horizonte se extiende sobre campos que el resto de nosotros aún no podemos ver". [49] Cecil Gray , además, llama a la pieza "atrevida" y aplaude la "excepcional complejidad y refinamiento" de la partitura, desafiando a los críticos que ven a Sibelius como un "artista primitivo". [50]
Los comentaristas posteriores también encontraron mucho que elogiar en The Oceanides. Guy Rickards describe el poema sinfónico como una "partitura extraordinaria", magnífica aunque sutil en su representación de los diversos estados de ánimo del mar, pero no obstante "música bañada por la luz", [51] mientras que Robert Layton ve la pieza como "mucho más ambiciosa y altamente organizada en diseño" que su predecesora inmediata, The Bard . [52] Tawaststjerna destaca el éxito de Sibelius al caracterizar el mar: las "flautas juguetonas" que dan vida a las oceánicas pero que se sienten "extrañas" en la inmensidad del paisaje; el "poderoso oleaje" del viento y el agua transmitidos por el oboe y el clarinete sobre cuerdas ondulantes y glissandos de arpa; el acorde de viento sostenido que simboliza la "extensión ilimitada del mar"; y, el "poderoso clímax" de la tormenta, el choque final de la ola que "siempre supera las expectativas". [53] El compositor finlandés Kalevi Aho ha defendido la versión de Yale en re bemol mayor, pues considera que la pieza pierde "algo esencial" en términos de color orquestal en re mayor: "El tono orquestal en re bemol mayor está velado, de alguna manera misterioso e impresionista. Comparado con él, el re mayor suena más claro, pero también más realista". [15] El director Osmo Vänskä también ha señalado la diferencia entre las dos tonalidades, comparando la versión en re bemol mayor con un "gran lago" y la versión en re mayor con un "poderoso océano". [12]
Estilísticamente, muchos comentaristas han descrito Las Oceánides como ampliamente impresionista , en particular estableciendo comparaciones con La mer de Debussy . Harold Johnson, por ejemplo, escribe que los temas y la orquestación de la pieza, con trémolos de cuerdas en sordina y glissandos de arpa, "guardan más que un parecido superficial" con el estilo de Debussy (además sugiere que Sibelius pudo haber temido que su título original, Rondeau der Wellen , fuera "demasiado cercano a Debussy"). [54] Gray, quien llama a la técnica orquestal en Las Oceánides "notablemente diferente" de cualquier otra cosa en la obra de Sibelius, enfatiza que la obra está lejos de ser "derivada". Más bien, argumenta que Sibelius se basa en y revoluciona la técnica impresionista francesa, haciéndola "enteramente suya, y no meramente un reflejo o distorsión de Debussy". [50] Gray continúa:
Los maestros franceses del método y sus imitadores en otros países limitaron su atención, en su mayor parte, a explotar las posibilidades que ofrecen los registros superiores del registro orquestal y a lograr, principalmente, efectos de brillantez y luminosidad. La escritura de Debussy para los instrumentos graves, y para los bajos en particular, es, por regla general, tímida y convencional en comparación con su tratamiento de los instrumentos superiores, como resultado, sin duda, de su exagerado temor al espesor de la textura. En Las Oceánides, Sibelius ha explorado las profundidades inferiores de la orquesta más a fondo que nadie lo había hecho antes y ha aplicado el método impresionista de composición a los instrumentos bajos, logrando así efectos de sonoridad hasta entonces desconocidos. [50]
Aunque reconoce el carácter impresionista de Las Oceánides , Nils-Eric Ringbom advierte que no se debe llevar demasiado lejos la comparación con Debussy. Mientras que en las obras de Debussy «rara vez hay algo que crezca temáticamente o experimente un desarrollo» (en cambio, Debussy maravilla al oyente con «su maestría en la reproducción de estados de ánimo pasivos y oníricos y emociones fugaces y contenidas»), Sibelius pone «demasiado peso en el desarrollo lógico de sus ideas musicales como para dejarlas... parpadear en la nada vacía de la inestabilidad temática»; en otras palabras, insiste en que «el fondo atmosférico no absorbe ni la acción ni la estructura». [55] [56] El impresionismo de Sibelius es, por tanto, «mucho más... activo» que el de Debussy. [55]
Otros comentaristas han advertido contra la conclusión de que Las Oceánides es un ejemplo de impresionismo o que de alguna manera está en deuda estilística con Debussy. Tawaststjerna, por ejemplo, cree que el "anclaje de la pieza en la armonía mayor-menor y el uso relativamente parco de fórmulas modales y de tonos enteros" indica que el poema sinfónico "pertenece al mundo del romanticismo tardío", a pesar del carácter impresionista de su textura, vocabulario armónico y patrones rítmicos. [57] Hurwitz también ha criticado la "catarata rugiente de sinsentidos en la literatura de Sibelius" sobre la influencia de los impresionistas franceses en el compositor. [58] "Problemas musicales similares a menudo producen soluciones similares", señala Hurwitz. "En este caso, cualquier retrato sinfónico del océano está destinado a depender más de la textura y el color que de la melodía vocal, por la sencilla razón de que el océano no es una persona y no canta... ni se presta a... [un] enfoque antropomórfico ...". [58] Layton detecta la presencia de "procedimientos y técnicas sibelianos normales" en Las Oceánides , descartando cualquier deuda seria con Debussy. "Su crecimiento a partir de los primeros compases es profundamente orgánico", escribe Layton. "Y su aparente independencia del resto de la obra de Sibelius se manifiesta solo a un nivel superficial". [59]
El origen de The Oceanides se remonta a los bocetos de una suite de tres movimientos para orquesta en mi bemol mayor que Sibelius probablemente había comenzado en 1913; hoy en día, solo sobreviven el n.º 2 (Tempo moderato) y el n.º 3 (Allegro). Andrew Barnett ha especulado sobre el paradero del primer movimiento perdido de la suite anterior a The Oceanides . Aunque es probable que el compositor extraviara o destruyera el número inicial, Barnett sostiene que cuatro piezas de "pruebas circunstanciales" indican que el movimiento ha sobrevivido, aunque en una forma diferente, como el poema sinfónico The Bard , escrito en 1913 y revisado al año siguiente:
A pesar de su "belleza cautivadora", [63] The Oceanides ha recibido menos grabaciones que poemas sinfónicos de Sibelius más famosos como En saga , El cisne de Tuonela y Tapiola . La primera grabación de The Oceanides se realizó en 1936 con Sir Adrian Boult dirigiendo la Orquesta Sinfónica de la BBC , una interpretación que es notablemente más rápida que el promedio. Las primeras grabaciones de la versión de Yale (7:25) y la suite anterior a The Oceanides (No. 2 Tempo moderato , 2:42; No. 3 Allegro , 4:35) son de Osmo Vänskä y la Orquesta Sinfónica de Lahti bajo el sello BIS (BIS-CD-1445, Rondo of the Waves); ambas fueron grabadas en enero de 2003. El álbum se estrenó con considerable aclamación. Andrew Clements , del periódico The Guardian, calificó el disco como el mejor de 2003, señalando que las primeras versiones de The Oceanides permitían al oyente ver "la mecánica del genio musical al descubierto". [64] En 2015, Sakari Oramo y la Orquesta Sinfónica de la BBC grabaron la versión de Yale del poema sinfónico (9:44) en el Barbican Hall ; esta grabación está disponible a través de BBC Music Magazine a partir de noviembre de 2019 (BBCMM441).
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