La escultura en Japón comenzó con la figura de arcilla. Hacia el final del largo período neolítico Jōmon , las vasijas de cerámica "con borde de llama" tenían extensiones escultóricas en el borde, [1] y se produjeron figuras dogū de cerámica muy estilizadas , muchas con los característicos ojos "con forma de gafas de nieve". Durante el período Kofun del siglo III al VI d.C., se erigieron figuras de terracota haniwa de humanos y animales en un estilo simplista fuera de las tumbas importantes. La llegada del budismo en el siglo VI trajo consigo tradiciones sofisticadas en escultura, estilos chinos mediados a través de Corea. El Hōryū-ji del siglo VII y su contenido han sobrevivido más intactos que cualquier templo budista del este de Asia de su fecha, con obras que incluyen una Trinidad Shaka de 623 en bronce, que muestra al Buda histórico flanqueado por dos bodhisattvas y también a los Reyes Guardianes de las Cuatro Direcciones . [2]
Se dice que Jōchō no solo es uno de los mayores escultores budistas del período Heian, sino también de la historia de las estatuas budistas en Japón. Jōchō redefinió la forma del cuerpo de las estatuas de Buda al perfeccionar la técnica del yosegi zukuri (寄木造り), que es una combinación de varias maderas. La expresión pacífica y la figura elegante de la estatua de Buda que hizo completaron un estilo japonés de escultura de estatuas de Buda llamado Jōchō yō ('estilo Jōchō',定朝様) y determinaron el estilo de las estatuas budistas japonesas del período posterior. Su logro elevó drásticamente el estatus social del busshi (escultor budista) en Japón. [3]
En el período Kamakura , el clan Minamoto estableció el shogunato Kamakura y la clase samurái gobernó prácticamente todo Japón por primera vez. Los sucesores de Jocho, escultores de la escuela Kei de estatuas budistas, crearon estatuas realistas y dinámicas para satisfacer los gustos de los samuráis, y la escultura budista japonesa alcanzó su apogeo. Los escultores Unkei , Kaikei y Tankei ganaron renombre al reemplazar las estatuas de Buda de los templos que se habían perdido en guerras o incendios, como las de Kofuku-ji . [4]
Casi toda la escultura de gran tamaño significativa posterior en Japón fue budista, con algunos equivalentes sintoístas , y después de que el budismo decayera en Japón en el siglo XV, la escultura monumental se convirtió en gran medida en decoración arquitectónica. [5] Sin embargo, el trabajo escultórico en las artes decorativas se desarrolló hasta un nivel notable de logro técnico y refinamiento en objetos pequeños como inro y netsuke en muchos materiales, y tosogu de metal o monturas de espadas japonesas . En el siglo XIX hubo industrias de exportación de pequeñas esculturas de bronce, figurillas de marfil y porcelana, y otros tipos de esculturas pequeñas, que enfatizaban cada vez más el logro técnico.
Las antiguas figuras de arcilla japonesas se conocen como dogū (土偶) y haniwa (埴輪).
Los primeros habitantes del archipiélago japonés desarrollaron el primer arte nativo japonés en cerámica tosca y en extrañas figuras de arcilla llamadas dogū , que probablemente sean fetiches de naturaleza religiosa. Es posible que los dogū se hayan utilizado en ritos de fertilidad , exorcismos u otras formas de rituales. Las figuras presentan un simbolismo elaborado de líneas y remolinos fuertemente grabados.
El Nihon Shoki (Crónicas de Japón), una antigua historia de Japón compilada en el año 720, afirma que el emperador ordenó la fabricación de haniwa en el momento de la muerte de una emperatriz, ya que lamentaba la costumbre de que los sirvientes y doncellas del difunto siguieran a su amo en la muerte, y ordenó que se moldearan figuras de arcilla y se colocaran alrededor del túmulo funerario kofun en lugar del sacrificio de seres vivos. Los eruditos dudan de la autenticidad de esta historia y sostienen que las primeras formas de haniwa fueron tubos de arcilla cilíndricos simples y que se usaban a modo de estacas para mantener la tierra del túmulo en su lugar. Más tarde, estos haniwa cilíndricos simples se decoraron y adoptaron diversas formas, incluidas las formas de casas y animales domésticos, así como de seres humanos. Se han encontrado dispuestos en un círculo alrededor del túmulo, lo que da credibilidad a la teoría de los eruditos. Sin embargo, es probable que las figuras haniwa adquirieran simbolismo religioso más tarde, además de su propósito práctico original como estacas.
El surgimiento de Japón a partir del período de las artes primitivas nativas se debió principalmente a la introducción del budismo desde el continente asiático a mediados del siglo VI. Junto con la nueva religión, artistas y artesanos expertos de China llegaron a Japón para construir sus templos y esculpir ídolos, y para transmitir técnicas artísticas a los artesanos nativos.
Los primeros ejemplos de arte budista se pueden ver en el templo Horyū-ji del siglo VII en Nara , cuyos edificios, dispuestos en un patrón prescrito con una sala principal, un campanario, pagodas y otros edificios encerrados dentro de un corredor techado circundante, conservan un aura de la era antigua, junto con los innumerables tesoros artísticos preservados dentro de sus salas.
Nara y sus alrededores contienen la gran mayoría de los tesoros de la nación del período temprano del arte budista, conocido en la historia del arte como el período Asuka. La escultura de este período muestra, como la mayoría de las esculturas posteriores, la influencia del arte continental. El famoso escultor Asuka Tori Busshi siguió el estilo de la escultura de Wei del Norte y estableció lo que se conoce como la escuela de escultura Tori. Ejemplos notables de obras Tori son la Tríada de Sakyamuni, que son los iconos principales del Salón Dorado del templo Horyū-ji y el Bodhisatva Kannon del Salón Yumedono del mismo templo, también conocido como Guze Kannon.
Algunas de las esculturas budistas más importantes pertenecen al período artístico Hakuho, que siguió a la escultura y que empezó a mostrar una influencia predominante de la dinastía Tang . El aire místico y poco realista del estilo Tori anterior fue reemplazado por una pose suave y flexible y una belleza casi sensual más al estilo de Maitreya , con ojos largos y estrechos y rasgos afeminados y suaves que, a pesar de su aire de ensoñación, tienen una cercanía íntima. El distanciamiento de la escultura Asuka anterior se suaviza hasta adoptar una forma más nativa; y en ellas se puede ver un compromiso entre el ideal divino y el humano.
Esculturas representativas de este período son el Sho Kannon del templo Yakushiji y el Yumatagae Kannon de Horyū-ji, ambas mostrando la plenitud de la carne redondeada dentro de los pliegues convencionalizados de las prendas, reflejando en su arte características del arte Gupta transmitido al japonés a través de Tang.
Entre 710 y 793, los escultores japoneses aprendieron el estilo Tang y produjeron un estilo llamado escultura Tenpyō, que muestra un rostro realista, un volumen sólido masivo, ropajes naturales y representación de sentimientos. El emperador Shōmu ordenó el colosal Buda Vairocana de bronce dorado en el templo Tōdai-ji , que se completó en 752. Aunque la estatua ha sido destruida dos veces y reparada, ha sobrevivido una pequeña parte original. Entre muchas obras originales, el Asura en el templo Kōfukuji es una estatua de laca seca que muestra una delicada representación de sentimientos. Los cuatro guardianes de Kaidanin, una división del templo Tōdai-ji, son estatuas de arcilla. Una fábrica oficial nacional, Zō Tōdai-ji shi ("Oficina de construcción del templo Tōdai-ji"), produjo muchas esculturas budistas por división del trabajo para Tōdai-ji y otros templos oficiales y templos de novedades. En la fábrica se hacían esculturas de bronce dorado, laca seca, arcilla, terracota, repujado, piedra y plata. Por lo general, los escultores eran seculares y recibían estatus oficial y salario. Algunos estudios privados ofrecían iconos budistas a la gente y algunos monjes los hacían ellos mismos.
Con el traslado de la capital imperial de Nara a Kioto en 794, los grandes templos no se trasladaron a Kioto. El gobierno alimentó el nuevo budismo esotérico importado de la dinastía Tang en China. La fábrica oficial Zo Tōdai-ji shi se cerró en 789. Los escultores despedidos trabajaron bajo el patrocinio de los grandes templos de Nara, los nuevos templos de la secta esotérica, la corte y las novedades. [ aclaración necesaria ] Los escultores recibieron el estatus de clérigos del templo independientemente de que fueran miembros de la orden o no. La madera se convirtió en el material principal.
En cuanto al estilo, el periodo Heian se dividió en dos: el periodo Heian temprano y el posterior. En el periodo Heian temprano (794 a mediados del siglo X aproximadamente), florecieron las estatuas budistas esotéricas. Kūkai , Saichō y otros miembros de las embajadas imperiales japonesas en China importaron el estilo Tang, que iba del alto al tardío. Los cuerpos de las estatuas se tallaron a partir de bloques de madera individuales y parecen imponentes, macizos y pesados en comparación con las obras del periodo Nara. Sus miembros gruesos y sus rasgos faciales severos, casi melancólicos, les infunden una sensación de oscuro misterio e inspiran asombro en el espectador, en consonancia con el secreto de los ritos budistas esotéricos. Los drapeados profusamente tallados, en los que los pliegues redondeados se alternan con pliegues cortados con precisión, son típicos de este periodo. Entre las deidades budistas esotéricas, los japoneses han producido enormes imágenes de Acala .
En el período Heian tardío (mediados del siglo X al siglo XII), la sofisticación de la cultura de la corte y la popularidad del culto a Amida dieron lugar a un nuevo estilo: rasgos suaves, tranquilos y refinados con proporciones más atenuadas. Los escultores japonizaron los rostros de las imágenes. El líder de la secta de la Tierra Pura (culto a Amida) , Genshin, y su obra Ōjōyōshū influyeron en muchos escultores. La obra maestra es el Buda Amida en Byōdō-in en Uji del maestro Jōchō . Estableció un canon de escultura budista. Fue llamado el experto en la técnica yosegi zukuri : los escultores también comenzaron a trabajar con múltiples bloques de madera. Esta técnica permitió a los maestros la producción en taller con aprendices. En la escuela, un nieto de Jōchō estableció un taller que trabajó con la Corte Imperial en Kioto. La escuela En una disciplina de Jōchō, también estableció Sanjyō-Atlier en Kioto. [ aclaración necesaria ]
La escuela Kei estableció un nuevo estilo de escultura budista basado en el realismo , incorporando elementos del estilo Tenpyo del periodo Nara así como la técnica yosegi-zukuri establecida por Jōchō en el periodo Heian. Sus esculturas se caracterizan por expresiones agudas y severas, cuerpos musculosos y tridimensionales, y posturas y vestimentas que expresan movimiento. La escuela Kei logró expresar emociones y movimientos complejos. Este realismo reflejaba los gustos de los samuráis , que habían gobernado Japón de manera efectiva desde el periodo Kamakura y se habían convertido en nuevos mecenas de las esculturas budistas. Por otro lado, las esculturas de arcilla, laca seca, gofrado y terracota no revivieron. Usaron principalmente madera y, a veces, bronce. [6]
La escuela Kei se arraigó en la ciudad de Nara , que fue la antigua capital (710-793), y trabajó en los grandes templos de Nara. En el período Kamakura, la corte de Kioto y el gobierno militar del shogunato de Kamakura reconstruyeron grandes templos quemados en las guerras de finales del siglo XII. Se repararon muchas esculturas y se reconstruyeron o repararon muchos edificios.
Entre los escultores de la escuela Kei, Unkei es famoso. Entre sus obras se incluyen un par de colosales Kongō-rikishi en Tōdai-ji y las estatuas de sacerdotes indios que parecen retratos en Kōfuku-ji . Unkei tuvo seis hijos escultores y su trabajo también estaba imbuido del nuevo realismo. Tankei , el hijo mayor y un escultor brillante, se convirtió en el director del estudio. Kōshō, el cuarto hijo, produjo una notable escultura del maestro budista japonés del siglo X Kuya (903-972).
Kaikei fue colaborador de Unkei y un devoto seguidor de la secta de la Tierra Pura . Trabajó con el sacerdote Chōgen (1121-1206), director del proyecto de reconstrucción de Tōdai-ji. Muchas de sus figuras son más idealizadas que las de Unkei y sus hijos, y se caracterizan por una superficie bellamente acabada, ricamente decorada con pigmentos y oro. Se han conservado más de 40 de sus obras, muchas de las cuales están firmadas por él. Su obra más importante es la Tríada de Amitabha de Ono Jōdo-ji (1195).
Una de las obras de arte budista más destacadas de la época fue la estatua de Buda consagrada en Sanjūsangen-dō, compuesta por 1032 estatuas realizadas por escultores de estatuas budistas de las escuelas Kei, In y En. La imagen principal, Senju Kannon , en el centro, las 1001 estatuas de Senju Kannon que la rodean, los 28 asistentes de Senju Kannon, Fūjin y Raijin crean un espacio solemne, y todas ellas están designadas como Tesoros Nacionales . [7] [8]
Los escultores también trabajaron para el shogunato de Kamakura y otros clanes militares. Produjeron esculturas budistas y retratos para ellos. El colosal Buda Amitabha de bronce en Kamakura Kōtoku-in se hizo en 1252. Todas las clases sociales contribuyeron con fondos para hacer este colosal bronce. Este patrocinio comunitario aumentó la apuesta , y a veces reemplazó, el patrocinio de individuos ricos y poderosos. [ aclaración necesaria ]
Las esculturas budistas decayeron en cantidad y calidad. El nuevo budismo zen despreció las imágenes de Buda. Los grandes templos de las antiguas sectas fueron abandonados durante las guerras civiles.
Las esculturas de retratos de maestros zen se convirtieron en un nuevo género durante este período.
El arte de tallar máscaras para el teatro Noh floreció y mejoró entre los siglos XV y XVII.
La reconstrucción de los templos budistas quemados durante las guerras civiles requirió de escultores. Las nuevas esculturas fueron en su mayoría talladas de manera conservadora en madera y doradas o policromadas .
Sin embargo, algunos monjes budistas escultores produjeron imágenes de madera toscamente talladas y sin pintar. Enkū (1632-1695) y Mokujiki (1718-1810) son ejemplos representativos. Viajaron por Japón y produjeron enormes obras con fines ceremoniales y misioneros. Sus estilos arcaicos y espirituales fueron reevaluados en el siglo XX.
El arte de tallar máscaras para Noh también continuó produciendo mejores obras en el siglo XVII.
En el período Edo, la urbanización progresó en varias partes de Japón y la cultura de los habitantes de las ciudades se desarrolló enormemente. En este período, el inro y el netsuke se hicieron populares como accesorios para los hombres. Los netsuke son elaboradas tallas de madera y marfil, y principalmente animales y criaturas imaginarias eran el tema. Debido a que los netsuke son pequeños y fáciles de coleccionar, siguen siendo populares entre los coleccionistas.
Durante este período, se colocaron muchas esculturas en los edificios de los santuarios sintoístas construidos en estilo Gongen-zukuri .
A finales del siglo XIX, el shogunato Tokugawa entregó el control de Japón al emperador , y Japón se modernizó rápidamente y abolió la clase samurái , y la ropa japonesa comenzó a occidentalizarse. Como resultado, los artesanos que fabricaban espadas , armaduras , netsuke , kiseru , inro y muebles japoneses perdieron clientes, pero con el apoyo del nuevo gobierno, comenzaron a hacer esculturas de metal, marfil y madera extremadamente elaboradas, que luego exportaron a Estados Unidos y Europa. Durante las eras Meiji y Taishō , la escultura japonesa progresó desde la producción de objetos devocionales, a objetos decorativos y, finalmente, a bellas artes. [9] Las exposiciones internacionales llevaron el bronce fundido japonés a un nuevo público extranjero, atrayendo fuertes elogios. [10] La historia pasada del armamento samurái equipó a los trabajadores del metal japoneses para crear acabados metálicos en una amplia gama de colores. Al combinar y terminar el cobre, la plata y el oro en diferentes proporciones, crearon aleaciones especializadas que incluyen shakudō y shibuichi . Con esta variedad de aleaciones y acabados, un artista podría dar la impresión de una decoración a todo color. [11]
El estímulo de las formas artísticas occidentales devolvió la escultura a la escena artística japonesa e introdujo el yeso , la escultura heroica al aire libre y el concepto de la escuela de París de la escultura como una "forma de arte". Estas ideas, adoptadas en Japón a finales del siglo XIX, junto con el regreso del mecenazgo estatal, rejuvenecieron la escultura.
En 1868, el nuevo gobierno prohibió el sincretismo tradicional entre el sintoísmo y el budismo y ordenó separar los templos budistas de los santuarios sintoístas para establecer un gobierno centralizado a cargo del emperador, que era el sacerdote supremo del sintoísmo. En respuesta a esta situación, algunos sacerdotes sintoístas comenzaron a destruir templos budistas. Okakura Tenshin y otros trabajaron arduamente en actividades políticas para proteger el arte budista, y el gobierno declaró que protegería el budismo. La destrucción se detuvo alrededor de 1874, pero se perdieron muchas estatuas budistas valiosas. [12]
Después de la Segunda Guerra Mundial , los escultores se alejaron de la escuela figurativa francesa de Rodin y Maillol y se inclinaron por formas y materiales modernos y vanguardistas agresivos , a veces en una escala enorme. Una profusión de materiales y técnicas caracterizó estas nuevas esculturas experimentales, que también absorbieron las ideas del "op" ( ilusión óptica ) internacional y el arte pop . Varios artistas innovadores eran a la vez escultores y pintores o grabadores, y sus nuevas teorías trascendían las fronteras materiales.
En la década de 1970, las ideas de la colocación contextual de objetos naturales de piedra, madera, bambú y papel en relación con las personas y su entorno se plasmaron en la escuela mono-ha . Los artistas mono-ha enfatizaron la materialidad como el aspecto más importante del arte y pusieron fin al antiformalismo que había dominado la vanguardia en las dos décadas anteriores. Este enfoque en las relaciones entre los objetos y las personas fue omnipresente en todo el mundo artístico y condujo a una creciente apreciación de las cualidades "japonesas" en el entorno y a un retorno a los principios y formas artísticas nativas. Entre estos preceptos se encontraba la reverencia por la naturaleza y varios conceptos budistas. La ideología occidental fue reexaminada cuidadosamente y mucho fue rechazado a medida que los artistas recurrían a su propio entorno, tanto interno como externo, en busca de sustento e inspiración. Desde finales de la década de 1970 hasta finales de la de 1980, los artistas comenzaron a crear arte que era a la vez contemporáneo y asiático en sus fuentes y expresión, pero que todavía formaba parte de la escena internacional. Estos artistas se centraron en proyectar su propio individualismo y estilos nacionales en lugar de adaptar o sintetizar exclusivamente ideas occidentales.
La escultura al aire libre, que cobró importancia con la creación del Museo al Aire Libre de Hakone en 1969, se utilizó ampliamente en la década de 1980. Las ciudades apoyaron la construcción de enormes esculturas al aire libre en parques y plazas, y los principales arquitectos planearon la instalación de esculturas en sus edificios y trazados urbanos. Los museos y las exposiciones al aire libre florecieron, enfatizando la ubicación natural de la escultura en el entorno. Como la piedra dura para esculturas no es originaria de Japón, la mayoría de las piezas para exteriores se crearon a partir de acero inoxidable, plástico o aluminio para construcciones de máquinas de "tensión y compresión" de acero con superficie de espejo o para formas elegantes, ultramodernas, de aluminio pulido. La fuerte influencia de la alta tecnología moderna en los artistas dio como resultado la experimentación con formas cinéticas y de tracción, como arcos flexibles y esculturas "infoambientales " que utilizan luces. Los componentes de video y el videoarte se desarrollaron rápidamente desde fines de la década de 1970 hasta la década de 1980. Podría entenderse que los nuevos escultores experimentales japoneses trabajan con ideas budistas de permeabilidad y regeneración a la hora de estructurar sus formas, en contraste con la concepción occidental general de la escultura como algo con contornos finitos y permanentes.
En la década de 1980, muchos escultores utilizaron la madera y los materiales naturales de forma destacada y empezaron a colocar sus obras en patios interiores y espacios cerrados. Asimismo, tanto artistas consagrados como Kyubei Kiyomizu y Hidetoshi Nagasawa como la generación más joven, liderada por Shigeo Toya, utilizaron el sentido japonés del movimiento rítmico, plasmado en formas recurrentes como un "movimiento gestual sistemático".
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