Docter concibió Inside Out en octubre de 2009 después de observar cambios en la personalidad de su hija a medida que crecía. Posteriormente, el proyecto recibió luz verde y Docter y el codirector Ronnie del Carmen desarrollaron la historia, mientras consultaban a psicólogos y neurocientíficos en un esfuerzo por representar con precisión la mente. El desarrollo llevó cinco años y medio con un presupuesto de aproximadamente 175 millones de dólares . Cambios significativos en la historia y los personajes de la película retrasaron el cronograma de producción de la película .
En la mente de una joven llamada Riley Andersen hay una serie de emociones básicas personificadas que influyen en sus acciones: Alegría , Ira, Miedo, Desagrado y Tristeza . Las experiencias de Riley se convierten en recuerdos que se almacenan como orbes de colores y se envían a la memoria a largo plazo cada noche. Los aspectos de los cinco "recuerdos centrales" más importantes dentro de su personalidad toman la forma de cinco islas flotantes. Alegría actúa como líder porque percibe a Tristeza como una carga innecesaria para Riley. Alegría también trabaja para limitar la influencia de Tristeza.
A los 11 años, Riley se muda de Minnesota a San Francisco por el nuevo trabajo de su padre. Al principio, Riley tiene malas experiencias: la nueva casa es pequeña y vieja; su padre apenas tiene tiempo para Riley; una pizzería local solo sirve pizza con brócoli, algo que a ella no le gusta; y el camión de mudanzas con sus pertenencias fue enviado a Texas por error y no llegará hasta dentro de unas semanas.
En el primer día de Riley en su nueva escuela, Tristeza entristece retroactivamente los recuerdos alegres, lo que hace que Riley llore frente a su clase y crea un recuerdo central triste. Alegría intenta deshacerse de este recuerdo usando un tubo neumático , pero accidentalmente suelta los otros recuerdos centrales durante una lucha con Tristeza, desactivando las islas de personalidad. Alegría, Tristeza y los recuerdos centrales son posteriormente succionados fuera de la Sede.
En ausencia de Alegría y Tristeza, Ira, Miedo y Desagrado se ven obligados a tomar el control de Riley; intentan crear recuerdos felices, pero los resultados son desastrosos, alejando a Riley de sus padres, compañeros y pasatiempos. Sin los recuerdos, las islas de personalidad de Riley se desmoronan gradualmente y caen en el "basurero de la memoria", donde las cosas se desvanecen hasta la inexistencia a medida que se olvidan. Ira, con la intención de restaurar la felicidad de Riley, convence a Desagrado y Miedo de que Riley debería huir a Minnesota, donde se formaron sus recuerdos felices.
Mientras navegan por la vasta área de la memoria a largo plazo, Alegría y Tristeza se encuentran con Bing Bong, el amigo imaginario de Riley , quien les sugiere tomar el "tren del pensamiento" de regreso a la Sede. Después de varias aventuras y contratiempos, el trío toma el tren, pero este se descarrila por completo cuando otra isla se derrumba.
Joy, que teme que todos los recuerdos centrales se vuelvan tristes, abandona a Tristeza e intenta viajar en un "tubo de recuerdos" de regreso a la Sede. El suelo debajo del tubo se derrumba, se rompe y envía a Joy y Bing Bong al basurero de recuerdos. Después de llorar, algo inesperado de ella, y descubrir un triste recuerdo de perder un partido de hockey que se volvió feliz cuando los padres y amigos de Riley la consolaron, Joy finalmente comprende el propósito de Tristeza al alertar a los demás cuando Riley está emocionalmente abrumado y necesita ayuda.
Joy y Bing Bong intentan usar su carro cohete alimentado por canciones para escapar del basurero de recuerdos. No pueden ascender por completo debido a su peso combinado, pero Bing Bong se sacrifica para salvar a Joy saltando en el último momento y desapareciendo en el basurero de recuerdos.
Joy se reúne con Tristeza y regresan a la Sede, donde descubren que la idea de Furia ha desactivado la consola, lo que hace que Riley entre en depresión mientras se sube a un autobús hacia Minnesota. Para sorpresa de los demás, Joy le entrega el control de la consola a Tristeza, quien logra reactivarla e incitar a Riley a regresar con sus padres. Mientras Tristeza reinstala los recuerdos centrales, transformándolos de felices a tristes, Riley les dice entre lágrimas a sus padres que extraña su antigua vida. Los padres de Riley la consuelan y le dicen que también extrañan Minnesota.
Alegría y Tristeza trabajan juntas en la consola, creando un nuevo núcleo de memoria que es a la vez feliz y triste, y se forma una nueva isla, que representa la aceptación de Riley de su nueva vida en San Francisco. Un año después, Riley, que ahora tiene 12 años, se ha adaptado a su nuevo hogar, ha hecho nuevos amigos, ha vuelto a jugar al hockey y ha adquirido nuevos pasatiempos. Dentro de la Sede, las emociones de Riley admiran sus nuevas islas de personalidad, impulsadas por núcleos de memoria que contienen una mezcla de emociones, y reciben una consola recientemente ampliada que tiene suficiente espacio para que todos trabajen juntos, como un equipo.
El desarrollo de Inside Out recibió luz verde en octubre de 2009 [1] después de que el director Pete Docter notara que su hija Elie se estaba volviendo "más tranquila y reservada", [2] y comenzó a preguntarse qué estaba sucediendo internamente. [3] [4] Docter invitó a Ronnie del Carmen , quien había trabajado como supervisor de historia en Buscando a Nemo (2003) y Up (2009), a unirse al proyecto como codirector, un papel que del Carmen aceptó. [5] [6] Buscaron inspiración en sus propias historias y experiencias personales, [7] y consultaron con psicólogos y especialistas como el psicólogo Paul Ekman y Dacher Keltner , profesor de psicología en la Universidad de California, Berkeley , para mayor precisión. [8] [9] Mientras diseñaban el paisaje mental de Riley, consultaron a neurocientíficos y tomaron señales de cadenas de ADN y fotografías de destellos neuronales. [1] Según Keltner y Ekman, la película enfatiza las formas en que las emociones organizan nuestros pensamientos y vidas sociales, especialmente el papel de la tristeza en el fomento de las conexiones. [10]
Veintisiete emociones, incluyendo irritación, envidia, codicia, tristeza, desesperación, depresión, amor, schadenfreude , aburrimiento , vergüenza, bochorno y esperanza, fueron consideradas para las primeras versiones de la película, pero el número fue reducido posteriormente por razones de simplicidad. [b] Ekman proporcionó una lista de emociones (ira, miedo, tristeza, disgusto, desprecio, sorpresa y felicidad) y Docter decidió eliminar la sorpresa debido a su similitud con el miedo; también eliminó el desprecio. La felicidad fue rebautizada como optimismo y posteriormente como alegría. [8] [16] [17] El director creativo John Lasseter ofreció poca aportación a la película debido a su enfoque en la reestructuración de Walt Disney Animation Studios ; Fue la primera película de Pixar que se produjo sin la participación del cofundador del estudio, Steve Jobs , quien murió en 2011. [2] El proceso de desarrollo de la película tomó cinco años y medio [18] [19] y tuvo un presupuesto de aproximadamente $175 millones. [20] Ralph Eggleston , diseñador de producción de Pixar desde 1992, afirmó que fue la película más difícil y más larga en la que había trabajado. [19] Como resultado, los directores debutantes fueron considerados no elegibles para trabajar en la película. [21]
Escribiendo
En 2010, Docter y el equipo de realización cinematográfica se reunieron para discutir aspectos de Inside Out , incluyendo su ambientación, reglas y carretes. Luego, Docter reclutó a un pequeño equipo para desarrollar la trama de la película y diseñar sus personajes en 12 meses; [1] [22] [23] su principal desafío fue manejar su técnica de múltiples capas. [24] Del Carmen describió su educación como una influencia significativa y tuvo la idea de convertir a Riley en un ávido jugador de hockey sobre hielo debido a la popularidad de ese deporte en Minnesota. [25] [26] Aunque el guion de la película se consideró ambicioso e ingenioso, el guionista Michael Arndt pasó un año en él antes de abandonar el proyecto a principios de 2011; [27] se le atribuyó el aporte de material adicional para la historia. [28] Junto con Docter, Josh Cooley y Meg LeFauve fueron acreditados como guionistas de sus reescrituras. [29]
Para promover la diversidad de aportes, la mitad del equipo de la historia estaba formado por mujeres en una época en la que la industria de la animación estaba formada en gran medida por hombres. Aunque Inside Out se centra en una niña, las investigaciones descubrieron que las mujeres de entre 11 y 17 años estaban más en sintonía con las expresiones y emociones que las niñas más jóvenes. [26] Docter decidió que Riley no era un personaje principal, sino el escenario de la película. [1] Consideró que la emoción principal era femenina porque Riley es una niña. Se asignaron otros personajes de emoción masculinos y femeninos. [30] Docter descartó una idea inicial sobre Riley cayendo en una profunda depresión. [2] La creación de guiones gráficos para Inside Out tomó de dos a tres años e incluyó de siete a ocho proyecciones para el "grupo de expertos" de Pixar, un pequeño grupo de líderes creativos que supervisan el desarrollo de todas las películas. Pasaron más de tres años mejorando la escena de la cena para evitar que se volviera obsoleta para el público y al mismo tiempo mantener la historia y el humor. [31]
Los realizadores fueron responsables de expresar los rasgos personales, talentos, [11] y contrastes de los personajes. [26] El equipo de diseño de Inside Out investigó más sobre las direcciones distintivas de la personalidad de Riley después de que Docter se preocupara por el descontento de Joy. El diseñador Albert Lozano quería que Joy fuera marimacho y traviesa. [32] Amy Poehler ayudó al equipo a escribir Joy, ilustrando una amplia gama de felicidad después de enfrentar dificultades. Con la ayuda de LeFauve, el equipo imaginó a Joy como un personaje vulnerable e intangible porque es "positiva sin complejos". [22] [33] Desde el principio, la idea del potencial de Joy para manipular excesivamente a los jóvenes persistió, desencadenando las "tormentas sociales" de Riley. [34]
En un caso, Riley quería el papel principal de un pavo en un espectáculo del Día de Acción de Gracias ; Docter encontró que esa idea de la trama era demasiado desconocida y buscó algo para reemplazarla. Surgieron varios borradores, incluidos los personajes que cultivaban ideas después de caer en "Campos de ideas"; [35] en otro, Bing Bong reclutaría a un gran séquito exiliado de personajes de la infancia de Riley. Richard Kind más tarde definió a su personaje como "el desvanecimiento de la infancia" cuando el desarrollo de Intensa-Mente había progresado. [36] En octubre de 2011, Diane Disney Miller persuadió a Docter para reducir las distracciones de Intensa-Mente y reordenar las prioridades de la historia. [22] Docter determinó que el concepto de islas de personalidad podría integrar la geografía y la historia del mundo mental. [35]
En 2012, la película se puso en producción [1] después de varias proyecciones y sugerencias, y fue evaluada después de tres meses. El editor Kevin Nolting dijo que se crearon siete versiones de la película antes de que comenzara la producción. [31] Equilibrar el tono de la película, por ejemplo, las respuestas de los espectadores a la naturaleza alegre de Joy mientras se sienten negativos sobre el desorden que Joy manipula en Riley, fue difícil. El productor Jonas Rivera le dio crédito a Poehler por desarrollar estos aspectos de la naturaleza de Joy. [34] Eggleston recomendó ambientar la película en la mente de Riley en lugar de en su cerebro, [37] y se eliminaron algunas escenas sobre el cerebro. [11]
Los realizadores de Pixar realizaron una proyección de evaluación de la película en julio de 2012. Una versión temprana de Intensa-Mente se centró en Alegría y Miedo perdiéndose juntos. Docter consideró que esto era problemático y determinó que la idea de que Alegría había aprendido de Miedo para desarrollar su caracterización, antes de decidir integrar emociones y relaciones dentro de la película. En cambio, Tristeza reemplazó a Miedo para tener un papel "mucho más jugoso". [11] [38] El altercado de Docter entre Alegría y Tristeza carecía del final emotivo de la película. Para abordar el problema, cambió una escena en la que Riley se separa de su amiga en sus partes posteriores. Islas de la Amistad y la Personalidad se convirtieron en las salidas de Alegría y Tristeza en la película para mantener su continuidad . [39]
Durante el proceso de storyboard, se desarrollaron 27 secuencias y 178.128 esquemas, [22] quedando 127.781 al finalizar. [11] Según Cooley, se hicieron 10 reescrituras de la trama de Inside Out y 10 escenas íntegras de la mente de Riley. [39] El storyboard inicial diferenció la importancia del arco del personaje de Riley en lugar de sus emociones, pero Rivera consideró que el equilibrio de la película era "alrededor del 75 por ciento dentro, el 25 por ciento fuera". [24] A principios de 2013, los cineastas hicieron de siete a ocho aperturas distintas para la película. [22] Las primeras escenas completadas de Inside Out se proyectaron a modo de prueba en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy en junio de 2014. [40] El grupo de expertos finalmente cerró la película y su historia. La producción de la película concluyó en mayo de 2015 [1] después de tres años. [16]
Fundición
Los personajes principales de Inside Out fueron elegidos en agosto de 2013. [41] La grabación de voces comenzó ese año y terminó en 2014. [1] El casting se centró en actores que tienen personalidades idénticas a las de los personajes a los que prestaron su voz. [42] Debido a que el elenco de Inside Out incluye a varios veteranos de Saturday Night Live ( SNL ), el equipo de producción de la película pasó una semana en ese programa investigando una secuencia de televisión en vivo. [43]
Phyllis Smith fue la primera de los personajes de emociones en ser elegidos y Poehler fue el último. Smith y Poehler tuvieron tres sesiones de grabación de voz cada uno. [44] [45] Smith inicialmente estaba preocupado por su intento de prestar su voz a un papel en una película animada. [46] Una vez que Smith recibió una llamada para viajar a la sede de Pixar en Emeryville, California , Rivera la eligió después de ver una escena de almuerzo en Bad Teacher (2011). Se puso en contacto con Docter y le dijo: "Creo que encontramos nuestra Tristeza". [45] Smith vio su voz natural después de su primera sesión de grabación. [46]
Kind fue la elección perfecta de Docter para Bing Bong. [47] Kind intentó transmitir el mismo "tipo de inocencia" que había transmitido en sus papeles anteriores en Pixar. [48] Docter describió a Bing Bong como una contribución de la caracterización de Joy. [47] Kind modeló la personalidad y apariencia de Bing Bong en Oliver Hardy , Jimmy Durante y John Candy , especialmente la actuación de Candy en Planes, Trains, and Automobiles (1987). [46]
Bill Hader y los realizadores visitaron el set de SNL en la ciudad de Nueva York, donde se asumió su casting inmediato como Fear hasta que terminó su estadía. Hader contactó a Poehler y le dijo que su papel era secreto antes de reafirmar su participación en Inside Out . En preparación, Hader practicó "casi todas las emociones" y su voz chillona en sesiones de grabación. [c] Fear se modeló tanto en el actor Don Knotts como en el personaje de Rowan Atkinson , Mr. Bean , ambos con ojos muy abiertos. Docter describió a Fear como "el tipo de persona que puede aportar sofisticación y luego cambiar de opinión en un instante". [30] [52]
Mindy Kaling asistió a seis sesiones de grabación en cuatro horas para dar voz a Disgust antes de ser elegida para el papel. Dijo que la historia sonaba "realmente hermosa" cuando se la presentaron. [8] [50] Docter dijo que Lewis Black ejemplificaba la Ira, y que fue elegido después de que los cineastas lo tuvieran en cuenta, después de haber escuchado la voz de Black. [17] Los cineastas eligieron a Kaitlyn Dias como Riley, después de haber descrito su actuación como "conmovedora" y adaptado su "honestidad desgarradora". Según Rivera, el casting de Dias fue "perfecto". [46]
Diseño
Eggleston fue el encargado de delinear la mente y los mundos reales a través de instrucciones de diseño . El mundo de la mente incorpora superficies suaves, un mayor uso de colores saturados y luz contrastante, y translucidez, mientras que el mundo real utiliza atributos opuestos. [19] El diseño de los mundos se asemeja a los de las películas de Pixar Up y Toy Story 3 (2010), [16 ] el drama romántico One from the Heart (1982), las producciones teatrales de David Hockney , [53] y los musicales de Broadway previstos para los años 50. [2] El animador supervisor Victor Navone reforzó los aspectos del diseño, [16] que se enfatizaron mediante el modelado de superficies de forma libre . [54] Se desarrollaron alrededor de 300 diseños de Headquarters. [1] Al descifrar cómo representar el interior de la mente, los cineastas se concentraron en la palabra "electroquímico" y consideraron opciones que usaban electricidad. [55]
Los diseños de los personajes sufrieron varias revisiones antes de que se finalizaran. Inicialmente se diseñaron formas simples; estas incluían a Anger como un ladrillo, Joy como una estrella, Sadness como una lágrima y Fear como un nervio. La apariencia de Sadness finalmente se cambió a la de Debbie Downer . Lozano planeó vestir a Sadness con pijamas para resaltar su depresión. Los enfoques de Disgust y Anger se basaron respectivamente en April Ludgate y Hades de Hércules (1997). Para evitar similitudes con Campanilla , a Joy se le dio un vestido verde y se cambió el color de su cabello a azul. Después de que Pixar presentó diseños potenciales de Riley a la audiencia, Lozano pensó que el personaje se parecía a Elie. [52] [56]
Animación
La animación de Intensa-Mente llevó un año y medio. En la producción participaron unos 48 animadores, incluidos los supervisores Shawn Krause y Navone, el director Jamie Roe y 350 artistas (35 de ellos de iluminación, dirigidos por la directora de fotografía Kim White, y 10 de maquetación y técnicos). Se formaron dos equipos de animación: uno para la secuencia abstracta y otro que implicaba la simulación de multitudes para las agrupaciones de los personajes. [16] [18] Utilizaron una tecnología novedosa para localizar cada parte del cuerpo humano. [57]
Docter imaginó que con las emociones de los personajes podrían "llevar el nivel de caricatura" tanto al diseño como al estilo de movimiento. Para ello, emularon los estilos de animación de Tex Avery y Chuck Jones . [35] Docter informó a Krause y Navone que llevaran la caricatura gráfica de cada personaje en lugar de ceñirse al comportamiento rígido de cada modelo de RenderMan . Esto requirió que un artista dibujara sobre los personajes en Inside Out usando una Wacom Cintiq durante las pruebas diarias . [58] Después de que se finalizaron las formas de los personajes, se propusieron modelos 3D usando computadoras de escritorio . Los cineastas estudiaron las pruebas diarias hasta que Docter dio la aprobación a las tomas finalizadas de la película en cuanto a iluminación y renderizado . [1]
Inside Out hizo un mayor uso de una herramienta de dibujo avanzada con la que los animadores realizaron esculturas rápidas en siluetas, alterando las apariencias de los personajes y evaluando una estimulación de tela de "ajuste fino". [59] A través del departamento de simulación, se agregó el movimiento del cabello y las prendas de los personajes. [11] El cofundador de Pixar, Edwin Catmull, sintió que los atributos de los personajes tenían en menor medida formas humanoides, colores brillantes y formas extrañas debido a su posesión de campos de fuerza . [60] Todos los aspectos de Inside Out finalmente se fusionaron en una sola imagen, [11] convirtiéndose en una animación distribuida en 1600 tomas. Cada tres segundos de metraje tomó tres semanas para crearse [1] y 33 horas para renderizarse. [60]
Ambos equipos de animación manejaron la transición de Joy de un "personaje completamente abstracto" a un "personaje animable". [61] La iluminación de Joy fue la inspiración inicial de Eggleston a través de su diseño de producción. El diagrama pastel de Eggleston le dio forma a Joy, aumentando su iluminación [62] y convirtiéndola en el personaje crucial de Pixar. En lugar de ser sólida, la efervescencia de Joy se derivaba de molinetes, champán y bengalas. Lozano pensó que Joy se parecía a Audrey Hepburn . [1] Para que Joy se iluminara, el equipo de RenderMan desarrolló una óptica geométrica , [62] y Docter sugirió diseñarla con modificaciones "parecidas a sprites y doradas". [30] Estos efectos funcionan de manera confiable debido al tipo típico de Joy. Se realizaron más de 750 tomas utilizando interpretación artística y cinematografía de iluminación. [61] Los cineastas trabajaron en el aura de Joy durante ocho meses, pero encontraron dificultades con el tiempo y el presupuesto. Lasseter solicitó que se aplicara para cada emoción en su lugar. Eggleston describió esta técnica diciendo: "Se podía escuchar al personal técnico principal tirarse al suelo, el presupuesto cayendo por las nubes". [63] Docter y su equipo de seis diseñadores pasaron aproximadamente 18 meses finalizando el aspecto de Joy. [32] El proceso de creación de Joy tomó tres años. [30]
Cinematografía
El director de fotografía Patrick Lin se centró en enfatizar la cinematografía de Inside Out . Creó un lenguaje visual con estilos de cámara únicos para representar el mundo de la mente y el mundo real, lo que permitió una conexión entre la historia de la película y el personaje de Riley. Lin dijo que estos mundos pueden polarizarse. [64] [65] El diseño y la cinematografía del mundo de la mente fueron influenciados por Casablanca (1942). Pixar investigó películas de la época dorada de Hollywood para la construcción de decorados . Realizaron tomas en movimiento magistrales , combinándolas en una sola escena, la más larga de las cuales fue de 48 segundos y constaba de 1200 fotogramas. [62]
La filmación del mundo real se enfrentó a problemas con la distorsión de la lente y tomas fuera de foco, pero los cambios de dirección contrarrestaron la complejidad del trabajo de cámara. Los operadores de cámara utilizaron lentes Arri Ultra Prime y Zeiss Cooke S4 con movimientos de cámara distintos y rutas predeterminadas para ambos mundos. Se utilizaron un dolly , una pista , una grúa y un brazo para el mundo mental y cámaras de mano con lentes de zoom y monturas Steadicam para el mundo real. El equipo de Lin supervisó el arco de Riley, ya que estas cámaras se usaron en tres actos ; el primero estaba montado en una Steadicam y el segundo era portátil. [19] [66]
Algunos aspectos de Inside Out fueron respaldados por "progresiones de escala" (el tamaño de la construcción del mundo basado en la perspectiva de los personajes principales) para las caracterizaciones, así como los arcos de Riley y Joy, la puesta en escena de la historia y el encuadre del tema. [66] Las cámaras fueron creadas por el equipo con sensores adjuntos; estas cámaras eran "rudas" y "físicas", pero se mejoraron en Inside Out después de ser utilizadas en el cortometraje de Pixar The Blue Umbrella (2013). Se creó un sistema hombre-máquina para recorrer a cada persona dentro del entorno de Inside Out , asignando a cada una de sus actuaciones la interacción con las escenas de la película. Las virtuales se bloquearon usando Layout antes de ser animadas. [54]
Michael Giacchino compuso la música de Inside Out . [67] Comenzó a planificar en enero de 2015 [68] y concluyó en mayo de 2015. [1] Mientras estaba en la sesión de música, Docter sintió que su banda sonora era "agridulce" y "nostálgica". [22] Giacchino quería crear algo más emocionalmente monumental para Inside Out que su banda sonora de Up . [68] Los productores primero se reunieron con Giacchino para discutir el concepto de la película y proyectarla para él. En respuesta, Giacchino compuso una suite musical de ocho minutos, sin conexión con la película, basada en sus emociones al verla. Rivera dijo que debido a que tanto Giacchino como Docter eran músicos, discutieron la película en términos de historia y personajes. [35] De acuerdo con su preferencia creativa, el diseñador de sonido Ren Klyce creó un paisaje sonoro progresivo . [69] La mezcla de audio se realizó para armonizar sonidos "densos" para la escena inicial de la película. La introducción de Joy usa un solo sonido. [70]
Liberar
Marketing
La comercialización de Inside Out se consideró difícil a pesar del entusiasmo de los ejecutivos de Disney y Pixar por la película. [38] Escribiendo para The Washington Post , Kristen Page-Kirby describió esto como "absolutamente jodido". [71] La estrategia de marketing de Disney incluyó una campaña activa en las redes sociales , [72] una gira publicitaria mundial, [73] y la creación de cinco carteles coloridos de los personajes. [74] Kind no participó en la comercialización de Inside Out porque los productores decidieron mantener a Bing Bong en secreto. [48] Como resultado, el personaje fue excluido de la promoción de la película para centrarse en los personajes de emociones. Docter consideró la decisión de Kind "inteligente", reconociendo que Bing Bong fue una "sorpresa para la audiencia". [75] [76] En el período previo a su estreno, la película se proyectó de prueba para niños porque los ejecutivos estaban preocupados por su atractivo para los espectadores jóvenes. [33] Disney Infinity 3.0 agregó un juego de plataformas tipo Inside Out con los cinco personajes de emociones como personajes jugables. [77] [78] Se lanzó un juego móvil estilo Puzzle Bobble titulado Inside Out: Thought Bubbles . [79] [80]
Taquillas
El estreno norteamericano de Inside Out tuvo lugar en el Teatro El Capitan (foto de 2008).
La película de 95 minutos Inside Out debutó en una competencia en el 68º Festival de Cine de Cannes el 18 de mayo de 2015, [81] [82] seguida de un estreno el 8 de junio en el Teatro El Capitan en Hollywood, Los Ángeles . [83] En el evento en Cannes, la película recibió una ovación de pie de ocho minutos. [84] [85] Inside Out también se estrenó en Dolby Vision , lo que la convirtió en una de las primeras películas en adoptar el formato. [86] En los cines, estuvo acompañada por un cortometraje llamado Lava (2014). [87]
Inside Out se programó inicialmente para su estreno el 30 de mayo de 2014, [88] pero se pospuso al 19 de junio de 2015. [89] Durante su primer fin de semana en Estados Unidos y Canadá, Inside Out recaudó $90.4 millones en 3,946 salas, 3,100 de las cuales fueron en 3D , debutando en el número dos detrás de Jurassic World ($106.6 millones). [90] Estos ingresos incluyeron $3.7 millones de los preestrenos del jueves por la noche. [91] La cifra total del fin de semana convirtió a Inside Out en la primera película de Pixar en no debutar en el número uno, [92] el mayor debut en el número dos de todos los tiempos (superando a The Day After Tomorrow ), y el fin de semana de estreno más grande para cualquier película original (superando a Avatar ), y fue el segundo mayor estreno de Pixar después de Toy Story 3 . [93] El exitoso estreno de Inside Out se atribuyó a su estreno en Cannes, CinemaCon y proyecciones en Fathom Events , recepción crítica favorable y boca a boca, y su lanzamiento durante el fin de semana del Día del Padre . Atrajo principalmente a una audiencia mayoritariamente femenina y aproximadamente el 71 por ciento de los espectadores eran familias. [94] [95] [96] La película recaudó $52.1 millones en su segundo fin de semana, una reducción del 42 por ciento, y $29.3 millones en su tercero. [97] [98] Después de terminar su presentación en cines el 10 de diciembre de 2015, Inside Out había recaudado $356.9 millones en los EE. UU. y Canadá como la cuarta película más taquillera del año . [99] [100] En julio de 2020, debido al cierre mundial de los cines durante la pandemia de COVID-19 y los límites en las películas que se proyectaban, Inside Out regresó a 442 salas, en su mayoría autocines , y recaudó $340,000. [101]
Fuera de los EE. UU. y Canadá, Inside Out recaudó $40.3 millones durante su fin de semana de estreno en 37 mercados. [102] Sus mercados de mayor recaudación fueron China con $11.7 millones, [103] el Reino Unido con $11.5 millones, [104] México con $8.6 millones, Rusia con $7.6 millones, [102] Italia con $7.4 millones, [105] Alemania con $7.1 millones, [106] y Corea del Sur con $5.2 millones. Inside Out fue la primera película de Pixar en recaudar más de mil millones de rublos en Rusia. [107] La película recaudó $501.9 millones más , y sus mayores ingresos brutos provinieron del Reino Unido ($59.4 millones), Japón ($33 millones), Alemania ($31.6 millones), México ($31.1 millones), Corea del Sur ($30.9 millones), Francia ($30.1 millones), Italia ($27.1 millones), Venezuela ($25.4 millones) y Australia ($24.2 millones). [99] Esto la convirtió en la séptima película más taquillera fuera de los EE. UU. y Canadá, [108] y la séptima película más taquillera de 2015 con una recaudación total de $858,8 millones. [109] Deadline Hollywood calculó la ganancia neta de la película en $279,51 millones, teniendo en cuenta los presupuestos de producción, el marketing, la participación de talentos y otros costos; las ganancias de taquilla y los ingresos de los medios domésticos la colocaron en sexto lugar en su lista de los "éxitos de taquilla más valiosos de 2015". [20]
Medios domésticos
Walt Disney Studios Home Entertainment lanzó Inside Out para descarga digital el 13 de octubre de 2015, y en Blu-ray y DVD el 3 de noviembre. [110] [111] Las copias físicas contienen un comentario de audio , featurettes detrás de escena, escenas eliminadas, [112] y los cortometrajes Riley's First Date? y Lava . [113] [114] [115] Inside Out fue el lanzamiento de video doméstico más vendido de noviembre de 2015 y el alquiler número cinco durante su semana de lanzamiento. Blu-ray representó el 57 por ciento de sus ventas. [116] A fines de 2015, el lanzamiento físico había recaudado alrededor de $ 97.8 millones. [117] Se lanzó una versión Blu-ray 4K Ultra HD en 2019. [118] [119]
Recepción
Respuesta crítica
Inside Out recibió elogios de la crítica, [d] y fue incluida en las listas de los diez mejores de muchos críticos en 2015. [129] Tiene un índice de aprobación del 98% basado en 384 reseñas profesionales en el sitio web del agregador de reseñas Rotten Tomatoes , con una calificación promedio de 8.9/10. El consenso dice: "Inventiva, magníficamente animada y poderosamente conmovedora, Inside Out es otra adición sobresaliente a la biblioteca de Pixar de clásicos animados modernos". [130] Metacritic (que utiliza un promedio ponderado) le asignó a Inside Out una puntuación de 94 sobre 100 basada en 55 críticos, lo que indica "aclamación universal". [131] Las audiencias encuestadas por CinemaScore le dieron a la película una calificación promedio de "A" en una escala de A+ a F. [94] Antes del estreno de Intensa-Mente , los fanáticos y los críticos estaban preocupados por una percepción de dependencia excesiva de las secuelas por parte de Pixar, que se vio exacerbada por el anuncio de Toy Story 4 (2019) y la disminución de la calidad de sus películas. El New York Times atribuyó esto a los problemas financieros de DreamWorks Animation . [2] [132]
Los críticos elogiaron la calidad de Intensa-Mente y la dirección de Docter, [e] describiéndola como un regreso a la forma para Pixar. [f] Peter Debruge ( Variety ), Kenneth Turan ( Los Angeles Times ) y Todd McCarthy ( The Hollywood Reporter ) elogiaron la película. Debruge y Turan la describieron como la mejor de Pixar, llamándola "sofisticada" y "audaz". Turan y Richard Brody ( The New Yorker ) citaron las atractivas imágenes de la película, su mensaje sobre el valor de las emociones y la representación de la imaginación de Riley, y Debruge y Anthony Lane ( The New Yorker ) elogiaron su originalidad. [g] David Edelstein de Vulture dijo que la película es una "nueva piedra de toque de la cultura pop". [147] A pesar de estas críticas generales, el crítico de The Guardian Peter Bradshaw y el escritor de Slant Magazine Christopher Gray evaluaron la película como ligeramente inferior a las mejores obras de Pixar. [148] [149]
El guion, la trama y el tema fueron elogiados. [h] Scott Mendelson de Forbes dijo que el guion de la película respalda sus temas [150] mientras que Leigh Singer de IGN señaló que los tropos de la película incluyen la devoción infantil, el trabajo en equipo y las persecuciones confusas. Singer dijo que el viaje "probado y comprobado" tenía una "licencia para ir" sin precedentes. [156] Rene Rodríguez, escribiendo para el Miami Herald , dijo que la historia salta del principio al final y que los personajes dentro de la cabeza de Riley tienen metas delgadas. [157] Ann Hornaday ( The Washington Post ) y AO Scott ( The New York Times ) apreciaron su entretenido tema. [142] [158] Udhav Naig de The Hindu vio la película como una promoción de la salud mental , pero criticó su mala interpretación de las funciones cerebrales. [159]
Las críticas de los medios sobre las actuaciones de los actores fueron muy positivas; [i] su trabajo fue descrito como "maravilloso" y "excelente". [164] [165] Edelstein elogió la actuación de Poehler, diciendo que tiene "una exuberancia sobrenatural pero los temblores semitonales de la duda que evitan que eso... sea empalagoso o caricaturesco". [147] Magnett llamó a Anger el personaje "más perfecto" con un "sentido del humor y un cuidado genuino". [161]
Un tema central de Inside Out son las consecuencias y la representación de las emociones y los recuerdos. [173] [174] [175] Aquellos retratados en la película son "honestos" y "generosos"; [174] [176] su objetivo es mantener la vida de Riley. [177] Natasha Moore de la cadena australiana ABC News dijo sobre el tema de la película: "[Si] la vida despreocupada de Riley se vuelve más complicada, ... los intentos de Joy de brindar felicidad ininterrumpida se vuelven cada vez más neuróticos". [178] Nicole Markotic dijo que la película explora la relación entre "lo mucho y lo uno", demostrando que las personas tienen personalidades "compuestas". Los diferentes componentes de la personalidad de una persona son vitales para el "equilibrio emocional y psicológico" de esa persona. La depresión y la tristeza son distintas en la película; esta distinción tiene como objetivo "[ofrecer] a los individuos estrategias para evitar reprimir sentimientos cruciales". [179] En un artículo publicado en el British Journal of Psychiatry , Hannah Marcarian y Paul O. Wilkinson afirmaron que esta validación de diferentes emociones ayuda a las personas a expresarse. [180]
Ruth Bettelheim, de USA Today, escribió que las respuestas humanas a los entornos físicos y sociales evolucionaron a lo largo de millones de años y aún se comprenden por completo, como lo demuestra la omisión en la película de las sensaciones corporales de Riley y su posible efecto en los estados mentales. La primatóloga Louise Barrett dijo que la película muestra la desconexión entre personajes que no se relacionan entre sí ni con sus propias emociones, pero los momentos de armonía personal conducen a conexiones interpersonales positivas. [181] Según Jamie Altman de USA Today , Inside Out muestra que los cambios ambientales importantes pueden ser "difíciles, pero no imposibles, de superar", y la recomienda a los estudiantes universitarios que experimentan nostalgia o tristeza. [182]
Demandas judiciales
Tres demandas siguieron al estreno de Inside Out . La pediatra Denise Daniels demandó a Disney y Pixar en 2017, alegando que las emociones personificadas de la película infringían su propuesta para una serie de televisión llamada The Moodsters . [183] Dos demandas similares siguieron en 2018; la autora Carla J. Masterson demandó a Disney por infringir sus libros What's on the Other Side of the Rainbow? y The Secret of the Golden Mirror , [184] y otra fue presentada en el Tribunal de Distrito de los Estados Unidos para el Distrito Norte de California por un estudiante canadiense Damon Pourshian, que había hecho una película titulada Inside Out . [185] [186] La demanda de Pourshian fue aprobada por un tribunal de Ontario en 2021. [187] Se desconocen los resultados de estas demandas [184] [187] y la de Daniels fue rechazada. [188]
Legado
Evaluaciones retrospectivas
Según Film and Philosophy , una revista filosófica, Inside Out es una de las mejores películas animadas jamás realizadas. [189] Varias publicaciones, como IndieWire y The AV Club , se han referido a Inside Out como una entrada destacada en la década de 2010. [j] Una encuesta de la BBC de 2016 a 177 críticos de cine incluyó a Inside Out como la 41.ª mejor película del siglo XXI , [198] y The New York Times la colocó en el séptimo lugar de su propia lista. [199] Empire y The Independent respectivamente la nombraron 18.ª y 41.ª mejor en 2020. [200] [201] El guion de la película fue incluido en el puesto número veintinueve en la lista de los "101 mejores guiones del siglo XXI (hasta ahora)" del Writers Guild of America en 2021. [202]
Impacto cultural
En 2015, Google inició un evento Made with Code para Inside Out llamado "Inside HQ" para alentar a los niños, especialmente a las niñas, a estudiar programación. [203] A nivel mundial, estuvo entre las principales búsquedas de entretenimiento de Google de 2015. [204] [205] La película es referenciada en la serie de televisión Los Simpson . [206] [207] Durante la pandemia de COVID-19, Inside Out fue una de las 35 películas recomendadas por The Independent . [208]
Inside Out inspiró varios memes de Internet . En 2015, se publicó en las redes sociales un meme que implicaba una similitud entre Joy y Disgust y la superpareja filipina apodada AlDub. [209] La madre de Riley y los personajes maternos de otras películas de Pixar se mostraron en un meme de "Dump-Truck" con temática de nalgas. [210]
El concepto de “recuerdos centrales” se convirtió en una expresión utilizada entre la Generación Z y luego en una tendencia en el servicio para compartir videos TikTok a mediados de 2022. [211] [212]
Franquicia ampliada
Inside Out fue seguida por un cortometraje titulado Riley's First Date? (2015) que se desarrolla brevemente después de los eventos de la película y se incluyó en el lanzamiento de Blu-Ray de la película, [113] y luego en una secuela de largometraje, Inside Out 2 (2024). [213] Presentó la idea de "cinco a 27 emociones" de Docter, [12] incorporando Ansiedad ( Maya Hawke ), Envidia ( Ayo Edebiri ), Vergüenza ( Paul Walter Hauser ), Aburrimiento ( Adèle Exarchopoulos ) y Nostalgia ( June Squibb ) en la secuela, [214] y superó a la película original en taquilla. [215] Una serie corta de cuatro episodios titulada Dream Productions que se desarrolla entre los eventos de ambas películas y después del cortometraje se lanzará en Disney+ en 2025. [216]
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