Lou Silver Harrison (14 de mayo de 1917 - 2 de febrero de 2003) fue un compositor , crítico musical , teórico musical , pintor y creador de instrumentos musicales únicos estadounidense. Harrison inicialmente escribió en un estilo disonante y ultramodernista similar al de su antiguo maestro y contemporáneo, Henry Cowell , pero luego pasó a incorporar elementos de culturas no occidentales en su trabajo. Ejemplos notables incluyen una serie de piezas escritas para instrumentos gamelan de estilo javanés , inspiradas después de estudiar con el destacado músico gamelan Kanjeng Notoprojo en Indonesia . Harrison crearía sus propios conjuntos e instrumentos musicales con su socio, William Colvig , quienes ahora son considerados fundadores del movimiento gamelán estadounidense y de la música mundial ; junto con los compositores Harry Partch y Claude Vivier , y el etnomusicólogo Colin McPhee .
La mayoría de las obras e instrumentos personalizados de Harrison están escritos para una entonación justa en lugar del temperamento igual más extendido , lo que lo convierte en uno de los compositores más destacados que ha experimentado con microtonos . También fue uno de los primeros compositores que escribió en el idioma internacional esperanto , y uno de los primeros en incorporar fuertes temas de homosexualidad en su música.
Harrison nació el 14 de mayo de 1917 en Portland, Oregon , de padres Clarence "Pop" Harrison y la ex residente de Alaska Calline Lillian "Cal" Harrison (de soltera Silver). [1] [2] Inicialmente, la familia gozaba de una buena situación económica debido a herencias pasadas, pero atravesó tiempos difíciles que condujeron a la Gran Depresión . Harrison vivió en el área de Portland durante sólo nueve años antes de mudarse con sus padres y su hermano menor, Bill, a varios lugares del norte de California , incluidos Sacramento , Stockton y, finalmente, San Francisco . [3] Dado que la ciudad tenía una gran población de asiático-americanos en ese momento, Harrison estuvo a menudo rodeado por la influencia del Este . Su madre decoró su casa con linternas japonesas , alfombras persas ornamentadas y réplicas de antiguos artefactos chinos . [2] [4] La diversa gama de música a la que estuvo expuesto allí, incluida la ópera cantonesa , la kīkākila hawaiana , el jazz , la música norteña y clásica , lo fascinó e interesó profundamente. [5] [6] Más tarde diría que había escuchado mucha más música tradicional china que música europea cuando era adulto. [7]
El interés inicial de Harrison por la música fue apoyado por sus padres: Cal pagó lecciones de piano ocasionales y Pop llevó al joven Harrison a estudiar canto gregoriano tradicional en la Misión San Francisco de Asís durante un breve período. [5] Sin embargo, los frecuentes traslados de la familia en busca de trabajo le brindaron al adolescente Harrison pocas oportunidades de desarrollar amistades a largo plazo. Sintiéndose a menudo como un extraño, confió en su propio juicio para guiar sus decisiones estéticas y decididamente se alejó cada vez más del estilo artístico de Occidente . En lugar de ello, se dedicó a ampliar su propia educación personal , pasando a menudo tiempo en la biblioteca local para leer libros sobre todo, desde zoología hasta confucianismo . Recordó que podía leer dos libros al día y la amplísima diáspora de intereses lo impulsó a conectar influencias dispares a lo largo de su vida, incluso en sus futuras composiciones. [8] Se cree que la soledad de su juventud contribuyó a su fuerte aversión por las metrópolis urbanas y la llamada "vida urbana". [8]
Harrison descubrió que era gay mientras asistía a la escuela secundaria de Burlingame y se dio cuenta de su atracción por un compañero de clase. Cuando se graduó en diciembre de 1934, a la edad de 17 años, se lo había contado a su familia y decidió a partir de entonces no hacer ningún intento de ocultar su preferencia sexual y personalidad; casi inaudito para los hombres homosexuales de la época. [2] [9] [10]
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Después de graduarse de la escuela secundaria en 1934, Harrison se matriculó en el San Francisco State College (ahora Universidad Estatal de San Francisco ). Fue allí donde tomó el curso "Música de los Pueblos del Mundo" de Henry Cowell que ofrece la Extensión de UC Berkeley . Harrison rápidamente se convirtió en uno de los estudiantes más entusiastas de Cowell y posteriormente lo nombró asistente de clase. [11] [12] Después de asistir a una interpretación en Palo Alto de una de las piezas para piano y percusión improvisada de Cowell en junio de 1935, Harrison proclamaría que era una de las obras más extraordinarias que jamás había escuchado. Más tarde incorporaría elementos similares de percusión encontrada e interpretación aleatoria en su música. [13] En el otoño del mismo año, Harrison se acercó a Cowell para recibir lecciones privadas de composición , iniciando una amistad personal y profesional que continuó hasta la muerte de Cowell por cáncer en 1965. [14] [15] [16] Fue el primero en publicar la obra de Harrison. música, a través de la editorial que fundó, New Music Edition. [17] Durante la estancia de cuatro años de Cowell en la prisión de San Quentin por un cargo moral que involucraba actos homosexuales, Harrison apeló públicamente por su liberación y lo visitaba regularmente para recibir lecciones de composición a través de los barrotes de la prisión. [18] [19] [20]
Mientras todavía estudiaba a los 19 años, se convirtió en profesor interino de música en Mills College en Oakland de 1936 a 1939. En 1941, se trasladó a la Universidad de California en Los Ángeles para trabajar en el departamento de danza; enseñar a los estudiantes el análisis del movimiento de Laban y tocar el acompañamiento de piano . [21] Mientras estuvo allí, tomó lecciones teóricas de Arnold Schoenberg , lo que lo llevó a promover su interés en la infame técnica de los doce tonos . [22] [23] Más tarde diría: "... no fue ningún salto aprender a escribir música dodecafónica; Henry fue quien me enseñó". [18] Las piezas que estaba escribiendo en ese momento, sin embargo, eran en gran parte obras de percusión que utilizaban materiales no convencionales, como tambores de freno de automóviles desechados y botes de basura , como instrumentos musicales. [24] Pocas de sus piezas supervivientes, incluido uno de los primeros ejemplos conocidos, Preludio para piano de cola (1937), siguen el lenguaje serialista dodecafónico. [2] [25] Comenzó a utilizar grupos de tonos en sus obras para piano, a la manera de Cowell, pero se diferenciaba de su técnica al pedir una "barra de octava", una barra de madera plana de aproximadamente una octava de largo, con un fondo de goma ligeramente cóncavo. [26] Esto permitió que los grupos fueran mucho más ruidosos de lo que serían de otra manera y le dio al piano un sonido más apagado, parecido a un gong . Su estilo experimental y libre floreció durante este período, con piezas como el Concierto para violín y orquesta de percusión (1940) y Laberinto (1941). [27] Esta música ultramoderna y vanguardista captó la atención de John Cage , otro de los alumnos de Cowell. [21] [28] Harrison y Cage colaborarían en los años siguientes y entablarían varias relaciones románticas. [22] [26]
A Harrison se le recomendó varias veces estudiar composición musical en París (o en Europa en general), pero varias veces decidió no hacerlo, debido a su firme posición de promover y elevar el estatus de sus colegas compositores estadounidenses. [29] En 1943, Harrison se mudó a la ciudad de Nueva York y trabajó como crítico musical para el Herald Tribune a instancias de su colega compositor y tutor Virgil Thomson . [21] [23] [30] Mientras estuvo allí, conoció y se hizo amigo de muchos compositores modernistas de la costa este, incluidos Carl Ruggles , Alan Hovhaness y, lo más importante, Charles Ives . Más tarde, Harrison se dedicaría a llamar la atención del mundo musical sobre Ives, cuyas obras habían sido objeto de burla o ignoradas hasta ese momento. [31] Con la ayuda de su mentor Cowell, grabó y dirigió el estreno de la Sinfonía nº 3 de Ives (1910); [21] recibiendo ayuda financiera de Ives a cambio. Cuando Ives ganó el Premio Pulitzer de Música por esa pieza, le dio la mitad del dinero recompensado a Harrison. Harrison también editó una gran cantidad de obras de Ives y recibió una compensación a menudo superior a lo que facturó.
A pesar de lo fructíferos que se estaban volviendo sus esfuerzos creativos, Harrison estaba plagado de soledad y ansiedad mientras estaba en la ciudad. Una relación romántica con una bailarina en Los Ángeles tuvo que terminar debido a la mudanza, una mudanza de la que ya había comenzado a arrepentirse porque extrañaba cada vez más la costa oeste . [32] En 1945, había desarrollado varias úlceras dolorosas , que parecía no poder curar a medida que su condición nerviosa empeoraba. A pesar de intentar completar nueva música para publicarla, muchas de ellas (incluida una encargada por Ives) fueron violentamente arrancadas y tachadas por Harrison debido a una extrema falta de confianza cuando comenzó a internalizar las opiniones negativas sobre sus composiciones y su imagen pública. . [33]
En mayo de 1947, el estrés extremo causado por la nostalgia , un horario de trabajo intenso y colegas homofóbicos culminaron en una grave crisis nerviosa . [2] [34] Cage acudió en ayuda de Harrison, ayudándolo y llevándolo a una clínica psiquiátrica en la cercana Ossining . Harrison permaneció en la clínica durante varias semanas antes de ser trasladado al Hospital Presbiteriano de Nueva York . [35] Escribió frecuentemente a Cowell y a su esposa Sidney durante los primeros meses, expresando su profundo arrepentimiento y depresión por lo que sentía como una carrera y una edad adulta desperdiciadas. [30] Su recuperación implicó nueve meses de tratamiento extenso y varios años más de chequeos regulares, a pedido de Harrison. Muchos de sus colegas predijeron que la crisis anunciaría el fin de su carrera, pero Harrison continuó componiendo a pesar del estrés que lo atormentaba. Mientras estuvo en el hospital, compuso varias obras, incluida gran parte de su Sinfonía en sol (1952), y pintó regularmente . [33] [34]
Sin embargo, decidió regresar a California lo antes posible. [35] En una carta de 1948 dirigida a su madre, Harrison escribió desde el hospital: "Anhelo vivir bien y con sencillez y eso simplemente no es posible aquí". [10]
La crisis durante sus años en Nueva York llevó a Harrison a reevaluar en gran medida su lenguaje y estilo compositivo. Finalmente rechazó el lenguaje disonante que había cultivado anteriormente y se volvió hacia un lirismo melódico más sofisticado en escalas diatónicas y pentatónicas . Esto lo puso en marcado desacuerdo con los estilos académicos entonces vigentes y lo separó de los compositores ultramodernistas que había estudiado y con los que había asociado. Los dos años que siguieron a su salida del hospital en 1949 se convirtieron en uno de los más productivos de toda la carrera de Harrison, produciendo obras impresionistas como la Suite para violonchelo y arpa, y La Capilla peligrosa y el Solsticio . [33] Siguiendo el camino del compositor y amigo canadiense-estadounidense Colin McPhee , quien había realizado una extensa investigación sobre la música indonesia en la década de 1930 y escribió una serie de composiciones que incorporaban elementos balineses y javaneses , el estilo de Harrison comenzó a emular más la influencia de la música gamelán. claramente, aunque sólo sea en el timbre : "Fue el sonido en sí lo que me atrajo. En Nueva York, cuando cambié de tema de doce tonalismo, exploré este timbre. Los movimientos de gamelán en mi Suite para violín, piano y pequeña orquesta [ 1951] son imitaciones auditivas de los sonidos generalizados del gamelán". [36] [37]
A principios de la década de 1950, Harrison recibió una copia de la primera edición del libro de Harry Partch sobre afinación musical , Génesis de una música (1949) de Thomson. [38] Esto lo impulsó a abandonar el temperamento igual y comenzar a escribir música con entonación justa . [39] Se esforzó por lograr música poderosa utilizando proporciones simples, y más tarde consideraría la música en sí misma como "matemática emocional". [40] En un comentario frecuentemente citado que se refiere a las proporciones de frecuencia utilizadas en la entonación justa, dijo: "Había pensado durante mucho tiempo que me encantaría una época en la que los músicos supieran leer y escribir. Me encantaría ser un conductor y decir: 'Ahora, violonchelos, me dieron 10:9 allí, por favor denme un 9:8', ¡me encantaría conseguirlo!".
Harrison enseñó música en varios colegios y universidades, incluido Mills College de 1936 a 1939 y nuevamente de 1980 a 1985, la Universidad Estatal de San José , Cabrillo College , Reed College y Black Mountain College . En 1953 regresó a California, instalándose en Aptos , cerca de Santa Cruz, donde vivió el resto de su vida. Él y Colvig compraron un terreno en Joshua Tree, California , donde diseñaron y construyeron el "Harrison House Retreat", una casa con fardos de paja . Continuó trabajando en sus instrumentos musicales experimentales.
Aunque muy influenciado por la música asiática, Harrison no visitó el continente hasta un viaje a Japón y Corea en 1961, y un viaje a Taiwán en 1962 (donde estudió con el maestro zheng Liang Tsai-Ping ). [41] Él y su socio William Colvig construyeron más tarde un conjunto de percusión afinada, utilizando llaves y tubos de aluminio resonantes, así como tanques de oxígeno y otros instrumentos de percusión encontrados. Lo llamaron "gamelán americano" para distinguirlo de los de Indonesia. También construyeron instrumentos tipo gamelán afinados solo en escalas pentatónicas a partir de materiales inusuales como latas y tubos de aluminio para muebles. Escribió "La Koro Sutro" (en esperanto) [42] para estos instrumentos y coro, así como Suite para violín y Gamelan americano. Además, Harrison tocó y compuso para la cítara guzheng china y presentó (con Colvig, su alumno Richard Dee y la cantante Lily Chin) más de 300 conciertos de música tradicional china en la década de 1960. [43]
Fue compositor residente en la Universidad Estatal de San José en San José, California , durante la década de 1960. La universidad lo honró con un concierto exclusivamente de Harrison en el Auditorio Morris Daley en 1969, con bailarines, cantantes y músicos. Lo más destacado del concierto fue el estreno mundial de la representación de Harrison de la historia de Orfeo , que utilizó solistas, el coro a capella de la Universidad Estatal de San José, así como un grupo único de percusionistas.
Harrison habló abiertamente sobre sus opiniones políticas, como su pacifismo (era un partidario activo del idioma internacional esperanto ) y el hecho de que era gay. También era políticamente activo e informado, incluido el conocimiento de la historia gay. Escribió muchas piezas con textos o títulos políticos, escribiendo, por ejemplo, Homenaje a Pacifica para la inauguración de la sede de la Fundación Pacifica en Berkeley , y aceptando encargos del Portland Gay Men's Chorus (1988 y 1985) y del Seattle Men's Chorus. para arreglar (1987) sus Strict Songs , originalmente para ocho barítonos, para "un coro de 120 hombres entusiastas del canto. Algunos de ellos buenos; otros no tan buenos. Pero el número es fabuloso". [44] Lawrence Mass describe:
Con Lou Harrison...ser gay es algo afirmativo. Está orgulloso de ser un compositor gay y está interesado en hablar sobre lo que eso podría significar. No se siente amenazado por el hecho de que esto signifique que no se le considerará un compositor estadounidense que también es grande, atemporal y universal. [45]
Janice Giteck describe a Harrison como:
descaradamente andrógino en su forma de abordar la creatividad. Tiene una conexión vital tanto con lo femenino como con lo masculino. La parte femenina es evidente en el sentido de eseidad. Pero al mismo tiempo, Lou también es muy masculino, ferozmente activo y asertivo, rítmico, palpitante y agresivo. [46]
Como muchos otros compositores del siglo XX, a Harrison le resultó difícil mantenerse con su música y aceptó otros trabajos para ganarse la vida, incluidos vendedor de discos, florista, enfermero de animales y bombero forestal.
El 2 de noviembre de 1990, la Filarmónica de Brooklyn estrenó la cuarta sinfonía de Harrison, a la que tituló "Última Sinfonía". Combinó música nativa americana, música antigua y música asiática, uniéndolas todas con una exuberante escritura orquestal. Una inclusión especial fue una serie de "Historias de coyotes" navajos. Hizo varias revisiones de las sinfonías antes de completar una versión final en 1995, que fue grabada por Barry Jekowsky y la Sinfónica de California para Argo Records en Skywalker Ranch en Nicasio, California , en marzo de 1997. El CD también incluía la Elegía de Harrison , para la Memoria de Calvin Simmons (un homenaje al ex director de la Sinfónica de Oakland, que se ahogó en un accidente de barco en 1982), extractos de Solstice , Concierto en Slendro y Double Music (su colaboración con John Cage).
Desde finales de la década de 1980 en adelante, la salud de William Colvig comenzó a deteriorarse dramáticamente. Primero perdió la audición y la solución de Harrison fue que aprendieran el lenguaje de signos americano . Aunque Colvig decidió no comunicarse con ELA, Harrison continuó aprendiendo, ya que quedó cautivado por la belleza bailable de las señas. Una serie de cirugías en la década de 1990 para reemplazar las débiles articulaciones de la rodilla de Colvig desencadenaron una serie de reacciones alérgicas que llevaron a una degeneración significativa de su salud física y mental. Harrison cuidó cuidadosamente a su pareja y se sentó con él durante meses, incluso después de que Colvig ya no pudiera reconocer a Harrison debido a su demencia . Harrison estaba al lado de Colvig cuando murió el 1 de marzo de 2000. [47]
Harrison y su reciente socio Todd Burlingame conducían desde Chicago camino a la Universidad Estatal de Ohio en Columbus, Ohio , donde estaba programado para la semana de 30 de enero de 2003. [47] [48] El domingo 2 de febrero, decidieron parar fuera de la carretera en un Denny's en Lafayette, Indiana, para almorzar. Mientras estaba dentro, Harrison comenzó a experimentar dolores en el pecho inesperados y se desplomó en el lugar. Los paramédicos lo declararon muerto en cuestión de minutos, la causa probablemente fue un ataque cardíaco , pero no se realizó ninguna autopsia. Fue incinerado según sus deseos. [49]
Muchos de los primeros trabajos de Harrison son para instrumentos de percusión, a menudo hechos de lo que normalmente se consideraría basura u objetos encontrados , como botes de basura y tambores de freno de acero. [50] También escribió varias piezas utilizando la técnica de doce tonos de Schoenberg, incluida la ópera Rapunzel y su Sinfonía en sol (Sinfonía n.° 1) (1952). Varias obras presentan el tack piano , una especie de piano preparado con pequeños clavos insertados en los martillos para darle al instrumento un sonido más percusivo. El estilo musical maduro de Harrison se basa en "melodículas", motivos cortos que se ponen al revés y al revés para crear un modo musical en el que se basa la pieza. Su música tiene una textura típicamente espartana pero lírica, y la armonía suele ser simple o, a veces, inexistente, centrándose en el ritmo y la melodía . Ned Rorem describe: "Las composiciones de Lou Harrison demuestran una variedad de medios y técnicas. En general, es un melodista. El ritmo también tiene un lugar importante en su trabajo. La armonía no es importante, aunque la tonalidad sí lo es. Es uno de los primeros compositores estadounidenses. "Crear con éxito un matrimonio viable entre las formas oriental y occidental". [ cita necesaria ]
Una técnica de uso frecuente es el "control de intervalos", en el que sólo se utiliza un pequeño número de intervalos melódicos, ya sea ascendentes o descendentes, sin inversión. [51] Por ejemplo, para la apertura de la Cuarta Sinfonía, los intervalos permitidos son tercera menor, sexta menor y segunda mayor. [51]
Otro componente de la estética de Harrison es lo que Harry Partch llamaría corporalidad, un énfasis en lo físico y lo sensual que incluye lo vivo, lo humano, la interpretación y la improvisación, el timbre, el ritmo y la sensación de espacio en sus líneas melódicas, ya sean solistas o en contrapunto. y sobre todo en sus frecuentes colaboraciones de danza. El bailarín y coreógrafo estadounidense Mark Morris utilizó la Serenata para guitarra de Harrison [con percusión opcional] (1978) como "base de un nuevo tipo de danza. O, al menos, una que [Morris] nunca he visto ni hecho antes". [52]
Harrison y Colvig construyeron dos gamelan completos de estilo javanés, inspirados en la instrumentación de Kyai Udan Mas en UC Berkeley. Uno fue nombrado Si Betty en honor a la mecenas del arte Betty Freeman; el otro, construido en Mills College, se llamó Si Darius/Si Madeliene. Harrison ocupó la Cátedra Darius Milhaud de Composición Musical en Mills College desde 1980 hasta su jubilación en 1985. Uno de sus estudiantes en Mills fue Jin Hi Kim . También enseñó en la Universidad Estatal de San José y en Cabrillo College.
Recibió la medalla Edward MacDowell en 2000. [53]
Entre las obras más conocidas de Harrison se encuentran el Concierto en Slendro , Concierto para violín con orquesta de percusión, Concierto para órgano con percusión (1973), que se presentó en los Proms de Londres en 1997; el Doble Concierto (1981-1982) para violín, violonchelo y gamelán javanés; el Concierto para piano (1983-1985) para piano afinado en Kirnberger #2 (una forma de buen temperamento ) y orquesta, escrito para Keith Jarrett ; [54] y un Concierto para piano y gamelan javanés; así como cuatro sinfonías orquestales numeradas. También escribió una gran cantidad de obras en formas no tradicionales. Harrison hablaba con fluidez varios idiomas, incluido el lenguaje de signos americano , el mandarín y el esperanto, y varias de sus piezas tienen títulos y textos en esperanto, en particular La Koro Sutro (1973). [42]
Al igual que Charles Ives, Harrison completó cuatro sinfonías. Por lo general, combinaba una variedad de formas musicales y lenguajes que prefería. Esto es bastante evidente en la cuarta sinfonía, grabada por la Sinfónica de California para Argo Records, así como en su tercera sinfonía, que fue interpretada y transmitida por Dennis Russell Davies y la Orquesta Sinfónica de San Francisco . Russell Davies también grabó la tercera sinfonía con la orquesta del Cabrillo Music Festival.
