Fear of a Black Planet es el tercer álbum de estudio del grupo de hip hop estadounidense Public Enemy . Fue lanzado el 10 de abril de 1990 por Def Jam Recordings y Columbia Records , y producido por el equipo de producción del grupo, The Bomb Squad , que amplió el sonido en capas de muestra del álbum anterior de Public Enemy, It Takes a Nation of Millions to Hold. Nosotros de vuelta (1988). Habiendo cumplido sus ambiciones creativas iniciales con ese álbum, el grupo aspiraba a crear lo que el rapero principal Chuck D llamó "un álbum profundo y complejo". Su composición se inspiró en parte en la controversia que rodeó los comentarios públicos antisemitas del miembro Profesor Griff y su consiguiente despido del grupo en 1989.
Como reflejo de su tono de confrontación, Fear of a Black Planet presenta elaborados collages de sonido que incorporan diferentes ritmos, numerosos samples, fragmentos de sonido de los medios y loops excéntricos . Grabado durante la época dorada del hip hop , su ensamblaje de fuentes auditivas reconfiguradas y recontextualizadas aprovechó la libertad creativa que existía antes de la aparición de un sistema de autorización de muestras en la industria musical. Temáticamente, Fear of a Black Planet explora la organización y el empoderamiento dentro de la comunidad negra, los problemas sociales que afectan a los afroamericanos y las relaciones raciales en ese momento. Sus críticas al racismo institucional , la supremacía blanca y la élite del poder se inspiraron en parte en las opiniones de la Dra. Frances Cress Welsing sobre el color .
Un éxito comercial y de crítica, Fear of a Black Planet vendió dos millones de copias en los Estados Unidos y recibió excelentes críticas de los críticos, muchos de los cuales lo nombraron uno de los mejores álbumes del año. Su éxito contribuyó significativamente a la popularidad de los temas políticos y afrocéntricos en el hip hop y al resurgimiento del género en ese momento. Desde entonces, ha sido visto como uno de los discos más grandes e importantes del hip hop, además de ser musical y culturalmente significativo. En 2004, la Biblioteca del Congreso lo añadió al Registro Nacional de Grabaciones . En 2020, Fear of a Black Planet ocupó el puesto 176 en la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos .
En 1988, Public Enemy lanzó su segundo álbum. Se necesita una nación de millones para detenernos hacia el éxito comercial y de crítica. [7] Las densas texturas de su música, proporcionadas por el equipo de producción del grupo, The Bomb Squad , ejemplificaron una nueva estética de producción en el hip hop. [8] [9] [10] Las letras controvertidas y con carga política del rapero principal del grupo, Chuck D , cuyos raps fanfarrones contenían referencias a figuras políticas como Assata Shakur y Nelson Mandela , así como respaldos del líder de la Nación del Islam , Louis . Farrakhan , intensificó la afiliación del grupo con el nacionalismo negro y Farrakhan. [9]
El éxito de It Takes a Nation ayudó a elevar el perfil del hip hop como arte y declaración sociopolítica , en medio de las críticas de los medios al género. [11] [12] Ayudó a darle al hip hop una credibilidad crítica y una posición en la comunidad de la música popular después de haber sido descartado en gran medida como una moda pasajera desde su introducción a principios de la década de 1980. [12] Al promocionar el disco, Public Enemy amplió sus shows en vivo y su dinámica de actuación. [7] Con el contenido del álbum y el espectáculo lleno de rabia del grupo en concierto, se convirtieron en la vanguardia de un movimiento en el hip hop que reflejaba una nueva conciencia negra y una nueva dinámica sociopolítica que estaban tomando forma en Estados Unidos en ese momento. [13]
En mayo de 1989, Chuck D, el productor de Bomb Squad, Hank Shocklee, y el ejecutivo de Def Jam, Bill Stephney, estaban negociando con varios sellos un contrato de producción con una importante compañía discográfica, su objetivo desde que fundaron Public Enemy a principios de los años 1980. [12] Mientras estaban en negociaciones, el profesor Griff, miembro del grupo, hizo comentarios antisemitas en una entrevista con The Washington Times , [12] en la que dijo que los judíos eran la causa de "la mayoría de la maldad" en el mundo. [14] Public Enemy recibió escrutinio mediático y críticas de organizaciones religiosas y críticos del rock liberal, [15] lo que se sumó a las acusaciones contra las políticas del grupo por ser racistas, homofóbicas y misóginas. [14] [16]
En medio de la controversia, Shocklee y Stephney le dieron a Chuck D un ultimátum para despedir a Griff del grupo o el acuerdo de producción fracasaría. [12] Despidió a Griff en junio, pero luego se reincorporó y desde entonces ha negado tener opiniones antisemitas y se disculpó por los comentarios. [14] [17] Varias personas que habían trabajado con Public Enemy expresaron su preocupación por las habilidades de liderazgo de Chuck D y su papel como portavoz social. [12] El director de publicidad de Def Jam, Bill Adler , dijo más tarde que la controversia "en parte... impulsó la escritura [del álbum]". [18]
Para dar seguimiento a Se necesita una nación de millones para detenernos , el grupo buscó hacer un trabajo más enfocado temáticamente y condensar la teoría de la Dra. Frances Cress Welsing sobre "Confrontación de color y racismo (supremacía blanca)" en un álbum. grabación de duración. Según Chuck D, esto implicaba "decirle a la gente, bueno, que el color es una cuestión creada y urdida para aprovecharse de personas de diversas características en beneficio de unos pocos". [18] Recordó su concepto para el álbum en una entrevista con Billboard : "Realmente queríamos hacer un álbum profundo y complejo... más propicio para los altibajos de una gran actuación en el escenario". [18] Chuck D también citó las circunstancias comerciales del hip hop en ese momento, habiendo pasado rápidamente de un medio de singles a un álbum en la industria de la música durante la década de 1980. [19] En una entrevista para Westword , dijo más tarde: "Entendimos la magnitud de lo que era un álbum, así que nos propusimos hacer algo que no sólo personificara el estándar de un álbum, sino que resistiera la prueba del tiempo al ser diversa en sonidos y texturas, y también capaz de captar el aspecto de picos y valles". [19]
Queríamos crear un nuevo sonido a partir del conjunto de sonidos que nos hacían tener nuestra propia identidad. Especialmente en nuestros primeros cinco años, sabíamos que estábamos haciendo discos que resistirían la prueba del tiempo. Cuando hicimos Se necesita una nación de millones para detenernos, estábamos filmando para hacer What's Going On de Marvin Gaye y cuando hicimos Fear of a Black Planet , estaba filmando para Sgt. Pimientos .
- Chuck D [20]
Fear of a Black Planet se grabó en tres estudios: Greene St. Recording en la ciudad de Nueva York, The Music Palace en West Hempstead y Spectrum City Studios en Hempstead, de junio a octubre de 1989. Fue producido por The Bomb Squad: Chuck D. , Eric "Vietnam" Sadler, Keith Shocklee y su hermano Hank Shocklee [21] , mientras que Chuck D llamó a Hank, su director, "el Phil Spector del hip-hop". [20] Keith, importante en la composición de las pistas principales y la música, [22] recibió aquí su primer crédito oficial como miembro del equipo. [23] Para el álbum, buscaron expandir el denso " muro de ruido " con capas de samples del álbum anterior de Public Enemy, It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back . [24] [25] [26]
Empleando un método elaborado, Bomb Squad reconfiguraba y recontextualizaba fragmentos de sonido dispares, al tiempo que ampliaba su repertorio de muestras a la radio y otras fuentes. [20] Según Shocklee, "Cuando se habla del tipo de sampleo que hizo Public Enemy, tuvimos que revisar miles de discos para encontrar quizás cinco buenas piezas. Y cuando empezamos a juntar esas piezas, las El sonido se volvió mucho más denso". [20] Hank Shocklee lo llamó "una línea de montaje de producción donde cada persona tenía su propia especialidad particular... [Shocklee] vino desde la perspectiva de un DJ . Eric [Sadler] viene desde la perspectiva de un músico". [20] El enfoque de Sadler era más tradicional y estructurado, mientras que el de Shocklee era más experimental. [20] Como letrista principal, Chuck D quería recontextualizar el material muestreado en sus letras y crear un tema. [20]
El Bomb Squad utilizó dispositivos que incluían la caja de ritmos y el sampler E-mu SP-1200 , el sampler Akai S900 y una computadora Macintosh . [27] Chuck D comentó que "el 95 por ciento de las veces sonaba como un desastre. Pero había un 5 por ciento de magia que sucedería". [20] Shocklee comparó su producción con la realización de películas, "con diferentes efectos de iluminación, o velocidades de película, o lo que sea", mientras que Chuck D hizo una analogía con un artista que crea verde a partir de amarillo y azul. [20] Como hizo que el equipo de producción improvisara ritmos, gran parte del álbum se compuso en el acto. [22] En una entrevista de 1990, Chuck agregó: "Abordamos cada disco como si fuera una pintura. A veces, en la hoja de sonido, tenemos que tener una hoja separada solo para enumerar las muestras de cada pista. Usamos alrededor de 150, tal vez 200 muestras sobre Fear of a Black Planet ". [28]
Para sincronizar las muestras, Bomb Squad utilizó códigos de tiempo SMPTE y arregló y sobregrabó partes de las pistas de acompañamiento, que habían sido inspeccionadas por los miembros en busca de sonidos de caja, bajo y charles. [27] Chuck D dijo: "Nuestra música se trata de muestras en el área correcta, capas que se acumulan unas sobre otras. Colocamos bucles encima de bucles encima de bucles, pero luego en la mezcla cortamos cosas". [27] Su producción fue innovadora, según el periodista Jeff Chang . "Están descubriendo cómo tocar con las muestras y crear estas capas de sonido", dijo Chang. "No creo que se haya igualado desde entonces". [20] Una vez completadas las pistas, Bomb Squad comenzó a secuenciar lo que al principio era un álbum aparentemente discontinuo, en medio de disputas internas. [29] La mezcla final se llevó a cabo en Greene St. Recording y duró hasta febrero de 1990. [12] Según Sadler, "mucha gente decía: 'Guau, es un álbum brillante'. Pero realmente debería haber sido mucho mejor". Si tuviéramos más tiempo y no tuviéramos que lidiar con la situación de que nadie habla". [29]
Fear of a Black Planet se concibió durante la época dorada del hip hop , un período aproximadamente entre 1987 y 1992 en el que los artistas aprovecharon la tecnología de muestreo emergente antes de que los sellos discográficos y los abogados se dieran cuenta. [20] En consecuencia, Public Enemy no se vio obligado a obtener autorización de muestra para el álbum. [20] Esto precedió a los límites legales y los costos de autorización impuestos posteriormente al muestreo, [30] que limitaron la producción de hip hop y la complejidad de sus arreglos musicales. [20] En una entrevista con Stay Free! , Chuck D dijo: "La música de Public Enemy se vio afectada más que la de nadie porque estábamos tomando miles de sonidos. Si separabas los sonidos, no habrían sido nada, eran irreconocibles. Todos los sonidos se combinaron para formar un pared sónica." [31] Un análisis realizado por los profesores de derecho Peter DiCola y Kembrew McLeod estimó que bajo el sistema de autorización de muestras que se desarrolló después del lanzamiento del álbum, Public Enemy perdería al menos cinco dólares por copia si autorizaran las muestras del álbum a tasas de 2010. una pérdida de cinco millones de dólares en un disco de platino. [32]
Para la canción "Burn Hollywood Burn", Chuck D se ocupó de problemas de autorización de diferentes sellos discográficos para colaborar con los raperos Big Daddy Kane y Ice Cube , quienes habían estado persiguiendo a Bomb Squad para producir su álbum debut. [33] La grabación marcó una de las primeras veces en que MCs de diferentes equipos de rap colaboraron, [33] y llevó a Bomb Squad a trabajar con Ice Cube en su álbum debut de 1990, AmeriKKKa's Most Wanted . [34]
Para la obra de arte del álbum, Public Enemy reclutó a BE Johnson, un ilustrador de la NASA . [18] Su diseño ilustró el concepto de Chuck D de dos planetas, el planeta "Negro" y la Tierra, eclipsando . [18] Cey Adams , director creativo de Def Jam en ese momento, dijo: "Fue muy interesante para mí que un acto de hip-hop negro hiciera una ilustración para la portada de su álbum. En ese momento, los artistas de hip-hop negros, por en su mayor parte, tenían fotos de ellos mismos en sus portadas. Pero esta fue la primera vez que alguien tuvo la oportunidad de hacer algo en la línea del rock'n'roll". [18]
El hip hop no se inspira simplemente en una variedad de muestras, sino que combina estos fragmentos en un objeto artístico. Si el muestreo es el primer nivel de la estética del hip hop, la forma en que encajan las piezas o elementos constituye el segundo nivel. El hip hop enfatiza y llama la atención sobre su naturaleza en capas. El código estético del hip hop no busca hacer invisibles las capas de samples, sonidos, referencias, imágenes y metáforas. Más bien, su objetivo es crear un collage en el que los textos muestreados aumenten y profundicen el significado de la canción/libro/arte para aquellos que pueden decodificar las capas de significado.
—Richard Schur, "Estética del hip hop" [35]
La música de Fear of a Black Planet presenta composiciones de ensamblaje que se basan en numerosas fuentes. [20] El enfoque influenciado por la música concreta de la producción refleja los tonos políticos y de confrontación de las letras del grupo, con collages sonoros que presentan ritmos variables, samples con alias o ásperos, fragmentos de sonido mediático y bucles musicales excéntricos . [36] Las grabaciones muestreadas para Fear of a Black Planet incluyen aquellas de los géneros funk , soul , rock y hip hop. [28] Elementos como coros, sonidos de guitarra o voces de grabaciones muestreadas se reapropian como riffs en las canciones del álbum, mientras que se incorporan diálogos muestreados de discursos para respaldar los argumentos y comentarios de Chuck D sobre ciertas canciones. [14] Hank Shocklee de The Bomb Squad comparó los sonidos producidos, que rodean la voz de barítono rítmica y exhortativa de Chuck D, con poner "la voz de Dios en una tormenta". [37]
Según The Greenwood Encyclopedia of African American Folklore (2006), Fear of a Black Planet introdujo un estilo de producción que "tomó prestados elementos del jazz , especialmente el de John Coltrane , para crear un paisaje sonoro que era más desafiante que el de sus dos álbumes anteriores. , pero aún así complementó el complejo comentario social". [38] El periodista Kembrew McLeod llamó a la música "tanto agitprop como pop, mezclando política con la emoción viva de la experiencia de la música popular ", y agregó que Bomb Squad "llevó el sampleo al nivel del arte superior manteniendo intacto el estilo populista del hip hop". corazón. Injertarían docenas de muestras fragmentarias para crear un collage de una sola canción ". [20] Simon Reynolds dijo que era "un trabajo de densidad sin precedentes para el hip hop, su sensación claustrofóbica y de espaldas contra la pared que recuerda a There 's a Riot Goin' On de Sly Stone o incluso a On the Corner de Miles Davis . ". [39]
Algunas pistas utilizaron elementos del material anterior de Public Enemy, que Pete Watrous de The New York Times interpretó como una doble referencia a la tradición del hip hop y la historia del grupo. [14] Watrous describió la música como "el sonido de la alienación urbana, donde el silencio no existe y la estimulación sensorial es opresiva y depredadora", y escribe que sus texturas densas "envuelven la voz de Chuck D y hacen que su rap suene como si fuera bajo presión, como si estuviera luchando contra un fondo que intenta apoderarse de él... Capa tras capa de sonidos se colocan uno encima del otro hasta que la música se vuelve casi táctil". [14] Chuck D llamó a Fear of a Black Planet un disco enteramente de "sonidos encontrados... probablemente la mezcla heterogénea de sonidos más elaborada que hicimos... Cuando armamos nuestra música, tratamos de juntar capas que se complementen entre sí. otros, y luego la voz intenta complementar eso, y el tema intenta complementar eso, y luego la canción en sí intenta complementar el álbum en su conjunto, encajando en el contexto general". [28] En su ensayo sobre la estética del hip hop , Richard Schur interpretó tales capas como un motivo en el hip hop y como "el proceso mediante el cual... se crean y comunican nuevos significados, principalmente a una audiencia igualmente conocedora", concluyendo que " Public Enemy probablemente llevó el ideal de las capas hasta su punto más lejano". [35]
Fear of a Black Planet contiene temas de organización y empoderamiento dentro de la comunidad afroamericana , [40] y de confrontación. [41] Las letras críticas de Chuck D en el álbum, intercaladas con el surrealismo de Flavor Flav , [42] también se refieren a la vida negra contemporánea, el estado de las relaciones raciales, [43] y las críticas al racismo institucional , la supremacía blanca y la élite del poder. . [44] Greg Sandow llamó al lenguaje de Chuck D "fuerte y esquivo, a menudo fragmentario" e "incrustado [con] pensamientos críticos, a veces brutales". Aunque consideró que "algunas personas podrían no estar de acuerdo con algunas de estas ideas", Sandow escribió que "es difícil cuestionar la afirmación de la letra de que muchos blancos tienen miedo de los negros", y agregó que el álbum "toca" la idea de "una edad en la que los blancos comprenden que son una minoría en el mundo". [43] Robert Hilburn creía que las canciones "denunciaban lo que Chuck D. veía como las consecuencias de la dominación cultural blanca y europea en los Estados Unidos y en gran parte del mundo". [17] Nick Butler, de Sputnikmusic, observó "dos temas recurrentes: las relaciones interraciales... y el racismo inherente a los medios estadounidenses ". [42]
En su libro Somebody Scream!: El ascenso de la música rap a la prominencia en la réplica del poder negro , Marcus Reeves dijo que Fear of a Black Planet "fue tanto un asalto musical al racismo de Estados Unidos como un llamado a los negros para reaccionar efectivamente ante él". ". [40] Según Greg Kot , el álbum no era "difícilmente un manifiesto del poder negro para la dominación mundial, sino una declaración sobre la paranoia racial. Aunque prácticamente no perdona a nadie con sus fulminantes raps, Chuck D de Public Enemy es el más duro de todos con sus compañeros". negros, exponiendo sobre todo, desde la historia hasta la moda: usa tu cerebro en lugar de un arma. Las drogas son la muerte. Conoce tu pasado para no arruinar el futuro. Las cadenas de oro que se usan alrededor del cuello degradan a la hermandad en Sudáfrica ". [45] Kot escribió sobre la perspectiva de Chuck D y el tema del miedo: "Es el miedo lo que nos divide, dice; compréndeme mejor y no huirás. Fear of a Black Planet se trata de lograr esa comprensión, pero en Public Enemy's términos. Al presentar su visión de la vida desde una perspectiva afrocéntrica , en contraposición a la eurocéntrica , PE desafía a los oyentes a entrar en su mundo". [46]
La canción de apertura, "Contract on the World Love Jam", es un collage sonoro compuesto de samples, scratch cuts , [49] y fragmentos grabados por Chuck D de estaciones de radio y fragmentos sonoros de entrevistas y comerciales. [50] La pista que genera tensión presenta la producción densa basada en muestras del álbum. [49] Según Chuck D, la canción presenta "entre cuarenta y cinco y cincuenta voces [muestreadas]" que se entrelazan como parte de un collage sonoro asertivo y subrayan los temas explorados en pistas posteriores. [20] "Incidente en 66.6 FM", otro collage que da paso a " Bienvenido al Terrordome ", contiene fragmentos de una entrevista en un programa de radio de Chuck D y alude a la persecución mediática percibida por Public Enemy. [14] [17]
El controvertido "Bienvenido al Terrordome" hace referencia al asesinato de Yusef Hawkins y los disturbios de 1989 en Virginia Beach , y critica a los líderes judíos que protestaron contra Public Enemy en respuesta a los comentarios antisemitas del profesor Griff. [40] [51] Chuck D aborda la controversia desde la perspectiva de alguien en el centro de la agitación política, con críticas a los medios de comunicación y referencias a la crucifixión de Jesús : "La crucifixión no es ficción / Los llamados elegidos congelados / Apología hecho a quien quiera / Aún así me tienen como a Jesús". [14] [44] También critica a los negros y a aquellos que "culpan a otros cuando te destruyes a ti mismo": "Todos los hermanos no son hermanos / porque una mano negra apretó a Malcolm X, el hombre / el tiroteo de Huey Newton / de la mano de Nig que apretó el gatillo". [44] Su lirismo presenta patrones de rap vertiginosos y rima interna : "Lazer, anastasia, maze ya / Maneras de encender tu cerebro y entrenarte... Es triste decir que me vendieron río abajo / Todavía algo de temblor cuando entrego / Nunca para decir que nunca supe o tuve idea / Se escuchó la palabra, además fuerte en el bulevar / Mentiras, escandalizadoras, cuencas / Rasgos de odio ¿quién está celebrando con Satanás?". [47] Entre las muestras utilizadas para la canción se encuentran varias pistas de James Brown y la línea de guitarra de " Psychedelic Shack " de The Temptations . [47] Se escuchan varias otras muestras en medio del rap de Chuck D, como la línea "vamos, puedes conseguirlo, conseguirlo, conseguirlo" de " I Got My Mind Made Up (You Can Get It Girl)" de Instant Funk. ) ". [47] John Bush de AllMusic cita la pista como "el pico de producción de Bomb Squad y una de las mejores actuaciones de rap de Chuck D. jamás... [Ninguna de sus pistas fue más incendiaria musicalmente". [47]
"Burn Hollywood Burn" ataca el uso de estereotipos negros en las películas, mientras que "Who Stole the Soul?" condena la explotación de los artistas negros por parte de la industria musical y pide reparaciones. [17] [40] "Revolutionary Generation" celebra la fuerza y la resistencia de las mujeres negras con letras relacionadas con el feminismo negro , [44] un tema desconocido en el hip hop contemporáneo. [52] [53] También aborda el sexismo dentro de la comunidad negra y la misoginia en la cultura hip hop . [42] La canción principal analiza la clasificación racial y los orígenes de los blancos que temen a los afroamericanos, en particular las preocupaciones racistas de algunos blancos sobre el efecto del mestizaje . [14] [40] En la canción, Chuck D sostiene que no deberían preocuparse porque el hombre original era negro y "el blanco viene del negro / No hay necesidad de confundirse". [14] La canción presenta una muestra vocal del comediante y activista Dick Gregory que dice: "¿Hombre negro, mujer negra, bebé negro / hombre blanco, mujer negra, bebé negro?". [14] "Pollywanacraka" también se refiere a las relaciones interraciales, [53] incluidos los negros que abandonan sus comunidades para casarse con blancos ricos, [43] y a las opiniones sociales sobre el asunto: "Este sistema no tenía sabiduría / El diablo nos dividió en parejas / y nos enseñó que el blanco es bueno, el negro es malo / y el blanco y el negro siguen siendo muy malos". [42] "Meet the G That Killed Me" presenta una etiología homofóbica y condena la homosexualidad: "De hombre a hombre / No sé si pueden / Por lo que sé / Las partes no encajan". [14] [52]
Canciones como " Fight the Power ", "Power to the People" y "Brothers Gonna Work It Out" proponen una respuesta de los afroamericanos a los temas criticados a lo largo del álbum. [40] "Power to the People" tiene un tempo de aproximadamente 125 latidos por minuto, patrones de caja de ritmos Roland TR-808 de ritmo rápido y elementos de bajo de Miami y electro-boogie . [50] Abordando su difícil situación a principios de la década de 1990, [54] "Brothers Gonna Work It Out" presenta texturas de sonido cacofónicas y un tema de unidad entre los afroamericanos, [55] con Chuck D predicando "Hermanos que intentan resolverlo". / Se enojan, se rebelan, revisan, se dan cuenta / Son muy malos / Hay pocas posibilidades de que un hermano inteligente sea víctima de sus propias circunstancias". [56] [57] Richard Harrington de The Washington Post escribe que canciones como "War at 33⅓" y "Fight the Power" "pueden sonar como un llamado a los ohmios y las armas, pero en realidad son un llamado a la acción ('turn perderemos y venceremos'), un mensaje a la conciencia y un llamado a la unidad ('moverse en equipo, nunca moverse solos', a la vez advertencia y plan de juego)". [44] "War at 33⅓" tiene un tema de resistencia y un tempo de 128 bpm, [55] citado por Chuck D como "lo más rápido que he rapeado, rapeando justo encima del ritmo". [50]
"Fight the Power" presenta la retórica revolucionaria de Chuck D y fue utilizada por el director Spike Lee como leitmotiv en su aclamada película de 1989 Do the Right Thing , una película sobre la tensión racial en un barrio de Brooklyn. [14] Lee se acercó al grupo en 1988 después del lanzamiento de It Takes a Nation con la propuesta de hacer una canción para su película. [7] Chuck D escribió la mayor parte de la canción intentando adaptar " Fight the Power " de The Isley Brothers a una perspectiva modernista. [58] El tercer verso de la canción contiene letras despectivas sobre los íconos populares estadounidenses Elvis Presley y John Wayne , [59] mientras Chuck D rima "Elvis fue un héroe para la mayoría / Pero nunca significó una mierda para mí' / Directo, racista, el tonto was / Simple and Plain", seguido de Flavor Flav, "¡Que se jodan él y John Wayne!". [60] La letra, que conmocionó y ofendió a muchos oyentes en ese momento, [60] expresa la identificación de Presley con el racismo, ya sea personal o simbólicamente, y la noción ampliamente extendida entre los negros de que Presley, cuyas actuaciones musicales y visuales le debían mucho a Fuentes afroamericanas lograron injustamente el reconocimiento cultural y el éxito comercial que en gran medida les negaron a sus pares negros en el rock and roll . [59] [61] La línea sobre John Wayne se refiere a sus controvertidos puntos de vista personales, incluidos los comentarios racistas realizados en su entrevista de 1971 para Playboy . [59] "Fight the Power" se ha convertido desde entonces en la canción más conocida del grupo y ha sido nombrada una de las mejores canciones de todos los tiempos por numerosas publicaciones. [7]
Escrito por Flavor Flav, Shocklee, Sadler, " 911 Is a Joke " presenta a Flav como vocalista principal y critica la insuficiencia del 9-1-1 [53] , el número de teléfono de emergencia utilizado en los Estados Unidos [62] , y la falta de respuesta policial a las llamadas de emergencia en vecindarios predominantemente afroamericanos. [14] La canción se originó a partir de la sugerencia de Chuck D para que Flavor Flav escribiera una canción. Como recuerda Flav, "Fui y me drogué y escribí el disco. Fui y me desgarraron, fui y me salí de mi mente, y comencé a decir todo tipo de locuras porque normalmente en los días en que solía fumar, me ampliaba las ideas y todo". [63] El tema humorístico y satírico se refleja en el vídeo musical que acompaña a la canción, que muestra a Flav gravemente herido siendo maltratado por un personal de ambulancia negligente y retrasado. [63] Otra actuación en solitario de Flavor Flav, "Can't Do Nuttin' for Ya Man", tiene letras que defienden la autosuficiencia de los afroamericanos y denuncian la dependencia de la asistencia social . [33] [64] También reflexiona sobre las experiencias de Flav con conocidos de barrios pobres. [33] Dijo sobre su inspiración para la canción: "Estaba en mi Corvette viajando desde Long Island yendo al Bronx. Me estaba resbalando. Me estaba asando. Quiero decir, estaba loco como fumado. Y todos seguían preguntándome por cosas y, sin embargo, nadie quería darme cosas. Entonces, si alguien alguna vez me pedía algo, yo decía: 'Oye, no puedo hacer nada por ti, hombre'. Lo siguiente que sabes es que comencé a vibrar con eso: 'No puedo hacer nada por ti, hombre', um ahh um um ahh. Así que fui y le dije eso a Chuck. Chuck me dijo: 'Graba esa mierda, hombre'". [33] Según Tom Moon , en ambas canciones de Flavor Flav del álbum, el rapero "afecta un tono de sarcasmo de dame un respiro que es crucial para ambas pistas, y es un bienvenido respiro del asalto de Chuck D.". [64]
Originalmente pensado para una fecha de lanzamiento en octubre de 1989, [65] Fear of a Black Planet fue lanzado el 10 de abril de 1990 por Def Jam Recordings y Columbia Records . [66] Aunque It Takes a Nation le dio a Public Enemy una mayor exposición entre el público negro y los periodistas musicales, los medios de radio urbanos habían rechazado en su mayoría las solicitudes de Def Jam de incluir los sencillos del grupo en su rotación regular. [67] Esto incitó al cofundador de Def Jam, Russell Simmons, a intentar tácticas promocionales de base de sus primeros años de promoción de espectáculos de hip hop. Para promocionar Fear of a Black Planet , reclutó a jóvenes grupos callejeros para que colocaran carteles, vallas publicitarias y calcomanías en las superficies públicas, [68] mientras que el propio Simmons se reunía con DJ de clubes nocturnos y directores de programas de radio universitarios para persuadirlos de que agregaran temas al álbum como "Fight the Power", "Welcome to the Terrordome" y "911 Is a Joke" en sus listas de reproducción. [69] Como singles, fueron lanzados el 4 de julio de 1989, [70] en enero de 1990 y en abril, respectivamente. Posteriormente se lanzaron dos sencillos más: "Brothers Gonna Work It Out" en junio y "Can't Do Nuttin' for Ya Man" en octubre, [71] y este último también apareció en la película de comedia de 1990 House Party . [33]
Fear of a Black Planet debutó en el puesto 40 en la lista Billboard Top Pop Albums . [72] También estuvo en las listas durante 10 semanas y alcanzó el número cuatro en el Reino Unido, [73] mientras que en Canadá, estuvo en las listas durante 28 semanas y alcanzó el número 15. [74] [75] En julio de 1990, había vendido 1,5 millones. copias en los EE. UU., [76] donde finalmente alcanzó el puesto número 10 y estuvo en las listas durante 27 semanas en los mejores álbumes pop. [77] Después de 1991, cuando el sistema de seguimiento Nielsen SoundScan comenzó a rastrear los datos de ventas nacionales, Fear of a Black Planet vendió 561.000 copias adicionales en 2010. [18]
La controversia que rodea al grupo y su exposición a través de los sencillos "Fight the Power" y "Welcome to the Terrordome" ayudaron a Fear of a Black Planet a superar las ventas de sus dos álbumes anteriores, Yo! Bum Rush the Show y Se necesita una nación de millones para detenernos en ese momento, [78] 500.000 y 1,1 millones de copias, respectivamente. [14] La letra del último sencillo fue inicialmente vista por grupos religiosos y los medios de comunicación como antisemita tras su lanzamiento. [14] [44] El álbum contribuyó al avance comercial del hip hop a principios de la década de 1990, a pesar de su limitada difusión radiofónica . [79] [80] [81] Su éxito convirtió a Public Enemy en el acto con más ventas, tanto a nivel nacional como internacional, para Def Jam Recordings en ese momento. [69] Rubén Rodríguez, vicepresidente senior de Columbia en ese momento, dijo en uno de los comunicados de prensa del sello: "Lo que está pasando con Public Enemy es increíble. El álbum se está vendiendo en todos los ámbitos, a todos los grupos demográficos y nacionalidades". [15] En un artículo de diciembre de 1990, el escritor del Chicago Sun-Times , Michael Corcoran, analizó el éxito comercial de Public Enemy con el álbum y comentó que "más de la mitad de los 2 millones de fans que compraron [ Fear of a Black Planet ] son blancos". [82]
Miedo a un planeta negro recibió críticas muy favorables por parte de los críticos. [85] Después de afirmar antes de su lanzamiento que estaba "destinada a ser una de las colecciones pop más analizadas en años", [12] Robert Hilburn de Los Angeles Times escribió que el álbum "rivaliza con la fuerza y el poder de It" . Takes a Nation " mientras "mantiene la credibilidad comercial y artística en el cambiante mundo del rap" con música original. [17] Edna Gundersen de USA Today lo llamó "una obra maestra de innovación [y] música desafiante" que hace que las letras pro-negras del grupo sean más interesantes y plausibles. [53] Alan Light, de la revista Rolling Stone , elogió las letras realistas y seguras de sí mismas de Public Enemy, y vio el álbum como una versión más profunda y centrada de "la furia vertiginosa de Nation of Millions ". [80] Greg Sandow de Entertainment Weekly lo encontró poderosamente relevante para la cultura estadounidense contemporánea y sin paralelo con nada en la música popular: "Suena como un collage en parte africano, en parte posmoderno, cosido en calles urbanas tumultuosas". [43] Tom Moon de The Philadelphia Inquirer observó "algunos de los diseños de sonido más sofisticados del género y raps poco convencionales y ágiles" en el álbum y lo llamó "una obra importante, la primera evidencia sólida de la madurez del rap y una medida de su continuidad". Relevancia". [64]
En The Washington Post , Richard Harrington dijo que debido a que Fear of a Black Planet es una escucha desafiante, "la forma en que se aborda depende de cómo se entiende". [44] Robert Christgau , que escribe para The Village Voice , consideró que su "ritmo brutal" pierde impulso y que las letras del grupo son ideológicamente defectuosas, pero escribió que aunque su "música rebelde" es efectista, "esto es el mundo del espectáculo, y ellos Todavía pienso más que nadie trabajando a su ritmo". [52] Peter Watrous de The New York Times lo llamó "un álbum pop esencial" y afirmó: "Por sí solas, las letras se ven [ sic ] funcionales. En conjunto con la música, florecen con significado". [14] Simon Reynolds de Melody Maker comentó que el contenido personifica la importancia del grupo en ese momento: "Public Enemy son importantes... debido a las preguntas airadas que hierven en su música, en el tejido mismo de su sonido; el desconcierto y rabia que, en este caso, ha dado lugar a un álbum tremendamente fuerte y aterrador". [39] El crítico del Chicago Tribune, Greg Kot, consideró que con el álbum, "Public Enemy afirma que no es sólo un gran grupo de rap, sino una de las mejores bandas de rock del planeta, negro o no". [46]
A finales de 1990, Fear of a Black Planet apareció en el top 10 de las listas de los mejores álbumes del año de varios críticos. [82] [86] Fue votado como el tercer mejor disco de 1990 en la encuesta anual de críticos Pazz & Jop de The Village Voice , [87] y Robert Christgau de la publicación lo clasificó en el puesto número 10 en su propia "lista del Dean". [88] Fue nombrado el segundo mejor álbum del año por The Boston Globe , [89] el tercer mejor por USA Today , [90] y el quinto mejor por Robert Hilburn de Los Angeles Times , quien escribió que "analiza aspectos de la experiencia negra con una energía y una visión que ilustra por qué el rap sigue siendo el género más creativo del pop". [91] The State lo nombró uno de los mejores álbumes del año y lo aclamó como "posiblemente el disco de rap más audaz e importante jamás realizado. Un tour de force sonoro". [92] Fear of a Black Planet fue nominado a un premio Grammy a la mejor interpretación de rap de un dúo o grupo , presentado en la 33ª edición de los premios Grammy en 1991. [93]
La música supera a otros pop políticos tanto por su urgencia como por su enfoque visionario de la pista de baile. Y el grupo ha hecho música pop que es vital en el debate contemporáneo sobre la raza en la cultura estadounidense por primera vez desde la década de 1960, cuando Sly and the Family Stone , James Brown , Gil Scott-Heron , The Last Poets y otros cargaron su música. con la política. Impensable sin el contexto de lucha racial, Public Enemy es una voz para la clase media baja negra tradicionalmente sin voz. Lo extraordinario es cómo el grupo ha logrado convertir en música las particularidades de su posición social, tanto como negros como como artistas. Al incluir hechos y cifras de sus vidas en sus piezas, han incorporado lo real a su narración.
— Los New York Times , 1990 [14]
El éxito del miedo a un planeta negro entre críticos y consumidores fue visto como un factor importante para el surgimiento del hip hop en 1990, que el editor de Billboard , Paul Grein, dijo que fue "el año en que explotó el rap". [86] En un artículo de julio de 1990, Kot comparó la influencia de Public Enemy en el hip hop con el álbum a principios de la década de 1990 con el impacto de Bob Dylan , George Clinton y Bob Marley en cada uno de sus respectivos géneros y épocas, teniendo " le ha dado legitimidad y autoridad mucho más allá de sus principales seguidores". [76] Chuck D dijo más tarde sobre el álbum en retrospectiva: "If It Takes a Nation fue nuestro disco 'nación', Fear of a Black Planet fue nuestro récord 'mundial'". [18] Con respecto al hip hop, el álbum fue importante en el campo del sampleo, ya que los abogados de derechos de autor se dieron cuenta de la producción de The Bomb Squad y un trabajo con tantas muestras no sería rentable en el futuro. [29] Chuck D dijo más tarde sobre sus problemas de muestreo: "Nos demandaron por todo. Sabíamos que la puerta al muestreo se iba a cerrar". [29] El uso posterior de material muestreado, particularmente el uso de canciones completas sobre un ritmo, por parte de otros artistas de hip hop provocó leyes de muestreo más estrictas. [29] Fear of a Black Planet fue la cúspide comercial del grupo, y las ventas cayeron en sus álbumes posteriores. [38] Chuck D dijo que era su disco más exitoso, "no por todo el revuelo y la histeria. Fue un récord mundial. Por todas las diferentes sensaciones, las diferentes texturas y el flujo que tenía". [94]
Fear of a Black Planet también ayudó a popularizar los temas políticos en la música hip hop, [14] ya que personificaba el resurgimiento de la conciencia negra entre los jóvenes afroamericanos a principios de la década de 1990, en medio de un turbulento espíritu social y político durante la administración Bush. y el apartheid sudafricano . [95] La conciencia negra se convirtió en el tema predominante de muchos actos de hip hop, ejemplificado por el nacionalismo cultural de X-Clan en su álbum debut To the East, Blackwards , el revolucionario The Devil Made Me Do It de Paris , con mentalidad de Black Panther. y el nacionalismo religioso del cinco por ciento del debut del Santo Intelecto de Poor Rightous Teachers . [95] Christgau escribió en 1990 que Public Enemy se había convertido no sólo en "los músicos populares más innovadores de Estados Unidos, si no del mundo", sino también en "los más ambiciosos políticamente " . cerca del elusivo y quizás ridículo ideal del rock de los años 60 de elevar la conciencia política con la música". [96] Su música en el álbum inspiró ideales izquierdistas y afrocéntricos entre los oyentes de rap que anteriormente estaban expuestos a temas más materialistas en la música. [96] Reeves dijo que introdujo la conciencia negra a la "juventud hip-hop" de la "generación de poder post-negro", "cuando los medallones africanos de cuero hechos populares por raperos como PE reemplazaron a las gruesas cadenas de oro como la máxima declaración de moda... El vendedor de un millón de PE se sentó al frente de un resurgimiento del orgullo negro en toda regla dentro del rap ". [95]
Sin embargo, este resurgimiento pronto se convirtió en una tendencia mercantilizada, mientras que la conciencia real dentro de la comunidad afroamericana era limitada e ineficaz respecto de cuestiones como el tráfico de drogas y la prevalencia de las licorerías en esos barrios. [97] Public Enemy respondió a este y otros problemas profundamente arraigados de la América negra en su siguiente álbum, Apocalypse 91... The Enemy Strikes Black (1991), que presentaba evaluaciones más críticas de los afroamericanos, denunciando a los traficantes de drogas negros que se vistieron con mercancías afrocéntricas, artistas de hip hop que promovieron el licor de malta , estaciones de radio negras por carecer de una difusión significativa del hip hop, e incluso los africanos al inicio de la trata de esclavos en el Atlántico por falta de unidad. [97]
Desde que se lanzó por primera vez Fear of a Black Planet , los críticos lo han visto como uno de los álbumes de hip hop más grandes e importantes de todos los tiempos, [30] [107] [108] , así como un trabajo culturalmente significativo. [20] Stephen Thomas Erlewine de AllMusic creía que "como pieza musical, este es el mejor hip-hop que jamás haya tenido para ofrecer", calificándolo como "una obra notable de arte moderno, un disco que marcó el comienzo de los años 90 en una lluvia de multiculturalismo y confusión caleidoscópica". [30] Alex Ross lo citó como uno de "los conjuntos sonoros más densamente poblados de la historia musical", [109] mientras que Q dijo que "logró lo casi imposible al ser tan bueno como su predecesor". [103] En opinión de Kembrew McLeod , Public Enemy había trabajado con equipos de producción que parecerían primitivos décadas después, pero aún así logró inventar nuevas "técnicas y soluciones alternativas que los fabricantes de productos electrónicos nunca imaginaron". [20] El redactor de Sputnikmusic, Nick Butler, dijo que el álbum seguía siendo un trabajo duradero y vital en un género que "tiene la costumbre de moverse a tal ritmo que los registros datan en cuestión de años". [42]
En 1997, The Guardian lo ubicó en el puesto 50 en su lista de los 100 mejores álbumes de todos los tiempos, que fue votada por un panel de varios artistas, críticos y DJ. [110] Al año siguiente, fue seleccionado como uno de los 100 mejores álbumes de rap de The Source . [111] En 2000, fue votado en el puesto 617 en los 1000 mejores álbumes de todos los tiempos de Colin Larkin [112] y nombrado en la Guía del consumidor de Christgau: Álbumes de los años 90 como una de las obras más esenciales de la década. [113] Rolling Stone incluyó Fear of a Black Planet en su lista "Grabación esencial de los años 90", [114] y en 2003, la revista lo ubicó en el puesto 300 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos , [115 ] y 302 en una lista revisada de 2012, [116] y el número 176 en una lista revisada de 2020. [117] El disco ocupó el puesto 21 en la publicación "100 mejores álbumes, 1985-2005" de Spin, [ 118 ] y el número 17 en los "100 mejores álbumes de la década de 1990" de Pitchfork . [119]
En 2004, la Biblioteca del Congreso añadió Fear of a Black Planet al Registro Nacional de Grabaciones , que selecciona anualmente grabaciones que son "cultural, histórica o estéticamente significativas". [120] Según un comunicado de prensa del registro, " ' Fear of a Black Planet ' trajo el respeto del hip-hop por parte de los críticos, millones de nuevos fans y un apasionado debate sobre su contenido político. El álbum señaló la combinación de un mensaje fuertemente político. con música hip-hop". [120] En 2013, NME lo nombró el 96º mejor récord de su lista de todos los tiempos . [121]
Todas las pistas están escritas por Keith Shocklee , Eric Sadler y Carl Ridenhour a menos que se indique lo contrario. Todas las pistas son producidas por The Bomb Squad.
Los créditos están adaptados de las notas del álbum. [21]
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