La escultura de la antigua Grecia es el principal tipo de arte griego fino que se conserva , ya que, con la excepción de la cerámica griega antigua pintada , casi no sobrevive ninguna pintura griega antigua . Los estudios modernos identifican tres etapas principales en la escultura monumental en bronce y piedra: la arcaica (desde aproximadamente el 650 al 480 a. C.), la clásica (480-323 a. C.) y la helenística. En todos los períodos hubo un gran número de figurillas de terracota griegas y pequeñas esculturas en metal y otros materiales.
Los griegos decidieron muy pronto que la forma humana era el tema más importante de la actividad artística. [1] Al ver que sus dioses tenían forma humana, había poca distinción entre lo sagrado y lo secular en el arte: el cuerpo humano era tanto secular como sagrado. Un desnudo masculino de Apolo o Heracles tenía solo ligeras diferencias de tratamiento con uno del campeón olímpico de boxeo de ese año. La estatua, originalmente individual pero en el período helenístico a menudo en grupos, era la forma dominante, aunque los relieves , a menudo tan "altos" que eran casi independientes, también eran importantes.
En el período clásico , aproximadamente entre los siglos V y IV a. C., la escultura monumental estaba compuesta casi en su totalidad de mármol o bronce ; a principios del siglo V a. C., el bronce fundido se convirtió en el material preferido para las obras importantes; muchas piezas de escultura conocidas solo en copias de mármol hechas para el mercado romano se hicieron originalmente en bronce. Las obras más pequeñas estaban hechas de una gran variedad de materiales, muchos de ellos preciosos, con una producción muy grande de figurillas de terracota . Los territorios de la antigua Grecia, a excepción de Sicilia y el sur de Italia, contenían abundantes suministros de mármol fino, siendo el mármol Pentélico y el de Paros los más apreciados. Los minerales para el bronce también eran relativamente fáciles de obtener. [2]
Tanto el mármol como el bronce son fáciles de moldear y muy duraderos; como en la mayoría de las culturas antiguas, sin duda también hubo tradiciones de escultura en madera sobre las que sabemos muy poco, aparte de las esculturas acrolíticas , generalmente grandes, con la cabeza y las partes de carne expuestas en mármol, pero las partes vestidas en madera. Como el bronce siempre tuvo un valor de chatarra significativo, han sobrevivido muy pocos bronces originales, aunque en los últimos años la arqueología marina o la pesca de arrastre han agregado algunos hallazgos espectaculares, como el bronce de Artemision y los bronces de Riace , que han ampliado significativamente la comprensión moderna. Muchas copias del período romano son versiones en mármol de obras originalmente en bronce. La piedra caliza común se usó en el período Arcaico, pero a partir de entonces, excepto en áreas de la Italia moderna sin mármol local, solo para escultura arquitectónica y decoración. A veces se usó yeso o estuco solo para el cabello. [3]
Las esculturas criselefantinas , utilizadas para imágenes de culto en los templos y obras suntuosas, utilizaban oro , la mayoría de las veces en forma de hojas , y marfil para la totalidad o partes de la figura (caras y manos), y probablemente gemas y otros materiales, pero eran mucho menos comunes y solo han sobrevivido fragmentos. Muchas estatuas estaban adornadas con joyas, como se puede ver en los agujeros para sujetarlas, y contenían armas u otros objetos de diferentes materiales. [4]
Las esculturas de la antigua Grecia se pintaban originalmente con múltiples colores; [5] [6] [7] hoy en día solo parecen incoloras porque los pigmentos originales se han deteriorado. [5] [6] Se encuentran referencias a esculturas pintadas en la literatura clásica, [5] [6] incluso en Helena de Eurípides en la que el personaje epónimo se lamenta: "Si tan solo pudiera despojarme de mi belleza y asumir un aspecto más feo / De la misma manera que se limpia el color de una estatua". [6] Algunas estatuas bien conservadas aún tienen rastros de pigmentos [5] y los arqueólogos pueden reconstruir cómo pudieron haber sido originalmente. [5] [6] [7]
Se cree comúnmente que la primera encarnación de la escultura griega fue en forma de estatuas de culto de madera o marfil , descritas por primera vez por Pausanias como xoana . [8] No sobreviven estatuas de este tipo, y las descripciones de ellas son vagas, a pesar del hecho de que probablemente fueron objetos de veneración durante cientos de años. La primera pieza de estatuaria griega que se volvió a ensamblar desde entonces es probablemente el Centauro de Lefkandi, una escultura de terracota encontrada en la isla de Eubea, fechada alrededor del 920 a. C. La estatua fue construida en partes, antes de ser desmembrada y enterrada en dos tumbas separadas. El centauro tiene una marca intencional en su rodilla, lo que ha llevado a los investigadores a postular [9] que la estatua podría representar a Quirón , presumiblemente arrodillado herido por la flecha de Hércules . Si es así, sería la representación más antigua conocida del mito en la historia de la escultura griega.
Las formas del período geométrico ( c. 900 a 700 a. C. ) fueron principalmente figurillas de terracota , bronces y marfiles . Los bronces son principalmente calderos trípodes y figuras o grupos exentos. Estos bronces se hicieron utilizando la técnica de cera perdida, probablemente introducida desde Siria, y son casi en su totalidad ofrendas votivas dejadas en los santuarios panhelénicos de la civilización helenística de Olimpia , Delos y Delfos , aunque es probable que se fabricaran en otros lugares, ya que se pueden identificar varios estilos locales por hallazgos de Atenas , Argos y Esparta . Las obras típicas de la época incluyen el guerrero Karditsa (Atenas Br. 12831) y los numerosos ejemplos de la estatuilla ecuestre (por ejemplo, NY Met. 21.88.24 en línea). Sin embargo, el repertorio de esta obra en bronce no se limita a hombres y caballos de pie, ya que las pinturas en vasos de la época también representan imágenes de ciervos, pájaros, escarabajos, liebres, grifos y leones. No hay inscripciones en la escultura geométrica de principios a mediados del siglo VII a. C., hasta la aparición del "Apolo" de Mantiklos (Boston 03.997) de principios del siglo VII a. C. encontrado en Tebas. La figura es la de un hombre de pie con una forma pseudodédalica , debajo de la cual se encuentra la inscripción en hexámetros que dice "Mantiklos me ofreció como diezmo a Apolo el arco de plata; tú, Phoibos [Apolo], dame algún favor agradable a cambio". [10] Aparte de la novedad de registrar su propio propósito, esta escultura adapta las fórmulas de los bronces orientales , como se ve en el rostro más corto y triangular y la pierna izquierda ligeramente adelantada. Esto se considera a veces como una anticipación de la mayor libertad expresiva del siglo VII a. C. y, como tal, la figura de Mantiklos se considera en algunos sectores como protodédala.
Inspirados por la monumental escultura de piedra del antiguo Egipto [12] y Mesopotamia , los griegos comenzaron de nuevo a tallar en piedra. Las figuras exentas comparten la solidez y la postura frontal características de los modelos orientales, pero sus formas son más dinámicas que las de la escultura egipcia, como por ejemplo la Dama de Auxerre y el Torso de Hera (Período Arcaico Temprano, c. 660-580 a. C. , ambos en el Louvre, París). Después de aproximadamente 575 a. C., figuras como estas, tanto masculinas como femeninas, comenzaron a usar la llamada sonrisa arcaica . Esta expresión, que no tiene una adecuación específica a la persona o situación representada, puede haber sido un recurso para dar a las figuras una característica humana distintiva.
Predominaron tres tipos de figuras: el joven desnudo de pie ( kouros , plural kouroi), la muchacha de pie vestida con ropas ( kore , plural korai) y la mujer sentada. Todas enfatizan y generalizan los rasgos esenciales de la figura humana y muestran una comprensión cada vez más precisa de la anatomía humana. Los jóvenes eran estatuas sepulcrales o votivas. Algunos ejemplos son Apolo (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), una obra temprana; el Apolo de Strangford de Anafi (Museo Británico), una obra mucho más tardía; y el Anavyssos Kouros ( Museo Arqueológico Nacional de Atenas ). En esta estatua se ve más musculatura y estructura esquelética que en obras anteriores. Las muchachas de pie vestidas con ropas tienen una amplia gama de expresión, como en las esculturas del Museo de la Acrópolis de Atenas . Sus ropajes están tallados y pintados con la delicadeza y meticulosidad comunes en los detalles de la escultura de este período.
Los griegos decidieron muy pronto que la forma humana era el tema más importante de la actividad artística. Al ver que sus dioses tenían forma humana, no había distinción entre lo sagrado y lo secular en el arte: el cuerpo humano era tanto secular como sagrado. Un desnudo masculino sin ningún accesorio, como un arco o una maza, podía ser tan fácilmente Apolo o Heracles como el campeón olímpico de boxeo de ese año. En el Período Arcaico, la forma escultórica más importante era el kouros (véase, por ejemplo, Biton y Kleobis ). El kore también era común; el arte griego no presentó desnudez femenina (a menos que la intención fuera pornográfica) hasta el siglo IV a. C., aunque el desarrollo de técnicas para representar drapeados es obviamente importante.
Al igual que con la cerámica, los griegos no producían esculturas con fines puramente artísticos. Las estatuas eran encargadas por individuos aristocráticos o por el estado y se utilizaban para conmemoraciones públicas, como ofrendas a templos, oráculos y santuarios (como lo demuestran con frecuencia las inscripciones en las estatuas) o como marcadores de tumbas. Las estatuas del período arcaico no estaban destinadas a representar a individuos específicos. Eran representaciones de un ideal: belleza, piedad, honor o sacrificio. Siempre eran representaciones de hombres jóvenes, de edades comprendidas entre la adolescencia y la madurez temprana, incluso cuando se colocaban en las tumbas de ciudadanos (presumiblemente) mayores. Los kouroi eran todos similares estilísticamente. Las graduaciones en la estatura social de la persona que encargaba la estatua se indicaban por el tamaño, más que por innovaciones artísticas.
El período clásico fue testigo de una revolución en la escultura griega, a veces asociada por los historiadores con la cultura popular que rodeó la introducción de la democracia y el fin de la cultura aristocrática asociada con los kouroi . El período clásico vio cambios en el estilo y la función de la escultura, junto con un aumento dramático en la habilidad técnica de los escultores griegos para representar formas humanas realistas. Las poses también se volvieron más naturalistas, en particular durante el comienzo del período. Esto se materializa en obras como El niño de Critios (480 a. C.), esculpido con el uso más temprano conocido de contrapposto ('contraposición'), y El auriga de Delfos (474 a. C.), que demuestra una transición a una escultura más naturalista. Desde aproximadamente el 500 a. C., las estatuas griegas comenzaron a representar cada vez más personas reales, en oposición a interpretaciones vagas del mito o estatuas votivas completamente ficticias , aunque el estilo en el que se representaban aún no se había convertido en una forma realista de retrato. Las estatuas de Harmodio y Aristogitón , erigidas en Atenas, marcan el derrocamiento de la tiranía aristocrática y se dice que son los primeros monumentos públicos que muestran individuos reales.
El período clásico también vio un aumento en el uso de estatuas y esculturas como decoración de edificios. Los templos característicos de la era clásica, como el Partenón de Atenas y el Templo de Zeus en Olimpia, utilizaron esculturas en relieve para frisos decorativos y esculturas en bulto redondo para llenar los campos triangulares de los frontones . El difícil desafío estético y técnico estimuló mucho la innovación escultórica. La mayoría de estas obras sobreviven solo en fragmentos, por ejemplo, los mármoles del Partenón , aproximadamente la mitad de los cuales se encuentran en el Museo Británico .
Durante este período, la estatuaria funeraria evolucionó desde los rígidos e impersonales kouros del período Arcaico hasta los grupos familiares sumamente personales del período Clásico. Estos monumentos se encuentran comúnmente en los suburbios de Atenas, que en la antigüedad eran cementerios en las afueras de la ciudad. Aunque algunos de ellos representan tipos "ideales" (la madre en duelo, el hijo obediente), cada vez más representaban a personas reales, generalmente mostrando al difunto despidiéndose dignamente de su familia. Este es un aumento notable en el nivel de emoción en relación con las eras Arcaica y Geométrica.
Otro cambio notable es el auge del crédito artístico en la escultura. Toda la información conocida sobre la escultura en los períodos Arcaico y Geométrico se centra en las obras en sí, y rara vez, si es que alguna vez, en los escultores. Algunos ejemplos incluyen a Fidias , conocido por haber supervisado el diseño y la construcción del Partenón , y Praxíteles , cuyas esculturas de mujeres desnudas fueron las primeras en ser consideradas artísticamente respetables. La Afrodita de Cnido de Praxíteles , de la que sobreviven copias, fue a menudo mencionada y elogiada por Plinio el Viejo .
Se dice que Lisístrato fue el primero en utilizar moldes de yeso extraídos de personas vivas para producir retratos a la cera perdida , y también desarrolló una técnica de fundición a partir de estatuas existentes. Procedía de una familia de escultores y su hermano, Lisipo de Sición , produjo mil quinientas estatuas en su carrera. [13]
La estatua de Zeus en Olimpia y la estatua de Atenea Partenos (ambas criselefantinas y ejecutadas por Fidias o bajo su dirección, y consideradas las mayores de las esculturas clásicas), se han perdido, aunque todavía existen copias más pequeñas (en otros materiales) y buenas descripciones de ambas. Su tamaño y magnificencia impulsaron a los rivales a apoderarse de ellas en el período bizantino , y ambas fueron trasladadas a Constantinopla , donde más tarde fueron destruidas.
La transición del período clásico al helenístico se produjo durante el siglo IV a. C. El arte griego se volvió cada vez más diverso, influenciado por las culturas de los pueblos atraídos a la órbita griega, por las conquistas de Alejandro Magno (336 a 323 a. C.). En opinión de algunos historiadores del arte, esto se describe como una disminución de la calidad y la originalidad; sin embargo, las personas de la época pueden no haber compartido esta perspectiva. Muchas esculturas anteriormente consideradas obras maestras clásicas ahora se sabe que son de la era helenística. La habilidad técnica de los escultores helenísticos se evidencia claramente en obras tan importantes como la Victoria alada de Samotracia y el Altar de Pérgamo . Nuevos centros de cultura griega, particularmente en escultura, se desarrollaron en Alejandría , Antioquía , Pérgamo y otras ciudades. Para el siglo II a. C., el creciente poder de Roma también había absorbido gran parte de la tradición griega, y también una proporción cada vez mayor de sus productos.
Durante este período, la escultura experimentó nuevamente un giro hacia un naturalismo cada vez mayor. La gente común, las mujeres, los niños, los animales y las escenas domésticas se convirtieron en temas aceptables para la escultura, que era encargada por familias adineradas para el adorno de sus hogares y jardines. Se produjeron figuras realistas de hombres y mujeres de todas las edades, y los escultores ya no se sintieron obligados a representar a las personas como ideales de belleza o perfección física. Al mismo tiempo, las nuevas ciudades helenísticas que surgieron en Egipto , Siria y Anatolia exigieron estatuas que representaran a los dioses y héroes de Grecia para sus templos y lugares públicos. Esto convirtió a la escultura, como a la cerámica, en una industria, con la consiguiente estandarización y (cierta) disminución de la calidad. Por estas razones, sobreviven hasta el presente bastantes más estatuas helenísticas que las del período clásico.
Junto con el cambio natural hacia el naturalismo, también se produjo un cambio en la expresión de las esculturas. Las esculturas comenzaron a expresar más poder y energía durante este período de tiempo. Una forma fácil de ver el cambio en las expresiones durante el período helenístico sería compararlo con las esculturas del período clásico. El período clásico tenía esculturas como el Auriga de Delfos que expresaban humildad. Sin embargo, las esculturas del período helenístico vieron mayores expresiones de poder y energía como se demuestra en el Jinete de Artemision . [16]
Algunas de las esculturas helenísticas más conocidas son la Victoria alada de Samotracia (siglo II o I a.C.), la estatua de Afrodita de la isla de Melos conocida como la Venus de Milo (mediados del siglo II a.C.), el Galo moribundo (hacia el 230 a.C.) y el grupo monumental Laocoonte y sus hijos (finales del siglo I a.C.). Todas estas estatuas representan temas clásicos, pero su tratamiento es mucho más sensual y emotivo de lo que el gusto austero del período clásico habría permitido o sus habilidades técnicas permitían. La escultura helenística también estuvo marcada por un aumento de escala, que culminó en el Coloso de Rodas (finales del siglo III), que se cree que tenía aproximadamente el mismo tamaño que la Estatua de la Libertad . El efecto combinado de los terremotos y el saqueo han destruido esta, así como cualquier otra obra de gran tamaño de este período que pudiera haber existido.
Tras las conquistas de Alejandro Magno, la cultura griega se extendió hasta la India, como revelan las excavaciones de Ai-Khanoum en el este de Afganistán, y la civilización de los grecobactrianos y los indogriegos . El arte grecobudista representó un sincretismo entre el arte griego y la expresión visual del budismo. Los descubrimientos realizados desde finales del siglo XIX en torno a la antigua ciudad egipcia de Heracleo (ahora sumergida) incluyen una representación de Isis del siglo IV a . C. La representación es inusualmente sensual para las representaciones de la diosa egipcia, además de ser inusualmente detallada y femenina, lo que marca una combinación de formas egipcias y helenísticas en la época de la conquista de Egipto por Alejandro Magno.
En Goa , India, se encontraron estatuas de Buda de estilo griego. Se atribuyen a griegos conversos al budismo, muchos de los cuales se sabe que se establecieron en Goa durante la época helenística. [17] [18]
Todos los templos griegos y romanos antiguos normalmente contenían una imagen de culto en la cella . El acceso a la cella variaba, pero aparte de los sacerdotes, al menos algunos de los fieles en general podían acceder a la cella algunas veces, aunque los sacrificios a la deidad normalmente se hacían en altares fuera del recinto del templo ( temenos en griego). Algunas imágenes de culto eran fáciles de ver y eran lo que llamaríamos grandes atracciones turísticas. La imagen normalmente tomaba la forma de una estatua de la deidad, originalmente de tamaño menor al natural, luego típicamente de tamaño más o menos natural, pero en algunos casos muchas veces de tamaño natural, en mármol o bronce, o en la forma especialmente prestigiosa de una estatua criselefantina usando placas de marfil para las partes visibles del cuerpo y oro para las ropas, alrededor de un marco de madera. Las imágenes de culto griegas más famosas eran de este tipo, incluida la Estatua de Zeus en Olimpia y la Atenea Partenos de Fidias en el Partenón de Atenas, ambas estatuas colosales ahora completamente perdidas. Se han excavado fragmentos de dos estatuas criselefantinas de Delfos . Las imágenes de culto generalmente tenían o llevaban atributos identificativos, lo que es una forma de distinguirlas de las muchas otras estatuas de deidades en templos y otros lugares.
El acrolito era otra forma compuesta, esta vez una de bajo coste con un cuerpo de madera. Un xoanon era una imagen primitiva y simbólica, normalmente de madera, algunas quizás comparables al lingam hindú , aunque la imagen de culto más antigua del mundo griego, el Palaikastro Kouros minoico , es muy sofisticada. Muchas xoana se conservaron y veneraron por su antigüedad en períodos posteriores; a menudo eran lo suficientemente ligeras como para ser llevadas en procesiones. Muchas de las estatuas griegas bien conocidas a partir de copias romanas de mármol eran originalmente imágenes de culto del templo, que en algunos casos, como el Apolo Barberini , pueden identificarse de manera creíble. Sobreviven muy pocos originales reales, por ejemplo, la Atenea del Pireo de bronce (2,35 metros de altura, incluido un casco).
En la mitología griega y romana , un " paladio " era una imagen de gran antigüedad de la que se decía que dependía la seguridad de una ciudad, especialmente la de madera que Odiseo y Diomedes robaron de la ciudadela de Troya y que luego fue llevada a Roma por Eneas . (La historia romana fue relatada en la Eneida de Virgilio y otras obras.)
![El soldado de caballería ateniense Dexileos luchando contra un hoplita desnudo en la Guerra de Corinto.[14] Dexileos murió en acción cerca de Corinto en el verano de 394 a. C., probablemente en la Batalla de Nemea,[14] o en un enfrentamiento cercano.[15] Estela funeraria de Dexileos, 394-393 a. C.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/16/Grave_relief_of_Dexileos,_son_of_Lysanias,_of_Thorikos_(Ca._390_BC)_(4454389225).jpg/1280px-Grave_relief_of_Dexileos,_son_of_Lysanias,_of_Thorikos_(Ca._390_BC)_(4454389225).jpg)
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![Diana de Gabies [fr] vistiéndose con un diplax](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/be/Diana_of_Gabies.jpg/1280px-Diana_of_Gabies.jpg)
