La escultura helenística representa una de las expresiones más importantes de la cultura helenística y la etapa final en la evolución de la escultura griega antigua. La definición de su duración cronológica, así como sus características y significado, han sido objeto de mucha discusión entre los historiadores del arte, y parece que está lejos de alcanzarse un consenso. [1] Generalmente se considera que el período helenístico comprende el intervalo entre la muerte de Alejandro Magno en el 323 a.C. y la conquista de Egipto por los romanos en el 30 a.C. [2] Sus características genéricas están definidas por el eclecticismo, el secularismo y el historicismo , basándose en la herencia de la escultura griega clásica y asimilando influencias orientales. [3]
Entre sus contribuciones originales a la tradición griega de la escultura se encuentran el desarrollo de nuevas técnicas, el refinamiento de la representación de la anatomía humana y la expresión emocional, y un cambio en los objetivos y enfoques del arte, abandonando lo genérico por lo específico. Esto se tradujo en el abandono del idealismo clásico de carácter ético y pedagógico a cambio de un énfasis en los aspectos humanos cotidianos y la dirección de la producción hacia fines puramente estéticos y, en ocasiones, propagandísticos. La atención prestada al hombre y a su vida interior, a sus emociones, a sus problemas y anhelos comunes, dio como resultado un estilo realista que tendió a reforzar lo dramático, lo prosaico y lo conmovedor, y con ello aparecieron los primeros retratos individualizados y verosímiles en Occidente. arte. Al mismo tiempo, se produjo una gran ampliación de la temática, con la inclusión de representaciones de la vejez y la infancia, de deidades menores no olímpicas y personajes secundarios de la mitología griega , y de figuras del pueblo en sus actividades. [4] [5]
El gusto por el historicismo y la erudición que caracterizaron el período helenístico se reflejó en la escultura de tal manera que fomentó la producción de nuevas obras de carácter deliberadamente retrospectivo, y también de copias literales de obras antiguas, especialmente ante la ávida demanda de Composiciones clasicistas famosas por el gran mercado consumidor romano. Como consecuencia, la escultura helenística se convirtió en una influencia central en toda la historia de la escultura en la Antigua Roma . A través de la Roma helenizada se conservó para la posteridad una valiosa colección de modelos formales y copias de importantes piezas de autores griegos famosos, cuyos originales acabaron desapareciendo en épocas posteriores, y sin las cuales nuestro conocimiento de la escultura griega antigua sería mucho más pobre. [6] Por otro lado, el imperialismo de Alejandro hacia Oriente llevó el arte griego a regiones lejanas de Asia , influyendo en las producciones artísticas de varias culturas orientales, dando lugar a una serie de derivaciones estilísticas híbridas y a la formulación de nuevas tipologías escultóricas, entre las que destacan Quizás el más trascendental en Oriente fue la fundación de la iconografía de Buda , hasta entonces prohibida por la tradición budista . [7]
Para el Occidente moderno, la escultura helenística fue importante como una fuerte influencia en la producción del Renacimiento , el Barroco y el Neoclásico . [8] En el siglo XIX, la escultura helenística cayó en desgracia y llegó a ser vista como una mera degeneración del ideal clásico, un prejuicio que penetró en el siglo XX y sólo recientemente ha comenzado a dejarse de lado, mediante la multiplicación de ideas más integrales. Las investigaciones actuales sobre este tema, y aunque su valor sigue siendo cuestionado por núcleos resistentes de la crítica y su estudio se ve dificultado por una serie de razones técnicas, parece que la plena rehabilitación de la escultura helenística entre los estudiosos es sólo una cuestión de tiempo, porque para el público en general ya se ha revelado de gran interés, garantizando el éxito de las exposiciones donde se muestra. [9] [10] [11] [12]
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La escultura del Clasicismo, el período inmediatamente anterior al helenístico, se construyó sobre un poderoso marco ético que tenía sus bases en la tradición arcaica de la sociedad griega, donde la aristocracia gobernante se había formulado el ideal de la areté , un conjunto de virtudes que debe cultivarse para la formación de una moral fuerte y de un carácter socialmente apto, versátil y eficiente. Paralelamente se formuló el concepto de kalokagathia , que afirmaba la identidad entre Virtud y Belleza . Expresando estos conceptos en formas plásticas nació un nuevo canon formal, desarrollado por Poliqueto y el grupo de Fidias , que buscaba la creación de formas humanas a la vez naturalistas e ideales, a través de cuya belleza perfecta y equilibrada se pudieran percibir las virtudes del espíritu. . [13] [14] [15]
Estas ideas habían sido reforzadas por el aporte de filósofos como Pitágoras , quien decía que el arte era un poder eficaz, capaz de influir en las personas para bien o para mal, según obedecieran o violaran ciertos principios de equilibrio y forma. También dijo que el arte debía imitar el orden divino, que se basaba en relaciones numéricas definidas y se expresaba en la armonía, coherencia y simetría de los objetos naturales. Había elaborado sus ideas a partir de sus investigaciones con las matemáticas y la música , pero no tardó en aplicarlas a las demás artes, fomentando un uso eminentemente ético de la creación artística y fomentando valores colectivos más que individuales, que los idealistas de Platón La filosofía lo corroboró elocuentemente. [dieciséis]
El espíritu de la cultura helenística comenzó a formarse con la conquista macedonia de Grecia y las expediciones militares de Alejandro a Oriente , que llevaron la cultura griega clásica a las orillas del río Indo y dieron lugar al establecimiento de varios reinos greco-orientales. La cultura de la Grecia clásica, de la que dependía Macedonia , se definió dentro de una visión del mundo relativamente limitada, circunscrita a la ciudad-estado, la polis . Aunque los griegos fundaron una serie de colonias alrededor del Mediterráneo y el Mar Negro , y mantuvieron contacto con varios otros países, su referencia cultural siguió siendo la metrópoli, cuya sociedad se basaba en la experiencia de grupos definidos que vivían en las ciudades más importantes. Según Jerome Pollitt , "un griego clásico podría viajar voluntariamente en busca de aventuras, pero una vez terminada la aventura, su intención era regresar a la sociedad pequeña, segura y familiar donde se había establecido su identidad. [17]
Con la presencia macedonia en suelo griego y con el espíritu imperialista de Alejandro, este mundo más o menos estático sufre una profunda sacudida y comienza a experimentar una transformación que haría que esa vida tradicional y comunitaria sea cosa del pasado. Alejandro fundó varias ciudades en sus campañas, fomentando importantes migraciones de poblaciones griegas, entre ellas miles de artistas, [18] que fueron a probar suerte en un entorno étnico y cultural totalmente ajeno, construyendo nuevas sociedades cuya nota dominante era la inseguridad y la movilidad, al todos los niveles. Después de su muerte, sus sucesores se involucraron en una serie de luchas de poder, provocando el colapso del imperio en medio de una intensa agitación y una pérdida generalizada de las antiguas referencias y expectativas de la sociedad greco-macedonia. [19] [20]
En sentido contrario, Roma inició su expansión bélica y depredadora, y la confianza en uno mismo, el idealismo y los viejos valores colectivos sociales y religiosos decayeron, generando un retraimiento y desencanto en los individuos ante la pobreza moral, el cinismo político y la violencia de la época. , aspectos que quedaron enmascarados por la búsqueda del mero placer y formalizados artísticamente a través de un realismo a veces lleno de dramatismo. Los diversos orígenes de los colonos y la notoria xenofobia greco-macedonia dificultaron la creación de alianzas sociales duraderas y confiables en las tierras conquistadas, y para los artistas, el mecenazgo estaba sujeto a caprichos personales y frecuentes oscilaciones en el gusto de la élite gobernante a medida que las inclinaciones políticas cambió. No es de extrañar entonces que Plinio , un clasicista, dijera que el siglo III a.C. fue una época en la que las artes desaparecieron. Para algunos, estos tiempos pueden haber tenido un atractivo emocionante, pero los filósofos de la época señalan una aguda conciencia de que la fase era de gran inestabilidad, [19] [20] con incluso un velado sentimiento de culpa por el colapso del viejos valores morales frente al nuevo paisaje urbano mundano y corrupto, que sería la fuente de una larguísima tradición de búsqueda de un retorno a la vida simple, primitiva y auténtica campesina, incluso si este retorno nunca pudiera realizarse de hecho salvo simbólicamente, en los periódicos revivalismos clasicistas -el primero de los cuales se produciría a finales del período helenístico- y dentro de los sueños de pastoralismo poético que pueblan la historia del arte desde aquellos tiempos hasta nuestros días. [21]
La filosofía del período helenístico continuó el debate sobre la estética que había sido inaugurado por Sócrates y Platón en años anteriores. La ética de Platón predicaba que el arte, en el mejor de los casos, era sólo un simulacro imperfecto de verdades abstractas y, por tanto, carecía de valor y credibilidad profundos, y que en todos los casos debía servir a una causa moral y pedagógica . Sócrates antes que él había sugerido que el arte podía expresar patetismo individual , y Aristóteles , tomando este lema y oponiéndose a las líneas generales del pensamiento idealista platónico sobre la estética, abordó la cuestión empíricamente, tratando de descubrir otros usos y significados para las creaciones de los artistas. Desarrolló el concepto de catarsis , suponiendo que el arte podía educar el espíritu simulando las propias debilidades emocionales humanas, amplió el camino para que se cultivaran las emocionalidades y las visiones individuales, y con ello relativizó la función y lectura del arte y prestigió la creatividad individual. Al mismo tiempo, favoreció la secularización de su carácter, dando cabida al uso de la escultura como forma de propaganda política y personal. [22]
Una vez dedicada principalmente a la función sagrada y la conmemoración pública de héroes y atletas , cuyo fundamento era principalmente ético, didáctico e idealista, la élite ahora deseaba obras que tuvieran una motivación principalmente personalista y cuyo carácter fuera principalmente decorativo. Incluso las estatuas de dioses llegaron a ser vistas más como "obras de arte" que como instrumentos simbólicos de comunicación con los mundos invisibles. Con ello, el gusto privado -que no siempre fue el más refinado y culto- comenzó a prevalecer sobre las convenciones colectivas, favoreciendo una práctica puramente estética que abrió ampliamente su abanico temático para incluir lo pintoresco, lo trivial, lo doloroso, lo cómico, lo terrorífico. , lo sensual, lo informe y lo grotesco. [23] [24] Acompañando a estos cambios aparece por primera vez en el arte occidental una clara inclinación a leer las obras alegóricamente . La disminución de la credibilidad de los mitos antiguos hace que los principios morales se personifiquen de otras maneras, y mientras que en el arte anterior los dioses encarnaban una serie de atributos inmateriales, ahora, a la inversa, las abstracciones mismas, como el coraje, el perdón, la sabiduría y la combatividad, toman forma. en forma humana y son deificados individualmente. [25]
Formalmente las características generales de la escultura helenística derivan principalmente del trabajo de tres grandes artistas, Escopas , Praxíteles y Lisipo , que lideraron la transición del clasicismo a la tradición helenística a mediados del siglo IV a.C. [26] En términos de expresividad y carácter narrativo, su producción tiene mucho más que ver con el helenismo que con el alto clasicismo que lo precedió, aunque en cuanto al estilo mismo su origen clásico sigue siendo evidente. Comienzan el proceso de abandonar la idealización para llevar la representación al nivel humano, incluso cuando se trata de la imagen de deidades. No sin una pizca de ironía, Jerome Pollitt comenta una obra atribuida a Praxitheles, el Apolo Sauroctonos , y ve en ella una imagen burlesca de la decadencia del estatus desde un dios viril que mata dragones hasta un decadente afeminado que apenas puede ahuyentar a un común. lagarto, en una época en la que los mitos antiguos comenzaban a perder su aura divina y su verdadero poder de inspiración, y comenzaban a ser desacreditados en una sociedad fuertemente profana y urbana, pero que por tanto podía dirigir su atención más intensamente hacia el retrato del hombre, sus problemas y éxitos específicos, y su universo interior. [27]
Por otra parte, al propio Alejandro Magno se le atribuye una importante influencia en la introducción de nuevos modos de representación escultórica. En el retrato de los gobernantes se preferían figuras jóvenes, atléticas y sin afeitar, cuando antes este género estaba tipificado por figuras maduras y barbudas. Los diversos retratos del general también se convirtieron en modelos para la representación de los dioses Apolo y Helios, y de las deidades del río, incluida su mirada dirigida hacia arriba y su cabello denso, largo y suelto, rasgos típicos de esos retratos. De personalidad centralizadora, el carisma de Alejandro impulsó una reorganización en los escenarios de batallas y cacerías, empezando a resaltar la figura de un líder, cuando antes era habitual tratar a todos los personajes con la misma importancia visual en composiciones sin un foco principal. Finalmente, la fama de su caballo Bucéfalo produjo una tendencia a magnificar el tamaño de las representaciones de estos animales en relación a épocas anteriores. [28]
La descripción de la escultura helenística, un tema de gran complejidad que sigue siendo fuente de mucha controversia e incertidumbre, sólo puede hacerse, en un resumen como éste, de forma genérica. La multiplicidad de centros de producción, la gran movilidad de los escultores entre ellos y la libertad estilística imperante han creado un panorama multifacético y multifocal, donde conviven y se cruzan diversas tendencias, [29] pero la mentalidad de los helenistas, y sus repercusiones en el arte de la escultura, puede definirse más o menos a través de cinco líneas dominantes:
I. Una preocupación obsesiva por el destino y su carácter impredecible y cambiante, visible en la proliferación de escritos filosóficos e iconográficos sobre Tyche , la diosa que encarnaba la Suerte o la Fortuna -concebida en una interpretación asociada al destino- y en el retrato de Alejandro, un Personalidad que siempre se consideró protegido por la Fortuna, pues incluso cuando la mala suerte parecía amenazarlo, era capaz de revertir la situación a su favor. Asimismo, un reflejo de este interés fue la descripción de eventos en los que las fortunas individuales cambiaron dramáticamente, como en momentos de gran éxito o gran fracaso. [30]
II. Un sentido de la teatralidad de la vida, reflejado en el gusto por lo espectacular, por las grandes manifestaciones públicas de pompa regia, por los pronunciamientos dramáticos y vehementes de los oradores, por las fiestas profanas y religiosas suntuosas y estimulantes para los sentidos, [31] y para esculturas donde se buscaba intencionalmente el sentido de drama, de exaltación, de movimiento, de tumulto, de éxtasis, de lo extraordinario en un estilo cuyo tenor era narrativo y retórico . Incluso existía una terminología técnica tomada de la retórica literaria para describir los elementos formales favorecidos en la escultura helenística: auxesis (amplificación), makrología (expansión), dilogia (repetición), palilogia (recapitulación), megaloprepeia (grandeza), deinosis (intensidad), ekplexis (shock), enargeia (vivacidad), anthitesis (contraste) y pathos (drama emocional). [32]
III. Una tendencia hacia la erudición, manifestada en el creciente interés por la geografía y la historia de otros países, por los libros que describen rasgos étnicos extranjeros y sus maravillas culturales, por la lingüística, con la elaboración de gramáticas, diccionarios y compendios de palabras cultas y difíciles. Fue la época en la que se fundaron grandes bibliotecas y museos, como el de Alejandría , cuando se formaron colecciones de arte planificadas y sistematizadas, y se cultivaron arcaísmos en las diversas artes, incluida la escultura, que evidenciaban el conocimiento de autores renombrados y la posesión. de un espíritu ilustrado. Así, se imitaban estilos de fases anteriores en copias literales de obras antiguas, o se asimilaban sus principios para componer piezas nuevas, yuxtaponiendo a menudo en una misma obra trazos de diferentes escuelas y épocas, o integrando elementos estilísticos exóticos traídos de Oriente, que dieron lugar a La producción tiene un carácter ecléctico e historicista. Al mismo tiempo, los escultores rivalizaron en demostraciones de virtuosismo técnico en el extremo refinamiento de la talla en piedra, visible en muchos ejemplares. [33] La herencia clásica siguió siendo el estándar de referencia original, el lenguaje común a todos, sobre el cual las innovaciones podían identificarse y apreciarse mejor, incluso cuando adquirieron un carácter decididamente anticlásico. Si bien este historicismo nació de una mirada al pasado, trabajó temas aún vigentes, y el eclecticismo resultante, aunque estéticamente ambiguo, creó un repertorio de formas nuevas y actualizó antiguas que contribuyeron a una mayor riqueza y variedad artística. período, formulando un nuevo lenguaje que era esencialmente actual y cosmopolita para ellos [34] [35]
IV. El carácter individualista , a partir de la noción de autarquía , concepto que predicaba la autonomía y la independencia individuales como base de la felicidad, e indirectamente fomentaba el desarrollo de un espíritu errante y adaptable, contrario a los convencionalismos y ligado a su naturaleza única y esencial, capaz de adaptándose a cualquier situación, tipificado por el mercenario aventurero y sintetizado en el culto a la personalidad . Este individualismo, que impregnó toda la filosofía y la religión de la época, influyó también en la literatura, con la aparición de biografías y memorias de personajes ilustres, y en la escultura, en el sentido de que la representación realista de los tipos pintorescos y del mundo interior de los personajes , expresada a través de las emociones estampadas en sus rostros y actitudes corporales, ahora era buscada. Este deseo de realismo artístico, junto con el elogio de la personalidad, dio origen a los primeros retratos realistas del arte occidental, que representan, en opinión de Jerome Pollitt, el logro más importante de todo el arte helenístico. [36]
V. Una visión cosmopolita, corolario de las características invocadas anteriormente y marca de un mundo expandido y perpetuamente cambiante, sujeto a una multiplicidad de fuerzas, donde los filósofos veían a las diferentes naciones como participantes fraternos de una comunidad universal y a los individuos como únicos. agentes de su evolución y responsables de sus propias vidas, ya no privilegiados por nacimiento o nacionalidad, sintetizando un humanismo que con el tiempo disolvió gran parte de la aversión de los antiguos griegos hacia los bárbaros , abrió espacio para la creación de una sociedad liberal, pragmática y autosuficiente. suficiente burguesía -un nuevo mercado sustancial para la escultura- e hizo posible la producción de obras donde incluso la decadencia física, el vicio y la pobreza podían ser representados de manera empática y completa. [37] [38]
Uno de los primeros estudios importantes sobre el tema de la escultura helenística, Stilphasen der hellenistischen Plastik (1924), de Gerhard Krahmer, la dividió en tres fases, que influyeron mucho en la metodología de análisis posterior:
Estudios posteriores han propuesto divisiones alternativas, pero la investigación moderna, sin embargo, tiende a considerar que una apreciación simplemente cronológica tiende a ser engañosa, llevando a creer que el estilo evolucionó linealmente, cuando la evidencia indica que el proceso fue más bien acumulativo, más que sucesivo. . [40]
Grecia siguió siendo una región productiva durante todo el período helenístico. Aunque Atenas perdió su antigua primacía, se mantuvo activa -y de hecho inició un movimiento neoclásico a través de la Escuela Neoática, de gran influencia en la escultura romana- junto con Olimpia , Argos , Delfos y Corinto , mientras se establecían varios nuevos centros para ejemplo en Mesene , Mileto , Priene , Chipre , Samotracia y Magnesia . Sin embargo, merecen especial atención Rodas y la Magna Grecia . Tangra también merece atención, pero será tratada en el apartado de Terracotas, y Pérgamo , aunque desarrolló la tipología de guerreras heridas y amazonas, muy apreciada y con ejemplares de altísimo nivel, aparecerá en el apartado de Escultura Arquitectónica. por la gran importancia de su Altar de Zeus.
La isla de Rodas fue durante la mayor parte del período helenístico un centro de producción de escultura bastante activo, que atrajo a maestros de diversos orígenes. Después del 167 a.C. su importancia como centro comercial sufrió un declive, enfrentándose a la competencia del puerto libre de Delos , pero en esta etapa los mecenas locales parecen haber hecho un esfuerzo especial para animar a los artistas nativos. Durante bastante tiempo se consideró que Rodas era un semillero de innovaciones en escultura, asociándola con la formulación del estilo "barroco" del período helenístico, pero estudios recientes han revisado esta opinión y han situado la producción de la isla dentro de un perfil más modesto de originalidad, habiendo recibido posiblemente la influencia de otro centro importante, Pérgamo . Aun así, allí florecieron muchos talleres, y escritores antiguos como Plinio el Viejo dicen que Rodas contaba con tres mil estatuas, y unas mil de ellas de enormes dimensiones, que habrían sido suficientes para hacer famosa a la isla si no hubieran sido eclipsadas por el famoso Coloso, una gigantesca imagen de bronce que representa a Helios , el dios patrón local, diseñada alrededor del año 304 por Cares de Lindos , alumno de Lisipo. Plinio todavía menciona el nombre de Briaxis como autor de algunas piezas importantes, y el de Lisipo como creador de otro colosal Helios, representado en una cuadriga . Posiblemente también se trate de una copia de un original de Rodas, realizado por Taurisik y Apolonio de Trales , la famosa Bula Farnesio , hoy en Nápoles . Atenodoro , Polidoro y Agesandro , tres naturales de Rodas, son los autores de una de las obras más paradigmáticas de la fase barroca del periodo helenístico, El Laocoonte y sus hijos , y de otro notable conjunto escultórico hallado en la cueva de la Villa. de Tiberio en Sperlonga , que representa escenas de las aventuras de Odiseo . Finalmente, se ha sugerido que otra obra de gran fama, la Victoria de Samotracia , es una producción de Rodas, pero no hay pruebas concluyentes. [41]
Siracusa fue, antes de ser devastada por los romanos, una de las ciudades más ricas de la Magna Grecia, con una floreciente actividad escultórica. Después del paso romano, que la privó de toda su colección, la ciudad recuperó cierto prestigio artístico gracias a la producción de estatuas de terracota basadas en las tradiciones locales. Otras ciudades donde hay un legado importante son Tarento, una de las zonas mejor conservadas en cuanto a escultura del siglo III a.C., y Agrigento . [42]
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Desde los orígenes de Roma, su escultura estuvo bajo influencia griega. Primero a través del arte etrusco , que fue una interpretación del arte del Período Arcaico en Grecia, y luego con el contacto con las colonias griegas en la Magna Grecia , en el sur de la península italiana . Iniciada su expansión hacia el Mediterráneo, en sus campañas militares los romanos saquearon varias ciudades donde había grandes colecciones de escultura helenística, entre ellas la próspera Siracusa, dominada en el 212 a.C. Según relatos, el botín de guerra fue fantástico y, llevado a Roma, comenzó a adornar la capital, desplazando inmediatamente en el favor público a las esculturas de tradición greco-etrusca. A este saqueo le siguieron varios otros: Tarento en 209, Eretria en 198, el Peloponeso en 196, Siria y Anatolia en 187, Corinto en 146, Atenas en 86 y Sicilia en 73-71, confiscaciones tan importantes que a veces provocaron indignación. entre los propios senadores romanos . El resultado, sin embargo, fue cubrir Roma con arte helenístico y atraer al nuevo poder a varios artesanos, como Policles , Sosicles y Pasitles , quienes comenzaron a crear una escuela local de escultura, que se fundó sobre los principios del helenismo. arte y se encargó de transmitir a la posteridad, a través de copias, una ingente cantidad de célebres obras griegas y prototipos formales cuyos originales acabarían perdiéndose, al tiempo que formulaba nuevas tipologías típicamente romanas. Posteriormente, la escultura helenístico-clásica romana sería el vínculo de transición con el arte bizantino y proporcionaría la base para el desarrollo de la iconografía cristiana . [43] [44] [45] [46]
El contacto entre las civilizaciones griega y etrusca está documentado desde el siglo VIII a.C., y a lo largo de la historia del arte etrusco la influencia griega se mantuvo fuerte. A finales del siglo IV a.C., cuando comienza la helenística etrusca, la presencia romana ya empezaba a predominar en la región, y su cultura entró en decadencia. Aun así, en este periodo se creó una nueva tipología escultórica, la de los sarcófagos con retratos, de la que hablaremos en el apartado Sarcófagos y urnas cinerarias. Otra aportación etrusca a la escultura helenística es la formulación del tipo de madre sentada con su hijo en el regazo, conocido como koiné , cuyo ejemplar más conocido es la Mater Matuta del Museo Arqueológico Nacional de Florencia . [47] Típico de la tradición etrusca es la preferencia por el uso de la terracota en la producción de exvotos , sofisticadas piezas decorativas, jarrones -algunos con forma de cabeza humana- y en la decoración arquitectónica, con ejemplares de gran calidad en varios templos en Luni , Tarquinia y otros lugares, que exhiben rastros de la influencia helenística oriental. [48] Finalmente, los etruscos también demostraron ser expertos artesanos del bronce, creando una colección de retratos de cuerpo entero y bustos que en su naturalismo se acercan al estilo de la escultura romana en estos géneros. [25]
Después de la fundación de Alejandría , la ciudad pronto se convirtió en un importante centro de la cultura helenística. Allí se construyó la famosa Biblioteca , que incluyó uno de los primeros museos del mundo , y alrededor de ella floreció un importante grupo de filósofos, literatos y científicos, que hicieron una contribución muy relevante a la cultura helenística en su conjunto, pero en el campo de la escultura, al contrario de lo que se había pensado durante mucho tiempo, investigaciones recientes indican que el resultado fue mucho peor. Egipto tenía una larga y brillante tradición escultórica, y los faraones macedonios , al encontrar una cultura firmemente establecida, desarrollaron una práctica artística dual. Para la élite helenística, que vivía principalmente en Alejandría y tenía poca conexión con la realidad del resto del país, se producía un arte helenístico, y para el pueblo un arte que seguía las antiguas tradiciones faraónicas, y poco intercambio se podía hacer entre ellos. a ellos. [49] Incluso en el campo del retrato oficial, se mantuvo la duplicidad, aunque en raros casos se observa una mezcla significativa de estos dos estilos contrastantes, con cambios en los rasgos tradicionales de los peinados y trajes, y en la apariencia de las insignias de poder. , mostrando una adaptación cuidadosamente selectiva del estilo helenístico. [50] [51]
Tras la partición del imperio alejandrino, se formó el imperio helenístico de los seléucidas en Oriente Medio , con varias ciudades nuevas fundadas por Alejandro y sus sucesores. Con la disolución gradual de las antiguas instituciones persas , muchas otras ciudades más antiguas adoptaron un modelo administrativo similar al de la polis griega, y en unas pocas décadas la élite persa se helenizó, y todo aspirante a una posición social importante necesitaba ahora saber griego y ser Versado en la cultura helénica. Pero el impacto de la helenización, si bien alcanzó diversas formas culturales, no prevaleció entre las masas populares y, a lo largo de la historia local, resultó fugaz. A mediados del siglo III a. C., el Imperio seléucida se fragmentó, dando lugar al Imperio Arsácida , que pronto inició una expansión y finalmente suplantó a su estado madre. En este período se inició un proceso de vuelta a las tradiciones antiguas, cuyo efecto se extendió más allá de las fronteras y determinó una reacción antihelenística también en la India , Siria , Arabia , Anatolia y otras regiones, disminuyendo el interés local por la escultura. [52] Mientras duró la presencia greco-macedonia, hubo un importante intercambio de influencias con la cultura indígena, y parece que incluso Platón absorbió elementos de la religión zoroástrica en su filosofía. En escultura se conservan procedentes de diversos yacimientos reliquias de gran calidad del período seléucida, especialmente en bronce, imágenes de figuras reales y diversos dioses y estatuas, y de la fase arsácida se conservan relieves grabados en rocas, de gran interés y estilo claramente híbrido. [53]
El arte helenístico pudo influir en la cultura de países lejanos como la India y Afganistán , que en la época de las conquistas de Alejandro ya poseían una antigua tradición artística. Al fundar colonias helenísticas en Punjab y Bactria , dieron origen a la llamada Escuela Ghandara . Los helenistas fueron los responsables de la inauguración de una nueva tipología escultórica, de inmensa importancia para la religión budista , a saber, la propia imagen de Buda , cuando hasta entonces su representación era tabú . En él se conservaron en gran medida los cánones artísticos hindúes, pero en otros géneros, menos cargados de simbolismo, los rasgos occidentales de la estatuaria son más evidentes. Esta Escuela floreció hasta el siglo V d.C. [54]
Los templos y edificios públicos del período helenístico generalmente no continúan la práctica de una fastuosa decoración en sus fachadas como en fases anteriores, con grandes grupos escultóricos en los frontones , metopas , acroterias y frisos en relieve. Al parecer, en este período el trabajo se concentró más en el mantenimiento y restauración de edificios antiguos que en la construcción de otros nuevos. Hay varios edificios helenísticos decorados, pero la mayoría de ellos son de escaso interés, ya sea por la baja calidad intrínseca de la escultura o por su escasa cantidad, o su estado actual es tan ruinoso y empobrecido que impide una evaluación precisa de su estado. valor. Sin embargo, algunas excepciones a esta regla son valiosas y merecen una nota. El templo de Artemisa en Epidauro data del período helenístico temprano . Tenía Nike acroterial alado , de los cuales quedan cuatro, ahora sin sus alas. Su estilo muestra un rico ingenio en el manejo de su vestimenta, que logra efectos de transparencia en su movimiento ondulante. [55] Posiblemente del mismo período, y más rico, sea el templo de Atenea en Ilión , la antigua Troya . Se ha estimado que la fecha del templo es alrededor del 300 a. C., pero la de su decoración escultórica es más problemática. Tenía 64 metopas, pero no se sabe cuántas fueron talladas. De los que se conservan, el más importante, y prácticamente intacto, es el que muestra a Helios y su carro. Otros son fragmentarios y representan escenas de batalla, y posiblemente uno de los decorados trate sobre la Gigantomaquia . Su estilo ecléctico sugiere influencias extranjeras. [56] [57]
También de hacia el 300 a.C. es la decoración de la Casa de los Toros de Delos , un inusual edificio alargado y estrecho, con columnatas y profusa ornamentación escultórica, dividido entre metopas, un friso corrido y acroterias en el exterior, que lamentablemente se encuentran bastante erosionadas. y en su interior otro gran friso con escenas marinas y capiteles zoomorfos. En el mismo sitio se han encontrado esculturas que decoran varios otros edificios, como el teatro , la estoa de Antigonus Gônatas , el monumento a Mitrídates VI Eupátor y la Casa del Tridente, esta última con una inusual decoración de relieves de estuco . [58] De datación incierta, pero posiblemente sea otro ejemplo de esta fase es el Hieron del Santuario de los Grandes Dioses de Samotracia , con varios relieves de centauros en el pórtico , y varias estatuas en el frontón norte, junto con el acroterio de Niza, pero estos deben ser de fecha mucho más tardía, posiblemente de mediados del siglo II a.C. [59]
Entre los siglos III y II a.C. Pérgamo surgió como uno de los centros de producción escultórica más activos, gracias al generoso mecenazgo de sus reyes Atalo I y Eumenes II . Bajo el primero se desarrolló el tipo de guerreros heridos, celebrado en los gálatas y amazonas moribundos, y bajo el segundo se construyó el gran Altar de Zeus , decorado con frisos y estatuarias de gran expresividad. El Altar es el monumento decorado más rico de todo el período y el logro más importante de la tendencia "barroca", cuyo potencial Epígono de Pérgamo , el principal escultor del monumento, fue uno de los primeros en comprender y explotar plenamente. [60] Allí se representan una Gigantomaquia y la historia de Thelephus , el legendario fundador de la ciudad. En términos técnicos y temáticos, el friso de la Gigantomachia introdujo varias innovaciones, minimizando la importancia del fondo, llevando al extremo el preciosismo en la descripción de los detalles, presentando deidades menores junto a los dioses olímpicos y superando los límites del friso para Coloque personajes avanzando hacia los escalones del monumento, subvirtiendo las convenciones tradicionales que regían la relación entre estatuaria y arquitectura . Por otro lado, el friso de Telefeo rescató la importancia del fondo pero añadió detalles inéditos de las escenas paisajísticas. [61] [62]
Otro monumento importante de la primera mitad del siglo II es el gran templo de Artemisa Leucofriene en Magnesia . Entre sus decoraciones destacan un friso con animales y un friso largo que muestra la Amazonomaquia , con 340 figuras talladas. Su calidad no es de las más altas, pero su interés radica en la gran diversidad de soluciones plásticas, que evitan cualquier monotonía. En la misma ciudad hay un altar de Artemisa con una importante decoración, del que quedan muchos fragmentos de figuras humanas y animales. Sin embargo, durante la Segunda Guerra Mundial se perdió todo un friso con bucráneos . Un poco más tarde se encuentra el Altar de Dioniso en Kos , donde sobrevive la mayor parte de un gran friso que muestra una procesión dionisíaca y escenas de batalla. [63]
Ya comentado antes, la práctica de la decoración arquitectónica etrusca merece algunas líneas adicionales por ser una de las realizaciones más típicas de su arte y por su carácter único en el panorama helenístico. Esta tradición nació ya en el período Arcaico, pero continuó a lo largo de su historia. A diferencia de las otras culturas helenísticas, que preferían la piedra, los etruscos prefirieron la terracota, y la aplicaron para la decoración de toda la serie de elementos arquitectónicos: frontones , metopas , acroterias , capiteles , frisos , etc. Las composiciones se caracterizan por una relativa independencia formal. de la estructura que los sostiene, y muestran motivos que mezclan imaginería griega y local. En un punto en el que coinciden con la práctica de todo el mundo helenístico fue en el hecho de que toda esta escultura tenía colores vivos. Entre los ejemplos más ricos de esta aplicación se encuentran los frontones de un templo de Talamone , del siglo II a. C., que muestran varias escenas de la historia de los Siete contra Tebas . [64] [65]
Las estatuillas de terracota formaron parte de la vida cotidiana griega desde la prehistoria, pero en el período helenístico se inició una tradición diferenciada, de estatuillas creadas en serie a partir de moldes que trabajaban en un estilo naturalista una variedad de temas y que servían para diversos fines -decoración, ex- voto , ofrenda funeraria en una práctica de bajo coste que se extendió rápidamente por todo el mundo helénico. Tanagra , junto con otras ciudades de Beocia , se hizo conocida a partir de finales del siglo IV a. C. en adelante por su vasta producción de estatuillas policromadas que representaban principalmente a mujeres y niñas vestidas con ropa sofisticada, con abanicos, espejos, sombreros y otros aparatos de moda, creando una Nuevo repertorio formal en la larga tradición de la estatuaria cerámica , que se cree que se inspiró en la comedia de Menandro . [66] [67] Estas estatuas son especialmente atractivas por la variedad de gestos y posturas y la refinada mano de obra, pero aunque Tanagra se destacó en este tipo de producción y prestó su nombre a todo este género de estatuas, llamadas figurillas de Tanagra , hay evidencia que el estilo típico comenzó a desarrollarse en Atenas, extendiéndose desde allí a otros centros. Pero también se desarrollaron otras escuelas de terracota, que quedan fuera del género de Tanagras, y no siempre utilizan moldes, que presentan una variedad mucho más amplia de tipos, incluidos esclavos, bailarines, hombres, ancianos, caballeros, niños, deidades, personajes teatrales, muñecos, animales. , jarrones miniaturizados, platos en relieve y cabezas sueltas. Su nivel de calidad, sin embargo, es muy desigual. [68]
Hacia finales del siglo III aparecen los tipos de figuras sentadas y de maestros y filósofos, que presentan rasgos serios y contemplativos, con un tratamiento simplificado y un acabado más tosco, aunque expresivo. Los colores también se diversifican, encontrándose tonalidades más claras. Son relativamente pocos los hallazgos relacionados con contextos sagrados, lo que evidencia un uso esencialmente profano de las estatuillas. De las diversas deidades que antes se encontraban en abundancia, sólo Eros sigue siendo un tipo realmente común, y los otros dioses que se identifican ocasionalmente muestran rasgos tan humanizados que su propósito meramente decorativo parece bien establecido. La producción en masa de esta fase gana en variedad al añadir detalles individualizados después de sacar la pieza del molde y antes de la cocción, no encontrándose dos piezas idénticas. [69]
La relativa escasez de reliquias, su estado general menos intacto y la presencia en muchos sitios de figuras de estilo retrospectivo complican el estudio de las terracotas del siglo II a. C. y la frecuente mezcla de objetos de diferentes períodos en el mismo estrato arqueológico, tal vez causada por la masa. descartando, complicando el trabajo de citas. Disminuye el número de figuras desnudas y aumenta el número de imágenes aladas y detalles individualizados en las piezas creadas en serie, dando en muchos casos la apariencia de piezas modeladas a mano. A este grupo de piezas se les ha denominado "aditivas" por estos añadidos, pero su acabado tiende a ser más tosco. Las formas de figuras y prendas tendieron a perder su organización en espiral y dar paso a composiciones más estáticas, en un momento en que la tradición sofisticada y fluida de los Tangagras se estaba desvaneciendo. En el paso al siglo I a. C. los tipos antiguos ya perdieron su vitalidad y la producción se estandarizó, adquiriendo posiblemente incluso un carácter de recuerdo turístico, ya que en aquella época Grecia no era más que una provincia romana, y como consecuencia de la dominación romana Tras el saqueo de las grandes ciudades, el material restante es escaso y a menudo gravemente dañado. En cuanto a las demás regiones, el gusto romano se vuelve predominante a medida que el imperio se expande, aparecen influencias bárbaras y la producción helenística de terracota llega a su fin a finales del siglo I a.C. [70]
Entre los griegos la costumbre del entierro en sarcófagos era rara en los períodos prehelenísticos. Los muertos eran incinerados o enterrados en discretos receptáculos. Pero a partir de finales del siglo IV, con la mayor penetración de las influencias orientales, donde se apreciaba la pompa funeraria, junto al ejemplo etrusco, se multiplicaron los ataúdes para cuerpos enteros y las urnas destinadas a recibir las cenizas de los cremados, en piedra y terracota. , muchas veces con suntuosos trabajos en relieve y de grandes dimensiones, portaban elementos arquitectónicos como columnatas y tapas en forma de tejado con acroteria, repitiendo el modelo del templo, lo que les daba el carácter de monumento autónomo, pudiendo en estos casos salir del Los ambientes cerrados de las tumbas y se instalarán al aire libre en las necrópolis . [71] Tales formas artísticas cobrarían gran importancia en el universo religioso helenístico, y continuarían más tarde, en el mundo romano y luego en todo el cristianismo , siendo muy honradas. Esta tipología no sólo se expandió, sino que también comenzó a reflejar, en la iconografía elegida para la decoración, cambios en las concepciones griegas sobre la vida más allá de la tumba, como el motivo de los niños retratados como héroes victoriosos, simbolizando la pureza y la inmortalidad . [25] [72]
La tradición funeraria de los etruscos fue importante en la popularización de los sarcófagos y las urnas cinerarias durante el período helenístico. Desarrollaron una práctica de arte mortuorio que alcanzó en algunos casos un gran refinamiento, aunque la mayoría de las piezas están más o menos estandarizadas y presentan una calidad media o inferior. El tipo consta de una caja decorada con distintos grados de complejidad, cerrada por una tapa en la que se representan retratos de cuerpo entero del difunto, solo o en pareja, recostados como en un banquete o como dormidos. Las urnas cinerarias adoptaron el mismo esquema, sólo que en dimensiones más pequeñas. Se han realizado importantes hallazgos arqueológicos en Arezzo , Perugia , Cortona , Volterra , Cerveteri y Chiusi , entre otras ciudades. [73]
De Oriente llegó una marcada tendencia al naturalismo en las escenas figurativas y un gusto por la decoración abstracta o que utilizó profusamente motivos fito y zoomorfos, algunos muy típicos como la hoja de palma, los elefantes y la caza del león. En el Líbano , en el cementerio real de Sidón , se encontraron varios ejemplos de fina artesanía, entre ellos el famoso Sarcófago de Alejandro, llamado así porque muestra en sus relieves escenas de la vida del conquistador, aunque estaba destinado a recibir el cuerpo de un potentado local. [74] [75] Esta pieza es de especial interés porque fue encontrada en excelentes condiciones, mostrando aún muchos rastros de su policromía original, lo que permitió construir una copia moderna con la reconstitución de sus colores primitivos (ilustrado a la derecha) , presentado durante la exposición Dioses en color , un evento internacional enteramente dedicado a difundir el tema del tratamiento pictórico de la escultura antigua, tan poco conocido por el gran público, pero que era una práctica muy extendida. [25] En el Egipto ptolemaico se desarrolló un estilo propio, donde el mayor interés escultórico estaba en la figura estilizada del hombre muerto acostado sobre la tapa que cubría, adaptando la tradición faraónica para las clases sociales más bajas. [76]
Si bien han pasado casi doscientos años desde que se identificó el helenismo en su sentido moderno y el término recibió una mayor difusión, y casi cien desde que se iniciaron los análisis de su arte en líneas más científicas, se puede decir que hasta ahora sólo se han establecido los fundamentos para Se ha logrado una comprensión de este tema y todavía son extremadamente precarias. En las últimas décadas, la investigación se ha intensificado enormemente, pero si bien aporta mucha información nueva e importante, la mayor parte de las veces su interpretación se da entre interminables polémicas y disputas, derribando uno tras otro conceptos aparentemente establecidos, suscitando así vivas oposición por parte de otros sectores críticos y generando más confusión en un estudio que, según François Chamoux, está lejos de definir incluso su punto de partida. [77]
La comprensión y la apreciación justa de la escultura helenística se ven dificultadas por varios factores. Las dataciones y atribución de autoría de las obras están llenas de dudas e inconsistencias; su procedencia, función e identificación temática son a menudo meramente hipotéticas; la mayoría de los originales han desaparecido y sólo se conocen a través de copias romanas cuya fidelidad al original es siempre una incertidumbre; las fuentes literarias primarias son pobres y contradictorias; los nombres conocidos de los escultores son pocos, no existen directores de escuelas importantes con personalidades estilísticas destacadas que puedan establecer parámetros definidos para la cronología del estilo y el trazado geográfico de sus cursos y derivaciones; la distinción entre originales y copias puede resultar problemática, y casi todo el siglo III a.C. C. se encuentra sorprendentemente despoblada de reliquias. Añadamos que todo el progreso reciente de la crítica tuvo - y todavía tiene - que enfrentarse a un fuerte prejuicio histórico contra la escultura helenística, que no ve en ella más que una degeneración de mal gusto del clasicismo griego, visión que hace sólo unas décadas comenzó a disolverse. para dar cabida a visiones más positivas y comprensivas de sus méritos intrínsecos, [9] [78] aunque algunos todavía consideran, con sus razones, que el virtuosismo técnico puede haber sustituido al contenido, que la libertad estética y la privatización del gusto han conducido a un declive en la calidad general, y que las obras adolecen a menudo de trivialidad y excesos sentimentales, que fácilmente descienden al melodrama y dan lugar a un énfasis en el lado patológico de la realidad. [79]
Pero parece que con el paso de los años la escultura helenística, junto con el resto de expresiones culturales de la época, se encamina hacia una total rehabilitación. Ya en 1896, Frank Bigelow Tarbell escribió que el público en general se sentía más cómodo con la inmediatez, la espontaneidad, la variedad y el atractivo emocional popular del estilo helenístico que con las "creaciones más severas y sublimes de la era Phydian" (aunque hizo (es evidente que entre los críticos expertos las cosas eran diferentes), [80] Arnold Hauser dijo en 1951 que el arte helenístico, debido a su hibridación internacionalista, tenía relaciones directas con la modernidad, [81] y Brunilde Ridgway , escribiendo en 2000, afirmó que el La aceptación se confirma hoy, cuando las exposiciones de arte helenístico han atraído "hordas de visitantes". [82] Cada vez está más claro que el período ya no puede considerarse simplemente una transición confusa e infeliz entre las civilizaciones griega clásica y romana imperial, ni analizarse a través de simplificaciones y comparaciones con otras épocas, que merece una atención específica, que sus artistas han demostrado su importancia preservando viva una tradición venerable y al mismo tiempo abiertos a las innovaciones, a la vida del hombre común y al futuro, han dado testimonio de su erudición en el manejo creativo de un gran repertorio formal heredado de sus predecesores, han demostrado su competencia desarrollando nuevas técnicas y modos narrativos, y han producido, en sus mejores momentos, obras de extraordinario refinamiento y potente efecto plástico. [83] [84] [85] Hay que dejar de lado los prejuicios más acertados cuando recordamos la importancia del legado helenístico en la inmensa repercusión que causaron las obras helenísticas al ser redescubiertas en el Renacimiento , como fue el caso de Laocoonte, que influyó en la obra del propio Miguel Ángel y de las generaciones posteriores a él, [86] y cuando nos damos cuenta de la enorme popularidad de piezas como la Victoria de Samotracia y especialmente la Venus de Milo, que podría convertirse en un ícono incluso de la cultura popular , hazaña que muy pocas creaciones cultas, antiguas o modernas, lo han logrado. [87]
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