Diego Rodríguez de Silva y Velázquez , [a] [b] (bautizado el 6 de junio de 1599 - 6 de agosto de 1660) fue un pintor español, el artista principal de la corte del rey Felipe IV de España y Portugal, y del Siglo de Oro español .
Fue un artista individualista del período barroco ( c. 1600-1750 ). Comenzó pintando en un estilo tenebrista preciso, desarrollando más tarde un estilo más libre caracterizado por una pincelada atrevida. Además de numerosas representaciones de escenas de importancia histórica y cultural, pintó decenas de retratos de la familia real española y de plebeyos, que culminaron en su obra maestra Las Meninas (1656).
Las pinturas de Velázquez se convirtieron en un modelo para los pintores realistas e impresionistas del siglo XIX . En el siglo XX, artistas como Pablo Picasso , Salvador Dalí y Francis Bacon rindieron homenaje a Velázquez reinterpretando algunas de sus imágenes más emblemáticas.
La mayor parte de su obra entró en la colección real española , y con diferencia la mejor colección se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, aunque algunos retratos fueron enviados al extranjero como regalos diplomáticos, especialmente a los Habsburgo austríacos .
Velázquez nació en Sevilla , España, el primer hijo de Juan Rodríguez de Silva, un notario , y Jerónima Velázquez. Fue bautizado en la iglesia de San Pedro en Sevilla el domingo 6 de junio de 1599. [5] El bautismo probablemente ocurrió unos días o semanas después de su nacimiento. Sus abuelos paternos, Diego da Silva y María Rodríguez, eran portugueses y se habían mudado a Sevilla décadas antes. Cuando a Velázquez se le ofreció el título de caballero en 1658, afirmó descender de la nobleza menor para calificar, sin embargo, sus abuelos pueden haber sido comerciantes. Algunos autores han sugerido que sus abuelos eran judíos conversos . [6] [7] [8] Rafael Cómez propone que Velázquez pudo haber tenido linaje morisco . [9]
Criado en circunstancias modestas, mostró un temprano don para el arte y fue aprendiz de Francisco Pacheco , artista y maestro en Sevilla. Un biógrafo de principios del siglo XVIII, Antonio Palomino, dijo que Velázquez estudió durante un corto tiempo con Francisco de Herrera antes de comenzar su aprendizaje con Pacheco, pero esto no está documentado. Un contrato firmado el 17 de septiembre de 1611, formalizó un aprendizaje de seis años con Pacheco, retroactivo a diciembre de 1610, [10] y se ha sugerido que Herrera pudo haber sustituido a un Pacheco viajero entre diciembre de 1610 y septiembre de 1611. [11]
Aunque considerado un pintor aburrido y mediocre, Pacheco a veces expresó un realismo simple y directo , aunque su obra siguió siendo esencialmente manierista . [12] Como profesor, era muy erudito y alentó el desarrollo intelectual de sus estudiantes. En la escuela de Pacheco, Velázquez estudió a los clásicos , se formó en proporción y perspectiva y fue testigo de las tendencias en los círculos literarios y artísticos de Sevilla. [13]
El 23 de abril de 1618, Velázquez se casó con Juana Pacheco (1 de junio de 1602 – 10 de agosto de 1660), hija de su maestro. Tuvieron dos hijas. La mayor, Francisca de Silva Velázquez y Pacheco (1619-1658), se casó con el pintor Juan Bautista Martínez del Mazo en la iglesia de Santiago de Madrid el 21 de agosto de 1633. La menor, Ignacia de Silva Velázquez y Pacheco, nacida en 1621, murió en la infancia. [14]
Las primeras obras de Velázquez son bodegones (escenas de cocina con naturalezas muertas prominentes ). Fue uno de los primeros artistas españoles en pintar tales escenas, y su Vieja friendo huevos (1618) demuestra la inusual habilidad del joven artista en la representación realista. [15] El realismo y la iluminación dramática de esta obra pueden haber sido influenciados por el trabajo de Caravaggio , que Velázquez podría haber visto de segunda mano, en copias, y por la escultura policromada de las iglesias sevillanas. [16] Dos de sus bodegones, Escena de cocina con Cristo en la casa de Marta (1618) y Escena de cocina con Cristo en Emaús ( c. 1618 ), presentan escenas religiosas en el fondo, pintadas de una manera que crea ambigüedad en cuanto a si la escena religiosa es una pintura en la pared, una representación de los pensamientos de la criada de la cocina en primer plano o un incidente real visto a través de una ventana. [17] [18] La Virgen de la Inmaculada Concepción (1618-19) sigue una fórmula utilizada por Pacheco, pero reemplaza el tipo facial idealizado y las superficies suavemente terminadas de su maestro con el rostro de una niña local y pinceladas variadas. [19] Sus otras obras religiosas incluyen La Adoración de los Magos (1619) y San Juan Evangelista en la isla de Patmos (1618-19), las cuales comienzan a expresar su realismo más puntiagudo y cuidadoso.
De este período también son el retrato de Sor Jerónima de la Fuente (1620), el primer retrato de cuerpo entero de Velázquez [20] , y el género El aguador de Sevilla (1618-1622), considerado como "la cumbre de los bodegones de Velázquez " y admirado por su virtuosa representación de volúmenes y texturas, así como por su enigmática gravedad. [21]
Velázquez ya había consolidado su reputación en Sevilla a principios de la década de 1620. Viajó a Madrid en abril de 1622, con cartas de presentación para Don Juan de Fonseca, capellán del rey. A Velázquez no se le permitió pintar al nuevo rey, Felipe IV , pero retrató al poeta Luis de Góngora a petición de Pacheco. [22] El retrato mostraba a Góngora coronado con una corona de laurel, que Velázquez pintó más tarde. [23] Regresó a Sevilla en enero de 1623 y permaneció allí hasta agosto. [24]
En diciembre de 1622, Rodrigo de Villandrando , el pintor de corte favorito del rey, murió. [25] Velázquez recibió una orden de Gaspar de Guzmán, conde-duque de Olivares , el poderoso ministro de Felipe IV para que fuera a la corte. Se le ofrecieron 50 ducados (175 g de oro) para sufragar sus gastos, y fue acompañado por su suegro. Fonseca alojó al joven pintor en su casa y posó para un retrato, que, cuando se completó, fue trasladado al palacio real. [22] Se encargó un retrato del rey, y el 30 de agosto de 1623, Felipe IV posó para Velázquez. [22] El retrato agradó al rey, y Olivares ordenó a Velázquez que se mudara a Madrid, prometiéndole que ningún otro pintor pintaría nunca el retrato de Felipe y que todos los demás retratos del rey serían retirados de la circulación. [26] Al año siguiente, 1624, recibió del rey 300 ducados para pagar los gastos del traslado de su familia a Madrid, que se convirtió en su hogar durante el resto de su vida.
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Velázquez consiguió entrar en el servicio real con un salario de 20 ducados al mes, alojamiento y el pago de los cuadros que pudiera pintar. Su retrato de Felipe fue expuesto en la escalinata de San Felipe y recibido con entusiasmo. Ahora está perdido (al igual que el retrato de Fonseca). [27] El Museo del Prado , sin embargo, tiene dos de los retratos del rey de Velázquez (núms. 1070 y 1071) en los que ha desaparecido la severidad del período sevillano y los tonos son más delicados. El modelado es firme, recordando al de Antonio Moro , el retratista holandés de Felipe II , que ejerció una considerable influencia en la escuela española. Velázquez representa a Felipe con la golilla (es), un cuello de lino rígido que se proyecta en ángulo recto desde el cuello. La golilla reemplazó la anterior moda cortesana de elaborados cuellos con volantes como parte de las leyes de reforma del vestido de Felipe durante un período de crisis económica. [28]
El Príncipe de Gales (más tarde Carlos I ) llegó a la corte de España en 1623. Los registros indican que posó para Velázquez, pero el cuadro ahora está perdido. [27]
En 1627, Felipe convocó un concurso para los mejores pintores de España con el tema de la expulsión de los moros . Velázquez ganó, con una pintura (destruida en un incendio en el palacio en 1734) [29] que, según los registros, mostraba a Felipe III señalando con su bastón a una multitud de hombres y mujeres que eran llevados por soldados, mientras la personificación femenina de España se sienta en tranquilo reposo. Velázquez fue nombrado acomodador gentilhombre como recompensa. Más tarde también recibió una asignación diaria de 12 réis , la misma cantidad asignada a los barberos de la corte, y 90 ducados al año para el vestido.
En septiembre de 1628, Peter Paul Rubens fue enviado a Madrid como emisario de la infanta Isabel, y Velázquez lo acompañó a ver los Tizianos en El Escorial . Rubens, que demostró su brillantez como pintor y cortesano durante los siete meses de la misión diplomática, tenía una alta opinión de Velázquez, pero no tuvo una influencia significativa en su pintura. Sin embargo, sí galvanizó el deseo de Velázquez de ver Italia y las obras de los grandes maestros italianos. [30]
En 1629, Velázquez recibió 100 ducados por el cuadro de Baco ( El triunfo de Baco ), también llamado Los borrachos , una pintura de un grupo de hombres con trajes contemporáneos que rinden homenaje a un joven semidesnudo con una corona de hiedra sentado en un barril de vino. La primera pintura mitológica de Velázquez [31] ha sido interpretada de diversas formas como una representación de una representación teatral, como una parodia o como una representación simbólica de campesinos pidiendo al dios del vino que les dé alivio de sus penas. [32] El estilo muestra el naturalismo de las primeras obras de Velázquez ligeramente tocado por la influencia de Tiziano y Rubens. [33]
En 1629, Velázquez recibió permiso para pasar un año y medio en Italia. Aunque esta primera visita se reconoce como un capítulo crucial en el desarrollo de su estilo —y en la historia del mecenazgo real español, ya que Felipe IV patrocinó su viaje—, se conocen pocos detalles y detalles específicos de lo que el pintor vio, a quién conoció, cómo lo percibieron y qué innovaciones esperaba introducir en su pintura.
Viajó a Venecia , Ferrara , Cento , Loreto , Bolonia y Roma . [17] En 1630, visitó Nápoles para pintar el retrato de María Ana de España , y allí probablemente conoció a Ribera . [17] Las principales obras de su primer período italiano son La túnica ensangrentada de José traída a Jacob (1629-30) y Apolo en la fragua de Vulcano (1630), ambas revelan su ambición de rivalizar con los italianos como pintor de historia a lo grande. [34] Las dos composiciones de varias figuras casi de tamaño natural tienen dimensiones similares y pueden haber sido concebidas como colgantes: la escena bíblica que representa un engaño y la escena mitológica que representa la revelación de un engaño. [35] Como había hecho en El triunfo de Baco , Velázquez presentó a sus personajes como personas contemporáneas cuyos gestos y expresiones faciales eran los de la vida cotidiana. [36] Siguiendo el ejemplo de pintores boloñeses como Guido Reni , Velázquez pintó Apolo en la fragua de Vulcano sobre un lienzo preparado con un fondo gris claro en lugar del fondo rojizo oscuro de todas sus obras anteriores. El cambio dio como resultado una mayor luminosidad de la que había logrado anteriormente, y convirtió el uso de fondos de color gris claro en su práctica habitual. [35]
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Velázquez regresó a Madrid en enero de 1631. [17] Ese año completó el primero de sus numerosos retratos del joven príncipe, comenzando con El príncipe Baltasar Carlos con un enano (Boston, Museum of Fine Arts). [37] En retratos como el Retrato ecuestre del príncipe Baltasar Carlos (1635), Velázquez representa al príncipe con un aspecto digno y señorial, o con el atuendo de un mariscal de campo sobre su corcel encabritado. En una versión, la escena se desarrolla en la escuela de equitación del palacio, con el rey y la reina mirando desde un balcón, mientras Olivares atiende como maestro de caballos al príncipe. [38]
Para decorar el nuevo palacio del rey, el Palacio del Buen Retiro , Velázquez pintó retratos ecuestres de la familia real. [17] En Felipe IV a caballo (1634-35), el rey está representado de perfil en una imagen de majestad imperturbable, demostrando una experta equitación al ejecutar una levade sin esfuerzo . [39] La gran Rendición de Breda (1634-35), también pintada para el Palacio, es la única pintura existente de Velázquez que representa la historia contemporánea. [39] Su tratamiento simbólico de una victoria militar española sobre los holandeses evita la retórica de conquista y superioridad que es típica en tales escenas, en las que un general a caballo mira hacia abajo a su oponente vencido y arrodillado. En cambio, Velázquez muestra al general español de pie ante su homólogo holandés como un igual y extendiéndole una mano de consuelo. [40]
El rostro impasible y saturnino del influyente ministro Olivares nos resulta familiar por los numerosos retratos pintados por Velázquez. Dos son notables: uno de cuerpo entero, majestuoso y digno, en el que lleva la cruz verde de la orden de Alcántara y sostiene una vara, la insignia de su cargo como maestro de caballos; en el otro, El conde-duque de Olivares a caballo ( c. 1635 ), se le representa de manera halagadora como un mariscal de campo en acción. En estos retratos, Velázquez saldó con creces la deuda de gratitud que tenía con el patrón que lo había llamado la atención del rey por primera vez. [41]
El escultor Juan Martínez Montañés modeló una estatua basándose en uno de los retratos ecuestres del rey de Velázquez (pintado en 1636; hoy perdido) que fue fundido en bronce por el escultor florentino Pietro Tacca y ahora se encuentra en la Plaza de Oriente de Madrid. [42] Velázquez asistió de cerca a Felipe y lo acompañó a Aragón en 1644, donde el artista pintó un retrato del monarca con el traje mientras pasaba revista a sus tropas en Fraga . [43]
Las pinturas de Velázquez de Esopo y Menipo (ambas c. 1636-1638 ) retratan a escritores antiguos bajo la apariencia de retratos de mendigos. [17] Marte descansando ( c. 1638 ) es a la vez una representación de una figura mitológica y un retrato de un hombre de mediana edad de aspecto cansado que se hace pasar por Marte. [44] El modelo está pintado con atención a su individualidad, mientras que su bigote descuidado y de gran tamaño es una incongruencia ligeramente cómica. [45] La imagen equívoca ha sido interpretada de diversas maneras: Javier Portús la describe como una "reflexión sobre la realidad, la representación y la visión artística", mientras que Alfonso E. Pérez Sánchez dice que "también ha sido vista como una meditación melancólica sobre las armas de la España en decadencia". [17]
De no haber sido por su nombramiento real, que permitió a Velázquez escapar de la censura de la Inquisición , no habría podido publicar su La Venus del espejo ( c. 1644-1648 , en español: Venus at her Mirror ), también conocida como La Venus del espejo . Es el primer desnudo femenino conocido pintado por un artista español, [17] y el único desnudo femenino sobreviviente de Velázquez.
Además de los numerosos retratos de Felipe que realizó Velázquez (treinta y cuatro según un conde [46]) , pintó retratos de otros miembros de la familia real: la primera esposa de Felipe, Isabel de Borbón , y sus hijos, especialmente su hijo mayor, Don Baltasar Carlos , a quien Velázquez retrató por primera vez cuando tenía unos dos años de edad. Caballeros, soldados, clérigos y el poeta Francisco de Quevedo (ahora en Apsley House ) posaron para Velázquez.
Velázquez también pintó varios bufones y enanos en la corte de Felipe, a quienes retrató con simpatía y respeto por su individualidad, como en El bufón Don Diego de Acedo (1644), cuyo rostro inteligente y enorme folio con tintero y pluma a su lado lo muestran como un hombre sabio y bien educado. [47] Pablo de Valladolid (1635), un bufón evidentemente actuando un papel, y El bufón de Coria (1639) pertenecen a este período intermedio.
Como pintor de corte, Velázquez recibió menos encargos de obras religiosas que cualquiera de sus contemporáneos. [48] Cristo crucificado (1632), pintado para el convento de San Plácido en Madrid, representa a Cristo inmediatamente después de la muerte. La cabeza del Salvador cuelga sobre su pecho y una masa de cabello oscuro enredado oculta parte del rostro, reforzando visualmente la idea de la muerte. [48] La figura se presenta sola ante un fondo oscuro.
El yerno de Velázquez, Juan Bautista Martínez del Mazo, le había sucedido como ujier en 1634, [49] y el propio Mazo había recibido una promoción constante en la casa real. Mazo recibió una pensión de 500 ducados en 1640, aumentada a 700 en 1648, por los retratos pintados y por pintar, y fue nombrado inspector de obras en palacio en 1647.
Felipe encomendó a Velázquez la misión de conseguir pinturas y esculturas para la colección real. España, rica en cuadros, carecía de estatuas, y Velázquez recibió el encargo de volver a Italia para realizar compras. [50]
Cuando partió en 1649, lo acompañó su ayudante Juan de Pareja , que en ese momento era esclavo y que había sido entrenado en pintura por Velázquez. [51] Velázquez zarpó de Málaga , desembarcó en Génova y procedió de Milán a Venecia, comprando pinturas de Tiziano , Tintoretto y Veronés a medida que avanzaba. [52] En Módena fue recibido con mucho favor por el duque, y aquí pintó el retrato del duque en la galería de Módena y dos retratos que ahora adornan la galería de Dresde , ya que estas pinturas provenían de la venta de Módena de 1746.
Estas obras presagian el advenimiento de la tercera y última manera del pintor, un noble ejemplo de la cual es el gran retrato del papa Inocencio X en la galería Doria Pamphilj en Roma, donde Velázquez se dirigió entonces. Allí fue recibido con marcado favor por el Papa, quien le obsequió con una medalla y una cadena de oro. Velázquez se llevó una copia del retrato, que Sir Joshua Reynolds consideró que era el mejor cuadro de Roma, consigo a España. Existen varias copias del mismo en diferentes galerías, algunas de ellas posiblemente estudios para el original o réplicas pintadas para Felipe. Velázquez, en esta obra, había llegado ahora a la manera abreviada , un término acuñado por los españoles contemporáneos para este estilo más atrevido y agudo. El retrato muestra tal crueldad en la expresión de Inocencio que algunos en el Vaticano temieron que el Papa lo viera desfavorablemente; de hecho, Inocencio quedó satisfecho con la obra y la colgó en la sala de espera de sus visitantes oficiales. [ cita requerida ]
En 1650, en Roma, Velázquez también pintó un retrato de Juan de Pareja , que ahora se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York, EE. UU. Este retrato le valió su elección para la Accademia di San Luca . Supuestamente Velázquez creó este retrato como un calentamiento de sus habilidades antes de su retrato del Papa. Captura con gran detalle el rostro de Pareja y su ropa algo desgastada y remendada con un uso económico de la pincelada. En noviembre de 1650, Juan de Pareja fue liberado de la esclavitud por Velázquez. [53]
A este período pertenecen también dos pequeños cuadros de paisajes, ambos titulados Vista del jardín de la Villa Médici . Como paisajes aparentemente pintados directamente del natural, eran excepcionales para su época y revelan el minucioso estudio que Velázquez hizo de la luz en diferentes momentos del día. [54]
En el marco de su misión de conseguir decoraciones para la Sala de los Espejos del Real Alcázar de Madrid , Velázquez encargó a Matteo Bonuccelli la fundición de doce copias en bronce de los leones de los Médici . Las copias se encuentran actualmente en el Palacio Real de Madrid y en el Museo del Prado . [55]
Durante su estancia en Roma, Velázquez tuvo un hijo natural, Antonio, a quien no se sabe si vio nunca. [56]
A partir de febrero de 1650, Felipe solicitó repetidamente el regreso de Velázquez a España. [56] En consecuencia, después de visitar Nápoles —donde vio a su viejo amigo José Ribera— y Venecia, Velázquez regresó a España vía Barcelona en 1651, llevándose consigo muchos cuadros y 300 piezas de estatuaria, que luego fueron ordenadas y catalogadas para el rey.
En 1644 había muerto Isabel de Francia y el rey se había casado con Mariana de Austria , a quien Velázquez retrató en muchas actitudes. En 1652 fue elegido especialmente por el rey para ocupar el alto cargo de aposentador mayor , que le imponía el deber de cuidar de los aposentos ocupados por la corte, una función de responsabilidad que no era una sinecura y que interfería con el ejercicio de su arte. [57] Sin embargo, lejos de indicar una decadencia, sus obras de este período se encuentran entre los ejemplos más altos de su estilo. [58]
Una de las infantas , Margarita Teresa , la hija mayor de la nueva reina, parece ser el tema de Las Meninas (1656, en español: Las damas de honor ), la obra magna de Velázquez . Creada cuatro años antes de su muerte, es un ejemplo sobresaliente del arte barroco europeo. Luca Giordano , un pintor italiano contemporáneo, se refirió a ella como la "teología de la pintura", [59] y en 1827 el presidente de la Real Academia de las Artes, Sir Thomas Lawrence, la describió en una carta como "la verdadera filosofía del arte". [60] Sin embargo, no está claro quién o qué es el verdadero tema de la imagen. [61] ¿Es la hija real o quizás el propio pintor? El rey y la reina se ven reflejados en un espejo en la pared del fondo, pero la fuente del reflejo es un misterio: ¿la pareja real está de pie en el espacio del espectador o el espejo refleja la pintura en la que está trabajando Velázquez? Dale Brown dice que Velázquez puede haber concebido la imagen descolorida del rey y la reina en la pared del fondo como un presagio de la caída del Imperio español que cobraría impulso tras la muerte de Felipe.
En el libro de 1966 Las palabras y las cosas , el filósofo Michel Foucault dedica el capítulo inicial a un análisis detallado de Las Meninas . Describe las formas en que la pintura problematiza cuestiones de representación a través del uso de espejos, pantallas y las oscilaciones subsiguientes que ocurren entre el interior, la superficie y el exterior de la imagen. [ cita requerida ]
Se dice que el rey pintó la Cruz honoraria de Santiago de la Orden en el pecho del pintor tal como aparece hoy en el lienzo. Sin embargo, Velázquez no recibió este honor de caballero hasta tres años después de la ejecución de esta pintura. Incluso el rey de España no podía hacer de su pintor de corte favorito un caballero con cinturón sin el consentimiento de la comisión establecida para investigar la pureza de su linaje . El objetivo de estas investigaciones sería evitar el nombramiento para puestos de cualquier persona que tuviera incluso una mancha de herejía en su linaje, es decir, un rastro de sangre judía o morisca o contaminación por oficios o comercio en cualquiera de los lados de la familia durante muchas generaciones. Los registros de esta comisión se han encontrado entre los archivos de la Orden de Santiago. Velázquez recibió el honor en 1659. Su ocupación como plebeyo y comerciante estaba justificada porque, como pintor del rey, evidentemente no estaba involucrado en la práctica de "vender" cuadros. [ cita requerida ]
En España, en esencia, sólo había dos mecenas del arte: la Iglesia y el rey y la corte, amantes del arte. Bartolomé Esteban Murillo , que trabajó para una Iglesia rica y poderosa, dejó pocos medios para pagar su entierro, mientras que Velázquez vivió y murió disfrutando de un buen salario y una pensión.
Una de sus últimas obras fue Las hilanderas , pintada hacia 1657, una representación de la Fábula de Aracne de Ovidio . [17] El tapiz del fondo está basado en El rapto de Europa de Tiziano o, más probablemente, en la copia que Rubens pintó en Madrid. [62] Está llena de luz, aire y movimiento, con colores vibrantes y un manejo cuidadoso. Anton Raphael Mengs dijo que esta obra parecía haber sido pintada no a mano sino por pura fuerza de voluntad. Muestra una concentración de todo el conocimiento artístico que Velázquez había reunido durante su larga carrera artística de más de cuarenta años. El esquema es simple: una confluencia de rojo variado y mezclado, verde azulado, gris y negro.
Los retratos finales de los niños reales realizados por Velázquez se encuentran entre sus mejores obras y en La infanta Margarita Teresa con vestido azul [63] el estilo personal del pintor alcanzó su punto culminante: manchas de color brillantes sobre amplias superficies de pintura producen un efecto casi impresionista: el espectador debe situarse a una distancia adecuada para tener la impresión de una espacialidad tridimensional completa.
Su único retrato que se conserva del delicado y enfermizo príncipe Felipe Próspero [64] es notable por la combinación de los dulces rasgos del niño príncipe y de su perro con una sutil sensación de tristeza. La esperanza que se depositaba en aquel momento en el único heredero de la corona española se refleja en la representación: el rojo fresco y el blanco contrastan con los colores mórbidos del otoño tardío. Un pequeño perro con los ojos muy abiertos mira al espectador como si lo interrogara y el fondo en gran parte pálido insinúa un destino sombrío: el principito tenía apenas cuatro años cuando murió. Como en todas las pinturas tardías del artista, el manejo de los colores es extraordinariamente fluido y vibrante.
En 1660 se consumó un tratado de paz entre Francia y España con el matrimonio de María Teresa con Luis XIV , y la ceremonia tuvo lugar en la Isla de los Faisanes, una pequeña isla pantanosa en el Bidasoa . Velázquez fue encargado de la decoración del pabellón español y de todo el despliegue escénico. Llamó mucho la atención por la nobleza de su porte y el esplendor de su traje. El 26 de junio regresó a Madrid, y el 31 de julio enfermó de fiebre. Sintiendo que se acercaba su fin, firmó su testamento, nombrando como únicos albaceas a su esposa y a su fiel amigo llamado Fuensalida, conservador de los registros reales. Murió el 6 de agosto de 1660. Fue enterrado en la cripta de Fuensalida de la iglesia de San Juan Bautista , y ocho días después su esposa Juana fue enterrada a su lado. Esta iglesia fue destruida por los franceses alrededor de 1809, por lo que ahora se desconoce su lugar de enterramiento. [65]
Hubo muchas dificultades para ajustar las enmarañadas cuentas pendientes entre Velázquez y el fisco, y no fue hasta 1666, tras la muerte del rey Felipe, cuando quedaron definitivamente saldadas.
Es canónico dividir la carrera de Velázquez en función de sus dos visitas a Italia. Rara vez firmó sus cuadros y los archivos reales dan las fechas de sus obras más importantes. La evidencia interna y la historia relativa a sus retratos proporcionan el resto hasta cierto punto.
Aunque conocía todas las escuelas italianas y era amigo de los pintores más destacados de su época, Velázquez era lo suficientemente fuerte como para resistir las influencias externas y elaborar por sí mismo el desarrollo de su propia naturaleza y sus propios principios artísticos. Rechazó la pompa que caracterizaba el retrato de otras cortes europeas y, en cambio, aportó una reserva aún mayor a la fórmula sobria para el retrato de los Habsburgo establecida por Tiziano, Antonio Moro y Alonso Sánchez Coello . [66] Es conocido por utilizar una paleta bastante limitada, pero mezcló las pinturas disponibles con gran habilidad para lograr diferentes tonos. [67] Sus pigmentos no eran significativamente diferentes de los de sus contemporáneos y empleó principalmente azurita , esmalte , bermellón , laca roja , amarillo de plomo y estaño y ocres . [68] Sus primeras obras fueron pintadas sobre lienzos preparados con una base de color marrón rojizo. Adoptó el uso de fondos de color gris claro durante su primer viaje a Italia y continuó usándolos durante el resto de su vida. [69] El cambio dio como resultado pinturas con mayor luminosidad y una gama de colores generalmente fría y plateada. [70]
Son pocos los dibujos atribuidos con seguridad a Velázquez. [71] Aunque existen dibujos preparatorios para algunas de sus pinturas, su método consistía en pintar directamente del natural, y las radiografías de sus pinturas revelan que frecuentemente realizaba cambios en su composición a medida que avanzaba la pintura. [71]
Velázquez no fue prolífico; se estima que produjo entre 110 y 120 lienzos conocidos. [72] No produjo aguafuertes ni grabados, y solo se le atribuyen unos pocos dibujos. [73]
Velázquez es la figura más influyente en la historia del retrato español. [74] Aunque tuvo pocos seguidores inmediatos, pintores de la corte española como su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo y Juan Carreño de Miranda se inspiraron en su obra. [74] Mazo imitó de cerca su estilo y muchas pinturas y copias de Mazo fueron atribuidas anteriormente a Velázquez. [75] La reputación de Velázquez languideció en el siglo XVIII, cuando el retrato de la corte española estaba dominado por artistas de origen y formación extranjeros. Hacia finales del siglo, su importancia fue cada vez más reconocida por los intelectuales cercanos a la corte española: un ensayo publicado en 1781 por Gaspar Melchor de Jovellanos decía de Velázquez que "cuando murió, la gloria de la pintura en España murió con él". [76] En 1778, Goya hizo una serie de grabados a partir de pinturas de Velázquez, como parte de un proyecto del conde de Floridablanca para producir grabados de pinturas de la Colección Real. [77] Las copias gratuitas de Goya revelan un profundo compromiso con la obra del maestro mayor, que siguió siendo un modelo para Goya durante el resto de su carrera. [78]
La obra de Velázquez fue poco conocida fuera de España hasta el siglo XIX. [75] Sus pinturas escaparon en su mayoría de ser robadas por los mariscales franceses durante la Guerra de la Independencia . En 1828, Sir David Wilkie escribió desde Madrid que se sentía en presencia de un nuevo poder en el arte mientras miraba las obras de Velázquez, y al mismo tiempo encontró una maravillosa afinidad entre este artista y la escuela británica de pintores de retratos, especialmente Henry Raeburn . Le llamó la atención el "brillo y vivacidad" que impregnaban las obras de Velázquez. [79]
Velázquez es citado a menudo como una influencia clave en el arte de Édouard Manet , a quien se considera el puente entre el realismo y el impresionismo . Manet, que llamó a Velázquez el «pintor de pintores», [70] admiraba la inmediatez y la pincelada vívida de la obra de Velázquez, y se basó en los motivos de Velázquez en su propio arte. [80] A finales del siglo XIX, artistas como James McNeill Whistler y John Singer Sargent se vieron fuertemente influenciados por Velázquez. [17]
El respeto con el que los pintores del siglo XX contemplan la obra de Velázquez da fe de su importancia continua. Pablo Picasso rindió homenaje a Velázquez en 1957 cuando recreó Las Meninas en 44 variaciones, en su estilo característico. [81] Aunque a Picasso le preocupaba que sus reinterpretaciones de la pintura de Velázquez fueran vistas como meras copias en lugar de representaciones únicas, [ cita requerida ] las enormes obras —las más grandes que había producido desde el Guernica (1937)— entraron en el canon del arte español. [82]
Salvador Dalí , al igual que Picasso, en previsión del tricentenario de la muerte de Velázquez, creó en 1958 una obra titulada Velázquez pintando a la infanta Margarita con las luces y sombras de su propia gloria . [83] La combinación de colores muestra el serio homenaje de Dalí a Velázquez; la obra también funcionó, como en el caso de Picasso, como un vehículo para la presentación de teorías más nuevas en el arte y el pensamiento: el misticismo nuclear, en el caso de Dalí. [84]
El pintor anglo-irlandés Francis Bacon consideró que el Retrato de Inocencio X de Velázquez era "uno de los mejores retratos jamás realizados". [85] Creó varias variaciones expresionistas de esta pieza en la década de 1950; sin embargo, las pinturas de Bacon a veces presentaban una imagen más horripilante de Inocencio. Una de esas famosas variaciones, titulada Figura con carne (1954), muestra al Papa entre dos mitades de una vaca bisecada. [86]
Algunos artistas sudamericanos también le rinden homenaje como Fernando Botero con sus retratos de personajes de gran tamaño extraídos de algunas pinturas de Velásquez [87] y Herman Braun-Vega con su serie Velásquez expuesto acompañado de las Meninas de la que el políptico principal se exhibe en el Museo de Antioquia en Medellín, Colombia y el cuadríptico Velásquez yendo a su caballete se encuentra en el Museo de Arte Blanton en Austin, Texas. [88]
En 2009, el Retrato de un hombre de la colección del Museo Metropolitano de Arte , que durante mucho tiempo se había asociado con los seguidores del estilo de pintura de Velázquez, fue limpiado y restaurado. Se descubrió que era del propio Velázquez, y los rasgos del hombre coinciden con los de una figura del cuadro "La rendición de Breda". Por lo tanto, el lienzo recién limpiado puede ser un estudio para esa pintura. Aunque la atribución a Velázquez se considera cierta, la identidad del modelo aún está abierta a dudas. Algunos historiadores del arte consideran que este nuevo estudio es un autorretrato de Velázquez. [89]
En 2010 se informó de que una pintura dañada que llevaba mucho tiempo relegada a un sótano de la Galería de Arte de la Universidad de Yale podría ser una obra temprana de Velázquez. Se cree que la pintura fue donada a Yale en 1925, pero anteriormente se la había atribuido a la escuela española del siglo XVII. Algunos estudiosos están dispuestos a atribuir la pintura a Velázquez, aunque el Museo del Prado de Madrid se reserva el derecho de emitir un juicio al respecto. La obra, que representa a la Virgen María a la que se le enseña a leer, será restaurada por los conservadores de Yale. [90] [91]
En octubre de 2011, el historiador de arte Dr. Peter Cherry del Trinity College de Dublín confirmó mediante un análisis de rayos X que un retrato encontrado en el Reino Unido en la antigua colección del pintor del siglo XIX Matthew Shepperson es una obra previamente desconocida de Velázquez. El retrato es de un hombre no identificado de entre cincuenta y sesenta años, que posiblemente podría ser Juan Mateos, el maestro de caza del mecenas de Velázquez, el rey Felipe IV de España . [92] La pintura mide 47 x 39 cm y se vendió en una subasta el 7 de diciembre de 2011 por 3.000.000 de libras esterlinas. [93]
Velázquez, a través de su hija Francisca de Silva Velázquez y Pacheco (1619-1658), es un antepasado de los marqueses de Monteleone, entre ellos Enriquetta (Henrietta) Casado de Monteleone (1725-1761) que en 1746 se casó con Enrique VI, conde de Reuss zu Köstritz (1707-1783). A través de ellos descienden varios miembros de la realeza europea, entre ellos el rey Felipe VI de España a través de su madre Sofía de Grecia y Dinamarca , [94] el rey Guillermo Alejandro de los Países Bajos , el rey Carlos XVI Gustavo de Suecia , el rey Alberto II de Bélgica , Juan Adán II, príncipe de Liechtenstein , y Enrique, gran duque de Luxemburgo . [95]
Velázquez ha sido interpretado por Julián Villagrán en una serie de televisión de fantasía española, El ministerio del tiempo , y es un personaje recurrente en la serie. [96]
Jonathan Brown, el principal experto en Velázquez de este país... "Velázquez fue un pintor que midió su genio a dedales". Su producción fue tan pequeña que, según quién cuente, Brown estima que sólo hay entre 110 y 120 lienzos conocidos del artista.
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