Get Carter es una película de gánsteres británica de 1971 , escrita y dirigida por Mike Hodges en su debut como director y protagonizada por Michael Caine , Ian Hendry , John Osborne , Britt Ekland y Bryan Mosley . [3] Basada en la novela de Ted Lewis de 1970 Jack's Return Home , la película sigue al homónimo Jack Carter (Caine), un gánster de Londres que regresa a su ciudad natal en el noreste de Inglaterra después de la muerte de su hermano. Sospechando de un juego sucio y con la venganza en mente, investiga e interroga, recuperando el sentido de la ciudad y su elemento criminal endurecido.
El productor Michael Klinger adquirió los derechos de la novela de Lewis poco después de su publicación y llegó a un acuerdo con la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) para financiar y estrenar la película, lo que convirtió a Get Carter en el último proyecto en ser aprobado por la división Borehamwood del estudio antes de su cierre. La producción pasó de novela a película terminada en 10 meses, y el rodaje principal tuvo lugar entre julio y septiembre de 1970 en Newcastle upon Tyne , Gateshead y el condado de Durham y sus alrededores . Hodges, Klinger y Caine pretendían crear una representación más realista de la violencia y el comportamiento criminal que la que se había visto anteriormente en las películas británicas: Caine, que también actuó como coproductor no acreditado, incorporó aspectos de conocidos criminales en su caracterización de Carter, mientras que Hodges realizó una investigación sobre el submundo criminal de Newcastle, en particular el asesinato de la máquina tragamonedas . El director de fotografía Wolfgang Suschitzky trabajó con Hodges para dar a las escenas una sensación naturalista, basándose en gran medida en sus antecedentes en películas documentales .
Get Carter, que obtuvo unas ganancias respetables en su estreno inicial en el Reino Unido, inicialmente atrajo críticas mixtas. Los críticos apreciaron a regañadientes los logros técnicos de la película y la actuación de Caine, mientras que criticaron la trama compleja, la violencia y la amoralidad, en particular la aparente falta de remordimiento de Carter por sus acciones. [1] Los críticos estadounidenses fueron en general más entusiastas, pero la película languideció en el circuito de autocines , mientras que MGM centró sus recursos en producir Hit Man , una nueva versión de la película con temática de blaxploitation .
Get Carter finalmente obtuvo un seguimiento de culto , y el respaldo posterior de directores como Quentin Tarantino y Guy Ritchie llevó a que la película fuera reevaluada críticamente, [4] con su representación de la estructura de clases y la vida en la Gran Bretaña de los años 70 y la banda sonora de jazz minimalista de Roy Budd recibiendo elogios considerables. [5] En 1999, Get Carter ocupó el puesto 16 en el BFI Top 100 British films of the 20 century; cinco años después, una encuesta de críticos de cine británicos en la revista Total Film la eligió como la mejor película británica de todos los tiempos. [6] Un segundo remake mal recibido bajo el mismo título se lanzó en 2000, con Sylvester Stallone interpretando a Jack Carter y Caine en un papel secundario.
El gánster nacido en Newcastle, Jack Carter, ha vivido en Londres durante años al servicio de los jefes del crimen organizado Gerald y Sid Fletcher. Jack tiene una aventura con la novia de Gerald, Anna, y planea escapar con ella a Sudamérica , pero primero debe regresar a Newcastle y Gateshead para asistir al funeral de su hermano, Frank, quien murió en un supuesto accidente por conducir bajo los efectos del alcohol. Los jefes de Jack le advierten que no provoque problemas, ya que son amigos de la mafia de Newcastle. Insatisfecho con la explicación oficial, Jack investiga por sí mismo. En el funeral, Jack conoce a su sobrina adolescente Doreen y a la evasiva amante de Frank, Margaret.
Jack va al hipódromo de Newcastle en busca de su viejo conocido Albert Swift para obtener información sobre la muerte de su hermano, pero Swift lo evade. Jack se encuentra con otro viejo socio, Eric Paice, que se niega a decirle a Jack quién lo está empleando como chofer. Seguir a Eric lo lleva a la casa de campo del jefe del crimen Cyril Kinnear. Jack se enfrenta a Kinnear, pero aprende poco de él; también conoce a una glamorosa mujer borracha, Glenda. Cuando Jack se va, Eric le advierte que no dañe las relaciones entre Kinnear y los Fletcher. De regreso en la ciudad, Jack es amenazado por secuaces que quieren que se vaya de la ciudad, pero los rechaza, capturando e interrogando a uno para averiguar quién quiere que se vaya. Le dicen el nombre "Brumby".
Jack conoce a Cliff Brumby como un hombre de negocios con intereses mayoritarios en las salas de juegos locales junto al mar . Al visitar la casa de Brumby, Jack descubre que el hombre no sabe nada sobre él y, creyendo que le han tendido una trampa, se va. A la mañana siguiente, dos de los colegas de Jack en Londres, Con McCarthy y Peter el Holandés, llegan, enviados por los Fletcher para llevarlo de regreso, pero él escapa. Jack se encuentra con Margaret para hablar sobre Frank, pero los hombres de los Fletcher lo están esperando y lo persiguen. Es rescatado por Glenda, quien lo lleva en su auto deportivo Sunbeam Alpine para encontrarse con Brumby en su nuevo desarrollo de restaurantes en la parte superior de un estacionamiento de varios pisos . Brumby identifica a Kinnear como detrás de la muerte de Frank, y también explica que Kinnear está tratando de apoderarse de su negocio. Le ofrece a Jack £ 5,000 para matar al jefe del crimen, lo que él rechaza.
Jack tiene sexo con Glenda en su apartamento, donde encuentra y ve una película pornográfica en la que Doreen se ve obligada a tener sexo con Albert. Las otras participantes en la película son Glenda y Margaret. Jack se enfurece y empuja la cabeza de Glenda bajo el agua mientras se está bañando. Ella le dice que la película era de Kinnear y que cree que Doreen fue arrastrada a la producción por Eric. Obliga a Glenda a subir al maletero de su propio coche y Jack se va en busca de Albert.
Jack encuentra a Albert, quien confiesa haberle dicho a Brumby que Doreen era la hija de Frank. Brumby le mostró a Frank la película para incitarlo a llamar a la policía sobre Kinnear, por lo que Eric y dos de sus hombres organizaron la muerte de Frank. Después de obtener esta información, Jack apuñala fatalmente a Albert. Jack es atacado por los gánsteres de Londres y Eric, quien ha informado a Fletcher sobre la aventura de Jack y Anna. En el tiroteo que sigue, Jack mata a Peter. Mientras Eric y Con escapan, empujan el auto deportivo al río, sin saber que Glenda está en el maletero. Al regresar al estacionamiento, Jack encuentra y golpea a Brumby antes de arrojarlo a su muerte. Luego envía la película a la brigada antivicio de Scotland Yard .
Jack secuestra a Margaret. Llama por teléfono a Kinnear (que está en medio de una fiesta salvaje en su casa) y le dice que tiene la película. Le hace un trato a Kinnear para que le entregue a Eric a cambio de su silencio. Kinnear acepta y envía a Eric a un lugar acordado; sin embargo, posteriormente llama a un socio. Jack lleva a Margaret a los terrenos de la propiedad de Kinnear, la mata con una inyección letal y deja su cuerpo allí. Luego llama a la policía para que haga una redada en la fiesta de Kinnear.
Jack persigue a Eric por una playa. Lo obliga a beber una botella de whisky, como Eric hizo con Frank, y luego lo golpea hasta matarlo con su escopeta. Después de vengar a Frank y Doreen, Jack camina por la costa, donde el socio de Kinnear lo mata a tiros desde lejos.
Hubo presión por parte de MGM para que hubiera más estrellas estadounidenses de renombre en la película, a lo que Hodges se resistió con éxito. Además de Telly Savalas , los nombres propuestos por Klinger y los ejecutivos del estudio fueron Joan Collins y alguien a quien Hodges describió como "la actriz principal canadiense en la serie de televisión Peyton Place ", que probablemente sea una referencia a Barbara Parkins . [2] La producción también utilizó una gran cantidad de extras, la mayoría de los cuales eran locales que estaban en la escena cuando se estaba filmando. Otros fueron obtenidos de la compañía de casting local Beverley Artistes, que envió a todos los registrados para las audiciones, uno de ellos fue Deana Wilde, quien fue elegida como la cantante del pub. Varios de los actores de la compañía también estuvieron en tomas de fondo en la película, incluido el casino, las calles, los bares y la escena de la redada policial. [7]
Mike Hodges reclutó a un grupo de actores de personajes experimentados para interpretar los pequeños papeles secundarios. Godfrey Quigley fue elegido para interpretar a Eddie Appleyard, un colega de Frank Carter. Kevin Brennan aparece como Harry, el jugador de cartas. Ben Aris , que interpreta a uno de los arquitectos, había aparecido anteriormente en películas como If... , The Charge of the Light Brigade y Hamlet . [25]
El personaje del asesino interpretado por Carl Howard, "J", solo se identifica por la inicial de su anillo, en su único papel cinematográfico, y un misterio apropiado rodea su verdadera identidad. Su nombre no aparece en los créditos de algunas copias. Mike Hodges explicó que Howard fue un extra en su película para televisión Rumour , y el director le dio una línea para decir, pero otro extra fue acreditado erróneamente. Hodges prometió que lo compensaría y lo elegiría para Carter , pero su nombre no apareció en algunas de las copias originales. Cuando los créditos de la película se imprimieron en Radio Times y TV Times , Howard también fue recortado. Hodges dijo en 2002 que "Carl y los créditos no parecen estar destinados el uno al otro". [26]
A finales de los años 60, la relajación de la censura cinematográfica dio lugar a un aumento de películas oscuras y sin concesiones, y muchos directores intentaron traspasar los límites de lo aceptable. Get Carter fue una película que exploró esta libertad. [27] El proyecto pasó de ser un concepto a una película terminada en tan solo diez meses. [2]
En 1969, el productor Michael Klinger ideó planes para una película de gánsteres para capitalizar el interés público en el submundo criminal británico después de las condenas de los gemelos Kray . Klinger fue invitado a ver una primera copia de Man of Violence (1969) de Peter Walker y no quedó impresionado, diciéndole al director "Voy a hacer una película de gánsteres, pero va a costar mucho más que esto y va a ser mejor". [28] Después de buscar material en muchas editoriales para adaptarlo en una película, Klinger compró los derechos de la novela de Ted Lewis Jack's Return Home . Andrew Spicer ha escrito que "él [Klinger] percibió su potencial para imbuir el thriller policial británico con el realismo y la violencia de sus contrapartes estadounidenses". [29]
En 1969, otro productor, Nat Cohen , se había puesto en contacto con Klinger para hacer películas para la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). [30] En problemas financieros y con el cierre de sus operaciones británicas, MGM estaba en proceso de cerrar sus estudios británicos en Borehamwood [31] y buscaba hacer películas de menor presupuesto para obtener ganancias. En ese momento, el amigo de Klinger, Robert Littman, había sido nombrado director de MGM Europa, por lo que Klinger le llevó su propuesta. [28] MGM aceptó un presupuesto razonable pero por debajo de la media de 750.000 (hay cierta controversia sobre si esta cifra se refiere a dólares o libras) [2] para la producción. [32] A los pocos meses de aceptar el trato, MGM se había retirado del Reino Unido. [28] Klinger había visto la película para televisión de Mike Hodges Suspect (1969) e inmediatamente decidió que era el candidato ideal para dirigir su nuevo proyecto. [28] Hodges también había trabajado previamente en el programa de actualidad World in Action , el programa de arte Tempo y una serie de televisión infantil de 1968, The Tyrant King , y todas estas experiencias pasadas influyeron en su enfoque de su debut cinematográfico. [33]
Klinger contactó a Hodges el 27 de enero de 1970 con una copia de Jack's Return Home y lo contrató [34] para escribir y dirigir la película, pagándole una tarifa fija de £7,000 (£135,700 en 2024) por sus servicios. [35] El título de trabajo original de Hodges para la película era Carter's The Name . [36] Steve Chibnall escribe: "su tratamiento mantuvo la estructura esencial de la novela de Lewis con su fuerte impulso narrativo, pero introdujo algunos cambios menores en la caracterización y alteraciones más fundamentales en la narratología ". [36] Dado que Ted Lewis no había especificado dónde se desarrollaba su novela, Hodges se sintió libre de trasladar la historia [37] a un lugar con el que estaba familiarizado, considerando Grimsby , Lowestoft , Hull y North Shields [2] antes de decidirse por Newcastle upon Tyne. Hodges dijo que sus escritos se vieron influenciados por las obras de Raymond Chandler y las películas de serie B de Hollywood como Kiss Me Deadly , porque mostraban "cómo usar la historia de un crimen como una autopsia de los males de la sociedad". [34] Sin embargo, no empleó una técnica tradicional del cine negro de usar una voz en off para exponer los sentimientos internos del personaje. [36] También prescindió de los flashbacks de la juventud de Carter que aparecen en la novela que exploran su relación con su hermano Frank, simplificando la trama a una narrativa lineal que abarca un solo fin de semana. Como escribe Chibnall:
La consecuencia inmediata fue la pérdida de la información sobre las motivaciones de Carter que le proporcionaban sus recuerdos de la infancia y sus relaciones con su hermano Frank y el líder de una banda de delincuentes, Albert Swift. También se perdió la historia de fondo de los tratos de Carter con Eric Paice durante su época como gánsteres rivales en Londres, en particular, el trato violento de Eric a la amante de Carter, Audrey (Anna en el guion), cuyo recuerdo alimenta el odio de Carter. [36]
La importancia de la escopeta de dos cañones como arma elegida por Carter (que en la novela simboliza los lazos familiares y los recuerdos de Carter de tiempos más inocentes cazando con su hermano) se perdió en la adaptación cinematográfica.
El asesinato de Brumby por parte de Carter [38] y su propio asesinato fueron alteraciones adicionales de la novela, enfatizando los paralelismos de la película con la tragedia de la venganza [36] y el papel de Carter como lo que Geoff Mayer llama "el agente moral [...] un " caballero " obligado a dispensar su propio sentido de justicia en un mundo corrupto". [32] Sin embargo, en su comentario del DVD Hodges implica que no veía a Carter como moralmente más justificado que aquellos a los que mata, y su muerte tiene la intención de presentar sus acciones a la audiencia como moralmente en bancarrota e inútiles: "Quería que lo trataran exactamente de la misma manera que él trataba a otras personas. Ahora, eso es una especie de ética cristiana en cierto modo [...] Ese era un prerrequisito de la película para mí, que el asesino debería hacer [clic] y eso es todo". [39] La decisión de Hodges de matar a Carter fue inicialmente protestada por los ejecutivos de MGM, ya que querían que el personaje sobreviviera en caso de que la película tuviera el éxito suficiente como para justificar una secuela . [5]
Hodges y Klinger habían explorado localizaciones a lo largo de la costa este de Inglaterra en la primavera de 1970, para encontrar un paisaje que sugiriera un "fondo duro y desfavorecido". [7] Newcastle fue seleccionado después de que la primera opción de Hodges, Hull, resultara inadecuada. [7] [36] Hodges investigó a fondo la escena del crimen local de Newcastle, adaptando el guion para hacer uso de los escenarios e incorporando elementos de su investigación en la historia. [34] Su experiencia en World in Action lo había acostumbrado a hacer películas basadas en investigaciones duras y esto informó su enfoque para Get Carter . [2] [33] Una de las primeras ubicaciones que atrajo la atención de Hodges fue el estacionamiento de varios pisos de Trinity Square , que dominaba el centro de Gateshead. Para Hodges, el estacionamiento y los puentes de hierro fundido sobre el Tyne , "parecían capturar la naturaleza del propio Jack Carter". [37] El aparcamiento encarna uno de los temas más sutiles de la película, que es la destrucción de un antiguo paisaje urbano y su reconstrucción en línea con el brutalismo moderno . [40] Hodges describió cómo, mientras deambulaba solo por la estructura superior, se dio cuenta de cómo se podían utilizar los diferentes niveles para revelar al cazador, Carter, y al cazado, Brumby, simultáneamente, pero sin que ninguno de los dos fuera consciente del otro, lo que aumentaba el suspenso. [37] El centro comercial y el aparcamiento se cerraron a principios de 2008 y se demolieron a finales de 2010. [41]
La ubicación de la casa de Cyril Kinnear, Dryderdale Hall, cerca de Hamsterley, Bishop Auckland , proporcionó una conexión real con el crimen organizado. [44] Era la casa de campo recientemente desocupada del empresario de tragamonedas del noreste Vince Landa, quien había huido del país en 1969 después del asesinato de su mano derecha Angus Sibbett, el llamado asesinato del bandido manco . Muchos creyeron que el crimen fue parte de un intento fallido de los gemelos Kray de obtener el control del submundo de Newcastle. [45] Michael Klinger y el portavoz de publicidad de MGM descartaron el uso de la ubicación como mera coincidencia; sin embargo, Hodges era consciente de la importancia de la casa y la eligió deliberadamente. [34] Steve Chibnall escribe "Resultó ser una ubicación perfecta, causando [ sic ] de autenticidad y llena de detalles útiles como el papel tapiz de vaqueros e indios [...] el escudo africano y las lanzas cruzadas en la pared de la sala de estar del señor del crimen". [46] El caso Landa también se menciona al comienzo de la película con una toma de un periódico que lleva el titular "Gaming Wars". [47] También se utilizaron otras ubicaciones en Newcastle y Gateshead, Northumberland y el condado de Durham . [48] [49]
La fotografía principal se llevó a cabo en el noreste entre el 17 de julio y el 15 de septiembre de 1970. [26] Hodges favoreció el uso de lentes de distancia focal larga (como las que había usado anteriormente en Rumour ) en muchas escenas para crear una sensación de documental naturalista, especialmente en escenas de multitudes. [33] La película se rodó en Metrocolor , [5] que era el nombre comercial de MGM para las películas procesadas en su laboratorio Eastmancolor . Este laboratorio procesaba el Eastman Color Negative de Kodak , por lo que es muy probable que la película se rodara en este material. [50] [51] Cuando se le pidió que comentara lo que buscaba en el aspecto de la película, el director de fotografía Wolfgang Suschitzky dijo: "El trabajo de cámara en ella [...] estuvo muy influenciado por Mike Hodges, que tiene muy buen ojo para las configuraciones y, por supuesto, consultó con su operador y conmigo, pero nos influyó a todos, y gran parte del buen aspecto se debe a él, lo confieso. Mi tarea principal fue iluminar en el lugar, de manera muy moderada, y esperar la luz del día adecuada y ajustar la exposición en la lente". [52] En la primera semana de rodaje en Newcastle, el ACTT convocó al equipo a una huelga de un día. [53] Por consejo de Richard Lester , Hodges y su asistente de dirección se alojaron en un hotel separado del resto del elenco y el equipo, lo que le permitió tener un respiro de la producción después de que terminara el día de rodaje. Klinger estuvo presente en el set durante gran parte del rodaje de la película. Sin embargo, Hodges dijo que encontró muy poca interferencia del productor. En un momento dado, Klinger y Caine preguntaron a Hodges si podría trabajar en una "secuencia de persecución", pero él los convenció de que generaría demasiadas comparaciones con Bullitt [2] (en el guion de rodaje se menciona una secuencia de persecución entre Carter y los gánsteres de Londres). [54] Hodges intentó ensayar la escena del hipódromo entre Caine y Hendry en su hotel la noche anterior al rodaje, pero "el estado de embriaguez y resentimiento de Hendry obligó a Hodges a abandonar [el] intento". [55] Hodges describió a Caine como "un sueño completo con el que trabajar". [56] Caine solo perdió los estribos una vez en el set, durante el día muy tenso y emotivo de rodaje en el piso de Glenda, cuando el foquista arruinó su primera toma . Caine se disculpó de inmediato. [8]
La escena más complicada de filmar fue la partida de cartas de Kinnear. Hay cuatro conversaciones simultáneas, con mucha exposición de la trama y la presentación de dos personajes importantes, Kinnear y Glenda. La complejidad técnica se vio agravada por la variación de la luz que entraba por las ventanas y la forma en que Osborne hablaba en voz baja [46], lo que dificultó la colocación del micrófono. Hodges acercó la cámara y el brazo a Osborne a medida que avanzaba la escena. [14] Chibnall dice que Hodges lamentó no haber ensayado la escena más a fondo. [46]
Al filmar la escena en la que Carter arroja a Brumby a la muerte desde un estacionamiento de varios pisos, Hodges utilizó cuatro tomas: una de la pareja luchando en lo alto de las escaleras; una desde el nivel más bajo de la escalera donde Caine realmente arrojó a Bryan Mosley por el costado sobre colchones; una toma de un maniquí cayendo; y una del cuerpo de Brumby encima de un auto aplastado. [37]
La persecución culminante de Carter a Eric utilizó una amalgama de dos lugares espaciados a 35 millas (56 km) de distancia: Blyth Staithes y Blackhall Beach cerca de Blackhall Colliery . [57] [58] La escena de la persecución se filmó al revés, con Hodges filmando primero la escena de la muerte de Eric debido a la mala condición de Hendry, a Hodges le preocupaba que estuviera demasiado sin aliento para interpretar la escena de la muerte después de correr. Hodges eligió la playa por su atmósfera sombría y oscura, pero cuando regresó para filmar la escena la encontró bañada por un sol brillante, inadecuado para la conclusión sombría que esperaba. Esperó horas hasta que el sol comenzó a ponerse para capturar la iluminación sombría y nublada que se ve en la película. [59] La película muestra la playa negra con desechos de carbón, vertidos allí por el sistema de cinta transportadora de la mina. La cinta transportadora, una vista común en la costa este de Durham, era conocida localmente como The Flight. A principios de la década de 2000, se gastaron 10 millones de libras en retirar estas cintas transportadoras y las torres de hormigón, y en limpiar toneladas de residuos de carbón de las playas de East Durham. El programa de limpieza se conoció como Turning the Tide. [60]
Klinger fue un productor muy activo que estuvo presente durante todo el rodaje y la posproducción. Sugirió a Hodges que John Trumper fuera el editor. Hodges dijo que él y Trumper discutían y no estaban de acuerdo constantemente, pero que aun así pensaba que era un "editor brillante, brillante" y que estaba "muy agradecido con él por [...] lo mucho que contribuyó". La edición de sonido y el doblaje estuvieron a cargo de Jim Atkinson, a quien Hodges describió como "muy obsesivo con el trabajo". Le dio a Hodges múltiples posibilidades de cómo se podía doblar el sonido y exploró todos los ángulos. A Klinger le preocupaba que el director debutante pudiera verse abrumado con demasiadas opciones, pero Hodges dijo que él y Atkinson se llevaban muy bien. [2]
Mientras Carter se aleja de los apartamentos, con Glenda en el maletero del coche, los neumáticos hacen un chirrido. Vangelis lo sampleó más tarde y lo utilizó en la canción de Jon y Vangelis de 1981 The Friends of Mr Cairo .
La mayor parte de la música de la película fue compuesta por Roy Budd , un pianista y compositor de jazz, que había trabajado previamente en las bandas sonoras de Soldier Blue y Flight of the Doves . Aparte de su banda sonora, Budd también compuso tres canciones: «Looking For Someone», «Love Is A Four Letter Word» (con letra de Jack Fishman) y «Hallucinations». [5] El tema (también conocido como «Carter Takes a Train»), la pieza más conocida de la película, fue interpretado por Budd y los otros miembros de su trío de jazz, Jeff Clyne ( contrabajo ) y Chris Karan ( percusión ), y se grabó con un presupuesto de £450 (£8700 en 2024). Los músicos grabaron la banda sonora en vivo, directamente en la imagen, tocando junto con la película. [61] Para ahorrar tiempo y dinero, Budd no utilizó sobregrabaciones, tocando simultáneamente un clavicémbalo real , un piano eléctrico Wurlitzer y un piano de cola . [62] [63] Budd describió la experiencia como "incómoda, pero sonaba agradable". La melodía principal incluye los sonidos del viaje en tren del personaje desde Londres a Newcastle.
El tema fue lanzado como sencillo de vinilo de 7" por Pye Records en 1971, titulado simplemente Carter y respaldado por "Plaything", otra pieza compuesta para la banda sonora. Las copias originales del disco son muy buscadas por los coleccionistas y se venden por alrededor de £100. [64] La banda sonora, que incluye piezas que no se usaron en la película, originalmente solo estaba disponible en su totalidad en Japón, donde fue lanzada en Odeon Records . [65] Fue lanzado en el Reino Unido en 1998 por el sello Cinephile, una subsidiaria de Castle Communications . En 2012, el tema fue incluido en la compilación de Soul Jazz Records British TV, Film and Library Composers . [66]
La película incluye otra música que no está incluida en el LP de la banda sonora. La música que suena en la escena del club nocturno es una versión animada de la melodía de Willie Mitchell de 1969 "30-60-90" interpretada en vivo por la Jack Hawkins Showband, que era la banda residente en el club nocturno Oxford Galleries. [67] La cantante de pub, interpretada por Denea Wilde, interpreta una versión de " How About You? " de Burton Lane y Ralph Freed , [5] una canción más asociada con las glamorosas películas de Hollywood que con las trastiendas de los pubs de Newcastle. Los Pelaw Hussars, una banda de jazz juvenil local y una troupe de majorettes , también aparecen e interpretan dos números, " When The Saints Go Marching In " y " Auld Lang Syne ". [5]
El estreno mundial de Get Carter se celebró en Los Ángeles el 3 de febrero de 1971. [5] La película finalmente se estrenó para su estreno general en el Reino Unido el 10 de marzo de 1971 y en los EE. UU. el 18 de marzo, donde fue clasificada como "X" por violencia y desnudez femenina, lo que significa que era solo para adultos. [68] Más tarde se reclasificó como "R" , lo que significa que los niños menores de 17 años tenían que estar acompañados por un adulto. [5] Una versión censurada se lanzó en Alemania Occidental el 6 de agosto de 1971, con una duración nueve minutos más corta que la original. Michael Klinger participó en la promoción de la película en el Reino Unido, utilizando la experiencia de su experiencia como distribuidor para llevar a cabo una fuerte campaña publicitaria. Los carteles teaser de la película aparecieron en el frente de los autobuses en todo Londres, con el eslogan "Caine es Carter". [2]
El póster original británico con ilustraciones de Arnaldo Putzu , al igual que muchos carteles de películas, tiene aspectos o imágenes que difieren de la versión cinematográfica final. Carter aparece con una llamativa chaqueta floral, a diferencia del impermeable oscuro y el traje de mohair que usa en la película. Cuando se le preguntó en 2006, Putzu no pudo recordar su razón artística para pintar la chaqueta floral, pero dijo que estaba pintando muchas flores en diseños en ese momento. [69] Chibnall describe las imágenes del flower power como "lo que parece un intento desesperado y equivocado de sugerir la modernidad de un género que en gran medida había caído en desgracia". [70] Sin embargo, al experto en carteles de películas Sim Branaghan le gustó su excentricidad, y la calificó como "ese tipo de peculiaridad que no se ve en estos días". [69] Jonny Trunk de Trunk Records —un aficionado de la película y su historia desde hace mucho tiempo— ha observado que el patrón floral de la chaqueta de Carter está tomado del diseño distintivo de la almohada y la sábana a juego de la cama en la escena donde Britt Ekland se retuerce desnuda mientras habla por teléfono con Jack. El cartel también coloca la escopeta de Carter en las manos de Eric y presenta a un hombre y una mujer luchando que parecen pertenecer a una película diferente. [71] Existen tomas promocionales y obras de arte del cartel de la película que muestran a Carter sosteniendo una escopeta de corredera ; en la película terminada, la única escopeta utilizada por Carter es una escopeta de dos cañones, que Carter encuentra encima del armario de su hermano Frank.
MGM vendió los derechos de distribución de la película en los EE. UU. a su futura subsidiaria United Artists , que la promocionó pobremente, en medio de preocupaciones de que el diálogo cockney en la escena de apertura fuera ininteligible para el público estadounidense. El estreno de la película se retrasó mientras se doblaban partes de la película, sin grandes mejoras. [72] En el proceso de doblaje de la apertura, se perdió la versión de la película con el diálogo original. Durante años, la versión que se mostró en la televisión británica fue el corte estadounidense redoblado. [72] UA colocó la película en el circuito de autocines en decadencia , [1] donde se proyectó al final de un programa doble con Dirty Dingus Magee , un vehículo para Frank Sinatra . [73] [74] Michael Klinger se quejó en 1974 al presidente de UA Eric Pleskow sobre la promoción mediocre de Carter , y trató de que renunciara a los derechos estadounidenses de la película para que Klinger pudiera encontrar un mejor distribuidor. [75]
La película no tuvo muchos problemas de censura, aunque la escena en la que Carter apuñala a Albert Swift causó preocupación en el censor John Trevelyan . [76] En Sudáfrica, el censor cortó la escena de sexo telefónico de Britt Ekland, acortando su ya breve papel; su nombre todavía estaba en el cartel, lo que dejó a los espectadores preguntándose por qué se anunciaba su aparición. [77]
En la década de 1990, el interés de la crítica y del público por la película resurgió y el British Film Institute (BFI) lanzó una nueva copia de la película en 1999. Trabajó con Hodges para restaurar la película, y Hodges consiguió otro conjunto de negativos de la apertura original, que se encontraron en los archivos de la BBC. Luego, el equipo empalmó el segmento inicial en una copia de alta calidad de la película. [72] La reedición se estrenó en el National Film Theatre [78] y se estrenó en general el 11 de junio de 1999, en el Tyneside Cinema de Newcastle. [72]
El 16 de marzo de 2022, el BFI anunció que se asociaría con Warner Bros. y Warner Bros. Home Entertainment para un relanzamiento de la película en el BFI Southbank como parte de su programa retrospectivo Return of the Outsider: The Films of Mike Hodges , que se desarrolló del 1 al 31 de mayo e incluyó varios eventos en persona como "Mike Hodges in Conversation" el 3 de mayo; a esto le siguió un estreno amplio en cines británicos e irlandeses el 27 de mayo. Este estreno utilizó una nueva restauración 4K del negativo de cámara original de la película, que fue aprobada por Hodges. [79]
Chibnall ha establecido que la película se mostró en LWT en 1976 y 1980 "en una versión censurada " (que eliminó la escena de sexo telefónico de Britt Ekland) [77] y una vez en Westward Television y en Granada en agosto de 1981, pero no se mostró a nivel nacional y en su totalidad hasta una transmisión posterior a la división de tiempo de la BBC en 1986. [80] Finalmente se lanzó en medios domésticos en 1993 por MGM/UA como parte de su "Colección Elite". Chibnall dice "No hubo publicidad que sugiriera que había ocurrido un evento significativo. Fue simplemente una parte del largo proceso de explotación del catálogo anterior de MGM en el período previo a Navidad". A pesar de esto, el lanzamiento recibió una reseña de cinco estrellas en Empire , donde se describió como "una de las mejores películas británicas de los años 70". Chibnall señala que "sin embargo, no encontró un lugar en los cincuenta mejores videos del año de Empire " . [80]
Warner Bros. reeditó la película en una edición especial en DVD en octubre de 2000 en su formato original de 1.85:1 . Los extras incluyeron tres tráilers: el tráiler internacional, una introducción de Michael Caine a la gente de Newcastle y un tercero con Roy Budd tocando el tema de apertura. Este formato también se utilizó en un set de VHS lanzado en 2001 por Warner, que incluía Bullit y Shaft . También se incluyó en el DVD comentarios de Caine, Hodges y Suschitzky, construidos a partir de entrevistas separadas con los tres. La banda sonora se presentó en Dolby Digital 1.0 mono . [81]
La película fue incluida en el set de DVD "Movies That Matter - 70's Classics" de 2008 con Deliverance y Dog Day Afternoon . [82] Está disponible en Warner Archive Collection como un DVD-R Made on Demand (MOD) o una descarga, con los mismos extras que el lanzamiento de 2000, aunque solo con dos avances y esta vez en formato 16:9 . [83]
Get Carter fue lanzado en Blu-ray Disc por Warner el 22 de abril de 2014; este lanzamiento presenta los mismos extras que la edición especial en DVD, pero debido a un error de fabricación, las impresiones estadounidenses del disco utilizan la versión estadounidense doblada de la secuencia de apertura en lugar del audio original. Este cambio se trasladó a las impresiones británicas iniciales del disco, pero luego se revirtió debido a la reacción negativa del público; las impresiones británicas posteriores vendidas por puntos de venta como Amazon UK presentan la pista de audio original. [84]
BFI Video lanzó su restauración 4K de Get Carter el 1 de agosto de 2022 en Blu-ray estándar y Ultra HD ; [79] los conjuntos de dos discos incluyen las características especiales de los lanzamientos de medios domésticos anteriores de la película, así como un nuevo comentario de audio con los críticos Kim Newman y Barry Forshaw , una pista musical aislada, entrevistas con Hodges, el fundador de Trunk Records , Jonny Trunk , la actriz Petra Markham y el hijo de Michael Klinger, Tony, el documental de 1966 de Philip Trevelyan The Ship Hotel, Tyne Main , un folleto que contiene varios ensayos sobre la película y otra parafernalia, postales y un póster de doble cara tanto para la restauración como para una réplica del arte del póster original del Reino Unido. [85]
En Rotten Tomatoes , la película tiene un índice de aprobación del 87% basado en 38 críticas, con una calificación promedio de 7.50/10; el consenso crítico del sitio dice "Oscuramente entretenida y tensa, Get Carter es una cruda historia de venganza bien hecha". [86] En 2003, Steve Chibnall observó un gran desequilibrio de género en la votación sobre la película hasta abril de 2002, con menos del 6% de los votos emitidos (donde los votantes dieron su género) por mujeres (53 de 947). También notó un aumento sustancial en las mujeres que votaron por la película en los ocho meses previos a abril de 2002. [87]
Al describir la respuesta crítica inicial a la película, Steve Chibnall escribió: "La difamación crítica inicial o la indiferencia establecen las condiciones en las que un culto puede florecer. Get Carter tuvo que conformarse con la ambivalencia". [88] Pensó que la postura general de los críticos británicos "era admirar el poder y el profesionalismo de la película mientras condenaban su amoralidad y violencia excesiva". [87] Geoff Mayer observó que "los críticos principales en ese momento estaban consternados por la trama compleja de la película y la falta de remordimiento de Carter". [89] En Sight and Sound , Tom Milne dijo que la película estaba bien construida y tenía una buena caracterización, pero carecía del misterio y el carisma de las películas policiales estadounidenses anteriores que intentó emular. Encontró que las motivaciones de Carter eran inconsistentes, ya sea siendo un ángel vengador o un "auténtico antihéroe post-permisivo, deleitándose en el sadismo casual". [90] [91]
En contraste, Nigel Andrews encontró que los personajes eran arquetipos estereotipados del submundo criminal, como el "chofer homosexual, el magnate hinchado, la amante glamurosa", describiendo la película como "superficial". [92] Richard Weaver en Films and Filming elogió el realismo de la película, describiéndola como "el crimen en su forma más flagrante", [90] [93] mientras que George Melly , escribiendo en The Observer , confesó haber disfrutado indirectamente de ella, pero admitió que era "como una botella de ginebra pura tragada antes del desayuno. Es embriagadora, de acuerdo, pero no te hará ningún bien". [94]
Steve Chibnall escribe que "Estados Unidos estaba más acostumbrado a las historias duras" y que los críticos allí estaban "más preparados que la crítica británica para tratar Get Carter como una obra seria", [95] Pauline Kael admiraba su "calculada falta de alma" [96] y se preguntaba si señalaba un "nuevo género de virtuosismo cruel". [97] La publicación estadounidense Box Office hizo una crítica cautelosamente aprobatoria, describiendo la película como "desagradable, violenta y sexy a la vez". Predijo que "debería gustar en el mercado de acción, pero no ganará ningún laurel para Caine aunque su interpretación del vicioso antihéroe impresiona". [98] El crítico también opinó que "una edición más ajustada ayudaría considerablemente". Roger Ebert fue menos reservado en sus elogios, escribiendo que "la película tiene un toque seguro". Señaló el "detalle proletario" de la película, que es "inusual en una película de detectives británica. Por lo general, tenemos todo el flash y nada de humanidad, muchos trucos de cámara elegantes pero ninguna sensación de los estratos criminales de la sociedad". [99] Sobre la actuación de Caine, escribió: "El personaje creado por Caine es particularmente interesante. Es duro y despiadado, pero muy tranquilo y cargado de una terrible ironía". Judith Crist en la revista New York dio una crítica entusiasta, diciendo que "Michael Caine es soberbio, suave y sexy" y describió la película como "un chiste duro, mezquino y satisfactorio de la vieja escuela de tecnología dura hecho en términos contemporáneos francos". [100] Variety también elogió la película, diciendo que "no solo mantiene el interés, sino que transmite con un arte poco común, moderación y claridad los muchos giros de trama brutales, sórdidos y atrevidos". [101] Sin embargo, Jay Cocks, que escribió en Time, fue despectivo, llamando a la película "una pieza de negocio obstinadamente desagradable" y comparándola desfavorablemente con Point Blank . [102] La película apareció en varias listas de los críticos estadounidenses de las mejores películas del año. [75]
En el obituario de Michael Klinger en The Guardian en 1989, Derek Malcolm recordó la película como "uno de los thrillers británicos más formidables de su tiempo". [103]
Get Carter fue un éxito financiero y, según Steve Chibnall, sus ingresos en taquilla fueron "muy respetables". En su primera semana en el cine ABC2 en Shaftesbury Avenue , Londres, rompió el récord de la sala, recaudando £ 8,188. Superó a Up Pompeii , que se exhibía en el ABC1 más grande. También tuvo un buen desempeño cuando se trasladó a los ABC en Edgware y Fulham Road . En su estreno general en el norte de Inglaterra, Chibnall señala que tuvo una "primera semana muy fuerte", antes de que una ola de calor fuera de temporada dañara la asistencia al cine. Chibnall escribe que "Curiosamente, aunque ahora se piensa que el tono deprimente y poco sentimental [de la película] expresa el estado de ánimo de su época, el público de cine masivo prefirió Love Story (Arthur Hiller 1970), que siguió siendo la película más popular en Gran Bretaña durante la exhibición de Get Carter ". [95] Fue la sexta película de "estreno general" más popular en la taquilla británica en 1971. [104]
En el momento de su estreno, el único reconocimiento que recibió la película fue una nominación a los Premios BAFTA de 1972 para Ian Hendry como Mejor Actor de Reparto . [89] En 1999, Get Carter ocupó el puesto 16 en el BFI Top 100 British films of the 20 century; cinco años después, una encuesta de críticos de cine británicos en la revista Total Film la eligió como la mejor película británica de todos los tiempos. [6] En 2008, la película se ubicó en el puesto 225 en la lista de las 500 mejores películas de todos los tiempos de Empire , que fue seleccionada por más de 10,000 lectores de Empire , 150 cineastas y 50 críticos de cine. [105] En octubre de 2010, los críticos del periódico The Guardian colocaron la película en su lista de "Mejores películas de todos los tiempos", ubicándola en el puesto número 7 entre las 25 mejores películas policiales. [106] En la encuesta adjunta realizada entre los lectores de Guardian , fue votada en quinto lugar. [107] En 2011, Time Out London colocó la película en el puesto 32 de su lista de las 100 mejores películas británicas , que fue seleccionada por un panel de 150 expertos de la industria cinematográfica. [108]
En 1972, MGM estrenó la película de blaxploitation Hit Man , escrita y dirigida por George Armitage y producida por Gene Corman ; los créditos de la película identifican a Jack's Return Home de Lewis como su base. Esta fue la segunda vez que Corman produjo una película de blaxploitation basada en una novela que había sido adaptada previamente para el cine, después de Cool Breeze (1972), la cuarta adaptación de The Asphalt Jungle de W. R. Burnett . [109] Sin embargo, Hodges y los críticos han identificado a Hit Man como una nueva versión de Get Carter , transponiendo la acción de Newcastle a Los Ángeles. La película está protagonizada por Bernie Casey como Tyrone Tackett, la contraparte de la historia de Jack Carter, mientras que Glenda es reimaginada como Gozelda, una "estrella de películas de piel sensual" interpretada por Pam Grier . [110] Armitage reveló que no había visto Get Carter en el momento en que trabajó en la película, y que Corman le había dado una copia sin título del guion de Hodges, pidiéndole que lo reescribiera en un contexto afroamericano; no se enteró de que la película estaba basada en Get Carter hasta que su agente se lo informó. [111] [112] Si bien las películas comparten varios detalles y tratamientos de la trama, como un francotirador apuntando a Carter/Tackett en una playa rocosa, [113] Hit Man incluye varias divergencias de Get Carter , incluida una escena en la que Gozelda es mutilada hasta la muerte por tigres, [110] y no termina con la muerte del personaje principal. [109] Hodges y Klinger estaban indignados por la decisión de MGM de rehacer la película, ya que consideraban que Hit Man era inferior a Get Carter ; Lewis afirmó más tarde que nunca recibió regalías de Hit Man . [110] [114] La película fue lanzada por Warner Archive Collection como MOD DVD-R el 4 de mayo de 2010. [115]
Warner Bros., que posee los derechos de la biblioteca de MGM anterior a 1986, produjo otra nueva versión de Get Carter en 2000 bajo el mismo título , protagonizada por Sylvester Stallone como Jack Carter. Originalmente anunciada en 1997, Tarsem Singh y Samuel Bayer fueron considerados para dirigir la película antes de que Stephen Kay firmara, con David McKenna escribiendo el guion. [116] [117] [118] Al igual que con Hit Man , la película acreditó a Jack's Return Home de Ted Lewis como su fuente, no la película de Hodges, y nuevamente contiene escenas que se toman prestadas directamente del original, como el viaje en tren de apertura. [119] Michael Caine aparece como Cliff Brumby, en lo que Elvis Mitchell describió como "un papel que aumentará el respeto por el original", especulando que "tal vez esa era su intención". [119] Mickey Rourke interpreta al villano Cyrus Paice. La mayoría de los críticos compararon el remake desfavorablemente con el original. [120] [121] La opinión consensuada de los críticos en Rotten Tomatoes fue que era "un remake que no se acerca al estándar del original, Get Carter probablemente dejará a los espectadores confundidos e insatisfechos. Además, las críticas son mixtas con respecto a la actuación de Stallone". [122] Fue tan mal recibida en su estreno en Estados Unidos que Warner Bros. decidió no darle un estreno en cines del Reino Unido, anticipando que la película sería duramente criticada por los críticos y fanáticos británicos. [123] Elvis Mitchell en The New York Times escribió "tiene una trama tan mínima que no solo carece de subtexto o contexto, sino que también puede ser la primera película del mundo sin siquiera un texto ". [119] Mike Hodges dijo en 2003 que todavía no había visto el remake, pero un amigo le informó que era "indescriptible". Su hijo le trajo un DVD de la película desde Hong Kong y trató de verlo, pero el formato de la región era incompatible "así que lo pusimos en la basura". [35] La película fue votada como el peor remake de todos los tiempos en 2004 por los usuarios del sitio web británico de alquiler de DVD ScreenSelect (precursor de Lovefilm ). [124] El 13 de febrero de 2001, el remake fue lanzado en DVD Región 1 por Warner Bros. Home Entertainment. [125]
Tom Cox escribe que muchos cineastas británicos "han robado de Hodges sin igualar el toque frío y realista" de Get Carter . [56] Películas como The Long Good Friday , Face y Lock, Stock and Two Smoking Barrels toman prestado del modelo de la película. La película de Steven Soderbergh de 1999 The Limey es un homenaje a Get Carter y otras películas de gánsteres británicas, y contiene elementos de trama similares y temas de venganza, familia y corrupción. Soderbergh dijo que imaginó The Limey como " Get Carter hecho por Alain Resnais ". [126] La película de Shane Meadows Dead Man's Shoes también ha sido comparada con Get Carter , siendo de manera similar una historia de gánsteres vengativos ambientada en una ciudad inglesa provincial. [127] [128] El equipo de producción de la serie de televisión Life on Mars también citó a Get Carter como una de sus influencias para el programa. [129]
La música de la película también disfrutó de su propio resurgimiento en popularidad, ya que aprovechó el interés de la década de 1990 en las bandas sonoras de películas antiguas. Adrian Utley de Portishead explicó que encontraron la música de Get Carter inspiradora porque "se hizo de manera rápida y económica con solo unos pocos instrumentos, y tuvo que ser intensamente creativa para disfrazar sus limitaciones". [61] El álbum Dare de Human League contiene una pista que cubre el tema de Get Carter , aunque solo era una versión del escaso leitmotiv que abre y cierra la película en oposición a la pieza de jazz de pura sangre que acompaña el viaje en tren. Stereolab también cubre el tema de Roy Budd en su álbum Aluminum Tunes , aunque llaman a su versión "Get Carter", en lugar de su título apropiado, "Main Theme (Carter Takes A Train)". Esta versión de Stereolab se utilizó posteriormente como muestra en la canción "Got Carter" de 76. La banda de rock finlandesa Laika & the Cosmonauts versiona el tema de la película en su álbum de 1995 The Amazing Colossal Band . BB Davis & the Red Orchidstra lanzó una versión del tema principal de la película en 1999. Jah Wobble produjo una versión dub del tema principal en 2009. [130] [131] Wobble había sido durante mucho tiempo un fanático de la línea de bajo de la pista, diciendo en una entrevista de 2004 con The Independent que "Hay algunas líneas de bajo que contienen todo el misterio de la creación dentro de ellas". [132]
Hodges: "El técnico de sonido se me acerca y me dice: "John es demasiado callado". Y yo le respondo: "Se me ha acercado así y así es como lo quiero". Así que si ves esa escena, me acerco cada vez más con la cámara para capturar esa tranquilidad. John estuvo genial, había mucha amenaza en esa tranquilidad. Fue un gran villano".
el sacerdote volvió con su conclusión: "Me quedé bastante sorprendido cuando dijo que era una obra moralista bastante buena . El tono de la obra, aunque violento, no toleraba tales acciones, de hecho incluso las condenaba. Me sentí aliviado y en paz con la decisión de seguir adelante".
Este es un arreglo del tema de Roy Budd de la película de gánsteres británica de 1971, arreglado para la orquesta Chinese Dub de Wobble. Esta es una Gran Bretaña moderna, muy alejada del monocromo de Mike Hodges, donde las tablas repiquetean como tranvías traqueteantes y el bajo profundo de Wobble retumba por debajo, mientras la melodía se transmite en serengi.