Birdman , estilizada como BİRDMAN (o La inesperada virtud de la ignorancia) , es una película de comedia dramática negra estadounidense de 2014 dirigida por Alejandro González Iñárritu . La película está protagonizada por Michael Keaton como un actor de Hollywood fracasado, mejor conocido por interpretar a un superhéroe llamado Birdman, y sigue las luchas que enfrenta mientras intenta regresar escribiendo, dirigiendo y protagonizando unaadaptación de Broadway de Raymond Carver . Cuento " De qué hablamos cuando hablamos de amor ". El reparto secundario de la película incluye a Zach Galifianakis , Edward Norton , Andrea Riseborough , Amy Ryan , Emma Stone y Naomi Watts .
Con una breve excepción, Birdman se presenta como si hubiera sido filmada en una toma continua , una idea que Iñárritu tuvo desde la concepción de la película. El director de fotografía Emmanuel Lubezki creía que el tiempo de grabación necesario para el enfoque de toma larga no podría haberse realizado con tecnología más antigua. La película se rodó en la ciudad de Nueva York durante la primavera de 2013 con un presupuesto de 16,5 millones de dólares, financiado conjuntamente por Fox Searchlight Pictures , Regency Enterprises y Worldview Entertainment . Se estrenó en el 71º Festival Internacional de Cine de Venecia en 2014.
Birdman tuvo un estreno limitado en cines de Estados Unidos el 17 de octubre de 2014, seguido de un estreno generalizado el 14 de noviembre. Recaudando más de 103 millones de dólares en todo el mundo, la película recibió elogios de la crítica, con elogios por su guión, dirección, cinematografía y actuaciones del elenco (particularmente Keaton, Norton y Stone). Ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película , junto con el Mejor Director , el Mejor Guión Original y la Mejor Fotografía de un total de nueve nominaciones, empatándola con El Gran Hotel Budapest como la película más nominada y premiada en la 87ª edición de los Premios de la Academia . También ganó el premio al Mejor Reparto en una Película en la 21ª edición de los Screen Actors Guild Awards , así como al Mejor Actor en un Musical o Comedia para Keaton y al Mejor Guión en la 72ª edición de los Golden Globe Awards .
Riggan Thomson es un actor descolorido famoso por interpretar a un superhéroe llamado Birdman en una trilogía cinematográfica de 1989 a 1992. Está atormentado por la voz interna burlona y crítica de su yo pasado como Birdman y con frecuencia se visualiza realizando hazañas de levitación y telequinesis . Riggan está tratando de recuperar el reconocimiento escribiendo, dirigiendo y protagonizando una adaptación de Broadway del cuento de Raymond Carver " What We Talk About When We Talk About Love ". Sin embargo, la voz de Birdman quiere que Riggan regrese al cine de gran éxito e insiste en que él es esencial para la identidad de Riggan.
El mejor amigo y abogado de Riggan, Jake, está produciendo la obra, coprotagonizada por la novia de Riggan, Laura, y la recién llegada a Broadway, Lesley. La hermosa hija de Riggan, Sam, una drogadicta en recuperación con quien está tratando de reconectarse, trabaja como su asistente. El día antes del primer avance, una lámpara cae sobre el desventurado coprotagonista de Riggan, Ralph. Por sugerencia de Lesley, Riggan reemplaza a Ralph con su novio, el brillante pero volátil y ensimismado actor Mike Shiner.
Los primeros avances son desastrosos: Mike rompe el personaje al reemplazar su ginebra con agua, intenta violar a Lesley durante una escena de sexo y se queja de que la pistola de utilería no parece natural. Cuando Riggan reprende a Sam después de encontrarla fumando marihuana, ella lo reprende y reprende de manera insultante, diciéndole que él es irrelevante y que la obra es para su propia vanidad. Riggan choca continuamente con Mike, culminando en una pelea después de que Riggan lee una entrevista del New York Times con Mike en la que le roba la razón personal de Riggan para hacer una obra de Raymond Carver. Jake convence a Riggan para que continúe con la obra.
Durante la vista previa final, después de ver a Mike y Sam besándose detrás del escenario, Riggan sale a fumar y accidentalmente se encierra afuera con su bata atrapada en la puerta de escape de incendios. Se ve obligado a caminar por Times Square en calzoncillos y entrar entre el público para hacer la escena final. Sam, preocupada, está esperando en su camerino después del espectáculo y cree que la actuación fue muy inusual pero interesante. Ella le muestra que las imágenes de Times Square se están volviendo virales y le explica cómo esto realmente le ayuda.
Riggan va a un bar a tomar una copa y se acerca a Tabitha Dickinson, una crítica de teatro cínica y muy influyente. Ella promete "matar" su obra con una reseña despectiva sin verla. En el camino de regreso, Riggan compra medio litro de whisky, lo bebe y se desmaya en una entrada. Al día siguiente, caminando hacia el teatro con una fuerte resaca, visualiza a Birdman tratando de convencerlo de que abandone la obra y haga una cuarta película de Birdman. Luego, Riggan se imagina volando por las calles de Manhattan antes de llegar al teatro.
La noche del estreno, la obra va muy bien. En su camerino, Riggan, extrañamente tranquilo, le confiesa a su ex esposa, Sylvia, que hace varios años intentó ahogarse en el océano después de que ella lo descubrió teniendo una aventura. También le cuenta sobre la voz de Birdman, que ella ignora. Después de que Sylvia se va, Riggan toma un arma real para la escena final en la que su personaje se suicida. En el clímax, Riggan se pega un tiro en la cabeza en el escenario. La obra recibe una gran ovación .
Riggan se despierta en un hospital; el intento de suicidio simplemente le voló la nariz, que ha sido reconstruida quirúrgicamente. Tabitha ha publicado una reseña entusiasta de la obra, confundiendo el intento de suicidio con una nueva técnica de actuación. Sam lo visita con flores y le toma una foto para compartirla con el creciente número de seguidores en la cuenta de Twitter que ha creado para él.
Mientras ella sale para buscar un jarrón, Riggan va al baño, se quita las vendas, dejando al descubierto su nueva nariz hinchada, y se despide de Birdman, visto sentado en el inodoro. Fascinado por los pájaros que vuelan fuera de su habitación, abre la ventana, los mira y luego trepa a la cornisa. Sam regresa a una habitación vacía y corre frenéticamente hacia la ventana abierta, escaneando el suelo antes de mirar lentamente hacia el cielo y sonreír ante lo que ve.
El director de Birdman , Alejandro G. Iñárritu, concibió originalmente la película como una comedia filmada en un solo plano ambientada en un teatro. La elección original detrás del género de la película, que posteriormente fue readaptado para concentrarse en la caída en picada emocional final de Riggan, surgió del deseo del director de ver un cambio en su enfoque. Todas sus películas anteriores eran dramas y, tras dirigir Biutiful , no quería volver a abordar su nueva película de la misma manera trágica. [4] La decisión de hacer que la película apareciera como una sola toma surgió de su comprensión de que "vivimos nuestras vidas sin edición". Al presentar la película como un plano continuo, pudo "sumergir al protagonista en una 'realidad ineludible' y llevarse al público con él". [5] Iñárritu compartió su idea con los guionistas y primos argentinos Nicolás Giacobone y Armando Bo , así como con el dramaturgo Alexander Dinelaris, Jr. , quienes habían trabajado con él en su película anterior. [6] [a] Su primera reacción fue decirle que la idea del plano continuo no podía funcionar. [4] Según Dinelaris y Giacobone, personas "enormes" e "importantes" le dijeron que ni siquiera intentara el proyecto por la misma razón. [6] El propio Iñárritu describió la técnica como "casi suicida", temiendo que distraiga, en lugar de inmersiva. [8] Dinelaris dijo más tarde que si realmente hubieran hecho una pausa y considerado la idea, podrían haber disuadido a Iñárritu de no hacerlo. [4]
Las experiencias personales y vocacionales de los cuatro coguionistas fueron fundamentales para escribir el guión. La exposición de Dinelaris a Broadway dio forma a las representaciones de los ensayos y eventos detrás del escenario, aunque admitió haberlos exagerado. También sintió que su experiencia en la escritura de largas escenas de diálogo le ayudó, ya que las escenas de la película "en realidad eran más como escenas de juego". [6] Las propias experiencias de Iñárritu influyeron en muchos de los temas de Birdman . "Lo que habla esta película lo he pasado yo", recordó Iñárritu. "Lo he visto y experimentado todo; es lo que he estado viviendo los últimos años de mi vida". [4] Dinelaris describió este aspecto como "una mirada risueña a uno mismo", pero dijo que tenía que hacerse de manera cómica; de lo contrario, "habría sido la mirada más increíblemente ensimismada sobre el tema". [4] Los temas del cuento de Raymond Carver " De qué hablamos cuando hablamos de amor ", que Riggan adapta para el escenario de la historia, también influyeron en el guión. Iñárritu quería encontrar la conexión entre los temas de la historia de Riggan y los de Carver. [6] Debido a esto, era importante para el director que la historia de Carver fuera el tema de la obra representada en la película. Por ello, Iñárritu afirmó que su deseo de utilizar el trabajo de Carver era "aterrador" porque los derechos de uso del material de Carver aún estaban sujetos a la posibilidad de ser rechazados durante el desarrollo de la película, pero no surgieron problemas. A la viuda de Carver, la escritora Tess Gallagher , le encantó el guión y permitió la adaptación, diciendo que Carver se reiría de la película. [4]
Si bien algunos aspectos de la película (el primer fotograma con Riggan, por ejemplo) no cambiaron desde la concepción de Birdman hasta su lanzamiento, [4] otros pasaron por varias iteraciones. Una de ellas fue la secuencia en la que el alter ego Birdman toma el control total sobre los pensamientos de Riggan. Los escritores sabían que esto ocurriría en el punto más bajo de Riggan, por lo que en un momento planearon que sucediera después de que Riggan escuchara la cobertura inicial negativa de la prensa y destruyera su camerino. En otra versión descartada, Riggan intenta ahogarse en Central Park y sale volando para salvarse. [6]
El final de la película también cambió, siendo escrita la versión final a mitad del rodaje. [9] El original pretendía representar a Johnny Depp en el camerino de Riggan con un póster de Piratas del Caribe en la parte posterior. A Iñárritu le disgustó mucho este final, calificándolo de "tan vergonzoso", y lo reescribió con Dinelaris y Giacobone después de que se le ocurrió un nuevo final en un sueño. [9] [10] Iñárritu se mostró reacio a describir el final original, pero fue filtrado por Dinelaris. Dijo que el final original estaba ambientado en el teatro, en lugar del hospital, e involucraba a Depp poniéndose la peluca de Riggan Thomson y con la voz de Jack Sparrow , "... el cartel le pregunta a Depp: '¿Qué carajo estamos haciendo aquí, amigo? ?', e iba a ser la sátira del bucle interminable de eso". [11] El director y los coautores descartaron el final satírico y favorecieron el final nuevo, más ambiguo. [10] [11] [12]
El proyecto de coescritura se vio acelerado por la colaboración entre los cuatro coautores en Internet que trabajaban desde diferentes ubicaciones geográficas. Con Iñárritu en Los Ángeles , Giacobone y Bo en Buenos Aires , y Dinelaris en Nueva York, el guión se escribió principalmente a través de llamadas de Skype y correos electrónicos. [4] Aunque esto complicó el proceso de escritura, Dinelaris dijo que creía que las mejores ideas en Birdman surgieron de las sesiones de Skype a las dos de la mañana, donde él y Giacobone se estaban "riendo a carcajadas". La incorporación de la función one-shot también afectó la escritura. Bo dijo: "Escribimos todo pensando en este one-shot, y muchas decisiones que se tomarían principalmente en la sala de edición se tomaron antes del rodaje". El enfoque de una sola vez significaba que las escenas no podían eliminarse ni reordenarse en la posproducción, por lo que los escritores debían estar "muy, muy seguros de lo que había en la página". [6] Como resultado, tomó alrededor de un año y medio completar el borrador final. [13] Como resumió Dinelaris : "Hay que ser un idiota para hacerlo todo de una vez. Hay que ser un idiota para intentarlo. Se necesita mucha, mucha ignorancia para no prestar atención a las dificultades y a Creo que vas a hacer esto. Birdman parece una buena idea ahora, pero [en el momento de la producción] no sabíamos cómo aterrizaríamos". [6]
Iñárritu eligió varios de los papeles principales antes de que se financiara la película. [2] Entre ellos estaba el papel principal. Al principio del desarrollo del guión, Iñárritu no tenía a Keaton en mente, [5] pero había cambiado de opinión al final: "Cuando terminé el guión, supe que Michael no era la elección ni la opción, él era el hombre". [14] Iñárritu eligió a Keaton por su profundidad en una variedad de estilos de actuación: podía manejar las exigencias del escenario, el trabajo cercano, la comedia y la empatía "con una profunda profundidad en ambos". [15]
Keaton sabía sobre Birdman antes de que Iñárritu lo contactara. Estaba en plena producción de otro proyecto cuando se enteró de que Iñárritu estaba haciendo otra película. Keaton, un fanático de su trabajo, voló a casa para saber más. [16] Iñárritu le envió el guión y lo discutieron durante la cena. Lo primero que Keaton le preguntó al director fue si se estaba burlando de él (respecto a su papel en las películas de Batman de Tim Burton ), pero después de que Iñárritu le explicó el papel, sus tecnicismos y la producción de la película, Keaton aceptó interpretar a Riggan. A pesar de esto, la película final contiene numerosas referencias a las películas de Batman de Burton , incluido el año en que se menciona que Riggan interpretó por última vez a Birdman en 1992 . [5]
Iñárritu calificó su decisión de elegir a Galifianakis como Jake "una apuesta". Galifianakis cumplía con los criterios del director de ser adorable y divertido, pero Iñárritu también lo consideraba sensible, lo que le valió el papel. [17] Emma Stone ya sabía que quería trabajar con Iñárritu antes de que le ofrecieran el papel de Sam. El guión que le dio Iñárritu y el resto del elenco llegó con la foto Man on Wire , que mostraba a Philippe Petit cruzando las Torres Gemelas en la cuerda floja. Iñárritu le dijo al elenco: "Eso lo estamos haciendo". [10] [18]
Una vez que estos actores estuvieron comprometidos, Iñárritu buscó financiación. Primero invitó a Fox Searchlight Pictures a financiar el proyecto, pero rechazaron su oferta porque consideraron que el presupuesto que pedía era demasiado alto. [2] En un momento Megan Ellison de Annapurna Pictures quiso involucrarse en el proyecto, pero decidió no hacerlo porque, a diferencia de sus otras películas, no había estado involucrada desde el principio. [19] Iñárritu se acercó a Brad Weston, presidente de New Regency , quien aceptó la oferta. [20] Cuando la ejecutiva Claudia Lewis de Searchlight se enteró del acuerdo, lo reconsideró y pidió ser incluida en el acuerdo. Searchlight y New Regency habían trabajado juntos anteriormente para financiar 12 años de esclavitud , y decidieron unirse para Birdman , financiando un presupuesto de 16,5 millones de dólares. [2]
Weston y Lewis desarrollaron una relación cercana con Iñárritu, editaron el guión con él y cambiaron a algunos de los actores. Cuando se unieron a la producción, Josh Brolin iba a interpretar el papel de Mike Shiner, pero los financieros decidieron cambiarlo por Norton debido a conflictos de programación. [2]
Dijo que la experiencia de Norton como actor de teatro, combinada con su confianza en sí mismo, significaba que "en cierto modo, había algún tipo de realidad mental en Edward", [17] pero Norton cree que fue él quien convenció a Iñárritu para que lo llevara. en. Norton era un admirador del trabajo del director y estaba impresionado con su capacidad para traspasar los límites de la realización cinematográfica. [21] Norton se enteró del proyecto de Iñárritu a través de un amigo. Una vez que recibió el guión, lo leyó de principio a fin hasta las 3:00 am. Norton dijo: "Me reí tanto que desperté a la gente". [22] Norton quería conocer a Iñárritu al día siguiente, y una vez que se conocieron, Norton le dijo que no podía elegir a alguien que fuera la "encarnación" de lo que apuntaba el guión. En cambio, el director necesitaba elegir a alguien "que tenga al menos un poco de auténtica experiencia en este mundo". Iñárritu estuvo de acuerdo. [23]
Amy Ryan, una de las últimas actrices en ser elegida, [24] fue invitada porque Iñárritu la había visto en la obra Detroit . [25] Lindsay Duncan también tenía una gran experiencia en el mundo del teatro y decidió aceptar la oferta de interpretar a la crítica debido a la calidad del guión. "Es delicioso por la escritura". [26] Pero al igual que el personaje de Shiner, a Iñárritu le resultó difícil elegir a Laura. Riseborough se reunió con él en una esquina para tomar una taza de té y, recordando el evento, dijo: "Le dije que me arrastraría sobre brasas para trabajar con él". [27] Iñárritu describió a Laura como "un papel muy loco y peculiar", pero dijo, "cuando [Andrea Riseborough] lo hizo, supe que era ella, porque lo hizo bien en el tono y entendió quién era. – ella no estaba juzgando". [17]
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Una vez terminada la escritura, Iñárritu se puso en contacto con su amigo y director de fotografía Emmanuel Lubezki para discutir su idea para la película. [28] Después de leer el guión, a Lubezki le preocupaba que Iñárritu le ofreciera el trabajo ya que Birdman "tenía todos los elementos de una película que no quería hacer en absoluto" (comedia, trabajo de estudio y tomas largas), pero cambió. su mente después de una mayor discusión con el director. [29] La pareja había trabajado junta en comerciales y un cortometraje de la antología To Each His Own Cinema , [30] pero no en ningún largometraje. Lubezki quería estar seguro de que se trataba de una decisión con la que Rodrigo Prieto , director de fotografía de los cuatro largometrajes de Iñárritu, se sentía cómodo, pero después de recibir su bendición, los dos se dirigieron a la preproducción. [29]
A Lubezki le preocupaba que ninguna película se hubiera rodado como Iñárritu había previsto, lo que significaba que no habría material de referencia para buscar. Los dos decidieron que la única forma de aprender a filmar sería filmarlo ellos mismos, por lo que construyeron un escenario proxy en los estudios Sony en Los Ángeles. [28] [31] La configuración fue mínima. Se utilizaron lienzos y soportes en C para las paredes, mientras que cinta adhesiva y algunos muebles marcaron las áreas. [28] [32] Usando una cámara y algunos sustitutos, el dúo trabajó en la película para ver si era posible. [28] Al darse cuenta de que ningún teatro podía acomodar el intrincado trabajo de cámara que necesitaban, contrataron los estudios Kaufman Astoria en Nueva York. [33] Aun así, Iñárritu quería rodar en un teatro de Broadway, pero tendría que esperar hasta varias semanas de ensayos antes de conseguir el St. James Theatre . [34] Luego pasaron unos meses diseñando y haciendo "planos" de las tomas y bloqueando las escenas, utilizando los sustitutos para leer y recorrer el guión. [29] La planificación fue precisa. Iñárritu dijo: "No había lugar para improvisar en absoluto. Cada movimiento, cada línea, cada apertura de puerta, absolutamente todo fue ensayado". [31] Los actores comenzaron a ensayar una vez completado este trabajo preliminar: Según Lubezki, hicieron las escenas con los actores "una vez que supimos cuál era el ritmo de las escenas". Describió el enfoque atípico "como una película al revés en la que se hace la postproducción antes de la producción". [28]
Sé que Alejandro es muy inflexible en cuanto a mantener al conejo en el sombrero y no ser muy específico sobre cómo se filmó, pero diré que requirió muchos ensayos y fue muy específico... No hubo lujo de cortar. lejos o editando alrededor de cualquier cosa. Sabías que cada escena permanecía en la película y, como en el teatro, ésta era la oportunidad, esta era tu oportunidad de vivir esta escena.
—Emma Stone [35]
Los editores Douglas Crise y Stephen Mirrione estaban involucrados en el proyecto en esta etapa. Cuando Iñárritu le dijo a Mirrione que planeaba que Lubezki grabara las lecturas de mesa y los ensayos, sugirió que los editaran de inmediato para descubrir desde el principio qué funcionaba y qué no. [36] La edición también permitió a los editores discutir cuestiones de ritmo con el director, [37] [38] como la posición de las transiciones día-noche y otros momentos de descanso en la película. [36] El diseñador de producción Kevin Thompson también estuvo presente y trazó las escenas. [34] El trabajo de cámara requirió que muchos elementos del decorado se construyeran de cierta manera. Por ejemplo, el espejo de maquillaje y el escritorio de Riggan se construyeron para que la cámara pudiera ver su reflejo. [32] Thompson también tomó en consideración las necesidades del equipo, por ejemplo, diseñando las escaleras un poco más anchas para el tamaño de los pies del operador de Steadicam Chris Haarhoff. [39] Luego construyó una plantilla del decorado que construirían cuando estuvieran en Nueva York. [34] Los escritores también participaron en los ensayos, afinando el guión para "asegurarse de que la película fuera fluida y nunca se detuviera". [13]
Una vez que se resolvió la logística de las escenas y se estableció el tiempo, el equipo se dirigió a los estudios Kaufman para realizar más ensayos, seguidos de la fotografía principal con base exclusivamente en Nueva York durante la primavera de 2013. [40] Los estudios se utilizaron para filmar las áreas detrás del escenario de la película, incluido el camerino de Riggan y los pasillos del teatro. El Teatro St. James se utilizó durante dos semanas; era el lugar de las escenas escénicas. [41] Los segmentos del bar se rodaron en The Rum House en la calle 47, [42] y la calle 43 se utilizó para la secuencia de acción. [43] La película no se pudo rodar cronológicamente debido a la programación con el teatro. [44] En todas las locaciones, incluido el estudio, las escenas estaban iluminadas con luz natural, [b] ya que Lubezki quería que la película "pareciera lo más naturalista posible". Las escenas nocturnas se pudieron rodar de esta forma gracias a la luminosidad de Nueva York. [29] Lubezki descubrió que iluminar las escenas era la parte más difícil de su trabajo en la película. No sólo era necesario que la iluminación pareciera realista, sino que también debía diseñarse de manera que los movimientos continuos de la cámara no proyectaran las sombras del equipo sobre los actores. [28]
Durante el rodaje, se utilizaron cámaras Arri Alexa ; Se utilizó una Alexa M para las secuencias portátiles y se conectó una Alexa XT a la Steadicam . Sin embargo, ninguno utilizó cajas mate . El operador de Steadicam, Chris Haarhoff, explicó esta decisión: "No queríamos que esta gran cosa negra se deslizara por la línea de sus ojos. De esta manera podíamos acercarnos mucho y hacer que la luz pasara por la lente y llegara a la cara del actor". [39] Lubezki – quien hizo todo el trabajo de cámara portátil [28] – había elegido la Alexa M porque la cámara era muy pequeña y le permitía entrar en espacios pequeños y cerca de los actores, [29] a veces filmando dos pulgadas (5 cm ) lejos de la cara de Keaton. [32] La cámara también permitió grabar durante un período tan largo, necesario para las tomas largas de la película, que Lubezki llegó al extremo de decir que la película habría sido imposible de hacer años antes. [29] Las cámaras fueron fotografiadas con Leica Summilux-C o Zeiss Master Primes. [39] Lubezki afirmó que daban imágenes limpias y dijo: "Puedes tener todas estas luces en el encuadre y en realidad no están causando malos destellos o cosas así". [29] En términos de tamaños, inicialmente probaron un 21 mm, pero esto no le dio a Iñárritu la "intimidad" que quería. En cambio, el equipo utilizó una Leica de 18 mm, que se utilizó durante la mayor parte de la película. Sólo cuando se necesitaba énfasis cambiaban la lente a 14 mm, pero esto era poco común. [39]
A pesar de toda la preparación, un típico día de rodaje comenzaba con ensayos. Éstas solían durar la mayor parte de la mañana, tras lo cual seguía la fotografía. [44] La meticulosa sincronización de las escenas significó que las tomas fueran canceladas debido al más mínimo contratiempo. Emma Stone, en una entrevista con Jimmy Fallon , recordó cómo una toma de seis minutos de la escena en la que Riggan conoce a Mike se arruinó después de que ella doblara una esquina demasiado rápido. [45] Las tomas también se repetían si el ritmo de una escena no le parecía adecuado a Iñárritu, o si él y Lubezki no estaban satisfechos con el encuadre de una toma. [28] A medida que avanzaba el rodaje, las líneas de diálogo también se eliminarían, lo que le daría a Iñárritu más opciones durante la postproducción. [36] Debido a esto, el número de tomas para una escena determinada era alto, generalmente 20 para las escenas más cortas, [28] las tomas transcurrían sin problemas alrededor de la decimoquinta. [39] Chris Haarhoff lo describió como "un tipo de baile en el que, con suerte, todos intentarían alcanzar su punto máximo al mismo tiempo". Las ubicaciones a veces también imponían restricciones a las tomas; La secuencia en vivo de Times Square se rodó sólo dos veces porque no querían atraer la atención de los turistas. [28]
Cada vez que se rodaba había presión sobre todos los involucrados, pero el elenco tuvo una experiencia positiva. Norton dijo que normalmente en la producción cinematográfica la mitad de la gente puede "ver" debido a aspectos repetitivos, pero durante el rodaje de Birdman , "todos están atentos a todo, y todos están con alfileres y agujas porque todos dependen de a otras cuarenta personas para que no dejaran caer la pelota". Debido a esto, Stone dijo que el director pudo sacar lo mejor del elenco, diciendo que el proceso de Iñárritu "crea este tipo de furia en ti, y luego terminas dándote cuenta de que él simplemente sacó tanto de ti que tú no". Ni siquiera sabía que lo habías hecho". [18] Naomi Watts comentó que la atmósfera "se sentía emblemática de cómo se siente en el escenario, al menos mis recuerdos de hace mucho tiempo". [46] Andrea Riseborough, por su parte, calificó el proceso como "maravilloso", mencionando cómo era posible escuchar el rodaje de una secuencia desde muy lejos antes de que llegara la cámara, y luego "la magia sucede contigo, y luego todo te deja". , y todo está en silencio". [35] Sin embargo, una vez que completaron con éxito una toma, fue obvio para todos los involucrados. Norton dijo: "Nunca, nunca he estado en un set donde cada día termina con una enorme y auténtica alegría por haberlo logrado. Estás esperando el grito de [Iñárritu], y todos estaban genuinamente emocionados". [21]
Los segmentos musicales originales de la película son una partitura de batería compuesta íntegramente por interpretaciones de percusión de jazz solista de Antonio Sánchez . La partitura se compensa con una serie de piezas de música clásica conocidas, incluidas Mahler y Tchaikovsky . Iñárritu no consideró importante la elección particular de piezas clásicas. [47] No obstante, la elección de la música clásica estuvo fuertemente orientada hacia partituras altamente melódicas tomadas predominantemente del repertorio clásico del siglo XIX (Mahler, Tchaikovsky, Rachmaninov, Ravel). Iñárritu afirmó que los componentes clásicos provienen del mundo de la obra, citando la radio en la habitación de Riggan y el espectáculo mismo como dos fuentes de la música. [48] Los segmentos de música clásica también incluyeron dos composiciones del compositor estadounidense John Adams . Varias composiciones de jazz de Victor Hernández Stumpfhauser y Joan Valent contrarrestan la composición musical original de Sánchez. Sin embargo, las secciones de batería comprenden la mayor parte de la partitura y fueron compuestas por Sánchez. Iñárritu explicó la elección diciendo que ayudaron a estructurar las escenas y que "La batería, para mí, fue una excelente manera de encontrar el ritmo de la película... En la comedia, el ritmo es el rey, y no tener las herramientas de edición para Para determinar el tiempo y el espacio, sabía que necesitaba algo que me ayudara a encontrar el ritmo interno de la película". [49] [50]
Iñárritu contactó a su amigo y baterista de jazz Antonio Sánchez en enero de 2013, invitándolo a componer la banda sonora de la película. [51] Su reacción al escribir una banda sonora usando solo batería fue similar a los pensamientos de Lubezki de filmar la película como una sola toma: "Era una propuesta aterradora porque no tenía un punto de referencia sobre cómo lograr esto. No hay otra película que Sé que tiene una puntuación como esta". [52] Sánchez tampoco había trabajado antes en una película, [51] sin embargo, tras recibir el guión, compuso "temas rítmicos" para cada uno de los personajes. [53] Sin embargo, Iñárritu buscaba el enfoque opuesto, prefiriendo la espontaneidad y la improvisación. [54] Sánchez luego esperó hasta que la producción se trasladó a Nueva York antes de componer más, [53] donde visitó el set durante un par de días para tener una mejor idea de la película. [54] Después de esto, una semana antes de la fotografía principal, él e Iñárritu fueron a un estudio para grabar algunas demostraciones. [48] [55] Durante estas sesiones, el director primero le explicaba la escena y luego, mientras Sánchez improvisaba, lo guiaba levantando la mano para indicar un evento, como un personaje abriendo una puerta, o describiendo el ritmo con palabras. sonidos. [55] [56] Grabaron alrededor de setenta demos, [53] que Iñárritu usó para informar el ritmo de las escenas en el set, [28] y una vez que se completó la filmación, los unieron en el montaje preliminar. [55] Sánchez resumió el proceso diciendo: "La película se alimentó de los tambores, y los tambores se alimentaron de las imágenes". [54] La banda sonora oficial se lanzó como CD (77 min) en octubre de 2014 y como LP (69 min) en abril de 2015. [57] Cuando la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas publicó su lista larga para el Premio de la Academia a la Mejor Música Original en diciembre de 2014, Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia) estuvo ausente de la lista. El día anterior, Sánchez recibió una nota del comité del premio explicando la decisión, citando la regla quince de las 87 Reglas del Premio de la Academia, señalando "el hecho de que la película también contiene más de media hora de pistas musicales no originales (en su mayoría clásicas). que aparecen de manera muy destacada en numerosos momentos cruciales de la película hicieron difícil que el comité aceptara su propuesta". Sánchez lanzó una apelación y, junto con Iñárritu y el vicepresidente ejecutivo de Fox Music , enviaron cartas a Charles Fox, presidente del comité ejecutivo de la rama musical de la Academia, pidiéndole que el comité reconsiderara su decisión. [58]Uno de los puntos que plantearon fue que la comisión calculó incorrectamente el ratio entre música clásica y original, lo que tras ser aclarado Sánchez pensó que estaba "en terreno realmente sólido". [59] Sin embargo, una respuesta de Fox del 19 de diciembre explicaba que se celebró una reunión especial del comité de música, y aunque sus miembros tenían "gran respeto" por la partitura y la consideraban "soberbia", pensaban que la música clásica "también se utilizó como música", "contribuye igualmente a la eficacia de la película" y que la identidad musical de la película fue creada tanto por la batería como por la música clásica. Al final, no revocaron su decisión. [58] Sánchez dijo que él e Iñárritu no estaban satisfechos con la explicación. [59]
Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia) fue editada por Douglas Crise y Stephen Mirrione , quienes habían trabajado anteriormente con el director en 21 gramos y Babel . Unir tomas fue un componente crucial de la edición, pero Crise y Mirrione ya tenían experiencia en hacerlo. El director había incluido tomas que estaban unidas en películas anteriores, pero en éstas, si a los editores no les parecía que la unión funcionaba, tenían la posibilidad de introducir cortes. Mirrione dijo que en Birdman Iñárritu había "soltado esa red de seguridad". [38] Debido a esto, los editores necesitaban involucrarse en el proyecto desde el principio, [37] y durante la fotografía principal, Crise estaba en el set todos los días. (Mirrione estaba ocupada y no podía estar en Nueva York.) [36] Crise no estaba acostumbrado a estar en el set y brindar retroalimentación, pero dijo que estaba feliz de que Iñárritu "se lo sacara a duras penas", sabiendo que no tendrían mucho espacio. arreglar escenas más tarde, por lo que necesitaban hacerlo bien. [36] Para coser, además del director, Crise también discutió estrategias con Lubezki y Thompson, y las técnicas para pegar tomas incluían tomas panorámicas de las paredes y los cuerpos de los actores. [60] Los editores estaban acostumbrados a poder ajustar el ritmo de una escena mediante el posicionamiento de los cortes, por lo que sin esta herramienta utilizaron la música de Sánchez. El director le dio las grabaciones de Nueva York a Crise desde el principio para ayudar con el ritmo, pidiéndole que cortara la música de la película. Aún así, en términos del flujo de trabajo de edición, Crise lo describió como "bastante tradicional". Los editores montaron la película juntos en Los Ángeles. [36] Unas semanas después del rodaje, estaban bastante avanzados en el corte y pasaron al modo de efectos visuales, donde afinaron las tomas. [44]
Siempre hablan de que cuando estás cortando una escena de baile, una coreógrafa no querría ningún corte porque está diseñando algo para ver el movimiento completo, y eso es lo que estaba haciendo Alejandro aquí.
— Stephen Mirrione [37]
Los efectos visuales de la película fueron creados por el estudio Rodeo FX, con sede en Montreal . Pasaron cuatro meses trabajando en la película, [61] y según el supervisor de efectos visuales Ara Khanikian "los efectos visuales tocaron el 90% de los fotogramas de la película". [62] Gran parte del trabajo fue sutil, como unir tomas o crear el fondo para las ventanas en la escena del hospital. [62] Muchas tomas de la película presentan espejos, y se dedicó mucho trabajo a eliminar los reflejos del equipo en estos. Para lograr esto, el estudio creó una pintura mate digital 2.5D del entorno reflejado. Luego, rotoscopiaron las partes del espejo que no contenían a los actores de primer plano y sus reflejos, y las reemplazaron con el entorno digital. [62] [63] Algunas de las tomas originales capturaron manchas y suciedad en los espejos, por lo que el estudio desarrolló una forma de extraerlas para poder volver a pegarlas en la película. También se construyó una pintura mate para los lapsos de tiempo entre la noche y el día en la película, creada moviendo y reproyectando tomas de los edificios que presenta, capturadas juntas en diferentes momentos del día. [62] Rodeo FX también ajustó el ritmo de las escenas. Iñárritu exigió un "ritmo y flujo muy precisos" para la película, por lo que el estudio tuvo que volver a acelerar gran parte de ella con curvas de distorsión temporal para adaptarse al ritmo que deseaba el director. [62]
Sin embargo, a diferencia de algunos de los ajustes más pequeños, la secuencia de vuelo requirió una preparación exhaustiva. Iñárritu pasó tres semanas con Halon Entertainment para previsualizar la secuencia. [64] En Nueva York, Lubezki luego utilizó la coreografía de la previsualización para filmar placas de fondo para la secuencia, [62] usando una grúa para cámara en un camión. [61] Cuando se filmaron, Lubezki había montado cuatro cámaras GoPro en la lente de la cámara de película para capturar el entorno luminoso a su alrededor. Más tarde, en un escenario verde en Montreal, utilizando una técnica que había desarrollado en Gravity , Lubezki iluminó a Keaton con paneles LED que presentaban imágenes de alto rango dinámico de las imágenes circundantes de Nueva York. Luego, los paneles iluminaron de manera realista a Keaton. Khanikian describió el efecto del proceso diciendo: "En lugar de usar iluminación estándar en la pantalla verde, [obtuvimos] el rebote rojo adecuado de los ladrillos rojos y el mismo color del cielo reflejado en la cabeza de Michael. Funcionó muy bien. " Rodeo FX luego completó las tomas finales. [62] La secuencia fue la última pieza que los editores insertaron en la película. Mirrione comentó que antes de terminar la secuencia, "sólo se habían imaginado cómo se sentiría", pero una vez completada, "llevó la película a este nivel de éxtasis que me dejó absolutamente atónito". [36]
El diseño de sonido de la película estuvo a cargo de Martín Hernández, quien ha trabajado en todos los largometrajes del director. El sonido de producción que recibió su equipo fue "sorprendentemente perfecto y limpio", por lo que no necesitaron dedicar mucho tiempo a ordenarlo. [65] Sin embargo, la falta de cortes visuales en la película significó una desviación de la forma habitual en que Hernández editaba el sonido. "Normalmente a Alejandro le gusta, como él lo llama, 'el choque de los sonidos'. La cámara cambia de ángulo dentro de la escena y hay un cambio de todo: fondos, textura, diálogo. Obviamente, eso no funcionaría en Birdman porque aquí , todo fluye." [65] Además, el sonido de los objetos en la película necesitaba coordinarse con su posición en la pantalla, una tarea no trivial, ya que la cámara casi siempre estaba en movimiento. [65] Hernández también ayudó a cortar las pistas de Sánchez, seleccionando y editando momentos de las grabaciones de Nueva York para la película. [66] Cuando las pistas se volvieron a grabar en Los Ángeles, para "tener distancia, cercanía y resonancia", el equipo utilizó treinta y dos micrófonos para cada toma. Hernández calificó el trabajo de "una locura". [65] Un gran desafío del trabajo sonoro de posproducción fue diseñar el sonido de la audiencia del teatro, particularmente en la escena en la que Mike está borracho y se sale del personaje. Iñárritu sabía cómo quería que respondiera el público, pero descubrir el sonido de su reacción requirió cuatro meses de trabajo de cinco diseñadores de sonido. [66] Hernández dijo que pensaba, para una película en general, que la narrativa creada por el sonido "provoca más 'explosiones'" que la creada por las imágenes, y que en Birdman , "Alejandro tiene el sonido explotando a lo largo de toda la película". [66]
El intermedio digital fue completado por un equipo de Technicolor dirigido por Steven Scott. Anteriormente habían colaborado con Lubezki en Gravity , [67] pero necesitaban abordar Birdman de manera diferente debido al enfoque de toma continua. Según Scott, "nunca antes habíamos hecho algo así". [68] La sincronización del color tenía que realizarse de tal manera que las transiciones entre entornos con color corregido fueran invisibles, en contraste con una película habitual donde las transiciones coinciden con cortes visibles. Para hacer esto, el equipo insertó sus propios cortes cada vez que la cámara estaba parada y en medio de panorámicas y otros movimientos de la cámara. Luego idearon una manera de corregir el color de los cortes estacionarios y convertir los cortes en movimiento en una forma de fusión, permitiéndoles "hacer todas estas correcciones de color independientes, locas y complicadas que fluirían orgánicamente de uno a otro". Insertar los fundidos requirió métodos de rotoscopia que el software que Scott y su equipo estaban usando no tenía, pero un acuerdo empresarial entre Technicolor y el desarrollador del software condujo a la creación de una herramienta que Scott necesitaba. Para la sincronización del color en sí, una de las prioridades del equipo fue hacer que las caras fueran lo más dimensionales y legibles posible. Esto requirió, entre otras cosas, resaltar los rostros, pero el trabajo de cámara en movimiento significó que los mattes utilizados en este proceso tuvieron que ser animados a mano. Lubezki proporcionaría notas sobre las áreas que quería rastrear y luego el equipo llevaría a cabo las animaciones. De todo el proceso, Iñárritu remarcó que “todos estaban fuera de su zona de confort”, mientras que Scott dijo que fue el proyecto DI más desafiante de su carrera. [69]
El director ha subrayado y defendido las diversas ambigüedades incluidas intencionadamente en la película: "Al final de la película, se puede interpretar de tantas maneras como asientos hay en la sala". [70] Muchos aspectos de la teoría cinematográfica fueron debatidos en relación con la película en reseñas críticas que incluían, entre otros temas, (a) género cinematográfico ; (b) ambigüedades de la trama previstas y no resueltas ; y (c) la compleja interacción de la vida personal de Riggan con su vida profesional como actor . Una breve lista de las diversas formas de género cinematográfico asociadas con la película incluye que se la denomine alternativamente como una película de humor negro, una película de salud mental, una película de realismo/
Los temas de padre e hija en la película, retratados a través de la relación de Riggan y Samantha, fueron las partes "más difíciles" e importantes de la película de representar para los coguionistas Dinelaris y Giacobone, ya que ambos tuvieron experiencias similares dentro de sus familias que involucraban sus propias relaciones con sus hijas. Cuando se preguntó a los escritores sobre el significado del final ambiguo, sobre el cual el director se negó a comentar, afirmaron que cualquier final cómico estaba completamente descartado. Los escritores también declararon que las reflexiones sobre la conclusión de la película no se concentraron directamente en Riggan o el personaje de Birdman tanto como en las vidas de los personajes supervivientes retratados en la película, en particular la interpretación de Samantha, la hija de Riggan. [73] [74]
Al señalar la atracción temática entre la locura de Riggan y los superpoderes reales, Travis LaCouter de First Things escribe que "la importancia de estos poderes -reales o imaginarios- es evidente: para Riggan son lo que está más allá de las etiquetas, el núcleo de su genio y, debido a que considera que recurrir a ellos es venderse, la fuente de su gran angustia". LaCouter concluye que "la peculiar profundidad de esta película está en cómo desafía al espectador a considerar la magia cotidiana que tendemos a ignorar, reprimir o resentir". [75]
Los críticos Barbara Schweizerhof y Matthew Pejkovici ven el tema central de la película como una crítica satírica del realismo teatral contemporáneo, y Pejkovici la compara favorablemente con la película 8½ (1963) de Fellini . Como afirma Pejkovici: "Al igual que el clásico 8½ de Fellini de 1960, Birdman de Iñárritu es una película muy íntima sobre el malestar de un artista, pero tiene un enfoque épico, innovador y ambicioso. Iñárritu captura la batalla del artista entre la ambición, la admiración y la celebridad. con un alcance y una habilidad sorprendentes en formato de una sola toma, mientras su cámara recorre los pasillos detrás del escenario, cruza el escenario, sale a las concurridas calles de Nueva York y regresa de una manera impresionante". [76]
Temáticamente, Richard Brody también lo comparó con Opening Night (1977) de John Cassavetes . [77] Brody dijo que los actores actuaron en "el tipo de naturalismo moderno, sin excentricidad de gestos, exceso de expresión o precisión elevada y formalista, que es el estilo informal del cine contemporáneo". [77] Caryn James del Wall Street Journal comparó la historia con la de Don Quijote (que se cree un caballero), ya que el personaje principal cree que es un superhéroe (el equivalente a un caballero en el siglo XXI). [78] Esta relación también fue destacada por la literatura académica. [79]
Birdman fue seleccionada como película de apertura del 71º Festival Internacional de Cine de Venecia junto con la nueva película de Mohsen Makhmalbaf . [80] Un estreno limitado comenzó en cuatro cines de América del Norte el 17 de octubre de 2014, [81] [82] seguido de un estreno a nivel nacional en 857 cines el 14 de noviembre de 2014. [83]
Birdman recaudó 42,3 millones de dólares en Norteamérica y 60,9 millones de dólares en otros territorios, para un total mundial de 103,2 millones de dólares, frente a un presupuesto de unos 17 millones de dólares. [3]
La película ganó 424.397 dólares durante su estreno limitado en Norteamérica en cuatro salas de Nueva York y Los Ángeles el fin de semana del 17 de octubre de 2014, un promedio por sala de 106.099 dólares, lo que la convierte en la 18.ª película con ingresos de todos los tiempos (octava entre las películas de acción en vivo). películas) y ocupando el puesto 20. [84] En el segundo fin de semana del 24 de octubre de 2014, Birdman se expandió a 50 salas y ganó 1,38 millones de dólares, lo que se traduce en un promedio de 27.593 dólares por sala. [85] La película se expandió a nivel nacional a 857 salas en el fin de semana del 14 de noviembre de 2014, recaudando $ 2,471,471, con un promedio por sala de $ 2,884 y ocupando el puesto número 10. En el mismo fin de semana, Birdman recaudó $ 11,6 millones. [86]
La película se estrenó en México el 13 de noviembre de 2014, recaudando $628,915 en su primer fin de semana, y se estrenó en el Reino Unido el 2 de enero de 2015, recaudando $2,337,407 durante el fin de semana. [87] En el Reino Unido, Australia e Italia, la película recaudó 7,6 millones de dólares, 3,97 millones de dólares y 1,97 millones de dólares, respectivamente. [88]
En el sitio web de agregación de reseñas Rotten Tomatoes , la película tiene un índice de aprobación del 91%, basado en 351 reseñas, y una calificación promedio de 8,50/10. El consenso crítico del sitio web dice: "Un emocionante salto adelante para el director Alejandro González Iñárritu, Birdman es una exhibición técnica ambiciosa impulsada por una historia en capas y actuaciones sobresalientes de Michael Keaton y Edward Norton". [89] En Metacritic , la película recibió una puntuación promedio ponderada de 87 sobre 100, basada en 58 críticas, lo que indica "aclamación universal". [90] El público encuestado por CinemaScore le dio a la película una calificación promedio de "A-" en una escala de A+ a F. [91] En 2015, la película fue nombrada como una de las 50 mejores películas de la década hasta el momento por The Guardian . [92]
Margaret Pomeranz y David Stratton de At the Movies elogiaron la escritura, la dirección, las actuaciones y la cinematografía de la película. Stratton también describió la implementación de la partitura de percusión como "realmente emocionante", mientras que Pomeranz resumió: "Está realmente bellamente escrita, increíblemente interpretada y bellamente hecha". Ambos le dieron a la película cinco estrellas, lo que convirtió a Birdman en la única película que recibió tal calificación por parte de los presentadores en 2014. [93] [94] En The New York Times , Manohla Dargis comparó al personaje principal con Ícaro , [95] el Figura mitológica griega que se estrelló y murió después de volar demasiado cerca del sol. También notó una referencia a Contra la interpretación , de Susan Sontag, en el espejo del camerino. [95]
Richard Kolker comparó la película con Rope (1948) de Alfred Hitchcock y con Russian Ark (2002) de Alexander Sokurov . Kolker concluye que Birdman es "una película sobre actuación, identidad, transformación y los misteriosos efectos de los superhéroes, (y) está filmada para crear la ilusión de haber sido realizada en una toma continua. Al igual que con Rope , las ediciones están ocultas y el El resultado es un deslizamiento rítmico a través de la vida de un actor en busca de sí mismo, una búsqueda condenada al fracaso desde el principio." [96] Ollie Cochran calificó la película como "una amalgama de destreza técnica, imágenes hipnotizantes y diálogo pragmáticamente perceptivo", creyendo que es "una perspectiva enérgica y estimulante de un actor en decadencia que busca revitalizar su carrera". [97]
La recepción internacional de la película también fue muy elogiada. En Alemania, una calificación total de la película en EPD Film le dio a la película una calificación de 3,4 sobre 5, basada en siete críticas. La crítica alemana Barbara Schweizerhof le dio a la película 4 estrellas sobre 5 posibles, elogiando el virtuosismo satírico del director al realizar la película. En su reseña, Schweizerhof habló de la película como una invitación al espectador a volver a verla "una segunda y tercera vez", y elogió el logro técnico de representar una trama que representa "el febril flujo de conciencia" de su personaje principal a lo largo de la película. . [98]
El trabajo de cámara, que representa la mayor parte de la película como una toma continua, recibió grandes elogios por su ejecución y uso. La actuación fue ampliamente elogiada, particularmente la de Keaton, [99] [100] y Peter Debruge de Variety calificó la actuación como el "regreso del siglo". [101] Debruge describió la película como "una sátira consciente del mundo del espectáculo" y la llamó "un triunfo en todos los niveles creativos". [102] Robbie Collin de The Daily Telegraph calificó la película con un 5/5 y elogió especialmente el uso de tomas largas por parte de Emmanuel Lubezki , director de fotografía. [103] Richard Roeper le dio a la película una "A" y escribió que Keaton presentó un caso serio para una nominación al Premio de la Academia al Mejor Actor (que Keaton logró más tarde). [99]
Escribiendo para The New Yorker , Richard Brody llamó a la película "Godardian", comparándola con Pierrot le Fou (1965), Sálvese quien pueda (1980), Alphaville (1965) y Alemania Año 90 Nueve Cero (1991), cuatro clásicos. Películas del director francés Jean-Luc Godard . [77] Sin embargo, sugirió que la película no alcanzó el mismo dominio cinematográfico, y agregó que "no es una buena idea para un cineasta subirse al ring con el Sr. Godard". [77] En sus comentarios críticos sobre la película, concluyó que la película "comerciaba con dicotomías fáciles y casuales de teatro versus cine y arte versus comercio" y "entregaba una obra de drama completamente familiar y poco original". . [77] En otra reseña en The New Yorker que complementa por separado la reseña de Brody, Anthony Lane rechazó la sugerencia de la película de que los críticos de cine quieren destruir películas, explicando: "Alguien podría haberle dicho a Iñárritu que los críticos, aunque a menudo malos, no son preventivos". así, y que cualquiera que dijera, como lo hace Tabitha, 'voy a destruir tu obra', antes de verla, no permanecería mucho tiempo en el trabajo". [104]
En la 87ª edición de los Premios de la Academia , Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia) ganó cuatro premios de la Academia: Mejor Película , Mejor Director , Mejor Guión Original y Mejor Fotografía . Michael Keaton fue nominado a Mejor Actor , Edward Norton y Emma Stone fueron nominados en las categorías de Mejor Actuación de Reparto, y también recibió nominaciones por Edición de Sonido y Mezcla de Sonido. [105]
Keaton recibió su primer Globo de Oro , ganando como Mejor Actor en una Película - Musical o Comedia en la 72ª edición de los Globos de Oro . La película también ganó el Premio Globo de Oro al Mejor Guión .
Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia) figuraba en las listas de los diez mejores de muchos críticos. [106]
Zach Galifianakis juega fuertemente contra el tipo
Michael Keaton regresa con el regreso del siglo
