Let's Dance es el decimoquinto álbum de estudio del cantautor inglés David Bowie , lanzado el 14 de abril de 1983 a través de EMI America Records . Coproducido por Bowie y Nile Rodgers , el álbum fue grabado en diciembre de 1982 en la Power Station de la ciudad de Nueva York. Las sesiones contaron con músicos de la banda de Rodgers, Chic, y el entonces desconocidoguitarrista de blues de Texas Stevie Ray Vaughan en la guitarra principal. Por primera vez, Bowie solo cantó y no tocó ningún instrumento.
Musicalmente, Let's Dance ha sido descrito como un disco post-disco , con elementos de dance-rock , dance-pop y new wave . El álbum contiene dos versiones: « China Girl » de Iggy Pop , que Bowie y Pop habían grabado juntos para The Idiot (1977) de este último ; «Criminal World» de Metro ; y una reelaboración de « Cat People (Putting Out Fire) », grabada originalmente por Bowie y Giorgio Moroder en 1982 para la película del mismo nombre .
Let's Dance fue lanzado con un éxito comercial masivo, alcanzando el número uno en numerosos países, y convirtió a Bowie en una gran superestrella; sigue siendo el álbum más vendido de Bowie. Los cuatro sencillos del disco , incluida la canción principal , fueron un éxito comercial. El álbum recibió críticas mixtas de los críticos cuyas opiniones sobre el contenido artístico variaron. "Let's Dance" y "China Girl" fueron respaldadas por videos musicales que recibieron una gran difusión en MTV . Fue respaldado por el exitoso Serious Moonlight Tour a lo largo de 1983.
A pesar del éxito del álbum, Let's Dance inició un período de baja creatividad para Bowie. Sintió que tenía que complacer con su música a su público recién adquirido, lo que llevó a que sus álbumes posteriores, Tonight (1984) y Never Let Me Down (1987), fueran rechazados por la crítica. Más tarde reflexionó mal sobre el período, refiriéndose a él como sus " años de Phil Collins ". El álbum fue remasterizado en 2018 e incluido en el box set Loving the Alien (1983-1988) .
David Bowie lanzó su decimocuarto álbum de estudio Scary Monsters (and Super Creeps) en 1980. Con el disco, Bowie logró lo que el biógrafo David Buckley llama "el equilibrio perfecto" entre creatividad y éxito comercial. [1] Después de las sesiones, Bowie interpretó el papel principal de Joseph "John" Merrick en la obra de Broadway The Elephant Man entre fines de julio de 1980 y principios de enero de 1981. [2] [3] Durante este tiempo, también filmó una aparición en la película de Uli Edel Christiane F. (1981). [4]
El asesinato de John Lennon en diciembre de 1980 afectó profundamente a Bowie; [a] canceló una próxima gira de Scary Monsters y se retiró a su casa en Suiza, convirtiéndose en un recluso pero continuando trabajando. [2] [7] En julio de 1981, colaboró con Giorgio Moroder para " Cat People (Putting Out Fire) ", la canción principal de la película Cat People (1982) de Paul Schrader , y en la misma sesión, grabó " Under Pressure " con la banda de rock Queen . [8] [9] Poco después, interpretó el papel principal en una adaptación de la BBC de la obra de Bertolt Brecht Baal , dirigida por Alan Clarke . Grabado en agosto de 1981 y transmitido en marzo de 1982, Bowie también grabó un EP de banda sonora de acompañamiento , lanzado a través de RCA en febrero para coincidir con la transmisión. [10] Durante el año, Bowie filmó apariciones en The Hunger y Merry Christmas, Mr. Lawrence , ambas estrenadas en 1983. [11] [12] Durante el rodaje de esta última, se encariñó con artistas de los años 1950 y 1960, incluidos James Brown , Buddy Guy , Elmore James y Albert King . Los ideales musicales de estos artistas influirían en gran medida en el nuevo álbum. [13]
Scary Monsters fue el último álbum de estudio de Bowie para RCA Records , su sello desde Hunky Dory (1971). [14] Cada vez estaba más insatisfecho con el sello, que sentía que estaba "explotando" su catálogo anterior, [13] también estaba ansioso por la expiración en septiembre de 1982 de su acuerdo de despido de 1975 con su antiguo manager Tony Defries . [15] Aunque RCA estaba dispuesta a volver a firmar, junto con Columbia y Geffen Records , Bowie firmó un nuevo contrato con EMI America Records por un estimado de $ 17 millones. [16]
Con un nuevo sello y una idea para un sonido comercial, Bowie quería empezar de cero con un nuevo productor. Eligió a Nile Rodgers de la banda de R&B Chic , una de las bandas de mayor éxito comercial de finales de los años 1970, con éxitos como " Le Freak " (1978) y " Good Times " (1979). [16] Según el biógrafo Nicholas Pegg , los oyentes contemporáneos consideraban que el trabajo de composición y producción de Rodgers, incluyendo " We Are Family " (1979) de Sister Sledge y " Upside Down " (1980) de Diana Ross , [17] eran "clásicos del baile". [13] Bowie y Rodgers se conocieron en el Continental de la ciudad de Nueva York en otoño de 1982, donde descubrieron que tenían influencias similares en el blues antiguo y la música R&B. [16] [13] En una entrevista con Musician en 1983, Rodgers dijo: "David podría haber tenido cualquier productor, blanco o negro, que quisiera. Podría haber elegido a Quincy Jones y tener una posibilidad más segura de tener un éxito. Pero me llamó y por eso me siento honrado". [13]
Tony Visconti , el productor de los últimos cuatro álbumes de estudio de Bowie, originalmente estaba programado para producir el nuevo álbum y reservar tiempo para grabar. Sin embargo, Bowie no le informó a Visconti que eligió a Rodgers para el proyecto, y el productor finalmente se enteró a través de la asistente de Bowie, Coco Schwab, más cerca de diciembre de 1982. Profundamente herido, [16] [13] la decisión dañó la relación de los dos hombres y Visconti no volvió a trabajar con Bowie en un álbum de estudio hasta Heathen de 2002 , casi 20 años después. [18] En una entrevista de 2023 con SuperDeluxeEdition , Visconti declaró que, en retrospectiva, creía que Bowie tenía razón al buscar un nuevo productor dado su deseo de éxito comercial, y estableció comparaciones con su propio trabajo con otros artistas entre los proyectos de Bowie. [19]
Bowie y Rodgers se reagruparon en la casa de este último en Montreux , Suiza, para comenzar a trabajar en la maqueta . [16] El productor, que esperaba hacer Scary Monsters 2 , se sorprendió al saber que Bowie tenía una idea diferente, [17] diciendo "'Nile, realmente quiero que hagas éxitos'. Y me quedé un poco desconcertado, porque siempre había asumido que David Bowie hacía arte primero, y luego, si se convertía en un éxito, ¡que así fuera!". [13] Al principio, el productor estaba decepcionado de no poder usar el disco como una forma de ganarse el respeto del público blanco, pero sabía que haría lo que mejor sabía hacer para garantizar un éxito. Bowie tocó sus nuevas canciones con una guitarra acústica de doce cuerdas , [16] comenzando con " Let's Dance " en un arreglo vocal suave. Rodgers sabía que no era una canción de baile , pero tomó viejos discos de los años 50 y 60 para arreglar la pista en el producto final. [20] Durante tres días, los dos hicieron una demostración de las nuevas pistas, con la ayuda del multiinstrumentista turco Erdal Kızılçay , quien más tarde se convertiría en un colaborador frecuente de Bowie. [13]
Esta es la vez que más rápido he trabajado en mi vida. Bowie dijo que le gusta trabajar [rápido] y yo pienso hacer lo mismo durante el resto de mi carrera. Es la forma más enérgica de hacer discos. Los músicos estaban muy entusiasmados por el ritmo rápido y, como resultado, obtuvimos algunas actuaciones geniales. [13]
—Nile Rodgers, 1983
Let's Dance se grabó en la Power Station de la ciudad de Nueva York (donde Bowie también había grabado Scary Monsters [13] ) durante las primeras tres semanas de diciembre de 1982, [b] [16] y se completó en 17 días. [20] [22] [23] El ingeniero de las sesiones fue Bob Clearmountain . [24] Rodgers sintió que el sonido del disco fue ayudado por el ambiente del estudio: "La Power Station es famosa por su gran sonido de batería. Y también teníamos grandes músicos". [25] Junto con un nuevo productor, se contrató a un conjunto completamente nuevo de músicos para el disco, y Bowie declaró: "Quería tener un poco de alivio de los chicos con los que suelo trabajar. Quería probar gente con la que nunca había trabajado antes, para no poder predecir cómo iban a tocar". [c] [22] Su colaborador de mucho tiempo Carlos Alomar , que había trabajado con Bowie desde mediados de la década de 1970 y continuaría trabajando con Bowie hasta mediados de la década de 1990, originalmente tenía previsto colaborar, pero afirmó que le ofrecieron una tarifa "vergonzosa" y la rechazó. [25] [26] En 1984, Alomar aclaró que no tocó en Let's Dance porque solo le avisaron con dos semanas de anticipación y ya estaba reservado con otro trabajo. [27]
Con Alomar fuera, Rodgers tomó su lugar en la guitarra rítmica . El productor también reclutó a sus colaboradores habituales de Chic: el tecladista Robert Sabino , el percusionista Sammy Figueroa y los coristas Frank y George Simms. Los músicos restantes incluyeron al baterista Omar Hakim (a quien Bowie llamó "un baterista fascinante con un ritmo impecable"); el bajista Carmine Rojas ; el trompetista Mac Gollehon ; y los saxofonistas Stan Harrison , Robert Aaron y Steve Elson. [13] Cerca del final de las sesiones, Rodgers contrató al baterista de Chic Tony Thompson y al bajista Bernard Edwards para trabajo adicional; se mostró reacio a contratarlos antes debido a su consumo de drogas en el pasado. Debido a su hora de llegada, las contribuciones de Thompson y Edwards fueron limitadas, apareciendo solo en tres pistas y una pista, respectivamente. Edwards grabó su parte para " Without You " en 13 minutos, y Rodgers escribió más tarde en sus memorias: "Nunca estuve más orgulloso de él en mi vida y sucedió el último día de grabación básica". [13] Por primera vez, Bowie no tocó ningún instrumento en el álbum, y en ese momento declaró: "No toco absolutamente nada. Este era un álbum de cantantes". [22] Grabó todas sus voces en dos días. [13]
En el Festival de Jazz de Montreux de 1982 en Suiza, Bowie vio a Stevie Ray Vaughan tocar la guitarra. En ese momento, Vaughan era un desconocido guitarrista de blues de 28 años de Texas; su álbum debut con su banda Double Trouble aún no se había publicado. [13] [25] Después de la actuación de Vaughan, Bowie quedó tan impresionado que lo localizó meses después para que tocara la guitarra principal en el álbum. [22] Rodgers inicialmente no estaba impresionado con Vaughan, creyendo que sonaba como el guitarrista de blues estadounidense Albert King . Sin embargo, Bowie sintió que Vaughan era diferente, diciendo que "tiene algo completamente diferente en juego". [20] Vaughan grabó sus sobregrabaciones de guitarra hacia el final de las sesiones. [13] Según el autor Paul Trynka , utilizó una vieja Fender Stratocaster enchufada a un viejo amplificador Fender, "todo el tono venía del músico". [20] En una entrevista contemporánea, Vaughan describió las sesiones de grabación: "Es muy fácil trabajar con Bowie. Sabe lo que hace en el estudio y no pierde el tiempo ... Daba su opinión sobre lo que le gustaba y lo que necesitaba trabajo. Casi todo se grabó en una o dos tomas. Creo que solo hubo una cosa que necesitó tres tomas". [28] Según los biógrafos de Vaughan, Joe Patoski y Bill Crawford, Vaughan tocó en seis de las ocho canciones del álbum. [29] En la biografía Strange Fascination , Buckley encontró que Vaughan era una elección "extraña" para guitarrista principal, ya que en ese momento, estaba "tan lejos de Robert Fripp y Adrian Belew como se podía estar". [30] Bowie y Rodgers elogiaron el trabajo de Vaughan en el álbum, y este último se convirtió en uno de los amigos más cercanos de Vaughan después de las sesiones. [13] [25]
Una vez concluidas las sesiones, Bowie se fue de vacaciones a México, [d] antes de regresar a Nueva York para terminar el trabajo de posproducción y cerrar su trato con EMI America a fines de enero de 1983. Al cerrarlo, Bowie entregó Let's Dance al sello y partió hacia Australia para filmar videos musicales para los dos primeros sencillos. [13]
Los comentaristas caracterizan las canciones de Let's Dance como post-disco , [32] dance, [33] [34] dance-rock , [34] [35] new wave y dance-pop . [36] [37] Consequence of Sound llama al disco "el sonido a favor del disco puro, el dance y el funk con Bowie bajando a la tierra" y que Bowie construyó sobre el sonido post-punk y new wave de su predecesor. [38] [39] El autor James E. Perone nota el toque de blues infligido por Vaughan, elogiando sus contribuciones en " Modern Love ", " China Girl " y "Without You". [33] En una entrevista con la revista Details en 1991, Bowie describió el álbum como "un redescubrimiento del funk blanco-inglés-ex-estudiante-de-escuela-de-arte-conoce-a-negro-estadounidense, un reenfoque de Young Americans (1975)". [40] La artista Tanja Stark ve el ritmo comercial del álbum enmascarando la continuidad lírica de las narrativas constantes de Bowie sobre la lucha espiritual y las ansiedades ante la muerte. [41]
La canción de apertura, "Modern Love", es una canción pop de ritmo rápido que presenta una estructura de llamada y respuesta [42] inspirada en Little Richard . [21] Dave Thompson de AllMusic la llama "[un] rockero efervescente y de alta energía" que "personifica todo lo bueno de la reinvención de Bowie en 1983 como una superestrella dispuesta". [43] Pegg elogia la música, pero llama a las letras "superficiales" en comparación con el trabajo anterior de Bowie, [44] al igual que Perone, quien comenta que "algunas de las letras son más claras que otras". [33] O'Leary compara las letras con un diagrama de flujo, pasando del "amor moderno" a la "iglesia a tiempo" a "Dios y el hombre". [21]
«China Girl» fue escrita por Bowie e Iggy Pop en 1976, apareciendo por primera vez en el álbum debut en solitario de Pop de 1977, The Idiot , que el propio Bowie coescribió y produjo. [45] Buckley llama a la versión de Bowie una «lectura ultra cool» del original de Pop. [42] Para su versión, Bowie agregó coros mientras Rodgers componía el riff de guitarra. [45] O'Leary escribe que la voz de Bowie es más «juguetona» que la de Pop, y que la música en sí exhibe cualidades «asiáticas». [46] El crítico de BBC Online David Quantick reconoció el efecto de la producción de Rodgers en la canción, argumentando que «nadie más que Rodgers podría haber tomado una canción como 'China Girl', con sus referencias paranoicas a 'visiones de esvásticas ', y convertirla en un sencillo de éxito dulce y romántico». [47] Pegg llama a la interpretación de Bowie "una porción tremendamente efectiva de pop hardcore", comentando que las letras reflejan los temas generales del álbum de "identidad cultural" y "amor desesperado". [45]
Pegg considera que la canción principal es una de las mejores grabaciones de Bowie de los años 80 y una de las "grandes canciones pop de todos los tiempos". [48] Ed Power la describió en el Irish Examiner como "un buen trozo de funk-rock "; [49] Perone considera que representa la locura de la danza contemporánea de los años 80. [33] Comienza con un grupo de cantantes que se vuelven cada vez más fuertes antes de explotar en un clímax masivo. O'Leary y Pegg comparan la introducción con la versión de los Beatles de " Twist and Shout " (1963). [21] [48] La versión del álbum de siete minutos presenta solos instrumentales diferentes a la versión más corta del sencillo. [21] La letra instruye al oyente a "ponerse los zapatos rojos" y bailar bajo la "seria luz de la luna". [48]
"Without You" evoca las grabaciones de Bowie de los años 60, reflejando el pop de esa época. [33] Pegg la considera una "canción de amor descartable" y el punto más bajo del álbum, sin tener en cuenta ni la música ni la letra. [50] O'Leary critica de manera similar la interpretación vocal de Bowie, realizada en un "falsete frágil". [21] Por otro lado, Ken Tucker de Rolling Stone escribió que "Without You" presentaba algunas de las composiciones más atrevidas de la carrera de Bowie y elogió su interpretación vocal. [51]
Los biógrafos encontraron que "Ricochet" era la única canción que recordaba la naturaleza experimental de las grabaciones de Bowie de finales de los años 70. [21] [42] [52] Perone la encuentra fuera de lugar con el resto del álbum y sugiere que el artista estaba entrando en un punto bajo artístico. [33] Pegg escribe que tiene un coro repetitivo de estilo R&B y swing. [52] Al describir la canción en 1987, Bowie afirmó: "Pensé que era una gran canción, y el ritmo no estaba del todo bien. No rodaba como debía, la síncopa estaba mal. Tenía un paso desgarbado; debería haber fluido. ... Nile hizo lo suyo, pero no era exactamente lo que tenía en mente cuando escribí la cosa". [53] "Criminal World" fue escrita y grabada originalmente por Metro en 1977, pero su versión fue prohibida por la BBC por sus matices bisexuales . [54] O'Leary afirma que Bowie lo incluyó en Let's Dance como una forma de "meter una canción transgresora en un disco de platino". [21] Pegg escribe que Bowie actualizó su sonido para que coincidiera con Let's Dance , presentando un ritmo de new wave y pop reggae , [33] [17] y llama al solo de guitarra de Vaughan su mejor en el disco. [54] Tanto Buckley como O'Leary elogian la interpretación de Bowie como una versión fuerte. [21] [42]
«Cat People (Putting Out Fire)» fue grabada en 1981 por Bowie y Giorgio Moroder como tema principal de la película Cat People de 1982. [15] [17] [55] Bowie no estaba contento con la versión original y le pidió a Rodgers que la rehiciera para Let's Dance . O'Leary describe la nueva versión como «más agresiva». Elogia el solo de guitarra de Vaughan como superior al original, pero critica la voz de Bowie como inferior. [21] Pegg también considera que la versión de Let's Dance es inferior y lamenta que la nueva versión se haya convertido en la versión más conocida. [55] El álbum termina con «Shake It», a la que Pegg llama «una pieza bastante agradable de pelusa». [56] O'Leary describe la canción como un resumen de los «malos hábitos» de Bowie de la década de 1980: «una indiferencia hacia la calidad». [21] El biógrafo Marc Spitz escribe que su sonido es un precursor de la canción de U2 de 1993 " Lemon ". [17]
Después de entregar el álbum al sello, Bowie viajó a Australia en febrero de 1983 para filmar los videos musicales de los dos primeros sencillos, «Let's Dance» y «China Girl». Dirigió el video de «Let's Dance» con David Mallet , [48] el director de los videos de Bowie Lodger y « Ashes to Ashes ». [57] El video no tiene nada que ver con la canción en sí, excepto por un breve vistazo de zapatos rojos. Sigue a una joven pareja aborigen australiana haciendo varias actividades que los seducen al comercialismo de la Australia urbana blanca. Bowie aparece y canta la letra a la cámara. El video es una alegoría destinada a representar el trato a los aborígenes por parte de los capitalistas australianos blancos. [42] [48] El video de «China Girl», nuevamente dirigido por Mallet, es similar en su tema de perspectivas enfrentadas, yuxtaponiendo a los ejecutivos de Sídney contra la población china de la ciudad. Presenta a la actriz neozelandesa Geeling Ng , quien [46] recrea la famosa escena de playa de De aquí a la eternidad (1953) con Bowie. [42] [58] Buckley dice que las alegorías y escenas provocativas de los videos garantizaron una fuerte rotación en MTV . [42]
«Let's Dance» fue lanzado a través de EMI America en forma editada como el sencillo principal el 14 de marzo de 1983, con la nueva versión de «Cat People» como lado B. [59] Tres días después, Bowie realizó una conferencia de prensa en Londres donde anunció el nuevo álbum, también titulado Let's Dance , el nuevo sello y la próxima gira. Se puso un nuevo look, con cabello rubio decolorado y un traje blanco. Unos días después, el video de «Let's Dance» se estrenó en el programa de rock británico The Tube , junto con entrevistas de Jools Holland . [42] Para la semana siguiente, «Let's Dance» entró en la lista de sencillos del Reino Unido en el puesto número cinco, antes de alcanzar el número uno durante tres semanas y permanecer en la lista durante 14 semanas. Además, alcanzó el número uno en el Billboard Hot 100 de EE. UU. en abril, convirtiéndose en el sencillo más exitoso de Bowie hasta la fecha. [48] Según Buckley, el sencillo se reprodujo «sin fin» en las estaciones de radio del Reino Unido. [42]
EMI America publicó Let's Dance el 14 de abril de 1983, [21] con el número de catálogo AML 3029. [60] Su portada , que muestra a Bowie boxeando con sombras contra el horizonte de una ciudad, fue tomada por el fotógrafo Greg Gorman. [13] [42] "China Girl" fue lanzada, nuevamente en forma editada, como el segundo sencillo del álbum el 31 de mayo, [61] [62] con "Shake It" como lado B. [60] Aunque no logró replicar el éxito de la canción principal, aún alcanzó el puesto número dos en la lista de sencillos del Reino Unido en junio, superada por " Every Breath You Take " de The Police . En los EE. UU., alcanzó el puesto número diez en el Billboard Hot 100. [61]
"Modern Love" fue lanzado, nuevamente en forma editada, como el tercer sencillo del álbum el 12 de septiembre de 1983. [63] El lado B fue una versión en vivo, grabada en Montreal el 13 de julio. Al igual que "China Girl", "Modern Love" alcanzó el puesto número dos en el Reino Unido, superado por " Karma Chameleon " de Culture Club . En los EE. UU., se ubicó en el puesto número 14. Fue respaldado por un video musical, dirigido por Jim Yukich, que muestra una interpretación de la canción en Filadelfia el 20 de julio. [44] "Without You" apareció como el cuarto y último sencillo en noviembre, respaldado por "Criminal World", lanzado solo en Holanda, Japón, España y los EE. UU., donde alcanzó el puesto número 73. [50] [60]
Tras su lanzamiento, Let's Dance entró en la lista de álbumes del Reino Unido en el número uno y permaneció allí durante tres semanas. [64] Aunque Aladdin Sane , Pin Ups (ambos de 1973) y Diamond Dogs (1974) estuvieron en la primera posición durante más tiempo, Let's Dance permaneció en la lista durante más de un año. [13] El álbum alcanzó el número cuatro en la lista Billboard Top LPs & Tape de EE. UU. el 24 de junio de 1983, y permaneció en la lista durante 69 semanas. [65] EMI declaró que Let's Dance era su disco de venta más rápida desde Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) de los Beatles. El antiguo sello de Bowie, RCA, publicó una colección del catálogo anterior de Bowie como una forma de sacar provecho de su éxito. [13] Todos los álbumes de Bowie que lanzó entre 1969 y 1974: Space Oddity , The Man Who Sold the World , Hunky Dory , The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars , Aladdin Sane , Pin Ups y Diamond Dogs , así como Low y "Heroes" (ambos de 1977), comenzaron a aparecer nuevamente en las listas. [42] Para julio, Bowie tenía diez álbumes en el top 100 del Reino Unido. Esta hazaña convirtió a Bowie en el artista con el segundo mayor número de semanas de álbum individuales de todos los tiempos, con 198, detrás de la banda de rock Dire Straits , que logró 217 semanas de álbum individuales en 1986. [13]
Let's Dance ha vendido 10,7 millones de copias en todo el mundo, lo que lo convierte en el álbum más vendido de Bowie. [66]
A pesar del gran éxito comercial del álbum, recibió críticas mixtas de los críticos musicales, con opiniones variadas sobre el contenido artístico. En la revista Musician , David Fricke lo llamó "Bowie en su mejor momento". [27] [69] En un artículo sobre Bowie para Time en julio de 1983, Jay Cocks describió el álbum como "descaradamente comercial, melódicamente aliterativo y líricamente inteligente al mismo tiempo". [70] Robert Christgau sintió que tenía una "superficie profesional superficial", y que, aparte de la "interesante" "Modern Love", Let's Dance era "agradablemente inútil". [68] Mientras que Steve Bush de Smash Hits lo encontró en general aburrido, [67] Debra Rae Cohen de The New York Times lo consideró el disco "más ingenuo" de Bowie hasta el momento, pero uno cuya música de baile familiar es "casi atemporal en su atractivo". [71] Tucker sintió que Let's Dance sonaba genial, con una simplicidad inteligente y una "belleza superficial", pero que en general era "delgada y quisquillosa", a excepción de "Modern Love", "Without You" y "Shake It", que ofrecían "algunas de las composiciones más atrevidas de la carrera de Bowie". [51]
En un artículo para la revista Record , Carol Cooper llamó al álbum "los jóvenes estadounidenses de los años 80" y disfrutó de la participación de Rodgers, escribiendo que su presencia le permite a Bowie brillar. Sin embargo, sintió que todas las pistas eran "bastante modestas". [ 72] Más positivamente, Charles Shaar Murray de NME elogió unánimemente el álbum, llamándolo "algo de la música más fuerte, simple y menos complicada que Bowie haya hecho". Además, lo describió como "cálido, fuerte, inspirador y útil", y aprobó las contribuciones de Vaughan, diciendo que le da a las canciones una sensación más "tradicional". [73] John Walker de Trouser Press lo elogió como un disco que "simplemente blanquea a la competencia", uno que representa "lo más cerca que Bowie ha llegado a capturar la energía pura". [74] Billboard lo elogió aún más y lo calificó como "la música más accesible de Bowie en años", [34] Cash Box lo aclamó como su "álbum más bailable hasta la fecha", [75] y Commonweal lo llamó "una de las músicas de baile basadas en R&B más emocionantes en años". [13] NME luego colocó a Let's Dance en el puesto número 13 en su lista de fin de año. [76]
Para promocionar Let's Dance , Bowie se embarcó en su primera gira de conciertos en cinco años, Serious Moonlight Tour , que se desarrolló del 18 de mayo al 8 de diciembre de 1983. [77] Tomando su título de una letra de la canción principal, [48] los ensayos comenzaron en la primavera de 1983, con Alomar de regreso como líder de la banda. [78] La mayoría de los músicos de Let's Dance regresaron, con la excepción de Vaughan, quien estuvo presente para los ensayos pero fue despedido por Bowie solo unos días antes de que comenzara la etapa europea. Su despido se atribuyó a su consumo de alcohol y drogas, su solicitud de que su banda Double Trouble fuera el acto de apoyo, lo que Bowie negó, y su supuesto descontento con Bowie haciendo mímica de su solo de guitarra en el video de "Let's Dance". El reemplazo de Vaughan fue el guitarrista de Diamond Dogs Tour (1974) y Station to Station (1976) Earl Slick . [77] [78]
Las piezas del set de la gira fueron creadas por el artista del Diamond Dogs Tour, Mark Ravitz. El set, el más elaborado de Bowie hasta el momento, incluía estructuras como grandes columnas, dinteles salientes y una mano derecha gigante apuntando hacia arriba. En comparación con giras anteriores, Serious Moonlight enfatizaba las luces en lugar de los accesorios. [77] Alomar le dijo más tarde a Buckley que era su gira favorita de Bowie, principalmente porque "fue la primera gira en la que hicimos todos los éxitos". [78] Al hablar de la lista de canciones, Pegg afirma que era "descaradamente un paquete de grandes éxitos destinado a familiarizar a la nueva audiencia masiva con el catálogo anterior de Bowie". [77] Buckley describe la lista de canciones como " pop-rock relativamente convencional ", sin ninguna de las "peculiaridades" de las giras de finales de los 70. Muchos de los arreglos se rehicieron con trompetas para que cada canción sonara fresca. [78]
Serious Moonlight fue un éxito masivo: se convirtió en la gira más grande de 1983, apaciguó a la nueva audiencia de Bowie y, junto con Let's Dance , convirtió a Bowie en una gran superestrella. La gira fue en su mayoría bien recibida, aunque los críticos británicos tendieron a ser más agresivos que los estadounidenses. [77] Una película que acompañaba al disco documentando dos espectáculos realizados el 11 y 12 de septiembre de 1983 en Vancouver fue lanzada en 1984 con el título Serious Moonlight . [79] Aunque tuvo un éxito inmenso, Bowie luego calificó la gira como una bendición a medias: "Yo era algo que nunca quise ser. Yo era un artista bien aceptado. Había comenzado a atraer a personas que compraban álbumes de Phil Collins. [...] De repente no conocía a mi público y peor aún, no me importaban". [77] Después de la conclusión de la gira, Bowie se encontró en un punto muerto creativo. La presión del sello para lanzar una continuación lo llevó al estudio en la primavera de 1984 sin estar preparado. El álbum resultante, Tonight , se considera uno de sus puntos más bajos creativos. [80]
Let's Dance fue nominado al premio Grammy al Álbum del Año en la 26.ª edición de los premios Grammy en 1984, pero perdió ante Thriller (1982) de Michael Jackson . [13] Aunque Bowie había encargado a Rodgers que hiciera éxitos para él, [81] Bowie dijo más tarde en 1997: "En ese momento, Let's Dance no era mainstream. Era prácticamente un nuevo tipo de híbrido, que utilizaba la guitarra blues-rock contra un formato de baile. No había nada más que sonara realmente así en ese momento. Por lo tanto, solo parece comercial en retrospectiva porque vendió muchas [copias]. Fue genial a su manera, pero me puso en un verdadero rincón en el sentido de que jodió con mi integridad". [82] Dos años antes, había declarado que tenía la intención de que fuera un proyecto único: "Tenía toda la intención de seguir haciendo material inusual después de eso. Pero el éxito de ese disco realmente me obligó, de alguna manera, a continuar con la bestia. Fue mi propia iniciativa, por supuesto, pero sentí, después de unos años, que me había estancado". [83] Visconti declaró en 1985 que "era un álbum que tenía que hacer". [13]
El éxito del álbum provocó que Bowie alcanzara un punto bajo creativo en su carrera que duró los siguientes años. [40] [82] En 1987, Bowie comenzó a distanciarse del disco, diciéndole a un entrevistador que era "más un álbum de Nile que mío", con lo que Rodgers no estuvo de acuerdo en 1998. [13] Después de que sus álbumes posteriores Tonight y Never Let Me Down (1987) fueran desestimados por la crítica, [84] —Bowie más tarde desestimaría este período como sus "años de Phil Collins" [85] — formó la banda de rock Tin Machine en un esfuerzo por recuperar su visión artística. [86] [87]
En una reseña retrospectiva para AllMusic, Stephen Thomas Erlewine consideró que los tres sencillos de éxito del álbum eran canciones pop pegadizas pero distintivas, mientras que el resto del álbum era " soul plástico sin nada destacable ", lo que indica que Bowie "estaba entrando en una crisis de composición". [32] Power escribió que Bowie "abogó descaradamente por el amor al mercado de masas" con el álbum. Continuó "... la canción principal era un trozo decente de funk-rock y Bowie no se avergonzó a sí mismo en el sencillo 'China Girl'. De lo contrario, el disco tenía mucho en común con Wham! y Phil Collins ". [49] Quantick elogió la combinación de Bowie y Rodgers como "perfecta" en la canción principal, la interpretación "dulce y romántica" de "China Girl" y destacó "Criminal World". En 1995, Rob Sheffield escribió para Spin Alternative Record Guide que el álbum ejemplificaba la influencia del movimiento New Romantic en Bowie . Aunque elogiaba "Modern Love", describe las otras canciones del álbum como "más dudosas" pero " divertidas " . [ 47 ]
En 2014, Andy Greene de Rolling Stone describió Let's Dance como "la conclusión de posiblemente la mejor racha de 14 años en la historia del rock". [94] Escribiendo para The Guardian el mismo año, Jeremy Allen declaró que el álbum había "pasado un tiempo en el desierto, rechazado por muchos debido a sus valores de producción de los 80", pero agregó que "una reevaluación era casi inevitable y ha coincidido con un renacimiento en la carrera de Rodgers y una efusión de amor por el productor/guitarrista sin precedentes". [95] El principal crítico de rock y pop de The Guardian , Alexis Petridis , dijo en su revisión retrospectiva de la carrera de Bowie en 2016 que Let's Dance "tuvo sus momentos", a diferencia de Tonight . [96]
Al reflexionar sobre Let's Dance , Pegg está de acuerdo con Bowie en que el disco fue el álbum "menos desafiante" del artista hasta ese momento. Sintió que, a diferencia de los períodos Glass Spider Tour y Tin Machine de Bowie, donde Bowie estaba dispuesto a tomar riesgos y enfrentar las críticas de frente, Let's Dance va a lo seguro en todos los aspectos, creando melodías que originalmente contenían "bordes ásperos" que luego fueron "lijados" y se les dio un "acabado de alto brillo". Pegg también señala que la aparición de tres portadas en el disco era evidente que Bowie estaba pasando por una crisis creativa. [97] Spitz, por otro lado, considera que Let's Dance es "tan revolucionario" como Ziggy Stardust , Station to Station o Low . Le parece injusto llamarlo el "disco vendido" de Bowie, diciendo que es "tan conceptual como sus esfuerzos canonizados de los setenta". [17] Aunque considera que las primeras cuatro pistas del disco están entre las más fuertes de toda la carrera de Bowie, Perone describe Let's Dance como un "espada de doble filo", ya que fue un éxito comercial pero artísticamente, encontró a Bowie explorando temas líricos más convencionales y música accesible que obstaculizarían sus próximas grabaciones. [33]
Sobre la influencia del álbum, Joe Lynch de Billboard argumentó que Let's Dance proporcionó "la plantilla" para la música de baile alternativa "para los próximos 30 años". [98] En 1989, el álbum ocupó el puesto número 83 en la lista de Rolling Stone de los "100 mejores álbumes de los años ochenta". [99] En 2013, NME clasificó a Let's Dance en el puesto número 296 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . [100] En 2018, Pitchfork clasificó el álbum en el puesto número 127 en su lista de "Los 200 mejores álbumes de la década de 1980"; Jeremy D. Larson escribió que Let's Dance "suena todo menos anticuado" y sintió que "se convirtió en un caballo de Troya para que el mundo descubriera a todos los muchos Bowies escondidos debajo del bouffant rubio y los trajes de diseñador". [101]
En 1995, Virgin Records relanzó el álbum en CD con " Under Pressure " como pista extra. [13] [102] EMI hizo el segundo relanzamiento en 1999 (con sonido remasterizado digitalmente de 24 bits y sin pistas extra), [103] seguido por otro en 2003 como un híbrido estéreo SACD / PCM CD. [104]
En 2018, Let's Dance fue remasterizado para el box set Loving the Alien (1983–1988) lanzado por Parlophone . [105] Fue lanzado en CD, vinilo y formatos digitales, como parte de esta compilación y luego por separado el año siguiente. [106]
Todas las pistas están escritas por David Bowie , excepto donde se indique lo contrario [107]
Los créditos están adaptados de las notas del álbum. [107]
Músicos
Producción
Visuales
{{cite AV media notes}}: CS1 maint: otros en cite AV media (notas) ( enlace ){{cite AV media notes}}: CS1 maint: otros en cite AV media (notas) ( enlace ){{cite AV media notes}}: CS1 maint: otros en cite AV media (notas) ( enlace ){{cite AV media notes}}: CS1 maint: otros en cite AV media (notas) ( enlace )Let's Dance, el primer disco de David Bowie en tres años, el valor del éxito inédito en su carrera, ultrapasando rápidamente 2 millones de copias vendidas en Estados Unidos, donde David tiene un disco modesto, para los padroes americanos, de 10 millones de discos vendidos En 19 LP lanzados.