Eric Allan Dolphy Jr. (20 de junio de 1928 - 29 de junio de 1964) fue un multiinstrumentista, compositor y director de orquesta de jazz estadounidense. Principalmente saxofonista alto , clarinetista bajo y flautista , [1] Dolphy fue uno de los varios multiinstrumentistas que ganaron prominencia durante la misma era. Su uso del clarinete bajo ayudó a establecer el instrumento poco convencional dentro del jazz. [2] [3] Dolphy amplió el vocabulario y los límites del saxofón alto, y fue uno de los primeros solistas de flauta de jazz importantes. [4] [3]
Su estilo improvisado se caracterizó por el uso de intervalos amplios , además de emplear una serie de técnicas extendidas para emular los sonidos de voces humanas y animales. [5] [6] [7] Utilizó líneas melódicas que eran "angulares, zigzagueando de intervalo a intervalo, tomando curvas cerradas en coyunturas inesperadas, haciendo saltos dramáticos del registro más bajo al más alto". [6] Aunque el trabajo de Dolphy a veces se clasifica como free jazz , sus composiciones y solos a menudo estaban arraigados en la armonía tonal bebop convencional (aunque muy abstracta) . [8] [9] [10]
Eric Dolphy nació y creció en Los Ángeles , California . [11] [12] Sus padres fueron Sadie y Eric Dolphy, Sr., [13] quienes emigraron a los Estados Unidos desde Panamá . [1] Comenzó a tomar lecciones de música a la edad de seis años, estudiando clarinete y saxofón de forma privada. [14] Mientras aún estaba en la secundaria, comenzó a estudiar oboe, aspirando a una carrera sinfónica profesional, [14] y recibió una beca de dos años para estudiar en la escuela de música de la Universidad del Sur de California . [12] Cuando tenía 13 años, recibió un premio "Superior" en clarinete del festival de bandas y orquestas escolares de California. [14] Asistió a Dorsey High School , donde continuó sus estudios musicales y aprendió instrumentos adicionales. [14] En 1946, fue codirector del Coro Juvenil de la Iglesia Presbiteriana de Westminster dirigida por el reverendo Hampton B. Hawes, padre del pianista de jazz del mismo nombre. [14] Se graduó en 1947, luego asistió a Los Angeles City College , tiempo durante el cual tocó obras clásicas contemporáneas como L'Histoire du soldat de Stravinsky y, junto con Jimmy Knepper y Art Farmer , actuó con 17 Beboppers de Roy Porter . [14] Continuó haciendo ocho grabaciones con Porter en 1949. [1] En estas primeras sesiones, Dolphy tocó ocasionalmente el saxofón barítono , así como el saxofón alto , la flauta y el clarinete soprano .
Dolphy ingresó al ejército de los EE. UU. en 1950 y estuvo destinado en Fort Lewis , Washington. [15] A partir de 1952, asistió a la Escuela de Música de la Marina . [7] Después de su baja en 1953, regresó a Los Ángeles, donde trabajó con muchos músicos, incluidos Buddy Collette , Eddie Beal y Gerald Wilson , [7] a quien más tarde dedicó la melodía "GW", grabada en Outward Bound . [16] Dolphy a menudo invitaba a sus amigos a tocar, lo que era posible gracias a que su padre había construido un estudio para él en el patio trasero de la familia. [12] Las grabaciones realizadas en 1954 con Clifford Brown documentan este período temprano. [17]
Dolphy tuvo su gran oportunidad cuando fue invitado a unirse al quinteto de Chico Hamilton en 1958. [11] Con el grupo se hizo conocido por un público más amplio y pudo realizar giras extensas durante 1958-59, cuando dejó el grupo de Hamilton y se mudó a la ciudad de Nueva York. [7] Dolphy aparece tocando la flauta con la banda de Hamilton en la película Jazz on a Summer's Day , documentando una actuación en el Festival de Jazz de Newport de 1958 .
Charles Mingus conocía a Dolphy desde que creció en Los Ángeles, [18] y el joven se unió al Jazz Workshop de Mingus en 1960, poco después de llegar a Nueva York. [19] Participó en la grabación de la big band de Mingus Pre-Bird (a veces reeditada como Mingus Revisited ), y aparece en "Bemoanable Lady". [20] Más tarde se unió a la banda de trabajo de Mingus en el Showplace durante 1960 (conmemorado en el poema "Mingus at the Showplace" de William Matthews ), [21] y apareció en los dos álbumes del líder del sello Candid, Charles Mingus Presents Charles Mingus y Mingus . Dolphy, según Mingus, "era un músico completo. Podía encajar en cualquier lugar. Era un excelente alto principal en una big band. Podía triunfar en un grupo clásico. Y, por supuesto, era totalmente independiente cuando hacía solos... Dominaba el jazz. Y dominaba todos los instrumentos que tocaba. De hecho, sabía más de lo que se suponía que era posible hacer con ellos". [22] Ese mismo año, Dolphy participó en el proyecto Jazz Artist Guild dirigido por Mingus y en su sesión de grabación de Newport Rebels . [23]
En 1961, durante una gira por Europa con Mingus, Dolphy continuó actuando como solista y fue grabado en Escandinavia y Berlín (véase The Berlin Concerts , The Complete Uppsala Concert , Eric Dolphy in Europe Volumes 1, 2, and 3 (1 y 3 también fueron lanzados como Copenhagen Concert ) y Stockholm Sessions . [24] Más tarde, estuvo entre los músicos que trabajaron en Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus en 1963, y aparece en "Hora Decubitus".
A principios de 1964, Dolphy regresó a la banda de Mingus, [7] que ahora incluía a Jaki Byard , Johnny Coles y Clifford Jordan . Este sexteto trabajó en Five Spot antes de tocar en la Universidad de Cornell y Town Hall en Nueva York (ambos fueron grabados: Cornell 1964 y Town Hall Concert ) y posteriormente realizó una gira por Europa. La corta gira está bien documentada en Revenge!, The Great Concert of Charles Mingus , Mingus in Europe Volume I y Mingus in Europe Volume II .
Dolphy y John Coltrane se conocían mucho antes de tocar formalmente juntos, habiéndose conocido cuando Coltrane estaba en Los Ángeles con Johnny Hodges en 1954. [25] [26] A menudo intercambiaban ideas y aprendían el uno del otro, [27] y finalmente, después de muchas noches tocando con la banda de Coltrane, se le pidió a Dolphy que se convirtiera en miembro de pleno derecho a principios de 1961. [28] [29] Coltrane había ganado audiencia y reconocimiento de la crítica con el quinteto de Miles Davis , pero alienó a algunos críticos de jazz líderes cuando comenzó a alejarse del hard bop . Aunque los quintetos de Coltrane con Dolphy (incluidas las sesiones de Village Vanguard y Africa/Brass ) ahora son aceptados, originalmente provocaron que la revista DownBeat calificara la música de Coltrane y Dolphy como "antijazz". Coltrane dijo más tarde sobre esta crítica: "hicieron que pareciera que ni siquiera sabíamos nada sobre música (...) me dolió ver a [Dolphy] lastimarse en esto". [30]
El lanzamiento inicial de la residencia de Coltrane en el Vanguard seleccionó tres temas , de los cuales solo uno incluía a Dolphy. Después de ser publicado al azar durante los siguientes 30 años, un box-set completo con la música grabada en el Vanguard fue lanzado en Impulse! en 1997, llamado The Complete 1961 Village Vanguard Recordings . El set presenta a Dolphy en gran medida tanto en saxofón alto como en clarinete bajo, con Dolphy como solista destacado en sus interpretaciones de " Naima ". [31] Un box-set de Pablo de 2001 , basado en grabaciones de las actuaciones de Coltrane de sus giras europeas de principios de la década de 1960, presenta melodías ausentes en el material de Village Vanguard de 1961, como " My Favorite Things ", que Dolphy interpreta en flauta. [32]
El trompetista Booker Little y Dolphy tuvieron una breve colaboración musical. [33] La fecha de Little como líder de Candid , Out Front , contó con Dolphy principalmente en saxo alto, aunque tocó clarinete bajo y flauta en algunos pasajes de conjunto. Además, el álbum de Dolphy Far Cry , grabado para Prestige , cuenta con Little en cinco temas (uno de los cuales, "Serene", no se incluyó en el lanzamiento del LP original).
Dolphy y Little también codirigieron un quinteto en el Five Spot durante 1961. La sección rítmica estaba formada por Richard Davis , Mal Waldron y Ed Blackwell . [1] Una noche fue documentada y ha sido lanzada como At the Five Spot (más un álbum conmemorativo ), así como la compilación Here and There . Además, tanto Dolphy como Little respaldaron a Abbey Lincoln en su álbum Straight Ahead y tocaron en Percussion Bitter Sweet de Max Roach . Little murió a la edad de 23 años en octubre de 1961.
Dolphy también participó en grabaciones clave de George Russell ( Ezz-thetics ), Oliver Nelson ( Screamin' the Blues , The Blues and the Abstract Truth y Straight Ahead ) y Ornette Coleman ( Free Jazz: A Collective Improvisation y el descarte de Free Jazz en Twins ). También trabajó y grabó con Gunther Schuller ( Jazz Abstractions ), el multiinstrumentista Ken McIntyre ( Looking Ahead ) y el bajista Ron Carter ( Where? ).
La carrera discográfica de Dolphy como líder comenzó con Prestige . Su asociación con el sello abarcó 13 álbumes grabados desde abril de 1960 hasta septiembre de 1961, aunque no fue el líder de todas las sesiones. Fantasy lanzó una caja de 9 CD en 1995 que contenía toda la producción grabada de Dolphy para Prestige. [34]
Los dos primeros álbumes de Dolphy como líder fueron Outward Bound y Out There ; ambos contaban con portadas de Richard "Prophet" Jennings . [35] [1] El primero, que sonaba más cercano al hard bop que algunos lanzamientos posteriores, [36] [37] fue grabado en el estudio de Rudy Van Gelder en Nueva Jersey con el trompetista Freddie Hubbard , quien compartió habitación con Dolphy durante un tiempo cuando los dos hombres llegaron por primera vez a Nueva York. [38] El álbum presenta tres composiciones de Dolphy: "GW", dedicada a Gerald Wilson , y los blues "Les" y "245". Out There es más cercano a la música de tercera corriente , [39] que también formaría parte del trabajo de Dolphy, y presenta a Ron Carter en el violonchelo. "Eclipse" de Charles Mingus de este álbum es uno de los raros casos en los que Dolphy hace un solo en clarinete soprano (otros son "Warm Canto" de The Quest de Mal Waldron , [40] "Densities" de la compilación Vintage Dolphy , [41] y "Song For The Ram's Horn" de una grabación inédita de un concierto en el Town Hall de 1962).
Dolphy grabó ocasionalmente solos de saxofón sin acompañamiento; [42] sus únicos predecesores fueron los tenores Coleman Hawkins ("Picasso", 1948) [43] y Sonny Rollins (por ejemplo, "Body and Soul", 1958), [44] lo que convirtió a Dolphy en el primero en hacerlo con saxofón alto. El álbum Far Cry contiene su interpretación del estándar de Gross - Lawrence " Tenderly " en saxofón alto, [45] y, en su posterior gira por Europa, " God Bless the Child " de Billie Holiday se incluyó en sus sets. [46] (La primera versión conocida fue grabada en el Five Spot durante su residencia con Booker Little ). También grabó dos tomas de una breve interpretación en solitario de "Love Me" en 1963, publicada en Conversations and Muses .
La música clásica del siglo XX también formó parte de la carrera musical de Dolphy. Estaba muy familiarizado con la música de compositores como Anton Webern y Alban Berg , [27] tenía una gran colección de discos que incluía música de estos compositores, así como de Debussy , Ravel , Stravinsky y Bartók , [47] y poseía partituras de compositores como Milton Babbitt , Donald Erb , Charles Ives y Olivier Messiaen . [48] [49] [50] Visitó a Edgard Varèse en su casa, [51] e interpretó Density 21.5 del compositor para flauta solista en el Festival de Música de Ojai en 1962. [52] Dolphy también participó en los esfuerzos de Third Stream de Gunther Schuller y John Lewis de la década de 1960, apareciendo en el álbum Jazz Abstractions , y admiró al virtuoso de la flauta italiano Severino Gazzelloni , en cuyo honor nombró su composición Gazzelloni . [53]
Alrededor de 1962-63, una de las bandas de trabajo de Dolphy incluía al pianista Herbie Hancock , a quien se puede escuchar en The Illinois Concert , Gaslight 1962 y el concierto inédito de Town Hall con la poeta Ree Dragonette .
En julio de 1963, el productor Alan Douglas organizó sesiones de grabación para las cuales los acompañantes de Dolphy eran músicos emergentes de la época, y los resultados produjeron los álbumes Iron Man y Conversations , así como el álbum Muses lanzado en Japón a fines de 2013. Estas sesiones marcaron la primera vez que Dolphy tocó con Bobby Hutcherson , a quien conocía de Los Ángeles, y con cuya hermana salió en un momento. [54] Las sesiones son quizás mejor conocidas por los tres duetos que Dolphy realiza con el bajista Richard Davis en "Alone Together", "Ode To Charlie Parker" y "Come Sunday"; el lanzamiento antes mencionado Muses agrega otra versión de "Alone Together" y una composición original para dueto de la cual el álbum toma su nombre.
En 1964, Dolphy firmó con Blue Note Records y grabó Out to Lunch! con Freddie Hubbard , Bobby Hutcherson , Richard Davis y Tony Williams . Este álbum presenta el estilo compositivo vanguardista y estructurado de Dolphy, plenamente desarrollado y arraigado en la tradición. A menudo se lo considera su obra maestra . [55]
Después de Out to Lunch! y una aparición en el álbum Point of Departure del pianista y compositor Andrew Hill para Blue Note , Dolphy se fue a Europa con el sexteto de Charles Mingus a principios de 1964. Antes de un concierto en Oslo , Noruega, le informó a Mingus que planeaba quedarse en Europa después de que terminara su gira, en parte porque se había desilusionado con la recepción de los Estados Unidos a los músicos que estaban probando algo nuevo. Mingus luego nombró el blues que habían estado interpretando "So Long Eric". Dolphy tenía la intención de establecerse en Europa con su prometida Joyce Mordecai, que estaba trabajando en la escena del ballet en París , Francia. [12] Después de dejar Mingus, actuó y grabó algunos lados con varias bandas europeas y músicos estadounidenses que vivían en París, como Donald Byrd y Nathan Davis . Last Date , originalmente una transmisión de radio de un concierto en Hilversum en los Países Bajos, presenta a Misha Mengelberg y Han Bennink , aunque no fue la última actuación pública de Dolphy. Dolphy también estaba planeando unirse al grupo de Albert Ayler , [11] y, según Jeanne Phillips, citada en Four Jazz Lives de AB Spellman , se estaba preparando para tocar con Cecil Taylor . [56] También planeaba formar una banda con Woody Shaw , Richard Davis y Billy Higgins , [57] y estaba escribiendo un cuarteto de cuerdas , Love Suite . [1]
Dolphy estaba comprometido con Joyce Mordecai, una bailarina de formación clásica que vivía en París. [12] No fumaba [11] y no consumía drogas ni alcohol. [11] [58]
Antes de partir a Europa en 1964, Dolphy dejó papeles y otros efectos personales a sus amigos Hale Smith y Juanita Smith. Con el tiempo, gran parte de este material pasó al músico James Newton . [12] En mayo de 2014 se anunció que se habían donado seis cajas de papeles musicales a la Biblioteca del Congreso . [12] [59]
El 27 de junio de 1964, Dolphy viajó a Berlín Occidental para tocar con un trío liderado por Karl Berger en la inauguración de un club de jazz llamado The Tangent. [60] Aparentemente estaba gravemente enfermo cuando llegó, y durante el primer concierto apenas pudo tocar. Fue hospitalizado esa noche, pero su condición empeoró. [61] El 29 de junio, Dolphy murió después de caer en un coma diabético . Si bien ciertos detalles de su muerte aún se disputan, se acepta en gran medida que cayó en un coma causado por una diabetes no diagnosticada. Las notas del álbum Complete Prestige Recordings dicen que Dolphy "se derrumbó en su habitación de hotel en Berlín y cuando lo llevaron al hospital le diagnosticaron que estaba en coma diabético. Después de que le administraran una inyección de insulina, cayó en un shock insulínico y murió". Un documental posterior y notas del álbum disputan esto, diciendo que Dolphy se derrumbó en el escenario en Berlín y fue llevado a un hospital. Supuestamente, los médicos del hospital que lo atendieron no sabían que Dolphy era diabético y asumieron, basándose en un estereotipo de los músicos de jazz, que había tomado una sobredosis de drogas. [11] En este relato, lo dejaron en una cama de hospital para que las drogas siguieran su curso. [62] Ted Curson recordó lo siguiente: "Eso realmente me destrozó. Cuando Eric se enfermó en esa fecha [en Berlín], y él era negro y un músico de jazz, pensaron que era un drogadicto . Eric no consumía ninguna droga. Era diabético; todo lo que tenían que hacer era hacerle un análisis de sangre y lo habrían descubierto. Entonces murió por nada. Le dieron algo desintoxicante y murió, y nadie volvió a entrar en ese club en Berlín. Ese fue el final de ese club ". [63] Poco después de la muerte de Dolphy, Curson grabó y lanzó Tears for Dolphy , con una canción principal que sirvió como una elegía para su amigo.
Charles Mingus comentó sobre Dolphy poco después de su muerte que "Normalmente, cuando un hombre muere, uno recuerda -o dice que recuerda- sólo las cosas buenas de él. Con Eric, eso es todo lo que uno puede recordar. No recuerdo que le hiciera ningún maltrato a nadie. El hombre no tenía ninguna necesidad de sufrir". [22]
Dolphy está enterrado en el cementerio Angelus-Rosedale de Los Ángeles. Su lápida lleva la inscripción: "Vive en su música". [64]
John Coltrane reconoció la influencia de Dolphy en una entrevista de DownBeat en 1962 , afirmando: "Después de que se sentó... comenzamos a tocar algunas de las cosas de las que solo habíamos hablado antes. Desde que está en la banda, ha tenido un efecto de expansión en nosotros. Hay muchas cosas que intentamos ahora que nunca habíamos intentado antes. Esto me ayudó... Estamos tocando cosas que son más libres que antes". [65] El biógrafo de Coltrane, Eric Nisenson, afirmó: "El efecto de Dolphy en Coltrane fue profundo. Los solos de Coltrane se volvieron mucho más aventureros, utilizando conceptos musicales que sin la química del estilo avanzado de Dolphy podría haber mantenido alejados de los oídos de su público". [66] En su libro Free Jazz , Ekkehard Jost proporcionó ejemplos específicos de cómo la forma de tocar de Coltrane comenzó a cambiar durante el tiempo que pasó con Dolphy, señalando que Coltrane comenzó a usar intervalos melódicos más amplios como sextas y séptimas, y comenzó a centrarse en integrar la coloración del sonido y la multifonía en sus solos. [67] Jost contrastó el solo de Coltrane en "India", grabado en noviembre de 1961 mientras Dolphy estaba con el grupo, y publicado en Impressions , con su solo en " My Favorite Things ", grabado aproximadamente un año antes y publicado en el álbum Atlantic , [68] y observó que en "My Favorite Things", Coltrane "aceptó el modo como más o menos vinculante, ocasionalmente apuntando lejos de él... a tonos ajenos a la escala", [69] mientras que en "India", Coltrane, como Dolphy, tocó " alrededor del modo más que dentro de él". [69]
La presencia musical de Dolphy también influyó en muchos jóvenes músicos de jazz que luego se convertirían en destacados. Dolphy trabajó de forma intermitente con Ron Carter y Freddie Hubbard a lo largo de su carrera, y en años posteriores contrató a Herbie Hancock , Bobby Hutcherson y Woody Shaw para trabajar en sus bandas en vivo y de estudio. Out to Lunch! contó con la participación de otro joven intérprete, el baterista Tony Williams , y la participación de Dolphy en la sesión Point of Departure de Hill lo puso en contacto con el tenor Joe Henderson .
Se lleva a cabo una celebración en Le Moyne College basada en una canción de Frank Zappa, " The Eric Dolphy Memorial Barbecue ", inspirada en él.
Carter, Hancock y Williams se convertirían en una de las secciones rítmicas por excelencia de la década, tanto juntos en sus propios álbumes como como columna vertebral del segundo gran quinteto de Miles Davis . Este aspecto del segundo gran quinteto es una nota a pie de página irónica para Davis, que era crítico de la música de Dolphy: en un "Blindfold Test" de DownBeat de 1964 , Miles bromeó: "La próxima vez que vea [a Dolphy] voy a pisarle el pie". [70] Sin embargo, la sección rítmica del nuevo quinteto de Davis había trabajado toda bajo la dirección de Dolphy, creando así una banda cuyo estilo de " out " estaba fuertemente influenciado por Dolphy.
Las virtuosas habilidades instrumentales de Dolphy y su estilo único de jazz, profundamente emocional y libre pero fuertemente arraigado en la tradición y la composición estructurada, influyeron fuertemente en músicos como Anthony Braxton , [71] miembros del Art Ensemble of Chicago , [72] Oliver Lake , [73] Arthur Blythe , [74] Don Byron , [75] y Evan Parker . [76]
Dolphy fue incluido póstumamente en el Salón de la Fama de la revista DownBeat en 1964. [77] John Coltrane le rindió homenaje en una entrevista: "Lo que yo diría sería un eufemismo. Sólo puedo decir que mi vida mejoró mucho al conocerlo. Fue una de las mejores personas que he conocido, como hombre, amigo y músico". [78] Después de la muerte de Dolphy, su madre le dio a Coltrane su flauta y clarinete bajo, y Coltrane, que viajó con la fotografía de Dolphy, colgándola en las paredes de su habitación de hotel, [26] procedió a tocar los instrumentos en varias grabaciones posteriores. [79]
Frank Zappa reconoció a Dolphy como una influencia musical en las notas del álbum de 1966 Freak Out! [80] e incluyó un tributo a Dolphy titulado "The Eric Dolphy Memorial Barbecue" en su álbum de 1970 Weasels Ripped My Flesh .
La pianista Geri Allen analizó la música de Dolphy para su tesis de maestría en la Universidad de Pittsburgh , [81] y rindió homenaje a Dolphy en canciones como "Dolphy's Dance", grabada y lanzada en su álbum de 1992 Maroons . [82]
En 1989, Po Torch Records lanzó un álbum titulado "The Ericle of Dolphi", con Evan Parker , Paul Rutherford , Dave Holland y Paul Lovens . [83]
En 1997, la Orquesta de Arte de Viena lanzó Powerful Ways: Nine Immortal Non-evergreens para Eric Dolphy como parte de su caja conmemorativa del 20.° aniversario. [84]
En 2003, para conmemorar lo que habría sido el 75 cumpleaños de Dolphy, se realizó una interpretación en su honor de una composición original de Phil Ranelin en el William Grant Still Arts Center en la ciudad natal de Dolphy, Los Ángeles. [85] Además, la Junta de Supervisores del Condado de Los Ángeles designó el 20 de junio como el Día de Eric Dolphy. [85]
En 2014, conmemorando los 50 años desde la muerte de Dolphy, los pianistas berlineses Alexander von Schlippenbach y Aki Takase lideraron un proyecto llamado So Long, Eric!, celebrando la música de Dolphy y con músicos como Han Bennink , Karl Berger , Tobias Delius , Axel Dörner y Rudi Mahall . Ese año también hubo un tributo a Dolphy por parte de un grupo berlinés liderado por Gebhard Ullmann , quien previamente había fundado un cuarteto llamado Out to Lunch en 1983. [82] En los Estados Unidos, el grupo artístico Seed Artists presentó un festival de dos días titulado Eric Dolphy: Freedom of Sound en Montclair , Nueva Jersey, ese año. [12] [86]
Las composiciones de Dolphy son la inspiración para muchos álbumes tributo, incluidos Prophet y Dedicated to Dolphy de Oliver Lake , Hidden In Plain View de Jerome Harris , [ 87] la reimaginación de Out to Lunch! de Otomo Yoshihide , [88] Potsa Lotsa: The Complete Works of Eric Dolphy de Silke Eberhard , [89] y el álbum a dúo Duet For Eric Dolphy de Aki Takase y Rudi Mahall . [90]
La balada "Poor Eric", compuesta por el pianista Larry Willis y que aparece en el álbum Right Now! de Jackie McLean de 1966 , está dedicada a Dolphy.
Dolphy fue el tema de un documental de 1991 titulado Last Date , dirigido por Hans Hylkema, escrito por Hylkema y Thierry Bruneau, y producido por Akka Volta. [91] [92] La película incluye videoclips de las apariciones televisivas de Dolphy, junto con entrevistas con los miembros del trío Misha Mengelberg , con quien Dolphy grabó en junio de 1964, así como comentarios de Buddy Collette , Ted Curson , Jaki Byard , Gunther Schuller y Richard Davis .
{{cite AV media notes}}: CS1 maint: otros en cite AV media (notas) ( enlace )Eric tenía todos los discos de Cecil, y lo único que quería era tocar con Cecil. Eric... solía decir: "Creo que estoy aprendiendo a tocar con Cecil". Me lo repetía una y otra vez porque no sentía que pudiera decírselo a Cecil... Era lo más raro. Antes de que Eric se fuera a Europa, me contó un sueño que había tenido. Soñó que estaba en el escenario con Cecil y otro clarinetista... estaba esperando su turno para tocar. Dijo que se repetía a sí mismo: "Por fin voy a tocar con Cecil". Y antes de que pudiera tocar, cayó muerto en el escenario. Esa fue la última vez que hablé con él antes de que se fuera a Europa, y lo siguiente que oí fue que Eric había muerto de un ataque al corazón en el escenario en Berlín. Fue lo más raro.
Creo que la idea de intentar hacer que el instrumento hable en tres registros diferentes simultáneamente, que todo el instrumento hable al mismo tiempo, surgió de intentar lidiar con Dolphy. Pero... el estilo de Dolphy es tan único que si tocas como él no hay nada más obvio. Es una tradición que debería extenderse, porque en cierto modo es la extensión natural de Charlie Parker. Es una pena que, en términos del desarrollo lineal de la interpretación de alto, eso no parezca haberse llevado más allá. Es fenomenalmente difícil ir más allá.
