Agharta es un álbum doble en vivo de 1975 del trompetista, compositor y director de banda de jazz estadounidense Miles Davis . Cuando grabó el álbum, Davis tenía 48 años y había alejado a muchos en la comunidad del jazz mientras atraía a audiencias de rock más jóvenes con su música de fusión eléctrica radical . Después de experimentar con diferentes formaciones, estableció una banda en vivo estable en 1973 y realizó giras constantes durante los siguientes dos años, a pesar del dolor físico por el empeoramiento de la salud y la inestabilidad emocional provocada por el abuso de sustancias. Durante una gira de tres semanas por Japón en 1975, el trompetista realizó dos conciertos en el Festival Hall de Osaka el 1 de febrero; el espectáculo de la tarde produjo Agharta , y el espectáculo de la noche se lanzó como Pangaea al año siguiente.
Davis dirigió un septeto en el concierto; el saxofonista Sonny Fortune y el guitarrista Pete Cosey tuvieron espacio para improvisar contra un denso fondo de riffs , efectos electrónicos, ritmos cruzados y ritmos funk de la sección rítmica : el baterista Al Foster , el bajista Michael Henderson , el guitarrista Reggie Lucas y el percusionista James Mtume . Davis controló su dirección rítmica y musical con gestos de manos y cabeza, frases tocadas en su trompeta procesada con wah-wah y drones de un órgano electrónico de acompañamiento . La naturaleza evolutiva de la interpretación llevó al malentendido generalizado de que no tenía base compositiva, mientras que sus cualidades musicales oscuras, enojadas y sombrías fueron vistas como un reflejo del estado emocional y espiritual del líder de la banda en ese momento.
Agharta fue lanzado por primera vez en Japón por CBS/Sony en agosto de 1975, justo antes de que Davis se retirara temporalmente debido a su cada vez peor salud y agotamiento. Por sugerencia del sello discográfico, se tituló en honor a la legendaria ciudad subterránea . Davis contrató al artista japonés Tadanori Yokoo para diseñar su obra de arte, que mostraba el paisaje urbano de una civilización avanzada con elementos inspirados en mitos subterráneos orientales , afrofuturismo y ufología . Columbia Records produjo una portada alternativa para su lanzamiento en América del Norte en 1976 .
Agharta , un disco que generó muchas controversias, desafió aún más al público jazzístico de Davis y fue ampliamente criticado por los críticos contemporáneos; los críticos encontraron la música discordante y se quejaron de los fuertes sonidos de guitarra de Cosey y la escasa forma de tocar la trompeta de Davis. Sin embargo, fue reevaluado positivamente en los años posteriores, ya que una generación de músicos más jóvenes se vio influenciada por la música abrasiva y la forma de tocar catártica de la banda, en particular las improvisaciones libres cargadas de efectos de Cosey . Desde entonces, Agharta ha sido visto como un importante disco de jazz-rock, una actuación grupal dramáticamente dinámica y la culminación del período eléctrico de Davis que abarcó fines de la década de 1960 y mediados de la de 1970.
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A principios de la década de 1970, Miles Davis continuó explorando direcciones radicalmente diferentes de la música jazz que lo hizo famoso en las décadas de 1950 y 1960. [1] La música de este período eléctrico en su carrera lo encontró experimentando con rock , funk , ritmos africanos , tecnología emergente de música electrónica y una alineación en constante cambio de músicos que tocaban instrumentos eléctricos. [2] El trompetista atrajo a audiencias más jóvenes a medida que su música de fusión se volvió más radical y abstracta, al tiempo que alejaba a los oyentes, músicos y críticos mayores de la escena del jazz que lo acusaban de venderse . [3] Después de grabar su álbum On the Corner de 1972 , Davis comenzó a centrarse más en tocar en vivo, trabajando en el estudio solo esporádicamente y al azar; los lanzamientos de 1974 Big Fun y Get Up with It compilaron grabaciones que hizo entre 1969 y 1974. [4]
En 1973, Davis ya había establecido la mayor parte de la formación de su banda, un septeto con el bajista Michael Henderson , los guitarristas Pete Cosey y Reggie Lucas , el baterista Al Foster , el percusionista James Mtume y el saxofonista Dave Liebman ; Liebman dejó el grupo al año siguiente y fue reemplazado por Sonny Fortune . [5] Henderson, Lucas, Foster y Mtume funcionaron como la sección rítmica de la banda , mientras que a Davis, Cosey y Fortune se les dio espacio para improvisar como solistas. [6] Sus conciertos, que se realizaban con frecuencia en salas de rock y festivales, se convirtieron en oportunidades para que Davis y sus acompañantes probaran nuevas ideas musicales y formas de explotar el equipo electrónico. [7]
Davis estuvo de gira sin descanso durante dos años mientras toleraba un intenso dolor físico y dificultad para caminar, causados por el dolor en las articulaciones por anemia de células falciformes , tobillos gravemente dañados después de un accidente automovilístico en 1972 y osteoporosis en su cadera izquierda, que había sido operada una década antes. [8] También había desarrollado nódulos en la laringe que a menudo lo dejaban sin aliento, especialmente cuando tocaba la trompeta. [9] Para adormecer el dolor, se volvió cada vez más dependiente de la automedicación con analgésicos, cocaína y morfina, que combinadas con su consumo de alcohol y drogas recreativas llevaron a cambios de humor; por turnos se sentía vulnerable y hostil. [10] A fines de 1974, un desempeño decepcionante en la encuesta de lectores de la revista DownBeat reafirmó a Davis que su reputación había disminuido. [11] Sin inmutarse por los detractores y los problemas personales, mantuvo su intensa agenda de giras. [12] Como relata Henderson:
Era como el general que miraba el fuerte y tenían un foso y nosotros íbamos a entrar en ese fuerte. Esa era la actitud de la banda. No nos importaba una mierda lo que dijeran los críticos. A la gente le va a gustar lo que le guste, pero si no te gusta, respétalo. Respeta que tengo derecho a hacer lo que hago. Porque con o sin ti, lo vamos a hacer de todos modos. [13]
En 1975, Davis, de 48 años, se embarcó en una gira de tres semanas por Japón. Entre el 22 de enero y el 8 de febrero, dio 14 conciertos en grandes salas ante multitudes y críticas entusiastas. [14] El crítico japonés Keizo Takada dijo en ese momento que Davis estaba dirigiendo su banda "magnífica y enérgica" de la misma manera que Duke Ellington dirigía su orquesta: "Miles debe ser el genio de la gestión de los hombres y de sacar a relucir su talento oculto". [11]
Durante toda la gira, Davis estuvo enfermo de neumonía y una úlcera sangrante que fue empeorando, mientras que su cadera ocasionalmente e impredeciblemente se salía de su lugar. Incapaz de manejar el volumen de su trompeta y los pedales de efectos debido al dolor en sus piernas, se arrodillaba para presionarlos con su mano durante las actuaciones. Para aliviar su dolor y actuar, consumía codeína y morfina, fumaba y bebía grandes cantidades de cerveza Heineken . En varias ocasiones, Davis pudo tocar dos conciertos en un día, como lo hizo el 1 de febrero en el Festival Hall de Osaka . [15]
Las actuaciones en el Festival Hall fueron grabadas por el sello discográfico japonés CBS/Sony bajo la supervisión de Teo Macero , productor de Davis durante 15 años. [16] "Los japoneses eran muy hermosos", recordó Henderson sobre los conciertos. "Llegaron con sus trajes y corbatas y procedimos a volarles el techo con un millón de amplificadores". [13]
Nuestros conciertos empezaron como un globo increíblemente comprimido. Después fue cuestión de ir desinflando poco a poco. La energía que necesitábamos para tocar a ese nivel era enorme. Había veces en las que teníamos que tumbarnos después de terminar de tocar. Antes del concierto acumulábamos esa energía. Nos mirábamos y decíamos: "Vamos a atravesar la pared". Ese era nuestro lema. Significaba llevarlo tan lejos como pudiéramos físicamente. Mantenernos en ese nivel de concentración y energía durante dos o tres horas era atravesar la pared.
—James Mtume (2001) [17]
Para el primero de los dos sets del concierto de la tarde , la banda interpretó las composiciones "Tatu", "Agharta Prelude" y "Maiysha" (de Get Up with It ), conformando el primer disco de música de Agharta . Las interpretaciones del segundo set de "Right Off" (del álbum de Jack Johnson de Davis de 1971 ), "Ife" (de Big Fun ) y "Wili (= For Dave)" abarcaron el segundo disco; entre los segmentos de "Right Off" e "Ife", la banda improvisó un pasaje basado en " So What " (del álbum de 1959 Kind of Blue ) durante 41 segundos después de que Henderson comenzara a tocar su ostinato . [18] Las piezas se interpretaron en medleys , a los que se les dieron títulos de pista genéricos en Agharta , como "Preludio" e "Interludio". [19] Al igual que con sus otros lanzamientos en vivo en la década de 1970, Davis se negó a que se especificaran composiciones individuales en la lista de canciones porque sentía que los críticos y otros oyentes a menudo pasaban por alto el significado intrínseco de la música al entregarse al análisis musical abstracto . "No estoy haciendo nada, no necesita una explicación", le dijo más tarde a Leonard Feather . [20] Los estudiosos de la música pudieron identificar las piezas a través de un examen de lo que el investigador de Davis Enrico Merlin llamó " frases codificadas ", que Davis tocaba en la trompeta o el órgano para significar el final de un segmento y dirigir a la banda hacia la siguiente sección. Utilizó por primera vez tales señales y modulaciones cuando grabó " Flamenco Sketches " en 1959, dijo Merlin. [21]
Las piezas incluidas en Agharta formaban parte de una lista de canciones típica del grupo, pero sus interpretaciones de cada una de ellas a veces cambiaban hasta casi resultar irreconocibles de un concierto a otro. Esto, junto con los nombres de las pistas, llevó a la confusión generalizada de que la música era mayoritariamente o totalmente improvisada y no estructurada. [22] Lucas explicó que la banda comenzaba cada interpretación con una "base compositiva muy definida" antes de desarrollarla más de una manera muy estructurada pero "muy libre"; el segmento "Right Off", por ejemplo, fue improvisado a partir del riff en mi bemol de la grabación original . [23] Davis hizo que la banda tocara un solo acorde en una pieza durante varios minutos con variaciones a medida que cada miembro tocaba en un compás diferente ; Foster podría haber estado tocando en tiempo común y Mtume en compás binario compuesto o séptuplo , mientras que los guitarristas tocarían en otro tempo por completo. "Es mucha mierda intrincada la que estábamos trabajando a partir de este acorde", comentó Davis. [24] Desde la perspectiva de Lucas, este tipo de "improvisación estructurada" resultó en una interacción significativa entre la sección rítmica y permitió a la banda improvisar "mucho más que sólo las notas que se tocaban en los solos; estábamos improvisando toda la canción a medida que avanzábamos". [25]
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Al igual que Pangaea y Dark Magus (los otros dos álbumes en vivo que muestran al septeto), Agharta reveló lo que Amiri Baraka describió como la afinidad de Davis por el minimalismo . [26] Abandonó las convenciones melódicas y armónicas en favor de riffs, ritmos cruzados y grooves funk como telón de fondo para que los solistas improvisaran a lo largo de la canción. [27] Davis había preferido composiciones sobrias a lo largo de su carrera, pero a mediados de la década de 1970 mostró una aceptación más profunda del ritmo, inspirado en la política afrocéntrica . [28] Cuando Mtume y Cosey se unieron a la banda, su música en vivo perdió la mayor parte de sus "sensibilidades europeas" y "se instaló en algo profundamente africano, un groove afroamericano profundo" que enfatizaba el ritmo y la batería en lugar de solos individuales, dijo Davis, aunque no rechazó por completo la melodía. "No estamos en África y no tocamos solo cánticos. Hay algo de teoría debajo de lo que hacemos". [29]
Al clasificar Agharta como un disco de jazz-rock, Simon Reynolds escribió en The Wire que la música "ofrecía una intensificación drástica de los tres aspectos más radicales del rock: espacio, timbre y groove". [30] En opinión de Martha Bayles , se inspiró en el jazz solo en su elemento de improvisación libre y en el rock solo en su uso de la electrónica y el "volumen que hace sangrar los oídos". [28] El álbum también mostró los impulsos vanguardistas de Davis y la exploración de los sonidos ambientales . Según Greg Tate , el septeto creó "una red panétnica de música de vanguardia", mientras que Hernan M. Campbell de Sputnikmusic dijo que exploraron "ambientes progresivos" particularmente en la segunda mitad del disco; Phil Alexander de Mojo caracterizó a Agharta como "ambiente pero thrashing, melódico pero brillante", y sugerente de los experimentos electrónicos de Karlheinz Stockhausen . [31]
Durante el concierto, Davis dirigió aproximadamente 50 paradas o descansos a la banda, particularmente a la sección rítmica, haciendo gestos con la cabeza o la mano. [32] Estas paradas sirvieron como puntos de inflexión dramáticos en la estructura de liberación de tensión de las actuaciones, cambiando su tempo y permitiendo a la banda alternar entre pasajes tranquilos y clímax intensos. [33] También intercaló las actuaciones con lavados de drones de su órgano Yamaha , logrando una "presencia extraña, casi perversa" que Mikal Gilmore creía que "definía el temperamento" de la música. [34] Lucas dijo que Davis aplicó una sensación de dinámica que había desarrollado anteriormente en su carrera tocando jazz, pero con una mayor variedad de contrastes , incluidos acordes atonales , disonantes y su propia interpretación de trompeta bebop en contraste con los ritmos funk del grupo. " Las texturas extremas y el volumen extremo", explicó Lucas, "eran parte de la paleta tanto como los acordes contrastantes y las estructuras rítmicas. Al estar equipados como una banda de rock completa, a veces literalmente volamos las paredes". [33]
Durante los segmentos de "Tatu" y "Agharta Prelude", Davis detuvo y reanudó abruptamente el septeto varias veces para cambiar los tempos tocando una figura de órgano disonante y cacofónica, lo que le dio a Cosey espacio para generar figuras y efectos psicodélicos excéntricos. [35] El tema principal de "Tatu" se había tocado a un tempo más lento cuando Cosey se unió por primera vez a la banda, pero lo tocaron más rápido a medida que su relación creció, especialmente en el momento de la gira japonesa. Cosey le atribuyó a Davis la capacidad de "transmitir pensamientos e ideas" a los solistas con su forma de tocar. [36] Según John Szwed , el tema del "Preludio" se tocó aquí con riffs y tonalidad más pronunciados que en interpretaciones anteriores de la pieza. [15]
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La dirección rítmica de la música se vio interrumpida ocasionalmente por efectos electrónicos y de percusión de capas densas, incluidos zumbidos y chirridos repetidos. Cosey generó estos sonidos haciendo pasar su guitarra por un modulador de anillo y un EMS Synthi A. [ 37] Este último dispositivo era un sintetizador temprano con perillas y botones pero sin teclado, lo que lo hacía útil para producir ruidos abstractos en lugar de tonos y melodías exactas. Si bien sirvió como unidad de efectos para sus improvisaciones, también fue utilizado por Cosey para sugerir un cierto paisaje sonoro durante cada actuación. "Ya sea que estuviéramos en el espacio, o bajo el agua o un grupo de africanos tocando, simplemente diferentes paisajes sonoros", explicó más tarde. [38]
En el escenario, Cosey también tenía una mesa preparada con una mbira , claves , campanas agogo y varios otros instrumentos de percusión de mano , que tocaba o golpeaba con un mazo para indicar un descanso o parada diferente. "¡Los golpeaba como lo hacen en las peleas [de boxeo]!", recordó Cosey. [39] Su sintetizador a veces interactuaba con los sonidos experimentales que Mtume era capaz de generar desde su caja de ritmos, como durante el segmento "Ife". Davis le dio el instrumento a Mtume después de recibirlo de Yamaha, el patrocinador de la gira japonesa, y le dijo "mira lo que puedes hacer con él". En lugar de usarlo para crear ritmos, Mtume procesó la caja de ritmos a través de varios pedales y cambiadores de fase diferentes como el Mu-Tron Bi-Phase , creando un sonido que dijo que era "un tapiz total". "También estoy usando un pedal de volumen, así que estoy haciendo entrar y salir los sonidos", recordó Mtume. "A menos que te lo hayan dicho, no tendrías idea de que escuchaste una caja de ritmos". [40]
A diferencia de las grabaciones anteriores de Davis, las cadencias de Agharta fueron interpretadas principalmente por Fortune y Cosey. [15] Fortune alternaba entre saxofones soprano y alto y la flauta, tocando con una "sustancia y estructura" que Gilmore creía que estaba muy en deuda con John Coltrane durante su período A Love Supreme (1965). [41] En su evaluación de los solos de Fortune en el álbum, Gilmore dijo que el saxofonista "flota sobre una formidable densidad rítmica, tomando pausas largas y elegantes que se alejan en un ensueño privado". [41] Fortune interpretó su solo de saxofón alto más largo en "Right Off", que abrió el segundo disco del disco en un segmento "propulsivo" que Gilmore dijo "vuela como un viaje en tren en un sueño, donde las escenas pasan rápidamente por la ventana en un sueño fascinante e ilusorio". [42]
Cosey tocaba una guitarra eléctrica Guild S-100 y empleaba mucho el cromatismo , la disonancia y la retroalimentación en sus improvisaciones en Agharta . [43] Alternaba entre varios pedales de efectos instalados debajo de su mesa de instrumentos de percusión, incluido un fuzzbox para distorsionar los sonidos de la guitarra y dos pedales wah-wah diferentes que usaba durante los solos o cuando tocaba tonos más suaves . [44] Cosey a menudo organizaba las cuerdas de su guitarra en diferentes lugares del diapasón y nunca tocaba con la afinación estándar , utilizando al menos 36 sistemas de afinación diferentes , cada uno de los cuales alteraba el estilo y el sonido de su interpretación. [45] Según Tzvi Gluckin de Premier Guitar , su forma experimental de tocar la guitarra tenía sus raíces en el blues y mostraba un sentido del fraseo que era agresivo y "abrasador" pero "de alguna manera también moderado", particularmente en su control de la retroalimentación. [44]
Davis había reclutado a Cosey para que le diera a su música sonidos del blues eléctrico y de Jimi Hendrix , cuyo uso de la distorsión y la afinación en mi bemol era compartido por Cosey. [46] Según Charles Shaar Murray , evocó los solos ecoicos del guitarrista inspirados en el free jazz mientras Lucas tocaba a la manera de las canciones de rhythm and blues más líricas de Hendrix ; la guitarra de Cosey estaba separada al canal izquierdo y la de Lucas al derecho en Agharta . [47] El erudito en jazz Stuart Nicholson escribió que Davis utilizó a sus guitarristas de una manera que realizó las "ondas de distorsión armónica " que Hendrix había explorado en su propia música. [48] En opinión de Murray, el álbum invocó su influencia en el trompetista de manera más explícita que cualquier otro de sus discos; Nicholson lo consideró como la "aproximación más cercana" a la música que podrían haber grabado juntos. [49]
Davis pasó de solos sucintos y expresivos a gemidos nada sentimentales durante el concierto, lo que sugería que todavía estaba de luto por la muerte de Hendrix en 1970 , conjeturó Murray. [50] Ese año, Davis había comenzado a tocar con un pedal wah-wah fijado a su trompeta para emular el registro que Hendrix logró en su guitarra. [51] El pedal creó lo que The Penguin Guide to Jazz (2006) describió como "subidas y bajadas en una línea armónicamente estática, lo que le permitió a Miles construir enormes variaciones melismáticas en una sola nota". [52] Davis eventualmente desarrolló lo que Philip Freeman llamó "un nuevo tono, las cintas onduladas y brillantes de sonido que se escuchan en Agharta ", donde sus solos procesados con wah-wah a menudo sonaban frenéticos y melancólicos, como "corrientes retorcidas de dolor crudo". [53]
Davis tocó su trompeta de forma dispersa durante todo el concierto, a menudo sonando eclipsado por la sección rítmica. Su presencia en Agharta reflejó lo que Szwed llamó "la sensación y la forma de la obra tardía de un músico, una música sin ego que precede a la muerte de su creador". Basándose en el comentario de Theodor W. Adorno sobre las últimas obras de Ludwig van Beethoven , Szwed dijo que "la desaparición del músico en la obra es una reverencia a la mortalidad. Era como si Miles estuviera dando testimonio de todo lo que había presenciado durante los últimos treinta años, tanto aterrador como alegre". [54] Según Richard Cook , el pasaje final de trompeta de Davis del segmento "Wili (= Para Dave)" tipificó una "sensación de tristeza, incluso de agotamiento", que coloreó muchas interpretaciones de la música "oscura" de Agharta . [55]
Después de que el primer y único solo de Lucas en el show culminara el segmento "Ife", Davis introdujo "Wili (= For Dave)" con algunos acordes de órgano, que culminaron con el solo final de Cosey y un pasaje de trompeta de Davis, que Paul Tingen caracterizó como quejumbroso e introspectivo. Según él, los espectáculos de música en vivo normalmente se desarrollaban hacia un clímax final, pero los conciertos de Davis "a menudo se disolvían en la entropía". En Agharta , Tingen observó una "profunda tristeza" que se cernía sobre la música a medida que la energía de la pieza "Wili (= For Dave)" "se agotaba lentamente" hasta el desvanecimiento del disco . [17]
El título de Agharta fue propuesto por CBS/Sony como una referencia a la ciudad utópica subterránea . [56] La leyenda de la ciudad fue una de varias versiones orientales de la teoría de la Tierra Hueca , que proponía que una antigua alta cultura vivió originalmente en la superficie de la Tierra pero se vio obligada a huir hacia abajo debido a alguna crisis política o geológica. [57] El mito describía a la ciudad como una fuente divina de poder, afirmando que sus habitantes eran seres altamente espirituales y avanzados que salvarían a la Tierra del materialismo y la tecnología destructiva después de un evento cataclísmico. [58] Fue concebida por primera vez por el pensador francés del siglo XIX Louis Jacolliot como una tierra gobernada por un gobernante etíope ; Alexandre Saint-Yves d'Alveydre más tarde la describió como "ahogando en radiaciones celestiales todas las distinciones visibles de raza en un solo croma de luz y sonido, singularmente alejada de las nociones habituales de perspectiva y acústica". [15]
El diseño del álbum estuvo a cargo del artista japonés Tadanori Yokoo , quien había estado creando serigrafías sobre temas de Agharta y el mítico reino de Shambhala el año anterior al concierto en el Festival Hall; su diseño para Lotus (1974) de Santana incluía dichos temas. [59] A principios de la década de 1970, Yokoo se había dado cuenta de que su creciente popularidad en Japón lo distraía y se mudó a los Estados Unidos, donde pudo publicar más de su trabajo. Después de regresar a Japón, recibió una llamada telefónica de Davis, quien había visto su arte y quería que creara una portada para Agharta . [60] Antes de diseñar la portada, Yokoo escuchó una cinta preliminar del concierto, meditó y reflexionó sobre su lectura del libro de Raymond W. Bernard de 1969 The Hollow Earth . [61] Bernard había escrito que la ciudad existía en una gran caverna en el centro de la Tierra donde los habitantes desplazados de la Atlántida se habían refugiado después de su destrucción, utilizando aviones mitológicos conocidos como vimanas como transporte, aunque Yokoo dijo que creía que "Agharta podría estar allí abajo bajo el mar como la Atlántida o incluso escondida en la jungla como la ciudad perdida de El Dorado ". [62] Yokoo también se basó en elementos de otros mitos subterráneos orientales y del afrofuturismo en su diseño. [63] Los críticos que finalmente vieron el empaque del álbum pensaron que se había inspirado en las drogas psicodélicas populares en ese momento. [61]
La portada mostraba una civilización avanzada con un vasto paisaje de rascacielos y llamas rojas similares a rayos de sol que se elevaban desde el paisaje urbano como representaciones del poder de Agharta. [64] Yokoo utilizó una combinación de técnicas de collage, aerografía y pintura como lo había hecho con su trabajo anterior, junto con postales recopiladas de sus viajes a Tahití y la ciudad de Nueva York; el paisaje urbano de la portada fue tomado de una de sus postales. [60] La contraportada mostraba la ciudad sumergida en el agua, incrustada en arrecifes de coral y sobre la que flotaban un buzo, un pez y un calamar que ascendían desde la ciudad. [65] Según los diseñadores gráficos Storm Thorgerson y Aubrey Powell , Yokoo representó grupos de medusas, arrecifes de coral y peces de colores brillantes para sugerir una asociación entre Agharta y la Atlántida. [61] El primer plano de la ilustración de la contraportada presentaba una criatura reptil . La investigadora de estudios culturales Dagmar Buchwald interpretó esta imagen como una alusión a ideas similares sobre Lemuria ; este continente mitológico supuestamente existió durante la prehistoria de la Tierra y fue habitado por una civilización avanzada , luego forzada bajo la superficie de la Tierra después de que su tierra natal fuera destruida por un gran diluvio . [65]
En la contraportada se representaba un OVNI volando bajo un foco de luz sobre Agharta, mientras que el embalaje interior del álbum presentaba imágenes de seres sobrehumanos alados conocidos como los superhombres de Agharta, que custodiaban las entradas de la ciudad y los túneles secretos. [66] Una inscripción en la funda desplegable del LP explicaba la conexión entre el OVNI y los superhombres de Agharta:
Durante varios períodos de la historia, los superhombres de Agharta vinieron a la superficie de la Tierra para enseñar a la raza humana a vivir juntos en paz y salvarnos de las guerras, las catástrofes y la destrucción. El aparente avistamiento de varios platillos volantes poco después del bombardeo de Hiroshima puede representar una de esas visitas. [65] [nb 1]
El lanzamiento norteamericano de Agharta tuvo un diseño artístico diferente diseñado por John Berg, el director artístico del sello estadounidense de Davis, Columbia Records . [68] En las notas del álbum, una inscripción decía que el disco debía escucharse al volumen más alto posible y los arreglos se le atribuían a Davis. [69] Después de su lanzamiento, Macero recibió una queja del departamento de contabilidad de Columbia sobre que el trompetista había recibido una compensación de $2500 por arreglo, argumentando que ninguna de las canciones sonaba como si hubieran sido arregladas. [70]
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Según se informa, Davis estaba tan insatisfecho con su actuación en las grabaciones del Festival Hall que le concedió la preparación de su lanzamiento a Macero. [71] El productor se abstuvo de editarlas y unirlas con partes pregrabadas, un cambio con respecto a su enfoque habitual para los álbumes de la era eléctrica de Davis. Como explicó más tarde a la revista Musician , "los japoneses querían específicamente que me fuera en las cosas espaciales". [72] Se lanzaron como dos álbumes dobles : Agharta , que incluye el concierto de la tarde, se lanzó por primera vez en Japón en agosto de 1975 y más tarde en América del Norte en 1976; el espectáculo de la noche se publicó exclusivamente en Japón como Pangaea en 1976. [73] [nb 2]
Agharta fue reeditado varias veces. En enero de 1991, Columbia lo relanzó en los EE. UU. en CD, con una remasterización que Tingen consideró inferior al LP original en calidad de sonido y mezcla . "Si el CD hubiera sido mi primera presentación, es posible que nunca me hubiera gustado mucho el álbum", dijo. [75] Sony luego remasterizó Agharta nuevamente como parte de su campaña de reediciones de Davis y la serie Master Sound en Japón, con un sonido mejorado utilizando Super Bit Mapping . [76] Esta edición japonesa en CD de 1996 restauró nueve minutos adicionales de retroalimentación atmosférica, percusión y sonidos de sintetizador al final de la pista final. [17]
Mark Wilder y Maria Triana diseñaron otra remasterización del álbum en los Battery Studios de Nueva York. Se puso a la venta en Estados Unidos en 2009, cuando Agharta fue uno de los 52 álbumes reeditados en fundas de réplica de mini-LP como parte de Miles Davis: The Complete Columbia Album Collection , un box set encargado por Sony Legacy . [77] Según Tingen, esta edición sonaba "como si se hubiera levantado una manta de lana del CD anterior", aclarando especialmente a Cosey, que había sonado apagado en la mezcla. Aún le pareció algo bajo en graves, lo que atribuyó a las cintas maestras originales: "La versión LP tampoco tenía muchos graves, pero siempre asumí que esto se debía al corte LP: con álbumes de larga duración, los surcos pueden contener menos información de graves". [78]
El concierto en el Festival Hall había sido recibido con entusiasmo por el público de Osaka. "No tenía idea de lo que [ellos] iban a hacer", recordó Henderson. "Nos dieron una ovación de pie que duró casi tanto como el concierto". [13] Sin embargo, la música no se adaptó bien al mercado comercial, ya que Agharta no era adecuada para "retransmisiones en FM, baile o escucha pasiva", en palabras de Nicholson. La única aparición del LP en una lista de música popular fue en abril de 1976 en la lista Billboard estadounidense , donde permaneció cinco semanas y alcanzó una posición máxima de 168. [79]
Agharta también fue un gran fracaso entre los críticos profesionales. [80] Según Robert Christgau , resultó ser el álbum doble de Davis más criticado en la década de 1970. [71] Dave Segal de The Stranger afirma que fue uno de los discos más divisivos de la historia, desafiando tanto a los críticos como a la audiencia principal del artista de la misma manera que lo hizo el álbum Metal Machine Music de Lou Reed en 1975. [81]
En una reseña para The New York Times en abril de 1976, Robert Palmer dijo que Agharta está estropeado por largos tramos de "jams descuidados de un solo acorde", sonidos inconexos y una calidad banal claramente interpretada por la impecable ingeniería japonesa. Se quejó de que el uso del pedal wah-wah por parte de Davis inhibe su capacidad para frasear notas y que el septeto suena pobre "según los estándares del rock", particularmente Cosey, cuya guitarra sobreamplificada "gime y retumba como un taller de máquinas ruidoso" y relega a Lucas a riffs de fondo. [82] El crítico de Jazz Forum Andrzej Trzaskowski escribió que Fortune parece ser el único músico de jazz en el disco, encontrando sus solos a menudo impecables, mientras menospreciaba las interpretaciones de Davis, Lucas y Cosey, cuyos efectos de guitarra y sintetizador encontró innecesariamente brutales. En opinión de Trzaskowski, los segmentos individuales no se cohesionan como un todo y se ven obstaculizados aún más por la típica "fraseología rock" de los guitarristas, de quienes dice que carecen de ingenio, armonía y gusto. [37]
El crítico de jazz Ian Carr opinó que el álbum "sufre de una monotonía de sonido" que atribuyó principalmente a la forma de tocar la guitarra implacablemente explosiva de Lucas y Cosey. Junto a los ritmos intensos de la banda, la trompeta de Davis suena fatigada, abatida y fuera de lugar para Carr. En general, consideró que la música "era demasiado no occidental en el sentido de demasiado ritmo y no suficiente estructura". [83] Gary Giddins escribió una crítica airadamente despectiva de Agharta en The Village Voice , en la que acusó a Davis de no hacer valer su presencia musical en lo que dijo que no es "solo un mal disco" sino también "triste". En la mente de Giddins, el trompetista "no explota el contratiempo, sucumbe a él, y la peor consecuencia no es la monotonía resultante, que teóricamente un solista podría convertir en su ventaja". [84] Unos días después de que se publicara su reseña, le enviaron un paquete lleno de hisopos de algodón grandes, estropajos industriales y una tarjeta que decía: "La próxima vez que revises a Miles Davis, limpia tu cabeza". [85]
Agharta recibió algunos comentarios contemporáneos positivos. Nathan Cobb de The Boston Globe evaluó el disco favorablemente en 1976, llamándolo "una especie de tormenta de fuego para los años 70" con una base rítmica "positivamente cósmica". En conclusión, consideró a Davis como "el que guía a los demás a través de las aguas desconocidas del jazz rock electrónico". [86] En DownBeat , Gilmore dijo que la banda suena mejor en los segmentos vertiginosos que abren cada uno de los dos discos, donde las feroces improvisaciones de Cosey "logran una dimensión emocional asombrosa" que falta en los pasajes más lentos, que sintió que aún están redimidos por la elegíaca forma de tocar la trompeta de Davis. Calificó el álbum con cuatro estrellas, de un máximo de cinco. [41] Lester Bangs encontró que Agharta era demasiado difícil de evaluar definitivamente, pero no obstante más fascinante que la mayoría de la otra música que se lanzaba en ese momento. En Phonograph Record escribió que la nueva música de Davis es el producto de las "capacidades emocionales" otrora luminosas de su corazón, que han quedado destrozadas por un "gran sufrimiento, tal vez insoportable". [87] Continuó escribiendo:
En palabras de Patti Smith , su música es para mí ahora "una rama de llama fría", y creo que, por aplastado que esté ese corazón, el alma que está más allá de él no ha sido ni podrá ser destruida jamás. Como el " caso quemado " de Graham Greene (y no se refería a las drogas), tal vez eso sea todo lo que queda. Pero de una manera curiosa, casi brilla con más fuerza en su propia frialdad oscura; y eso, lo que es todo lo que queda, es simplemente el universo. [88]
En el momento del segundo concierto en Osaka (capturado en Pangaea ), el nivel de energía de la banda había disminuido significativamente y Davis sonaba particularmente ausente. Como contó Mtume, "se enfermó por la noche y se puede escuchar la diferencia en la energía". [40] Al regresar de Japón, el trompetista enfermó nuevamente y fue hospitalizado durante tres meses. [89] Realizó algunos shows más y sesiones de estudio con la banda, pero su salud empeoró; su último show el 5 de septiembre de 1975 en Central Park terminó abruptamente cuando Davis dejó el escenario y comenzó a llorar de dolor. [90]
Davis se retiró poco después, alegando agotamiento físico, espiritual y creativo, y vivió como un recluso durante los siguientes años, a menudo luchando con episodios de depresión y tratamientos médicos adicionales. [91] Después de reanudar su carrera discográfica en 1980, abandonó la dirección que había seguido en la década de 1970, tocando en su lugar un estilo de fusión mucho más melódico y accesible al público, hasta su muerte en 1991. [92] El día después de su muerte, la Plaza Wenceslao de Praga vio la apertura del AghaRTA Jazz Centrum, un pequeño club de jazz que lleva el nombre del álbum, que alberga actuaciones nocturnas y un festival anual en el que actúan artistas locales e internacionales. [93]
Agharta fue objeto de una reevaluación crítica positiva a partir de 1980, cuando Davis regresó a la escena del jazz. [101] De los álbumes que documentan su banda de 1973-75, muchos críticos lo consideraron el mejor, en retrospectiva. [44] Para Giddins, se había convertido en uno de sus álbumes favoritos del período eléctrico del trompetista, ya que reevaluó sus elementos de drama, tensión implacable y lo que consideró las mejores interpretaciones de las carreras de Fortune y Cosey. "Realmente no hay un momento en el que la música no refleje las atenciones del propio hechicero", dijo más tarde. [102]
En la Guía de discos de Christgau: Álbumes de rock de los setenta (1981), Christgau consideró a Agharta como la mejor música de Davis desde Jack Johnson . Lo llamó un disco "furioso, disociado, funky" construido sobre la interpretación virtuosa del septeto, en particular la "ingenua demostración de talento" de Foster y la interpretación de Fortune, que consideró la mejor interpretación de instrumentos de viento de madera en un álbum de Davis de esta década. [71] [nb 3] Reflexionando sobre las grabaciones de conciertos de la década de 1970 del trompetista en The Rolling Stone Album Guide (1992), JD Considine sostuvo que la música "alternativamente audaz, poética, hipnótica y abrasiva" de Agharta había resistido mejor el paso del tiempo. [104] El biógrafo de Davis, Jack Chambers, creía que resultó mucho mejor que la mayoría de sus otros álbumes eléctricos, y que los segmentos "Maiysha" y "Jack Johnson" en particular "mágicamente pusieron de relieve las fuerzas musicales sobre las que muchos pensaban que Davis había perdido el control". [105]
Aunque el uso del wah-wah por parte de Davis fue frecuentemente descartado en el pasado como un experimento fallido, Richard Cook y Brian Morton creían que el pedal de efectos había ayudado de hecho a Davis a lograr una interpretación notablemente aventurera en Agharta . [52] Cook lo nombró entre los mejores trabajos de Davis y la culminación de la música que había comenzado a explorar en Bitches Brew (1970). Si bien posee un sonido y un alcance "épicos", Agharta también es "un gran disco de banda", en su opinión: "Aunque Davis solo contribuyó con detalles reveladores, aún así logró actuaciones excepcionales de sus hombres". [106] En la mente de Tingen, representa la "meseta alta" de las exploraciones eléctricas de Davis. Dijo que, debido a que Davis le dio a la banda libertad para una interacción constante, la música exhibe una "calidad orgánica y fluida", así como una mayor variedad de texturas, ritmos, timbres y estados de ánimo que Dark Magus . [33] Henry Kaiser lo llamó la mejor interpretación de conjunto de la era eléctrica del jazz, y Steve Holtje, escribiendo en MusicHound Jazz (1998), le dio crédito a Davis por dirigir a los "héroes" del álbum para esculpir "momentos de belleza desgarradora y vehemencia desgarradora". [107] En All Music Guide to Jazz (2002), Thom Jurek consideró al álbum indiscutiblemente el "mejor disco de jazz funk-rock eléctrico de todos los tiempos" y declaró: "simplemente no hay nada como Agharta en el canon de la música grabada". [27]
A mediados de los años 70, los fans que habían desarrollado vínculos emocionales con los paisajes sonoros melancólicos de Filles de Kilimanjaro y In a Silent Way tuvieron problemas para adaptarse a las tormentas de fuego electrónicas de Agharta . Mientras Davis recibía tratamiento por dos piernas rotas y una enfermedad ósea, una nueva generación de oyentes y músicos se sintió inspirada por la música abrasiva que había grabado su última banda de los años 70.
—Robert Palmer (1985) [108]
A pesar de ser uno de los discos menos conocidos de Davis, Agharta perteneció a un período de su carrera que influyó en artistas del jazz británico , new wave y punk rock , incluidos los guitarristas Robert Quine y Tom Verlaine . [109] Inspiró a una generación de músicos a centrarse en la interpretación catártica en lugar de la instrumentación y la composición precisas. [110] Quine estaba particularmente fascinado por los sonidos de guitarra eléctrica de Cosey; Bangs, que asistió a la actuación de Quine con los Voidoids en 1977, afirmó que "¡le roba a Agharta ! ¡Y lo hace funcionar !". [111]
Desde entonces, los escritores han elogiado la calidad y originalidad de la interpretación de Cosey en el álbum, viéndolo como un estándar para el dominio y el contraste de la guitarra. [44] El crítico de jazz Bill Milkowski atribuyó su estilo excursivo a "generar toda una escuela de interpretación de guitarra 'enferma'" y dijo que la combinación de las líneas de saxo ácidas de Fortune sobre los ritmos sincopados de Foster, Henderson y Lucas estaban 10 años por delante de los experimentos M-Base de Steve Coleman y Greg Osby . [110] Tingen encontró los solos de Cosey sorprendentemente reveladores y avanzados cuando los escuchó décadas después: "A veces gruñendo, corriendo por todos los rincones como un tigre enjaulado, a veces volando como un pájaro, a veces delirantemente abstracto, a veces elegantemente melódico y tierno, su concepto de guitarra eléctrica es uno de los más originales que se han ideado en el instrumento". [112] En opinión de Christgau, los ruidos que produjo en la segunda mitad de la primera pista "comprenden algunas de las mayores improvisaciones libres jamás escuchadas en un contexto de 'jazz'-'rock'". [71]
Según Nicholson, Agharta y otras grabaciones de jazz-rock como Emergency! (1970) de Tony Williams Lifetime sugirieron que el género estaba progresando hacia "un lenguaje musical completamente nuevo... un género completamente independiente, bastante apartado del sonido y las convenciones de todo lo que había existido antes". Este desarrollo disminuyó con el comercialismo del jazz en la década de 1980 , aunque Agharta siguió siendo un disco fundamental e influyente durante la década de 1990, especialmente en los artistas del género del rock experimental . [113] Se convirtió en uno de los álbumes favoritos del músico inglés Richard H. Kirk , quien recordó haberlo tocado a menudo mientras trabajaba en el loft de Chris Watson durante sus primeros años en la banda Cabaret Voltaire . "Puedo ver cómo este álbum podría haber molestado a la gente, pero para mí tenía ritmos realmente agradables con improvisación y se abría y se volvía más minimalista", dijo Kirk más tarde a The Quietus . [114] Junto con On the Corner , también fue una gran influencia en el álbum Ill Communication de los Beastie Boys de 1994. [115]
En 1998, el compositor y director de banda David Sanford completó su disertación sobre Agharta como estudiante de doctorado en composición en la Universidad de Princeton . En ella, argumentó que el álbum demostraba cómo el jazz ha utilizado una variedad de influencias externas "para evolucionar o modernizarse". En una entrevista varios años después, Sanford dijo que era una obra importante que había ido a los "margenes del jazz" y un lugar que la mayoría de la otra música no ha explorado desde entonces. [116] El artista visual Arthur Jafa , entre la generación de fanáticos originalmente atraídos por Agharta , luego se basó en el álbum como una influencia predominante detrás de su película animada digitalmente AGHDRA (2021), una meditación abstracta sobre el trauma en la experiencia afroamericana expresada a través de imágenes de un mar en erupción y una banda sonora que recuerda los sonidos y arreglos experimentales de Davis. [117] [nb 4]
La información se extrae de las notas del álbum de cada edición. [118]
Los créditos están adaptados de las notas del álbum. [122]
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