Jan van Eyck (holandés: [ˈjɑɱ vɑn ˈɛik]; c. antes de 1390 - 9 de julio de 1441 ) fue un pintor flamenco activo en Brujas que fue uno de los primeros innovadores de lo que se conocería como pintura neerlandesa temprana , y uno de los representantes más importantes del arte del Renacimiento nórdico temprano . Según Vasari y otros historiadores del arte, incluido Ernst Gombrich , inventó la pintura al óleo , [1] aunque la mayoría ahora considera que esa afirmación es una simplificación excesiva.
Los registros supervivientes indican que nació alrededor de 1380 o 1390, en Maaseik (entonces Maaseyck, de ahí su nombre), Limburgo , que se encuentra en la actual Bélgica . Se empleó en La Haya alrededor de 1422, cuando ya era un maestro pintor con ayudantes de taller, y fue empleado como pintor y ayuda de cámara de Juan III el Despiadado , gobernante de los condados de Holanda y Hainaut . Después de la muerte de Juan en 1425, más tarde fue designado pintor de la corte de Felipe el Bueno , duque de Borgoña , y trabajó en Lille antes de mudarse a Brujas en 1429, donde vivió hasta su muerte. Fue muy apreciado por Felipe y realizó varias visitas diplomáticas al extranjero, incluida Lisboa en 1428 para explorar la posibilidad de un contrato de matrimonio entre el duque e Isabel de Portugal . [2]
Se le atribuyen con seguridad unas 20 pinturas supervivientes, así como el Retablo de Gante y las miniaturas iluminadas de las Horas de Turín-Milán , todas datadas entre 1432 y 1439. Diez están fechadas y firmadas con una variación de su lema ALS ICH KAN ( Como yo (Eyck) puedo ), un juego de palabras con su nombre, que normalmente pintaba en caracteres griegos.
Van Eyck pintó temas tanto profanos como religiosos, incluidos retablos, figuras religiosas de un solo panel y retratos por encargo. Su obra incluye paneles individuales, dípticos, [3] trípticos y paneles polípticos. Felipe VI le pagaba bien, pues quería que el pintor tuviera seguridad financiera y libertad artística para poder pintar "cuando quisiera". [4] La obra de Van Eyck proviene del estilo gótico internacional , pero pronto lo eclipsó, en parte a través de un mayor énfasis en el naturalismo y el realismo. Alcanzó un nuevo nivel de virtuosismo a través de sus desarrollos en el uso de la pintura al óleo. [5] Fue muy influyente y sus técnicas y estilo fueron adoptados y refinados por los pintores neerlandeses primitivos.
Se sabe poco de la vida temprana de Jan van Eyck y no se ha documentado ni la fecha ni el lugar de su nacimiento. El primer registro existente de su vida proviene de la corte de Juan de Baviera en La Haya , donde, entre 1422 y 1424, se hicieron pagos a Meyster Jan den malre (Maestro Jan el pintor), que entonces era un pintor de la corte con el rango de valet de chambre , con uno primero y luego dos ayudantes. [6] Esto sugiere una fecha de nacimiento de 1395 como máximo. Sin embargo, su edad aparente en el probable autorretrato de Londres de 1433 sugiere a la mayoría de los estudiosos una fecha más cercana a 1380. [4] Se le identificó a finales del siglo XVI como nacido en Maaseik , un distrito del principado-obispado de Lieja . [7] Su hija Lievine estuvo en un convento de monjas en Maaseik después de la muerte de su padre. Las notas sobre su dibujo preparatorio para el Retrato del cardenal Niccolò Albergati están escritas en dialecto de Maasland. [8]
Tenía una hermana, Margareta, y al menos dos hermanos, Hubert (fallecido en 1426), con quien probablemente hizo su aprendizaje [9] y Lambert (activo entre 1431 y 1442), ambos también pintores, pero no se ha establecido el orden de sus nacimientos. [4] Se presume que otro pintor importante, y bastante más joven, que trabajó en el sur de Francia, Barthélemy van Eyck , es pariente suyo. [10] No se sabe dónde se educó Jan, pero tenía conocimientos de latín y utilizaba los alfabetos griego y hebreo en sus inscripciones, lo que indica que fue instruido en los clásicos. [4] Este nivel de educación era poco común entre los pintores y lo habría hecho más atractivo para el culto Philip. [11]
Van Eyck sirvió como funcionario de Juan de Baviera-Straubing , gobernante de Holanda , Henao y Zelanda . Para entonces ya había reunido un pequeño taller y estaba involucrado en la redecoración del palacio Binnenhof en La Haya . Después de la muerte de Juan en 1425, se mudó a Brujas y llamó la atención de Felipe el Bueno hacia 1425. [12] Su aparición como pintor coleccionable generalmente sigue a su nombramiento en la corte de Felipe , y a partir de este punto su actividad en la corte está comparativamente bien documentada. Trabajó como artista de la corte y diplomático, y fue un miembro destacado del gremio de pintores de Tournai . El 18 de octubre de 1427, la festividad de San Lucas, viajó a Tournai para asistir a un banquete en su honor, al que también asistieron Robert Campin y Rogier van der Weyden . [13]
Un salario de la corte lo liberó de trabajos por encargo y le permitió un alto grado de libertad artística. [14] Durante la década siguiente, la reputación y la habilidad técnica de van Eyck crecieron, principalmente debido a sus enfoques innovadores hacia el manejo y manipulación de la pintura al óleo. A diferencia de la mayoría de sus pares, su reputación nunca disminuyó y siguió siendo bien considerado durante los siglos siguientes. Su enfoque revolucionario del óleo fue tal que surgió un mito, perpetuado por Giorgio Vasari , de que él había inventado la pintura al óleo . [A] [15]
Su hermano Hubert van Eyck colaboró en las obras más famosas de Jan, el Retablo de Gante , que en general los historiadores del arte creen que fue iniciado alrededor de 1420 por Hubert y completado por Jan en 1432. Otro hermano, Lambert, es mencionado en documentos de la corte de Borgoña , y puede haber supervisado el taller de su hermano después de la muerte de Jan. [16]
Considerado revolucionario durante su vida, los diseños y métodos de van Eyck fueron copiados y reproducidos en gran medida. Su lema, una de las primeras y aún más distintivas firmas en la historia del arte, ALS ICH KAN ("COMO PUEDO"), un juego de palabras con su nombre, [17] apareció por primera vez en 1433 en Retrato de un hombre con turbante , lo que puede verse como un indicador de su creciente confianza en sí mismo en ese momento. Los años entre 1434 y 1436 generalmente se consideran su punto culminante, cuando produjo obras como la Virgen del canciller Rolin , la Virgen de Lucca y la Virgen con el Niño con el canónigo van der Paele .
En torno a 1432 se casó con Margarita , 15 años más joven que él. Casi al mismo tiempo compró una casa en Brujas; Margarita no es mencionada antes de que se mudara, cuando nació el primero de sus dos hijos en 1434. Se sabe muy poco de Margarita; incluso se ha perdido su apellido de soltera; los registros contemporáneos se refieren a ella principalmente como Damoiselle Marguerite . [18] Es posible que fuera de origen aristocrático, aunque de la baja nobleza, como lo demuestra su ropa en el retrato, que está de moda pero no es tan suntuosa como la que lleva la novia en el Retrato de Arnolfini . Más tarde, como viuda de un pintor de renombre, la ciudad de Brujas le concedió a Margarita una modesta pensión tras la muerte de Jan. Al menos una parte de estos ingresos se invirtió en la lotería . [19]
Van Eyck emprendió una serie de viajes en nombre de Felipe el Duque de Borgoña entre 1426 y 1429, descritos en los registros como encargos "secretos", por los que recibió pagos que multiplicaban su salario anual. Su naturaleza precisa aún se desconoce, pero parecen implicar su actuación como enviado de la corte. En 1426 partió hacia "ciertas tierras lejanas", posiblemente a Tierra Santa , una teoría que cobra peso por la precisión topográfica de Jerusalén en Las tres Marías en la tumba , una pintura terminada por miembros de su taller hacia 1440. [8 ]
Un encargo mejor documentado fue el viaje a Lisboa junto con un grupo destinado a preparar el terreno para la boda del duque con Isabel de Portugal . Van Eyck recibió la tarea de pintar a la novia , para que el duque pudiera visualizarla antes de su matrimonio. Debido a que Portugal estaba plagado de peste , su corte era itinerante y el grupo holandés los recibió en el apartado castillo de Avis . Van Eyck pasó nueve meses allí, regresando a los Países Bajos con Isabel como futura novia; la pareja se casó el día de Navidad de 1429. [20] La princesa probablemente no era particularmente atractiva, y así es exactamente como Van Eyck la transmitió en el retrato ahora perdido. Por lo general, mostraba a sus modelos como dignos, pero no ocultaba sus imperfecciones. [21] Después de su regreso, se preocupó por completar el Retablo de Gante , que fue consagrado el 6 de mayo de 1432 en la Catedral de San Bavón durante una ceremonia oficial para Felipe. Los registros de 1437 dicen que era tenido en alta estima por los rangos superiores de la nobleza borgoñona y fue empleado en comisiones extranjeras.
Jan van Eyck murió el 9 de julio de 1441 en Brujas. Fue enterrado en el cementerio de la iglesia de San Donaciano . [4] Como muestra de respeto, Felipe hizo un pago único a la viuda de Jan, Margarita, por un valor igual al salario anual del artista. Dejó muchas obras inacabadas para que las completaran los oficiales de su taller. [22] Después de su muerte, Lambert van Eyck dirigió el taller, [23] mientras la reputación y la estatura de Jan crecían de forma constante. A principios de 1442, Lambert hizo exhumar el cuerpo y lo colocó dentro de la catedral de San Donaciano .
En 1449 fue mencionado por el humanista y anticuario italiano Ciriaco de' Pizzicolli como un pintor notable y capaz, y fue registrado por Bartolomeo Facio en 1456.
Jan van Eyck produjo pinturas para clientes privados además de su trabajo en la corte. Entre ellas, la más importante es el retablo de Gante pintado para el comerciante, financiero y político Jodocus Vijdts y su esposa Elisabeth Borluut. Comenzado en algún momento antes de 1426 y terminado en 1432, el políptico se considera que representa "la conquista final de la realidad en el norte", y se diferencia de las grandes obras del Renacimiento temprano en Italia en virtud de su voluntad de renunciar a la idealización clásica en favor de la observación fiel de la naturaleza. [24]
Aunque se puede suponer –dada la demanda y la moda– que produjo varios trípticos, sólo sobrevive el retablo de Dresde , aunque varios retratos existentes pueden ser alas de polípticos desmantelados. Signos reveladores son las bisagras en los marcos originales, la orientación del retratado y las manos en oración o la inclusión de elementos iconográficos en un retrato aparentemente secular. [25]
Se le atribuyen con seguridad unas 20 pinturas supervivientes, todas ellas fechadas entre 1432 y 1439. Diez, incluido el retablo de Gante , están fechadas y firmadas con una variación de su lema, ALS ICH KAN . En 1998, Holland Cotter estimó que "sólo unas dos docenas de pinturas... atribuidas... con distintos grados de confianza, junto con algunos dibujos y unas pocas páginas de... las Horas de Turín-Milán". Describió la "relación compleja y la tensión entre los historiadores del arte y los museos que las poseen a la hora de asignar la autoría. De las 40 o más obras consideradas originales a mediados de los años 80, alrededor de diez son ahora vigorosamente cuestionadas por los principales investigadores como taller". [26]
Desde 1901, Jan van Eyck ha sido a menudo considerado el artista anónimo conocido como Mano G de las Horas de Turín-Milán . [B] Si esto es correcto, las ilustraciones de Turín son las únicas obras conocidas de su período temprano; según Thomas Kren, las fechas más tempranas de la Mano G preceden a cualquier pintura sobre tabla conocida en un estilo eyckiano, lo que "plantea preguntas provocativas sobre el papel que la iluminación de manuscritos puede haber jugado en la alardeada verosimilitud de la pintura al óleo eyckiana". [27]
La evidencia para atribuir la obra a Van Eyck se basa en parte en el hecho de que, aunque las figuras son en su mayoría del tipo gótico internacional , reaparecen en algunas de sus obras posteriores. Además, hay escudos de armas relacionados con la familia Wittelsbach, con la que tenía vínculos en La Haya, mientras que algunas de las figuras de las miniaturas recuerdan a los jinetes del retablo de Gante . [28]
La mayor parte de las Horas de Turín-Milán fueron destruidas por un incendio en 1904 y sobreviven solo en fotografías y copias; solo sobreviven ahora tres páginas como máximo atribuidas a la Mano G, aquellas con grandes miniaturas del Nacimiento de Juan el Bautista , el Hallazgo de la Vera Cruz y el Oficio de los Difuntos (o Misa de Réquiem ), con las miniaturas al bajo de página y las iniciales del primero y último de estos [C] El Oficio de los Difuntos se considera a menudo como un recordatorio de la Virgen en la Iglesia de Jan de 1438-1440 . [30] Cuatro más se perdieron en 1904: todos los elementos de las páginas con las miniaturas llamadas La oración en la orilla (o El duque Guillermo de Baviera en la orilla del mar , la oración del Soberano , etc.), y la escena nocturna de la Traición de Cristo (que ya fue descrita por Durrieu como "gastada" antes del incendio), la Coronación de la Virgen y su bas-de-page, y el cuadro grande solamente del paisaje marino Viaje de San Julián y Santa Marta . [D]
Excepto el "Retablo de Gante", las obras religiosas de Van Eyck presentan a la Virgen María como figura central. Por lo general, está sentada, con una corona tachonada de joyas, acunando a un niño Jesús juguetón que la mira y agarra el dobladillo de su vestido de una manera que recuerda la tradición bizantina del siglo XIII del icono de Eleusa ( Virgen de la Ternura ). [31] A veces se la muestra leyendo un Libro de Horas . Por lo general, viste de rojo. En el Retablo de Gante de 1432, María lleva una corona adornada con flores y estrellas. Está vestida de novia y lee de un libro de faja envuelto en tela verde, [32] tal vez un elemento tomado prestado de la Virgen Anunciada de Robert Campin . [33] El panel contiene una serie de motivos que luego reaparecen en obras posteriores; ella ya es la Reina del Cielo, con una corona adornada con flores y estrellas. Van Eyck suele presentar a María como una aparición ante un donante arrodillado en oración a un lado. [34] [35] La idea de un santo apareciendo ante un laico era común en los retratos de donantes del norte de la época. [34] En La Virgen y el Niño con el canónigo van der Paele (1434-1436), el canónigo parece haberse detenido momentáneamente para reflexionar sobre un pasaje de su Biblia de mano mientras la Virgen y el Niño con dos santos aparecen ante él, como si fueran encarnaciones de su oración. [36]
El papel de María en sus obras debe verse en el contexto del culto y veneración contemporáneos que la rodeaban. A principios del siglo XV María creció en importancia como intercesora entre lo divino y los miembros de la fe cristiana. El concepto de purgatorio como un estado intermedio por el que cada alma tenía que pasar antes de ser admitida al cielo estaba en su apogeo. [37] La oración era el medio más obvio para disminuir el tiempo en el limbo , mientras que los ricos podían encargar nuevas iglesias, ampliaciones de las existentes o retratos devocionales. Al mismo tiempo, hubo una tendencia hacia el patrocinio de misas de réquiem , a menudo como parte de los términos de un testamento, una práctica que Joris van der Paele patrocinó activamente. Con estos ingresos dotó a las iglesias con telas bordadas y accesorios de metal como cálices, platos y candelabros. [38]
Eyck suele darle a María tres roles: Madre de Cristo; personificación de la " Ecclesia Triumphans "; o Reina del Cielo . [39]
La idea de María como metáfora de la Iglesia misma es especialmente fuerte en sus pinturas posteriores. En Madonna in the Church (Virgen en la iglesia) , domina la catedral; su cabeza está casi al nivel de la galería de aproximadamente sesenta pies de altura. [39] El historiador de arte Otto Pächt describe el interior del panel como una "sala del trono" que la envuelve como si fuera un "estuche de transporte". [40] Esta distorsión de la escala se encuentra en varias de sus otras pinturas de Madonna, incluida la Anunciación . Su estatura monumental toma prestado de las obras de artistas italianos de los siglos XII y XIII como Cimabue y Giotto , quienes a su vez reflejan una tradición que se remonta a un tipo italo-bizantino y enfatizan su identificación con la catedral misma. Los historiadores de arte del siglo XIX pensaron que la obra fue ejecutada al principio de la carrera de van Eyck y atribuyeron su escala a un error de un pintor relativamente inmaduro. La idea de que su tamaño representa su encarnación como iglesia fue sugerida por primera vez por Erwin Panofsky en 1941. [41] Till-Holger Borchert dice que van Eyck no pintó "a la Virgen en una iglesia", sino como "la Iglesia". [42]
Las obras posteriores de Van Eyck contienen detalles arquitectónicos muy precisos y detallados, pero no están inspiradas en edificios históricos reales. Probablemente buscó crear un espacio ideal y perfecto para la aparición de María [43] y estaba más preocupado por su impacto visual que por la posibilidad física. [44]
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Las pinturas marianas se caracterizan por representaciones complejas tanto del espacio físico como de las fuentes de luz. Muchas de las obras religiosas de van Eyck contienen un espacio interior reducido que, no obstante, está sutilmente gestionado y dispuesto para transmitir una sensación de intimidad sin parecer constreñido. La Madonna del canciller Rolin está iluminada tanto desde el pórtico central como desde las ventanas laterales, mientras que las baldosas del suelo, en comparación con otros elementos, muestran que las figuras están a sólo seis pies de la pantalla de la logia con columnas, y que Rolin podría haber tenido que pasar apretujado por la abertura para salir por allí. [45] Los diferentes elementos de la catedral en Madonna in the Church están tan específicamente detallados, y los elementos de la arquitectura gótica y contemporánea tan bien delineados, que muchos historiadores del arte y la arquitectura han llegado a la conclusión de que debía tener suficientes conocimientos arquitectónicos para hacer distinciones matizadas. Dada la precisión de las descripciones, muchos estudiosos han tratado de vincular la pintura con edificios concretos. [46] Pero en todos los edificios de la obra de van Eyck, la estructura es imaginada y probablemente una formación idealizada de lo que él consideraba un espacio arquitectónico perfecto. Esto se puede ver en los numerosos ejemplos de características que serían improbables en una iglesia contemporánea, incluida la colocación de un triforio con arco de medio punto sobre una columnata apuntada en la obra de Berlín. [47]
Las obras marianas están profusamente forradas de inscripciones. Las letras del trono arqueado sobre María en el retablo de Gante están tomadas de un pasaje del Libro de la Sabiduría (7:29): "Ella es más hermosa que el sol y el ejército de las estrellas; comparada con la luz, ella es superior. Ella es verdaderamente el reflejo de la luz eterna y un espejo inmaculado de Dios". [32] Las palabras de la misma fuente en el dobladillo de su túnica, en el marco de la Virgen en la Iglesia y en su vestido en La Virgen con el Niño con el canónigo van der Paele , dicen EST ENIM HAEC SPECIOSIOR SOLE ET SUPER OMNEM STELLARUM DISPOSITIONEM. LUCI CONPARATA INVENITUR PRIOR [42] Aunque las inscripciones están presentes en todas las pinturas de van Eyck, son predominantes en sus pinturas marianas, donde parecen cumplir varias funciones. Infunden vida a los retratos y dan voz a quienes veneran a María, pero también desempeñan un papel funcional; Dado que las obras religiosas contemporáneas fueron encargadas para la devoción privada, las inscripciones pueden haber estado destinadas a ser leídas como un encantamiento o como oraciones de indulgencia personalizadas . Harbison señala que las obras encargadas privadamente a van Eyck están inusualmente profusamente inscritas con oraciones, y que las palabras pueden haber cumplido una función similar a las tablas de oración, o más propiamente "Alas de oración", como se ve en el tríptico de la Virgen y el Niño de Londres . [48]
Van Eyck era un artista muy solicitado como retratista. La creciente riqueza en el norte de Europa hizo que los retratos ya no fueran patrimonio exclusivo de la realeza o la alta aristocracia. El surgimiento de una clase media de comerciantes y la creciente conciencia de las ideas humanistas sobre la identidad individual generaron una demanda de retratos. [21]
Los retratos de Van Eyck se caracterizan por su manipulación de la pintura al óleo y su meticulosa atención a los detalles; sus agudos poderes de observación y su tendencia a aplicar capas de finas veladuras translúcidas para crear intensidad de color y tono. Fue pionero en el arte del retrato durante la década de 1430 y fue admirado en lugares tan lejanos como Italia por la naturalidad de sus representaciones. [49] Hoy en día, se le atribuyen nueve retratos de tres cuartos de vista . Su estilo fue ampliamente adoptado, sobre todo por van der Weyden, Petrus Christus y Hans Memling .
El pequeño Retrato de un hombre con chaperón azul, de c. 1430, es su retrato más antiguo que se conserva. Evidencia muchos de los elementos que se convertirían en estándar en su estilo de retrato, incluyendo la vista de tres cuartos (un tipo que recuperó de la antigüedad y que pronto se extendió por toda Europa), [18] iluminación direccional, [21] tocado elaborado y, para los retratos individuales, el encuadre de la figura dentro de un espacio estrecho indefinido, contra un fondo negro plano. Se destaca por su realismo y la observación aguda de los pequeños detalles de la apariencia del modelo; el hombre tiene una barba ligera de uno o dos días de crecimiento, una característica recurrente en los primeros retratos masculinos de van Eyck, donde el modelo a menudo no está afeitado o, según Lorne Campbell , "está afeitado de manera bastante ineficiente". [50] Campbell enumera otros modelos sin afeitar de van Eyck; Niccolò Albergati (1431), Jodocus Vijdt (1432), Jan van Eyck? (1433), Joris van der Paele (c. 1434-1436), Nicolas Rolin (1435) y Jan de Leeuw (1436). [50]
Las notas que hizo en el reverso de su estudio en papel para el Retrato del cardenal Niccolò Albergati nos permiten comprender el enfoque de Eyck para el minucioso detalle de los rostros de sus modelos. Sobre sus detalles del crecimiento de la barba escribió: "die stoppelen vanden barde wal grijsachtig" ( la barba incipiente canosa ). [51] Sobre otros aspectos de sus intentos de registrar el rostro del anciano, señaló: "el iris del ojo, cerca de la parte posterior de la pupila, de color amarillo parduzco. En los contornos junto al blanco, azulado... el blanco también amarillento..." [52]
El retrato Léal Souvenir de 1432 sigue fiel al realismo y a la observación aguda de los pequeños detalles de la apariencia del modelo. [53] Sin embargo, en sus obras posteriores, el modelo se sitúa a mayor distancia y la atención al detalle es menos marcada. Las descripciones son menos forenses, más bien una visión general, mientras que las formas son más amplias y planas. [51] Incluso en sus primeras obras, sus descripciones del modelo no son reproducciones fieles; partes del rostro o la forma del modelo fueron alteradas para presentar una mejor composición o para ajustarse a un ideal. A menudo alteró las proporciones relativas de la cabeza y el cuerpo de sus modelos para centrarse en los elementos de sus rasgos que le interesaban. Esto lo llevó a distorsionar la realidad en estas pinturas; en el retrato de su esposa alteró el ángulo de su nariz y le dio una frente elegantemente alta que la naturaleza no tenía. [54]
El parapeto de piedra en la base del lienzo de Léal Souvenir está pintado como para simular una piedra marcada o con cicatrices y contiene tres capas separadas de inscripciones, cada una representada de manera ilusionista , dando la impresión de que están cinceladas en la piedra. [55] van Eyck a menudo colocaba las inscripciones como si estuvieran en la voz del modelo, de modo que "parecieran estar hablando". [56] Los ejemplos incluyen el Retrato de Jan de Leeuw que dice ... Jan de [Leeuw], quien abrió los ojos por primera vez en la Fiesta de Santa Úrsula [21 de octubre], 1401. Ahora Jan van Eyck me ha pintado, puedes ver cuándo lo comenzó. 1436. [ 56] En el Retrato de Margaret van Eyck de 1439 las letras aclaman Mi esposo Johannes me completó en el año 1439 el 17 de junio, a la edad de 33 años. Como puedo. [57]
Las manos tienen un significado especial en la pintura de Van Eyck. [58] En sus primeros retratos, los retratados suelen mostrarse sosteniendo objetos que indican su profesión. El hombre de Léal Souvenir puede haber sido un profesional del derecho, ya que sostiene un pergamino que se asemeja a un documento legal. [59]
El Retrato de Arnolfini de 1432 está lleno de ilusionismo y simbolismo, [60] al igual que la Virgen del Canciller Rolin de 1435 , encargada para mostrar el poder, la influencia y la piedad de Rolin. [61]
Van Eyck incorporó una amplia variedad de elementos iconográficos, que a menudo transmitían lo que él veía como una coexistencia de los mundos espiritual y material. La iconografía se insertaba en la obra de forma discreta; por lo general, las referencias comprendían detalles de fondo pequeños pero clave. [62] Su uso del simbolismo y las referencias bíblicas es característico de su obra, [62] un manejo de la iconografía religiosa del que fue pionero, con sus innovaciones retomadas y desarrolladas por van der Weyden, Memling y Christus. Cada uno empleó elementos iconográficos ricos y complejos para crear un sentido intensificado de las creencias contemporáneas y los ideales espirituales. [63]
Craig Harbison describe la mezcla de realismo y simbolismo como quizás "el aspecto más importante del arte flamenco temprano". [63] Los símbolos incrustados tenían como objetivo fundirse con las escenas y "era una estrategia deliberada para crear una experiencia de revelación espiritual". [64] Las pinturas religiosas de Van Eyck en particular "siempre presentan al espectador una visión transfigurada de la realidad visible". [65] Para él, el día a día está armoniosamente impregnado de simbolismo, de modo que, según Harbison, "los datos descriptivos fueron reorganizados... de modo que ilustraran no la existencia terrenal sino lo que él consideraba la verdad sobrenatural". [65] Esta mezcla de lo terrenal y lo celestial evidencia la creencia de van Eyck de que la "verdad esencial de la doctrina cristiana" puede encontrarse en "el matrimonio de los mundos secular y sagrado, de la realidad y el símbolo". [66] Representa vírgenes excesivamente grandes, cuyo tamaño irreal muestra la separación entre lo celestial y lo terrenal, pero las coloca en entornos cotidianos como iglesias, habitaciones domésticas o sentadas con funcionarios de la corte. [66]
Sin embargo, las iglesias terrenales están profusamente decoradas con símbolos celestiales. Un trono celestial está claramente representado en algunas habitaciones domésticas (por ejemplo, en la Madonna de Lucca ). Más difíciles de discernir son los escenarios de pinturas como la Madonna del Canciller Rolin , donde la ubicación es una fusión de lo terrenal y lo celestial. [67] La iconografía de Van Eyck es a menudo tan densa e intrincadamente estratificada que una obra tiene que ser vista varias veces antes de que incluso el significado más obvio de un elemento sea aparente. Los símbolos a menudo estaban sutilmente entretejidos en las pinturas de modo que solo se volvían aparentes después de una visión cercana y repetida, [62] mientras que gran parte de la iconografía refleja la idea de que, según John Ward, hay un "pasaje prometido del pecado y la muerte a la salvación y el renacimiento". [68]
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Van Eyck fue el único pintor flamenco del siglo XV que firmó sus paneles. [69] Su lema siempre contenía variantes de las palabras ALS ICH KAN (o una variante) - "Como pueda", o "Lo mejor que pueda", que forma un juego de palabras con su nombre. La "ICH" aspirada en lugar del "IK" brabantiano se deriva de su limburgués nativo . [70] La firma a veces se inscribe utilizando letras griegas como AAE IXH XAN . [71] La palabra Kan deriva de la palabra neerlandesa media kunnen relacionada con la palabra neerlandesa kunst o con la palabra alemana Kunst ("arte"). [72]
Las palabras pueden estar relacionadas con un tipo de fórmula de modestia que a veces se ve en la literatura medieval, donde el escritor introduce su obra con una disculpa por la falta de perfección, [72] aunque, dada la típica prodigalidad de las firmas y lemas, puede ser simplemente una referencia lúdica. De hecho, su lema a veces se registra de una manera que pretende imitar el monograma de Cristo IHC XPC , por ejemplo en su Retrato de Cristo de c 1440. [72] Además, como la firma es a menudo una variante de "Yo, Jan van Eyck estuve aquí", puede verse como una afirmación, quizás algo arrogante, tanto de la fidelidad y confiabilidad del registro como de la calidad de la obra ( Como yo (K)Puedo ). [54]
La costumbre de firmar sus obras aseguró que su reputación sobreviviera, y la atribución no ha sido tan difícil e incierta como con otros artistas de primera generación de la escuela flamenca temprana. [73] Las firmas generalmente se completan en una escritura decorativa, a menudo de un tipo reservado para documentos legales, como se puede ver en Léal Souvenir y el Retrato de Arnolfini , [74] el último de los cuales está firmado "Johannes de eyck fuit hic 1434" ("Jan van Eyck estuvo aquí en 1434"), una forma de registrar su presencia.
Muchas de las pinturas de van Eyck están profusamente inscritas, en letras griegas, latinas o en holandés vernáculo. Campbell ve en muchos ejemplos una "cierta coherencia que sugiere que él mismo las había pintado", en lugar de que sean añadidos posteriores. [52] Las letras parecen cumplir diferentes funciones según el tipo de obra en la que aparecen. En sus retratos de un solo panel dan voz al modelo, [75] más notablemente en Retrato de Margarita van Eyck , donde las letras griegas en el marco se traducen como "Mi esposo Johannes me completó en el año 1439 el 17 de junio, a la edad de 33 años. Como puedo". [18] Por el contrario, las inscripciones en sus encargos religiosos públicos y formales están escritas desde el punto de vista del patrón, y allí para subrayar su piedad, caridad y dedicación al santo que se le muestra acompañando. Esto se puede ver en su Virgen con el Niño con el canónigo van der Paele , donde se puede leer una inscripción en el marco de imitación inferior que hace referencia a la donación: "Joris van der Paele, canónigo de esta iglesia, hizo realizar esta obra al pintor Jan van Eyck. Y fundó dos capellanías aquí en el coro del Señor. 1434. Sin embargo, no la terminó hasta 1436". [76]
Excepcionalmente para su época, van Eyck a menudo firmaba y fechaba sus marcos, [77] que entonces se consideraban parte integral de la obra: a menudo los dos se pintaban juntos y, aunque los marcos eran construidos por un grupo de artesanos separado del taller del maestro, su trabajo a menudo se consideraba igual en habilidad al del pintor.
Diseñó y pintó los marcos de sus retratos de una sola cabeza para que parecieran de imitación de piedra, con la firma u otras inscripciones dando la impresión de que habían sido cinceladas en la piedra. Los marcos tienen otros propósitos ilusionistas; en el Retrato de Isabel de Portugal , descrito por el marco, [78] sus ojos miran tímidamente pero directamente fuera de la pintura, mientras apoya sus manos en el borde de un parapeto de piedra falsa. Con este gesto Isabel extiende su presencia fuera del espacio pictórico y dentro del del espectador. [59]
Muchos de los marcos originales se han perdido y sólo se conocen a través de copias o registros de inventario. El Retrato de un hombre de Londres probablemente era la mitad de un retrato doble o colgante; el último registro de los marcos originales contenía muchas inscripciones, pero no todas eran originales; los marcos a menudo estaban repintados por artistas posteriores. [54] El retrato de Jan de Leeuw también tiene su marco original, que está pintado para que parezca bronce. [79]
Muchos de sus marcos están profusamente inscritos, lo que cumple una doble función. Son decorativos pero también sirven para establecer el contexto del significado de las imágenes, similar a la función de los márgenes en los manuscritos medievales. Piezas como el Tríptico de Dresde solían encargarse para la devoción privada, y van Eyck habría esperado que el espectador contemplara el texto y las imágenes al unísono. [80] Los paneles interiores del pequeño Tríptico de Dresde de 1437 están delineados con dos capas de marcos de bronce pintados, inscritos principalmente con letras latinas. Los textos se extraen de una variedad de fuentes, en los marcos centrales de descripciones bíblicas de la Asunción , mientras que las alas interiores están alineadas con fragmentos de oraciones dedicadas a los santos Miguel y Catalina . [81]
Los miembros de su taller completaron obras basadas en sus diseños en los años posteriores a su muerte en el verano de 1441. Esto no era inusual; la viuda de un maestro a menudo continuaba con el negocio después de su muerte. Se cree que su esposa Margaret o su hermano Lambert tomaron el control después de 1441. [82] [83] Tales obras incluyen la Madonna de Ince Hall , San Jerónimo en su estudio , una Madonna de Jan Vos ( Virgen y Niño con Santa Bárbara e Isabel ) c. 1443, y otras. [84] Una serie de diseños fueron reproducidos por artistas neerlandeses de primera línea de segunda generación, incluido Petrus Christus , quien pintó una versión de la Madonna de Exeter . [85]
Los miembros de su taller también terminaron cuadros incompletos después de su muerte. Las partes superiores del panel de la derecha del díptico de la Crucifixión y el Juicio Final se consideran generalmente obra de un pintor más débil con un estilo menos individual. Se cree que van Eyck murió dejando el panel inacabado pero con dibujos subyacentes completos, y el área superior fue terminada por miembros del taller o seguidores. [86]
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Hay tres obras que se le atribuyen con seguridad, pero que solo se conocen a partir de copias. El retrato de Isabel de Portugal data de su visita de 1428 a Portugal para que Felipe redactara un acuerdo matrimonial preliminar con la hija de Juan I de Portugal . [87] De las copias supervivientes, se puede deducir que había otros dos marcos "pintados" aparte del marco de roble real, uno de los cuales tenía letras góticas en la parte superior, mientras que un parapeto de piedra falsa proporcionaba apoyo para que sus manos descansaran. [59]
Se han conservado dos copias de su Mujer bañándose en los sesenta años posteriores a su muerte, pero se la conoce principalmente por su aparición en la extensa pintura de Willem van Haecht de 1628 La galería de Cornelis van der Geest , una vista de la galería de un coleccionista que contiene muchos otros viejos maestros identificables. Mujer bañándose tiene muchas similitudes con el Retrato de Arnolfini , incluido un interior con una cama y un perro pequeño, un espejo y su reflejo, una cómoda y zuecos en el suelo; más similares son en general el vestido de la mujer que la acompaña, el contorno de su figura y el ángulo desde el que mira. [87]
En la fuente más antigua y significativa sobre van Eyck, una biografía de 1454 en De viris illustribus del humanista genovés Bartolomeo Facio , Jan van Eyck es nombrado "el pintor más destacado" de su época. Facio lo sitúa entre los mejores artistas de principios del siglo XV, junto con Rogier van der Weyden , Gentile da Fabriano y Pisanello . Es particularmente interesante que Facio muestre tanto entusiasmo por los pintores neerlandeses como por los italianos. Este texto arroja luz sobre aspectos de la producción de Jan van Eyck ahora perdidos, citando una escena de baño propiedad de un italiano destacado, pero atribuyendo erróneamente a van Eyck un mapa del mundo pintado por otro. [88]
La plaza Jan van Eyckplein de Brujas lleva su nombre.
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