David Bowie es el álbum de estudio debutdel músico inglés David Bowie , lanzado originalmente en el Reino Unido el 1 de junio de 1967 a través de Deram Records, filial de Decca . Producido por Mike Vernon y grabado desde noviembre de 1966 hasta marzo de 1967 en los estudios Decca de Londres, el álbum siguió a una serie de sencillos para Pye Records que no llegaron a las listas. Vernon contrató a numerosos músicos de estudio para las sesiones del álbum; Bowie y su ex compañero de banda Buzz, Derek Fearnley, compusieron listas musicales para la orquesta utilizando la Guía musical del observador de Freda Dinn .
Musicalmente, el álbum muestra un sonido pop barroco y music hall influenciado por Anthony Newley y los estilos eduardianos de las bandas de rock británicas contemporáneas. Las canciones están dirigidas principalmente por instrumentos orquestales de viento y metal en lugar de instrumentos tradicionales de la música pop de la época, aunque algunas pistas incluyen guitarra. Las letras son narraciones de cuentos que van desde lo alegre hasta lo oscuro, y abordan temas que van desde la inocencia infantil hasta el uso de drogas y el totalitarismo . Bowie utilizó varias ideologías en el disco para sus trabajos posteriores. La portada es una foto de Bowie con un corte de pelo moderno y una chaqueta de cuello alto.
Lanzado en mezclas mono y estéreo , David Bowie recibió críticas positivas de los periodistas musicales , pero fue un fracaso comercial debido a la falta de promoción por parte de Deram. Se omitieron dos pistas para su lanzamiento en los Estados Unidos en agosto de 1967. Bowie proporcionó más pistas para Deram, todas las cuales fueron rechazadas y llevaron a su salida del sello. Las reseñas retrospectivas comparan desfavorablemente a David Bowie con las obras posteriores del artista, pero algunos lo reconocen positivamente en sus propios términos. El álbum fue reeditado en una edición de lujo de dos discos en 2010, con mezclas y otras pistas de la época.
David Bowie fue despedido de Pye Records en septiembre de 1966 luego de una serie de sencillos que no llegaron a las listas. [1] La falta de promoción por parte de Pye también contribuyó a su desencanto con el sello. [2] Para asegurarle un nuevo contrato discográfico, su futuro manager Kenneth Pitt financió una sesión de grabación en los RG Jones Recording Studios de Londres . [3] El 18 de octubre, Bowie y su banda Buzz llevaron a cabo una sesión de cuatro horas con un grupo de músicos de estudio locales, produciendo una nueva versión del tema rechazado de Pye " The London Boys " y dos nuevas canciones, " Rubber Band ". " y "El sepulturero". [1] [2]
Pitt mostró acetatos de las pistas a los ejecutivos de Decca Records , quienes quedaron impresionados y contrataron a Bowie para el sello subsidiario de pop progresivo del sello , Deram Records . Su contrato le dio un trato que financió la producción de un álbum de estudio de larga duración y pagó £ 150 por las tres pistas y un anticipo adicional de £ 100 por regalías del álbum. Según el biógrafo Nicholas Pegg , conseguir un contrato para un álbum antes de tener un sencillo exitoso era algo poco común en ese momento. [2] [4] El gerente de Decca A&R, Hugh Mendl, dijo más tarde: "Tenía una pequeña obsesión con David; simplemente pensaba que era la persona más talentosa y mágica... Creo que lo habría contratado incluso si lo hubiera hecho". "No tenía un talento musical tan obvio. Pero sí tenía talento. Estaba lleno de creatividad". [3]
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Bowie pasó un tiempo antes de las sesiones del álbum escribiendo canciones, acumulando casi 30 nuevas composiciones. Según el autor Paul Trynka , su composición se centró menos en la instrumentación tradicional y más en favor de los arreglos orquestales, en la línea del recientemente lanzado Pet Sounds de los Beach Boys . [3] Las sesiones comenzaron oficialmente el 14 de noviembre de 1966 en Decca Studio 2 en West Hampstead , Londres con la grabación de "Uncle Arthur" y "She's Got Medals". [2] El productor interno de Decca, Mike Vernon, se encargó de la producción mientras Gus Dudgeon realizaba la ingeniería. [5] La banda de Bowie, Buzz, contribuyó con la excepción del teclista Derek Boyes. [6]
No nos dimos cuenta de lo ridículos que debían parecer [las partituras]. Supongo que fue simplemente la audacia de que ninguno de los chicos se riera de nosotros fuera del estudio. De hecho, intentaron interpretar nuestros papeles y les dieron sentido. Son pequeñas partes de cuerdas bastante bonitas: estábamos escribiendo para fagot y todo eso. ¡ Si Stravinsky puede hacerlo, entonces nosotros podemos hacerlo! [7]
—David Bowie, 1993
En lugar de contratar a un arreglista, Derek "Dek" Fearnley, miembro de Bowie y Buzz, utilizó la Guía del observador de música de Freda Dinn para estudiar los arreglos de orquesta y le pidió a Vernon que contratara a los músicos adecuados. Fearnley tenía poca experiencia escribiendo listas de música, mientras que Bowie no podía leer música en absoluto, por lo que a Fearnley le resultó una tarea desalentadora y luego afirmó: "Fue un trabajo muy duro. Sabía leer los pentagramas y que una barra tenía cuatro entrepiernas; David nunca había visto ni escrito una nota, así que yo era el que estaba calificado para escribir cosas". [5] [3] Descubrió que al presentar las listas a los músicos, algunos de los cuales eran miembros de la Orquesta Filarmónica de Londres , las rechazaban y solicitaban nuevas partituras, lo cual tenía que hacer él mismo mientras Bowie monitoreaba desde la sala de control. . [2] [3] [6]
"Hay una tierra feliz", "Somos hombres hambrientos", "Únete a la pandilla" y la cara B "¿Alguna vez tuviste un sueño?" se completaron el 24 de noviembre. [2] Casi al mismo tiempo, el actual manager de Pitt y Bowie, Ralph Horton, decidió que Bowie dejaría de actuar en vivo para poder concentrarse en grabar el álbum y que se separaría de Buzz. Bowie and the Buzz hicieron su última presentación en vivo juntos el 2 de diciembre, el mismo día que Deram lanzó el sencillo "Rubber Band". Las sesiones continuaron entre el 8 y el 13 de diciembre con la grabación de "Sell Me a Coat", "Little Bombardier", " Silly Boy Blue ", "Maid of Bond Street", "Come and Buy My Toys" y "The Gravedigger". ahora titulado "Por favor, Sr. Sepulturero". [2] [6]
Además de la orquesta, Vernon contrató a varios músicos de sesión no acreditados que fueron parte integral del sonido del álbum; Los jugadores acreditados incluyeron al guitarrista John Renbourn , cuya interpretación se escucha de manera destacada en "Come and Buy My Toys", y al multiinstrumentista Big Jim Sullivan , quien contribuyó con el banjo y el sitar en "Did You Ever Have a Dream" y "Join the Gang". respectivamente. La amiga de Fearnley, Marion Constable, también contribuyó con los coros de "Silly Boy Blue". [2] Vernon recordó haberse "divertido mucho" durante las sesiones y describió a Bowie como "la persona con la que es más fácil trabajar", añadiendo además que "algunas de las melodías eran extremadamente buenas, y el material real, las letras, tenían una calidad que era bastante única". [2] Dudgeon también encontró el material único y le dijo al biógrafo David Buckley que "la música era muy cinematográfica, muy visual y bastante honesta y no afectada". [8]
A finales de diciembre de 1966 se elaboró un orden de ejecución provisional, que incluía temas que no estaban en el álbum final, como "Did You Ever Have a Dream", "Your Funny Smile" y "Bunny Thing". A mediados de enero de 1967, Bowie despidió a Horton como su manager después de meses de mala gestión financiera y contrató a Pitt en su lugar. [2] Bowie y los músicos se reunieron nuevamente en Decca el 26 de enero, grabando las pistas de acompañamiento de " The Laughing Gnome " y "The Gospel Against Tony Day", que fueron elegidas como el siguiente sencillo; Las voces se agregaron a principios de febrero. [9] Se grabó una nueva versión de "Rubber Band" para su inclusión en el álbum el 25 de febrero, así como " Love You Until Tuesday " y "When I Live My Dream". Estas pistas incluían arreglos no acreditados de Arthur Greenslade . Las sesiones finalizaron el 1 de marzo. El álbum fue mezclado tanto en mono como en estéreo , [9] convirtiendo a David Bowie en uno de los primeros álbumes lanzados en ambos formatos. Según Pegg, las dos variantes presentaban diferencias menores en la instrumentación y la mezcla: [2] las ediciones mono utilizaron mezclas ligeramente diferentes de "Uncle Arthur" y " Please Mr. Gravedigger ". [10]
Líricamente, supongo que era esforzarse por ser algo, el narrador de historias cortas. Musicalmente es bastante extraño. No sé dónde estaba. Parecía tener sus raíces en todas partes, en el rock, el vodevil y el music hall. No sabía si era Max Miller o Elvis Presley . [2]
—David Bowie en el álbum, 1990
David Bowie consta de 14 temas, todos escritos íntegramente por Bowie. [7] Sus influencias en este momento incluyeron a Anthony Newley , artistas de music hall como Tommy Steele , material centrado en Gran Bretaña de Ray Davies de los Kinks , las canciones infantiles psicodélicas de Syd Barrett para los primeros Pink Floyd y el estilo eduardiano compartido por las obras contemporáneas. de los Kinks y los Beatles . [8] El deseo de Pitt de que Bowie se convirtiera en un "artista polivalente" en lugar de una "estrella de rock" también afectó el estilo del compositor. [11] Según el autor James E. Perone, las canciones incluyen estilos de pop , rock y vals dinámicos ; [12] BBC Music clasificó retrospectivamente a David Bowie como pop barroco y music hall. [13] En lugar de utilizar instrumentos tradicionales de la música pop de la época, como guitarra, piano, bajo y batería, los instrumentos de David Bowie se compararon con los del music hall y la música clásica , como los instrumentos de metal ( tuba , trompeta y francés). trompa ) e instrumentos de viento ( fagot , oboe , corno inglés y flautín ). [12] Buckley nota una ausencia casi total de guitarra solista en la mezcla final. [8]
Las pistas con metales incluyen "Rubber Band", "Little Bombardier" y "Maid of Bond Street", [8] las pistas con instrumentos de viento incluyen "Uncle Arthur" y "She's Got Medals". [14] "Little Bombardier" y "Maid of Bond Street" están en tiempo de vals, [8] mientras que "Join the Gang" incluye sitar y una cita musical del reciente éxito del grupo Spencer Davis " Gimme Some Lovin' ". [15] La influencia de Newley está presente en "Love You Until Tuesday", "Little Bombardier" y "She's Got Medals". [2] [5] Respecto a la influencia, el propio Newley declaró en 1992: "Siempre me burlé de ello, en cierto sentido. La mayoría de mis discos terminaron en una risa estúpida, tratando de decirle a la gente que no estaba hablando en serio. Creo que a Bowie le gustaba esa cosa irreverente, y su forma de expresarse era muy similar a la mía, esa cosa cockney". [7]
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"Love You Until Tuesday" y "Come and Buy My Toys" se encuentran entre las pocas canciones del álbum con una guitarra acústica, la primera fuertemente aumentada con cuerdas. [16] Este último es señalado por el biógrafo Chris O'Leary como de naturaleza más minimalista, [5] y ejemplifica el folk de una manera que el autor Peter Doggett compara con Simon & Garfunkel . [17] "Por favor, Sr. Gravedigger", que Buckley describió como "uno de los momentos genuinamente locos del pop", [8] utiliza varios efectos de sonido de estudio y ninguna instrumentación de acompañamiento. Los biógrafos lo comparan con una obra de radio de los años 1940 y 1950 y lo consideran una parodia cómica de la antigua canción británica " Oh! Mr Porter ". [5] [18]
Al igual que la música, los temas líricos de David Bowie están muy extendidos y van desde alegres hasta oscuros, divertidos y sarcásticos. Los personajes van desde marginados de la sociedad hasta perdedores, "casi filósofos" y dictadores. [12] Según O'Leary, David Bowie encontró a Bowie componiendo narrativas en tercera persona en comparación con las historias de amor en primera persona de sus lanzamientos anteriores, [5] una declaración de la que se hizo eco Kevin Cann, quien compara las narrativas de las canciones con las historias populares tradicionales. . [7] En 1976, Bowie comentó que "la idea de escribir una especie de cuentos, pensé que era bastante novedosa en ese momento". [5] Mark Spitz escribe que David Bowie contiene varias "canciones de historias arcanas y vagamente oscuras en inglés" ("Por favor, señor sepulturero", "Uncle Arthur", "Maid on Bond Street") que Pitt imaginó a Bowie tocando en salones. [19] "Rubber Band", "Little Bombardier" y "She's Got Medals" evocan el tema eduardiano. [7]
Temas alegres, como la inocencia infantil, se celebran en "Sell Me a Coat", "When I Live My Dream" y "Come and Buy My Toys", [7] así como en "There Is a Happy Land", de influencia psicodélica. ", que tomó su título y tema del himno de Andrew Young del mismo nombre . [5] [20] "Silly Boy Blue" expresa el entonces reciente interés de Bowie por el budismo . [21] Ideales más oscuros como la presión de grupo y el uso de drogas se analizan en "Join the Gang", [16] mientras que "We Are Hungry Men" describe un mundo totalitario que refleja la adoración mesiánica y el canibalismo de una manera cómica. [22] [23] "Little Bombardier" trata sobre un veterano de guerra que se ve obligado a abandonar la ciudad después de ser sospechoso de pedofilia , [12] y "Por favor, Sr. Gravedigger" a capella detalla a un asesino de niños que contempla a su próxima víctima mientras está de pie. en un cementerio. [5] [8] [18]
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David Bowie fue lanzado en el Reino Unido el 1 de junio de 1967, con los números de catálogo DML 1007 (mono) y SML 1007 (estéreo). [2] Su lanzamiento coincidió con el de Sgt. de los Beatles. Banda del club Pepper's Lonely Hearts . [24] [25] [26] El lanzamiento estadounidense, emitido en agosto de 1967, omitió "We Are Hungry Men" y "Maid of Bond Street", lo que Pegg especula que posiblemente se debió a la práctica estadounidense de recortar las listas de canciones para poder "reducir las regalías editoriales". [2]
La fotografía de la portada es una foto completa de Bowie con un corte de pelo moderno y una chaqueta de cuello alto. La portada fue tomada por el hermano de Fearnley, Gerald, en su estudio del sótano cerca de Marble Arch , donde Bowie y Dek Fearnley habían dirigido los ensayos de las sesiones. El propio Bowie eligió la chaqueta y luego recordó que estaba "muy orgulloso" de ella, bromeando que "en realidad estaba hecha a medida". [2] Spitz considera que la imagen está "muy arraigada" a mediados de la década de 1960, [19] mientras que Blake Goble de Consequence of Sound la llamó "quizás la portada del álbum menos interesante y anticuada de la carrera de Bowie" en 2018. [27] Pitt Las notas de la portada describían la visión de Bowie como "directa y aguda como un rayo láser. Atraviesa la hipocresía, los prejuicios y la hipocresía. Ve la amargura de la humanidad, pero rara vez con amargura. Ve el humor en nuestros fracasos, el patetismo de nuestras virtudes". [2]
A pesar de los intentos de promoción de otros países fuera del Reino Unido y EE. UU., [7] David Bowie fue un fracaso comercial, en parte debido a la falta de promoción por parte de Deram; El sello no quedó impresionado con el sencillo "Rubber Band" y uno de los ejecutivos que contribuyó decisivamente a la firma de Bowie dejó la compañía en mayo de 1967, dejando poca confianza en Bowie. [2] [28] Vernon más tarde sintió que Decca "no entendía qué era la música rock ... en absoluto". [8] Los otros sencillos de Bowie en Deram, "The Laughing Gnome" y una nueva versión de "Love You Until Tuesday", publicados en abril y julio, respectivamente, [29] no llegaron a las listas, lo que indica aún más su crisis con el sello. [2] [19]
David Bowie recibió pocas críticas, aunque positivas, de los críticos musicales tras su lanzamiento. [2] En el New Musical Express , Allen Evans elogió el disco como "todo muy refrescante" y llamó al artista "un talento muy prometedor", con "un sonido fresco para los arreglos musicales ligeros [de Bowie y Fearnley]". [30] Chris Welch de Melody Maker disfrutó del álbum como "una colección singularmente gratificante" que presenta una producción "excelente". Welch se sorprendió de que Bowie aún no hubiera impactado la escena pop. [31] Un crítico de Disc & Music Echo describió el álbum como "un álbum debut notable y creativo de un londinense de 19 años", declarando: "Aquí hay un nuevo talento que merece atención, porque aunque David Bowie no tiene grandes voz, puede proyectar palabras con un 'lado' descarado que es entrañable pero no precioso ... lleno de fascinación abstracta. Prueba con David Bowie. Es algo nuevo". [32] El periodista también sugirió que Bowie podría atraer más atención si "consigue el interruptor y los sencillos correctos". [32] Pitt envió copias de David Bowie a ejecutivos musicales con el fin de generar publicidad, recibiendo cartas de admiración de Lionel Bart , Bryan Forbes y Franco Zeffirelli . [2]
Después del fracaso del álbum, Bowie grabó varias pistas más para Deram desde finales de 1967 hasta principios de 1968 como posibles sencillos, todas las cuales fueron rechazadas. [2] Partiendo del sonido de David Bowie , estos incluyeron " Let Me Sleep Beside You ", " Karma Man ", una nueva versión de "When I Live My Dream", "In the Heat of the Morning" y un remake de "Londres, adiós Ta – Ta". [33] [34] [35] El fracaso de David Bowie , sus sencillos y los intentos fallidos de seguimiento llevaron a la salida de Bowie de Deram en mayo de 1968. [2] Fuera de la música, actuó en la obra del actor mimo Lindsay Kemp. Pierrot en turquesa a principios de 1968, interpretando las canciones de David Bowie "When I Live My Dream", "Sell Me a Coat" y "Come and Buy My Toys". [36]
El fracaso comercial de David Bowie llevó a Pitt a autorizar una película promocional en un intento de presentar a Bowie a un público más amplio. La película, Te amo hasta el martes , no se estrenó hasta 1984. [37] Bowie escribió una nueva canción para la película, " Space Oddity ", una historia sobre un astronauta ficticio. [38] Producido por Dudgeon y lanzado como sencillo en julio de 1969 para Philips Records , filial de Mercury , "Space Oddity" se convirtió en el primer éxito del artista, 18 meses después del lanzamiento de David Bowie . [2] [39]
No diría que tuvimos problemas, pero fue una aventura. No estaba seguro de qué hacer con [el álbum] en ese momento o si era siquiera comercial, pero como siempre, dejé de lado todos mis gustos y disgustos y seguí adelante. Fue un disco único muy, muy peculiar e ideal para Deram. [7]
—Mike Vernon, 2009
David Bowie , y el período Deram en general, fueron objeto de burlas rutinarias a lo largo de la carrera de Bowie, siendo desestimados, en palabras de Pegg, como "una tontería del music-hall derivada de una moda pasajera de Anthony Newley". [2] Dudgeon luego reconoció las similitudes con Newley, diciendo que les "molestaba" a él y a Vernon porque sentían que Bowie era "realmente bueno y sus canciones son jodidamente geniales". [8] El propio Bowie minimizó o repudió por completo el período en décadas posteriores, descartándolo como "vergonzoso" en 1990. [2] Según Pegg, los fanáticos de Bowie han intentado culpar a Pitt por el sonido del disco, a pesar de que Pitt estuvo ausente La persona de Bowie durante la mayor parte del período de escritura y grabación. El propio gerente descartó la teoría en sus memorias, afirmando que fue idea exclusiva de Bowie imitar a Newley. [2]
Otras afirmaciones hechas sobre David Bowie incluyen el argumento de que sonaba como nada más en ese momento, [26] que se atribuye principalmente a la descripción "frecuentemente citada" del álbum por parte de Dudgeon como "la cosa más extraña que alguna compañía discográfica haya publicado". ". [2] Pegg desacredita esta idea y escribe que la mezcla del disco de "narrativa popular y de cuentos" compartía similitudes con los lanzamientos más comerciales del movimiento de psicodelia británico de 1966-1967, mientras que los motivos de nostalgia de tiempos de guerra e inocencia infantil reflejaban la ideales contemporáneos de Pink Floyd de Syd Barrett, Bonzo Dog Doo-Dah Band y los Beatles. [2] Los Beatles, en particular, embellecieron ideas similares a las de David Bowie en sus discos recientes Revolver (1966) y Sgt. Pepper : " Being for the Benefit of Mr. Kite! " de este último coincidía con el estilo de vals de "Little Bombardier", mientras que Pegg compara los estilos de "Uncle Arthur", "She's Got Medals" y "Sell Me a Coat" con " Eleanor Rigby ", " La encantadora Rita " y " Ella se va de casa ". [2] Buckley escribe que el uso que hizo Bowie de metales y instrumentos de viento de madera en "Rubber Band" es anterior a su uso por parte de los Beatles en Sgt. Pepper , [8] mientras que Doggett sostiene que "Rubber Band" y " With a Little Help from My Friends " presentan chistes líricos sobre interpretaciones "desafinadas". [40] Con respecto a la mezcla de folk, pop y música clásica, Perone sostiene que Days of Future Passed de Moody Blues , también lanzado por Deram en 1967, era más viable comercialmente, pero mostró la combinación en David Bowie , particularmente en "Rubber Band". y "Véndeme un abrigo". [12] Bowie también utilizó los mismos efectos de sonido que el sencillo debut de Bonzo Dog Doo-Dah Band, "My Brother Makes the Noises for the Talkies", para "We Are Hungry Men" de David Bowie , "Por favor, Sr. Gravedigger" y el descarte "Soldado de juguete". [2]
Los comentaristas han reconocido temas sobre David Bowie que influyeron en las obras posteriores del artista, [16] [8] como el autodenominado mesías de "We Are Hungry Men". [2] Perone sostiene que la pista anticipó los estilos post-punk y new wave de finales de la década de 1970, nombrando el primer y segundo álbum de Talking Heads . [12] La gente de "Come and Buy My Toys" también anticipó la exploración del género por parte de Bowie en su segundo álbum homónimo de 1969 , [2] mientras que Doggett encuentra que la sensación de desesperación en "Rubber Band" es anterior a Station to Station y LP "Heroes" de 1976 y 1977, respectivamente. [40] Otros encontraron que los temas de género de "She's Got Medals" eran anteriores a " Queen Bitch " de 1971 y " Rebel Rebel " de 1974. [5] [8]
Reseñas retrospectivas de David Bowie han comparado desfavorablemente el LP con trabajos posteriores del artista, aunque algunos lo han reconocido positivamente en sus propios términos. [41] [46] Pegg resume: David Bowie reside justificadamente a la sombra del trabajo posterior [de Bowie], pero aquellos con oídos y mentes abiertos lo conocen como un álbum dulce e inteligente que ha soportado décadas de burla con consumada dignidad". [2]
Escribiendo para AllMusic , Dave Thompson calificó el LP como "una colección intrigante, tanto por derecho propio como por la luz que arroja sobre la futura carrera de Bowie" y concluyó que "aunque este material ha sido reempaquetado con una frecuencia tan abrumadora que parece "casi irrelevante hoy en día, David Bowie sigue siendo una obra notable. Y suena menos a cualquier otra cosa que haya hecho que a cualquier disco posterior de su catálogo". [41] Stephen Thomas Erlewine, de la misma publicación, lo vio como "un debut fascinante y muy agradable" por sus propios méritos. [46] En una reseña de 2010, Sean Egan de BBC Music encontró un talento "sin refinar" en Bowie, y señaló letras "por encima del promedio" que son "apenas profundas". Sin embargo, elogió el compromiso de Bowie con el proyecto y concluyó que " David Bowie no es una escucha esencial, pero sí históricamente interesante como inequívocamente la entrada de alguien con futuro". [13] En 2017, Dave Swanson de Ultimate Classic Rock encontró la música alegre, pero sintió que el disco estaba fuera de lugar en la industria musical en ese momento, lo que contribuyó en gran medida a su fracaso. [26]
Los biógrafos de Bowie han tenido opiniones encontradas sobre David Bowie . Los críticos de NME Roy Carr y Charles Shaar Murray dijeron que "un oyente estrictamente acostumbrado a David Bowie en sus diversas formas de los años 70 probablemente encontraría este álbum debut impactante o simplemente pintoresco", [16] mientras que Buckley describe su estatus en la discografía de Bowie como "el equivalente en vinilo de la loca del ático ", ridiculizándolo como una "pieza juvenil que provoca vergüenza" sólo para ser desafiado por "aquellos con un umbral de vergüenza lo suficientemente alto". [8] Perone sintió que la amplia variedad de estilos musicales se mostraban "en general con buenos resultados". [12] Trynka elogia la confianza de Bowie y destaca temas individuales, como "We Are Hungry Men" y "Uncle Arthur", pero señala que carecía de ambición y comercialidad en ese momento. [47] Doggett sostiene de manera similar que sus "estudios de personajes caprichosos" se oponían al "ambiente psicodélico" de la época. [48]
En una lista de 2016 que clasifica los álbumes de estudio de Bowie de peor a mejor, Bryan Wawzenek de Ultimate Classic Rock colocó a David Bowie en el puesto 23 (de 26), criticando las interpretaciones vocales, las letras y el sonido general de Bowie que carece de "ingenio y energía". [49] Incluyendo los dos álbumes de Bowie con Tin Machine , los escritores de Consequence of Sound clasificaron a David Bowie en el puesto 26 (de 28) en su lista de 2018. Goble lo llamó "un artefacto incómodo", que representa signos de lo que estaba por venir para el artista, pero como álbum independiente, sigue siendo "no esencial". [27]
Las grabaciones de Deram de Bowie se han reciclado en multitud de álbumes recopilatorios , incluidos The World of David Bowie (1970), Images 1966–1967 (1973), Another Face (1981), Rock Reflections (1990) y The Deram Anthology 1966–1968. (1997). [54]
Deram reeditó por primera vez David Bowie en LP en agosto de 1984, seguido de un lanzamiento en CD en abril de 1989. [55] En enero de 2010, Deram y Universal Music reeditaron el álbum en un paquete remasterizado de edición de lujo de dos discos. Con un total de 53 pistas, la colección compila las mezclas originales mono y estéreo, otras grabaciones de Bowie en Deram, como "The London Boys" y "The Laughing Gnome", mezclas de sencillos, mezclas estéreo inéditas, tomas alternativas y, por primera vez, , primera sesión de radio de Bowie en la BBC ( Top Gear , diciembre de 1967). [46] [52] [56] Las pistas fueron remasterizadas por Peter Mew y Tris Penna, quienes previamente realizaron la reedición de lujo de Virgin de David Bowie (1969). Penna declaró en las notas de la edición de lujo que querían "asegurarse de que [las pistas] sonaran tan bien, si no mejor, que cuando se lanzaron por primera vez". [57]
Al revisar la edición de lujo de The Second Disc , Joe Marchese la consideró un complemento bienvenido de The Deram Anthology 1966-1968 que demostraba que Bowie tenía talento pero carecía de dirección. Concluyó que el set permite a los oyentes reexaminar a David Bowie y "presenta el mejor caso posible para esta 'era perdida' de la historia de Bowie". [57] Pegg también calificó el conjunto de "excelente". [2] Barry Walters de Rolling Stone describió la colección como un "retrato temprano del cambiaformas definitivo del pop". [53] Erlewine elogió la incorporación de las nuevas pistas, argumentando que mejoran el debut en lugar de disminuirlo, ofreciendo plenamente más información sobre el talento de Bowie en esta etapa de su carrera. [46] Más desfavorablemente, Egan sintió que la colección era "completa" pero "estéticamente demasiado, incluso si el álbum principal era el mejor jamás creado". [13]
El LP fue lanzado en mono y estéreo en el Reino Unido. Las ediciones mono utilizan mezclas ligeramente diferentes de "Uncle Arthur" y " Please Mr. Gravedigger ". El lanzamiento estadounidense omite "We Are Hungry Men" y "Maid of Bond Street". [2]
Todas las pistas están escritas por David Bowie .
Lado uno
Lado dos
Según los biógrafos Kevin Cann y Nicholas Pegg : [2] [7]
Técnico