El sacabuche es una forma temprana del trombón que se utilizó durante las épocas del Renacimiento y el Barroco . El sacabuche tiene la vara telescópica característica de un trombón, que se utiliza para variar la longitud del tubo y cambiar el tono , pero se distingue de los trombones posteriores por su diámetro interior más pequeño y de proporciones más cilíndricas , y su campana menos ensanchada . A diferencia de la trompeta de vara anterior de la que evolucionó, el sacabuche posee una vara en forma de U con dos tubos deslizantes paralelos, en lugar de uno solo.
Los registros del término trombón son anteriores al término sacabuche por dos décadas, y la evidencia del término alemán Posaune es incluso más antigua. [1] Sackbut , originalmente un término francés, se usó en Inglaterra hasta que el instrumento cayó en desuso en el siglo XVIII; cuando regresó, el término italiano trombone se volvió dominante. [2] En inglés moderno, un trombón más antiguo o una réplica se llama sacabuche .
La sección de la campana era más resonante, ya que no contenía la bomba de afinación y estaba sujeta de forma suelta en lugar de firmemente arriostrada a sí misma. Esta característica y su calibre y campana más pequeños producen un "sonido cubierto y mezclado que era un timbre particularmente efectivo para trabajar con voces, ... zincks y crumhorns ", [3] como en una alta cappella .
El instrumento revivido había cambiado de maneras específicas. A mediados del siglo XVIII, el ensanchamiento de la campana aumentó, los cayados dejaron de usarse y los soportes planos y removibles fueron reemplazados por riostras tubulares. La nueva forma produjo un sonido más fuerte, [2] adecuado para presentaciones al aire libre en las bandas de música donde los trombones se volvieron populares nuevamente en el siglo XIX. Antes de principios del siglo XIX, la mayoría de los trombones ajustaban la afinación con un cayado en la unión entre la campana y la vara o, más raramente, entre la boquilla y la vara, [4] en lugar de la vara de afinación moderna en la curva de la campana, [5] cuyas secciones cilíndricas evitan que el instrumento se ensanche suavemente a través de esta sección. Los trombones más antiguos generalmente tampoco tienen llaves de agua , [5] medias, [6] un tudel o un seguro de vara, pero como estas partes no son críticas para el sonido, las réplicas pueden incluirlas. [ cita requerida ] El tamaño del orificio siguió siendo variable, como lo es todavía hoy. [2]
La primera referencia a un instrumento de varas fue probablemente la trompette des ménestrels , encontrada por primera vez en Borgoña en la década de 1420 y luego en otras regiones de Europa. El nombre distinguía al instrumento de las trompettes de guerre (trompetas de guerra), que tenían una longitud fija. [7]
La siguiente palabra que apareció en el siglo XV y que implicaba deslizamiento fue el grupo de palabras sackbutt . Hay dos teorías sobre su origen: o bien se deriva del francés medio sacquer (tirar) y bouter (empujar) o del español sacar (tirar o jalar) y bucha (un tubo o caño). [7] El término sobrevive en numerosas variaciones ortográficas en inglés, entre ellas sacbutt, sackbutte, sagbut, shagbolt, sacabushe, shakbusse [8] y shakbusshe.
Muy relacionado con el término sacabuche se encontraba el que se utilizaba en Francia: sacqueboute y en España, donde se utilizaba como sacabuche . Estos términos se utilizaron en Inglaterra y Francia hasta el siglo XVIII.
En Escocia, en 1538, el instrumento de varas se denominaba trompeta draucht (trompeta estirada), en contraposición a la trompeta de vertedero (trompeta de guerra), que tenía una longitud fija. [9]
En Alemania, la palabra original era Posaune , que apareció alrededor de 1450 y todavía se usa hoy en día. Esta (así como bason ) deriva de busine , que es latín y significa trompeta recta. [10]
En Italia se utilizaba (y sigue siendo) el trombón , que deriva de trompeta en latín tromba o drompten , en los Países Bajos. Los primeros registros de su uso datan de alrededor de 1440, pero no está claro si se trataba simplemente de un apodo para un trompetista. En 1487, un escritor relaciona las palabras trompone y sacqueboute y menciona el instrumento como instrumento que tocaba la parte de contratenor en una banda de baile. [11]
El trombón se desarrolló a partir de la trompeta de buisine . Hasta 1375, las trompetas eran simplemente un tubo largo y recto con un reborde en forma de campana. [13]
Hay varios usos de palabras similares a sacabuches en la Biblia, lo que ha llevado a una traducción defectuosa de la Biblia latina que sugería que los trombones datan de 600 a. C., pero no hay evidencia de diapositivas en ese momento. [14]
A partir de 1375, la iconografía muestra trompetas con curvas y algunas en forma de "S". Alrededor de 1400, vemos aparecer en pinturas la trompeta con forma de "bucle" y, en algún momento del siglo XV, se le añadió una vara de un solo tubo. Esta trompeta de vara era conocida como "trompette des ménestrels" en las bandas de alta cappella . [15]
La evidencia más clara y antigua de un tobogán en forma de U que se movía sobre dos cámaras de aire se encuentra en una pintura al fresco de Filippino Lippi en Roma, La Asunción de la Virgen , que data de 1488 a 1493. [12]
Entre los siglos XV y XIX, los diseños de los instrumentos cambiaron muy poco en general, salvo un ligero ensanchamiento de la campana en la época clásica. Desde el siglo XIX, el calibre y las campanas de los trombones han aumentado significativamente . [ cita requerida ]
Fue uno de los instrumentos más importantes en las obras policorales barrocas , junto con la corneta y el órgano .
Los sacabuches vienen en varios tamaños. Según Michael Praetorius , estos eran:
El tono de los trombones ha subido (teóricamente) un semitono desde el siglo XVII, y esto se explica en la sección sobre el tono.
Dado que el instrumento tenor se describe como "Gemeine" (común u ordinario), probablemente sea el trombón más utilizado. Los bajos, debido a sus varas más largas, tienen un asa articulada en el soporte de la vara, que se utiliza para alcanzar las posiciones largas.
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En los siglos XVI y principios del XVII se conocía un sacabuche gigante para contrabajo conocido como Octav-Posaun ( lit. ' trombón de octava ' ) y solo hay unos pocos instrumentos existentes. Un instrumento original que sobrevive en si bemol, una octava por debajo del tenor, construido en 1639 por Georg Nicolaus Öller en Estocolmo, se encuentra en el Scenkonstmuseet . [16] Además, Ewald Meinl ha hecho una copia moderna de este instrumento, que actualmente es propiedad de Wim Becu y quien lo toca.
El tamaño del orificio de los trombones renacentistas/barrocos es de aproximadamente 10 mm (0,39 pulgadas) y la campana rara vez tiene más de 10,5 cm (4,1 pulgadas) de diámetro. [17] Esto se compara con los trombones tenor modernos, que comúnmente tienen orificios de 12,7 mm (0,50 pulgadas) a 13,9 mm (0,55 pulgadas) y campanas de 17,8 cm (7,0 pulgadas) a 21,6 cm (8,5 pulgadas).
Las reproducciones modernas de sacabuches sacrifican algo de autenticidad para aprovechar las técnicas de fabricación y las invenciones que los hacen más cómodos para los músicos modernos, al tiempo que conservan gran parte del carácter original de los instrumentos antiguos.
Algunos instrumentos originales podían desmontarse en sus tubos rectos, tubos arqueados, campana y soportes, con casquillos en las uniones. Mersenne tiene un diagrama. (Se necesita un poco de imaginación para ver cómo podría volver a ensamblarse, con un tubo adicional, en algo parecido a una trompeta natural ). Existe un debate sobre si utilizaban accesorios ajustados, cera u otra sustancia de unión. Las reproducciones de sacabuches modernos suelen estar soldadas entre sí. Algunas reproducciones de sacabuches modernos utilizan pegamento como solución intermedia para dar un ajuste suelto para una alta resonancia sin riesgo de que se deshagan.
Las bombas de afinación se introdujeron a finales del siglo XVIII. Los primeros trombonistas ajustaban el tono con la bomba y añadiendo ganzúas de distintas formas y tamaños . Las reproducciones modernas suelen tener una bomba de afinación de arco de campana o una bomba telescópica entre la bomba y las secciones de campana. Todavía se utilizan ganzúas, al igual que secciones de arco de campana de distintos tamaños para cambios más grandes. [18]
Los tirantes de los sacabuches de la época son planos. Mientras que el de la campana siguió siendo plano, a partir de 1660 aproximadamente los de la vara pasaron a ser tubulares. En muchas reproducciones modernas, los tirantes de vara redondos son mucho más cómodos de tocar y más fáciles de fabricar.
Se cree que una conexión floja entre el soporte de la campana y la campana es clave para una campana resonante y, por lo tanto, un mejor sonido del sacabuche. Los instrumentos originales tienen una unión de bisagra (una conexión más floja ayudó a que las varas imperfectas se deslizaran [19] ). Las copias modernas con una vara de afinación en la campana pueden necesitar más apoyo para el funcionamiento de la vara, por lo que se proporciona un soporte adicional junto a la vara de afinación o se utiliza una unión sin juego en un solo eje.
La forma original de fabricar los tubos de las correderas era enrollar una pieza plana de metal alrededor de un mandril cilíndrico sólido y soldar los bordes de unión. Los fabricantes modernos ahora dibujan los tubos. También suelen tener medias, que se inventaron alrededor de 1850. Además, las correderas modernas suelen estar hechas de alpaca con revestimiento de cromo, lo que les da un acabado más suave y un funcionamiento más silencioso que el latón que se habría utilizado originalmente.
La llave de agua se añadió en el siglo XIX, pero las reproducciones modernas a menudo las tienen. [20]
Hasta algún momento del siglo XVIII, el trombón se tocaba en la y el tono de esa nota era aproximadamente medio tono más alto que el actual: 460–480 Hz. Hubo una transición alrededor del siglo XVIII cuando los trombones comenzaron a ser considerados en si bemol, alrededor de 440 Hz. Este cambio no requirió un cambio en el instrumento, simplemente un nuevo conjunto de posiciones de las varas para cada nota. Pero sí significa que el repertorio barroco y renacentista estaba destinado a ser tocado en el tono más alto. Hay muchos ejemplos de evidencia de esto:
Los trombones tenores que sobreviven están afinados más cerca de Si bemol a La=440 Hz, que es lo mismo que La a La=466 Hz. Por lo tanto, lo que ahora consideramos un trombón tenor con Si bemol en primera posición, afinado a La=440, en realidad se pensaba que era un trombón en La (en primera posición), afinado a La=466. Los bajos supervivientes en Re a La=466 (Mi bemol a 440) —por ejemplo: Ehe, 1612 (Leipzig) y Hainlein, c.1630 (Nuremberg)— confirman la descripción de Praetorius. También vale la pena señalar que la configuración "Suzanne ung jour" de Rognoni desciende repetidamente a Si bemol , que es un tono más bajo que la nota más baja que se puede tocar en un bajo en Fa; en un bajo en Re, cae en la quinta posición (moderna).
Muchos grupos ahora actúan en A=466 Hz para lograr una mayor precisión histórica.
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El sacabuche fue descrito como apropiado para tocar con conjuntos "ruidosos" al aire libre, así como con conjuntos "suaves" en interiores.
Las bandas de alta capella se ven en los dibujos como entretenidas al aire libre con conjuntos que incluyen chirimías, trompetas y trombones. Cuando se les empuja, los sacabuches pueden producir fácilmente un sonido fuerte y metálico.
El sacabuche también responde muy bien a una ejecución más suave, más que un trombón moderno. El sonido se caracteriza por un timbre vocal más delicado. Los bordes planos y las copas poco profundas de las boquillas antiguas son fundamentales para proporcionar al intérprete una paleta mucho más amplia de articulaciones y colores tonales. Esta flexibilidad se presta a un estilo de ejecución vocal y facilita un fraseo con mucho carácter.
Mersenne escribió en 1636: "Debe ser tocado por un músico hábil de modo que no imite los sonidos de la trompeta, sino que más bien se asimile a la dulzura de la voz humana, para que no emita un sonido más bélico que pacífico".
Se decía que Lorenzo da Lucca tenía "en su forma de tocar cierta gracia y ligereza con un estilo muy agradable". [22]
En las tradiciones musicales que se extendieron hasta el barroco a partir de prácticas anteriores, se esperaba que los músicos dieran expresión a la música escrita mediante la ornamentación con una mezcla de "gracias" de una nota y "divisiones" de pasajes enteros (también conocidas como "disminuciones"). Las sugerencias para producir ornamentos efectivos sin interrumpir la línea y la armonía se analizan junto con innumerables ejemplos en los tutores de división italianos de los siglos XVI y principios del XVII. Gracias como el accento, portar della voce, tremolo, groppo, trillo, esclamationo e intonatio son todas ellas elementos que los intérpretes de cualquier música de este período deben tener en cuenta.
"Las cornetas y los trombones... tocan divisiones que no son ni desprolijas ni tan salvajes y complicadas que estropeen la melodía subyacente y el diseño del compositor, sino que se introducen en esos momentos y con tal vivacidad y encanto que dan a la música la mayor belleza y espíritu" Bottrigari, Venecia 1594 [23]
Junto con la improvisación , muchos de estos tutores discuten la articulación . Francesco Rognoni en 1620 describe el lingüismo como la parte más importante para producir "un efecto bueno y hermoso al tocar instrumentos de viento, y principalmente el cornett" [24] (que por supuesto tenía un papel muy similar al del trombón). [ cita requerida ] Los tratados discuten las diversas fortalezas de las consonantes desde "le" a "de" hasta "te". Pero el enfoque del texto es tocar notas rápidas "similares a la gorgia de la voz humana" con un doble lingüismo "suave y liso" ("lingua riversa") usando "le re le re". Esto se opone al uso de "te che te che", que se describe como "áspero, bárbaro y desagradable". El "emparejamiento" natural de notas que proporcionan estas articulaciones es similar a las instrucciones para los músicos de cuerda a quienes se les instruye para ligar ("lireggiar") pares de corcheas con un golpe de arco por cada cuarto de tiempo.
Otra parte integral del mundo sonoro de la música antigua es el temperamento musical. La música de la Edad Media favorece los intervalos de cuarta y quinta, por lo que se utilizó la afinación pitagórica . El intervalo de tercera se utilizó como contraste hasta el Renacimiento, cuando se convirtió en consonante en las composiciones, lo que fue de la mano con el uso generalizado del temperamento de tono medio . [ cita requerida ] Durante el siglo XVII, el temperamento bueno comenzó a volverse cada vez más popular a medida que aumentaba el rango de tonalidades. El temperamento afecta el color de una composición y, por lo tanto, las interpretaciones modernas, que generalmente emplean el temperamento igual , pueden no ser representaciones verdaderas de las intenciones de los compositores.
Estas afinaciones antiguas son el resultado de la serie armónica natural de un instrumento de metal como el sacabuche.
Como la campana es más pequeña que la de un trombón moderno, la serie armónica se acerca más a una serie armónica perfecta, que es la base para la afinación. Sin ajustar la vara, el primer al segundo armónico es una octava perfecta, el segundo al tercer armónico es una quinta ligeramente más ancha que en el temperamento igual y el cuarto al quinto armónico es una tercera mayor ligeramente más estrecha que en el temperamento igual. Estos intervalos ajustados hacen que suenen los acordes y son la base del tono medio. [ cita requerida ] De hecho, Daniel Speer dice "Una vez que hayas encontrado un buen Do (tercera posición), este es también el lugar donde encontrarás tu Fa ♯ ". [ Esta cita necesita una cita ] Tocar un Do y un Fa ♯ que suenen exactamente en la misma posición en una orquesta moderna suena desafinado, pero afina perfectamente bien en un coro de sacabuches si todos tocan armónicos naturales.
Se puede adquirir una gran cantidad de conocimientos musicales leyendo la música impresa original. Editores como SPES [25] y Arnaldo Forni Edition ofrecen copias facsímiles de mucha música para trombón de esta época. Para leerlas, es necesario familiarizarse con las antiguas claves , compases , ligaduras y convenciones de notación de la época.
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El sonido de los sacabuches (y trombones) se ha considerado durante mucho tiempo especialmente solemne y noble, y estaba asociado con la muerte y el más allá. [26] El instrumento era un símbolo de la presencia divina, la voz de los ángeles y el instrumento del juicio. [27] Este simbolismo se puede ver, por ejemplo, en L'Orfeo , Alceste , La flauta mágica , la Marcha de la Muerte de Saúl y las ceremonias fúnebres . [2]
Esta asociación probablemente fue alentada por la falta de distinción entre trompas naturales , trompetas de varas y trombones en este Renacimiento ; se usaban y a menudo se nombraban indistintamente. La traducción de la Biblia al alemán de Martín Lutero de 1534 traduce el griego shophar y salpigx como Posaune . Posaune en ese momento podía referirse a una trompa natural u otro instrumento de metal, pero más tarde llegó a significar exclusivamente "trombón" (de manera similar, las traducciones al inglés generalmente tienen "trompeta", y solo ocasionalmente "cuerno" o " shofar "). Esto le da al lector posterior de la Biblia de Lutero textos como: "... todos seremos transformados, en un momento, en un abrir y cerrar de ojos, al último trombón; porque el trombón sonará y los muertos resucitarán incorruptibles" ( 1 Corintios 15:52 ). [28]
El sacabuche reemplazó a la trompeta de varas en las bandas de viento de alta capella del siglo XV que eran comunes en las ciudades de toda Europa y que tocaban música de baile cortesana . Véase Waits .
Otro uso clave del trombón era en las ceremonias, junto con la trompeta. En muchas ciudades de Alemania y el norte de Italia, los gobiernos locales emplearon bandas de "piffari" a lo largo del siglo XVI para dar conciertos regulares en plazas públicas y encabezar procesiones en festivales. Los piffari generalmente contenían una mezcla de instrumentos de viento, metal y percusión y, a veces, violas. [29]
El dux de Venecia tenía su propia compañía de pifarianos, que ofrecían un concierto de una hora cada día en la plaza y, a veces, actuaban en los servicios de la basílica de San Marcos. Cada una de las seis cofradías de Venecia también tenía sus propios grupos independientes de pifarianos, que tocaban en una suntuosa procesión en la festividad del Corpus Christi. Estos grupos se sumaban a los músicos empleados por la basílica de San Marcos para tocar en los balcones con el coro (los pifarianos tocaban en el nivel principal). [29]
También se utilizó en la música de iglesia, tanto para la música instrumental de servicios como para la música coral . Las partes de agudos y altos eran interpretadas con mayor frecuencia por cornetas o chirimías , y el violín a veces reemplazaba a la corneta en la música italiana del siglo XVII . [29]
El primer registro del uso de trombones en iglesias fue en Innsbruck en 1503. Los registros de la Catedral de Sevilla muestran el empleo de trombonistas en 1526, seguido por varias otras catedrales españolas durante el siglo XVI, utilizados no solo para música ceremonial y procesional, sino también para acompañamiento de los textos litúrgicos, doblando voces. [30]
El uso sagrado de trombones fue llevado a la categoría de arte por Andrea Gabrieli , Giovanni Gabrieli y sus contemporáneos alrededor de 1570-1620 en Venecia y también hay evidencia de trombonistas empleados en iglesias y catedrales en Italia en ocasiones durante la segunda mitad del siglo XVI en Bolonia, Roma, Padua, Mantua y Módena. [30]
Como en esa época los conjuntos contaban con instrumentación flexible, hay relativamente poca música anterior a la publicación de Symphoniae sacrae (1597) de Giovanni Gabrieli que mencione específicamente los trombones. El único ejemplo que se conoce actualmente es la música de Francesco Corteccia para la boda de los Medici en 1539. [31]
El siglo XVII nos trae dos piezas del auténtico repertorio para trombón solista.
Giovanni Martino Cesare escribió La Hieronyma (Musikverlag Max Hieber, MH6012), la pieza más antigua conocida para trombón solista acompañado. Procede de la colección de Cesare Musicali Melodie per voci et instrumenti a una, due, tre, quattro, cinque, e sei publicada en Múnich en 1621 de 28 piezas para una mezcla de violines, cornetas, trombón, solistas vocales y continuo de órgano. La colección también contiene La Bavara para cuatro trombones.
La otra pieza para trombón solista del siglo XVII, Sonata para trombón y bajo (edición moderna de H. Weiner, Ensemble Publications), fue escrita alrededor de 1665. Esta pieza anónima también se conoce como la "Sonata de Santo Tomás" porque se conservaba en la biblioteca del Monasterio Agustino de Santo Tomás en Brno, República Checa.
Francesco Rognoni fue otro compositor que especificó el trombón en una serie de divisiones (variaciones) sobre la famosa canción Suzanne ung jour (Londres Pro Musica, REP15). Rognoni fue un maestro del violín y de la gamba cuyo tratado Selva di Varie passaggi secondo l'uso moderno (Milán 1620 y reimpresión facsímil de Arnaldo Forni Editore 2001) detalla la improvisación de disminuciones y Suzanne se da como un ejemplo. Aunque la mayoría de las disminuciones están escritas para órgano, instrumentos de cuerda o corneta, Suzanne es "per violone over Trombone alla bastarda". Con pasajes virtuosos de semicorcheas en todo el registro del instrumento, refleja los comentarios de Praetorius sobre el amplio registro de los trombones tenor y bajo, y los buenos intérpretes de Quartposaune (trombón bajo en fa) podían tocar carreras y saltos rápidos como una viola bastarda o un cornetto. El término "bastarda" describe una técnica que realizaba variaciones en todas las diferentes voces de una canción, en lugar de sólo en la melodía o el bajo: "considerada ilegítima porque no era polifónica". [32]
En el siglo XVII apareció un repertorio considerable de música de cámara que utilizaba el sacabuche con diversas combinaciones de violines, cornetas y dulcianitas , a menudo con continuo . Entre los compositores se encontraban Dario Castello , Giovanni Battista Fontana , Giovanni Paolo Cima , Andrea Cima, Johann Heinrich Schmelzer y Matthias Weckmann .
Antonio Bertali escribió varias sonatas en trío para dos violines, trombón y bajo continuo a mediados del siglo XVII. Una de esas sonatas a 3 está disponible gratuitamente en formato facsímil en el sitio web de la Colección Düben alojado por la Universidad de Uppsala . [33] Una "Sonata a3 en do" está publicada por Musica Rara y se atribuye a Biber, aunque la autoría no está clara y es más probable que haya sido escrita por Bertali. [34]
Dario Castello , un músico de viento de la Basílica de San Marcos de Venecia a principios del siglo XVII, publicó dos libros de Sonate Concertate en 1621 y 1629. Las sonatas de 1 a 4 partes con bajo continuo suelen incluir trombones, además de corneta, violín y fagot. Las numerosas reimpresiones durante el siglo XVII confirman su popularidad en aquel entonces, como quizás ahora.
Giuseppe Scarani se unió a la iglesia de San Marcos de Venecia en 1629 como cantante y al año siguiente publicó Sonate concertate , un volumen de obras para 2 o 3 instrumentos (no especificados) (y antes de Cristo). Se ha sugerido que el título fue elegido para intentar capturar parte del éxito de Castello. [29]
Tiburtio Massaino escribió una Canzona para ocho trombones, publicada en la colección de Raverio de 1608.
Johann Heinrich Schmelzer escribió varias sonatas que incluían trombones, como su Sonata à 7 para dos cornetas, dos trompetas, tres trombones y bajo continuo.
Daniel Speer publicó una sonata en cuatro partes en Neu-gebachene Taffel-Schnitz (1685). En 1687, Speer publicó la primera instrucción escrita sobre cómo tocar el saco (y varios otros instrumentos): Grund-richtiger/kurtz/leicht und noethiger Unterricht der Musicalischen Kunst . La segunda edición de 1697 ofrece dos sonatas de tres partes para trombones.
Una obra inglesa notable de este período es Music for His Majestys Sagbutts and Cornetts de Matthew Locke , una suite para la coronación de Carlos II en 1661. [35]
La música no seria, a menudo basada en bailes para ocasiones festivas, rara vez tenía una instrumentación específica. A menudo se encuentra algo como "per diversi musici". De hecho, los grupos que las interpretaban solían estar llenos de multiinstrumentistas. [36]
Johann Pezel escribió para Stadtpfeifer con su Hora decima musicorum (1670), que contiene sonatas, así como Fünff-stimmigte blasende Music (1685) con intradas de cinco partes y piezas de danza.
Entre las piezas alemanas más conocidas se incluyen Ludi Musici (1621) de Samuel Scheidt y Banchetto musicale (1617) de Johann Hermann Schein . [36]
La primera pieza inglesa escrita para trombón es Courtly Masquing Ayres (1611) de John Adson . Otra colección ligera adecuada para incluir trombones es Pavans , Galliards, Allmains, and other short Aeirs both Grave and Light in Five Parts for Viols, Violins or Other Musicall Winde Instruments (1599) de Anthony Holborne .
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Los trombonistas formaron parte del conjunto regular de la Basílica de San Marcos de Venecia desde su formación en 1568 hasta que dejaron de estar en nómina en 1732. [37] Los dos primeros directores del conjunto —el maestro de conciertos Girolamo Dalla Casa (1568-1601) y Giovanni Bassano (1601-1617)— eran cornetistas y el núcleo del grupo estaba formado por dos cornetistas y dos trombones, aunque para las ceremonias más importantes se contrataba a muchos trombonistas adicionales. Durante una misa a la que asistió el dux, la evidencia sugiere que habrían tocado una canzona en el Gradual después de la Epístola y el Agnus Dei, una sonata en el Ofertorio, además de reforzar las partes vocales o sustituir a los cantantes ausentes. [38]
Este conjunto fue utilizado ampliamente por Giovanni Gabrieli en piezas principalmente para metales, voces y órgano en Venecia hasta su muerte en 1612. Fue muy influyente en los compositores venecianos de otras iglesias y cofradías, y su estilo barroco temprano y cori spezzati se ve en contemporáneos como Giovanni Picchi y Giovanni Battista Grillo .
Se sugiere que Monteverdi escribió su Vespro della Beata Vergine (1610) como una propuesta para un empleo en San Marcos como sucesor de Giovanni Gabrieli . Además del Magnificat, dos movimientos especifican trombones: el "Deus in adiutorium" inicial es para seis voces, dos violines, dos cornetas, tres trombones, cinco violas da braccio y bajo continuo; la sonata sopra "Sancta Maria, ora pro nobis" es para soprano, dos violines, dos cornetas, tres trombones (uno de los cuales puede ser una viola da braccio ) y bajo continuo. Monteverdi también deja la opción de usar trombones como parte de los "sex instrumentis" del Dixit Dominus y en el Ritornello instrumental a 5 entre los versos del Ave maris stella . [39]
A partir de 1617 aproximadamente, el maestro de conciertos de San Marcos pasó a ser el violinista Francesco Bonfante y, en consecuencia, el conjunto pasó de ser básicamente un conjunto de metales a estar más uniformemente mezclado con instrumentos de metal, viento y cuerda. [29]
Monteverdi llegó a San Marcos en 1613 y no es sorprendente que incluya trombones y cuerdas para varias obras sacras más durante su estancia aquí, publicadas en su Selva morale e spirituale 1641. De los c.40 artículos de esta colección, seis especifican tres o cuatro trombones (o viola da braccio , ad lib): SV268 Beatus vir I, SV263 Dixit Dominus I, SV263 Dixit Dominus II, SV261 Et iterum venturus est, SV258 Gloria in excelsis Deo, SV281 Magnificat I. Cada uno es para 3-8 voces con 3 violines (aparte de SV261), los trombones/violas y bajo continuo. Monteverdi también especificó trombones en dos obras sacras más: SV198 Laetatus sum (i) (1650) para 6 voces, 2 violines, 2 trombones y fagot y SV272 Laudate Dominum omnes gentes I (1641) para 'concertato' a 5 voces, coro ad lib a 4 voces, 4 viola da braccio o trombones y bajo continuo. [39]
Un prolífico compositor para trombones en Alemania en el siglo XVII fue Heinrich Schütz . Sus Fili me, Absalon (SWV 269) y Attendite, popule meus (SWV 270), ambas orquestadas para voz de bajo, cuatro trombones (de los cuales dos son violines opcionales) y bajo continuo, son bien conocidas. Forman parte de su primera colección Symphoniae Sacrae que data de 1629 y los comentaristas han señalado que el estilo refleja sus estudios en Venecia con Giovanni Gabrieli 1609-1612. Otras piezas que especifican trombones (según Grove) son (agrupadas por la colección en la que fueron publicadas): Concert mit 11 Stimmen (1618): SWV 21, en Psalmen Davids (Salmos de David) Op. 2 (1619): SWV 38, 40–46, Symphoniae sacrae I Op.6 (1629): SWV 259, 269–271, 274, Symphoniae sacrae II Op.10 (1647): SWV 344 , Symphoniae sacrae III Op. 12 (1650): SWV 398a, Historia (1664): SWV 435, 448, 449, 453, 461, 452, 466–470, 473, 474–476, Schwanengesang Salmo 119 (1671): SWV 500, aunque muchos otros también son adecuados para trombones. [40]
Johann Hermann Schein especificó trombones en algunas de sus obras vocales sagradas en la colección Opella nova, ander Theil, geistlicher Concerten (Leipzig, 1626). Por ejemplo, Uns ist ein Kind geboren está compuesto para violín, traversa, trombón alto, voz de tenor, fagotto y bajo continuo. Mach dich auf, werde licht, Zion usa el Canto 1: violino, cornetto, flauto picciolo e voce, Canto 2: voce e traversa, Alto: Trombone e Voce, Tenore: Voce e Trombone, Bajo: Fagotto Trombone e Voce y Basso Continuo, durante el cual se concretan los solos de cada uno de los trombonistas. De particular interés es Maria, gegrüsset seist du, Holdselige, que utiliza voces de soprano y tenor, trombón alto, 2 trombones tenores y en la línea de bajo "trombón grosso", que baja hasta el pedal A, y un par de pasajes de escala diatónica de parte inferior C. [41]
El compositor alemán Johann Rudolf Ahle escribió algunas piezas sacras notables para voces y trombones. Höre, Gott utiliza cinco cantantes favoritos, dos coros ripieno (que doblan otras partes en momentos intensos) y siete trombones, con bajo continuo. Y su más famosa Neu-gepflanzte Thüringische Lust-Garten.. (1657-65) contiene varias obras sacras con 3 o 4 trombones, incluyendo Magnificat a 8 para solistas SATB, corneta, 3 trombones y continuo y Herr nun lässestu deinen Diener a 5 para bajo, 4 trombones y continuo. [42]
Dieterich Buxtehude utiliza trombones en algunos conciertos sacros, utilizando un estilo derivado de obras policorales venecianas y una pieza profana. Por ejemplo, Gott fähret auf mit Jauchzen (BuxWV33 de CW v, 44) está orquestada para voces SSB, 2 violines, 2 violas, trombones, 2 cornetas, 2 trompetas, fagot y bajo continuo. [43]
Hay algunas obras vocales con trombones en obras de Andreas Hammerschmidt . Entre ellos se encuentran Lob- und Danck Lied aus dem 84. Salmo para 9 voces, 5 trompetas, 3 trombones, 5 violas y bajo continuo (Freiberg, 1652). También está Hochzeitsgesang für Daniel Sartorius: Es ist nicht gut, dass der Mensch allein sei para 5 voces, 2 violines, 2 trombones, fagot y bajo continuo. [44]
Johann Schelle tiene numerosas obras vocales sacras que utilizan trombones. Por ejemplo, Vom Himmel kam der Engel Schar está escrita para soprano, tenor, coro SSATB, 2 violines, 2 violas, 2 cornetas, 3 trombones, 2 trompetas, timbales, bajo continuo, y Lobe den Herrn, meine Seele está escrita para dos coros de SSATB e instrumentos similares a la obra anterior. [45]
El compositor austríaco Christoph Strauss , menos conocido y maestro de capilla del emperador Matías de Habsburgo entre 1616 y 1620, escribió dos importantes colecciones para trombones, cornetas y voces. Sus motetes publicados en Nova ac diversimoda sacrarum cantionum composition, seu motettae (Viena, 1613) se inscriben en una tradición similar a la música de Gabrieli. De los dieciséis motetes de la colección, todos se titulan «concierto», excepto la «sonata» Expectans Expectavi Dominum para seis trombones, voz de cantus y voz de tenor. En 1631 publicó una serie de misas, mucho más barrocas, con bajo continuo, pintura retórica de palabras y uso de instrumentos en obligato. [46]
Más tarde, en el siglo XVII, Heinrich Ignaz Franz Biber compuso obras sacras para voces y orquesta con trombones. Su Misa de Réquiem (1692) utiliza una orquesta de cuerdas, tres trombones y bajo continuo. Un conjunto similar acompaña ocho líneas vocales en su Lux perpetua (c1673) y tres obras más similares en la década de 1690. [47]
Monteverdi introduce el sacabuches en su primera gran ópera, L'Orfeo , en 1607. La orquesta en la primera representación, como se muestra en la primera publicación, en la lista de "stromenti" al principio de la partitura se especifican cuatro trombones, pero en un momento del tercer acto, sin embargo, la partitura pide cinco trombones.
Hay relativamente poco repertorio para trombón en el barroco tardío.
Johann Sebastian Bach utiliza trombones en catorce de sus cantatas de iglesia ( BWV 2 , 3 , 4 , 21 , 23 , 25 , 28 , 38 , 64 , 68 , 96 , 101 , 121 y 135 ), así como en el motete BWV 118. Utiliza el sonido del trombón para reflejar los sonidos (ahora) arcaicos de los trombones renacentistas que duplicaban las voces (con el cornett tocando la línea de soprano), pero también los utiliza de forma independiente, lo que, según John Eliot Gardiner, prepara el camino para su uso en la Sinfonía n.º 5 de Beethoven . [48] Las cantatas se compusieron en Leipzig durante 1723-1725 o (para BWV 4, 21 y 23) las partes de trombón se añadieron a la cantata existente durante el mismo período. Las partes de corneta y trombón habrían sido interpretadas por el Stadtpfeifer. [49]
En Inglaterra, George Frideric Handel incluye trombones en tres de sus oratorios: Saúl (1738), Israel en Egipto (1738) y Sansón (1741). No hay otros grupos o interpretaciones documentadas con trombonistas en Inglaterra en esa época, y se ha sugerido que los estrenos tuvieron lugar con un grupo visitante de Alemania, como era costumbre en París en esa época.
La corte imperial de Viena utilizaba trombones en la música sacra:
Johann Joseph Fux fue Hofkapellmeister en Viena desde 1715 hasta 1741. Muchas de sus misas utilizan el coro reforzado por cuerdas, cornetas y trombones, a menudo con momentos independientes para los instrumentistas y, a veces, también. La Missa SS Trinitatis utiliza dos coros, lo que nuevamente apunta a las tradiciones que se remontan a Gabrieli. Su exitoso Réquiem está compuesto por cinco partes vocales, dos cornetas, dos trombones, cuerdas y continuo. También utiliza el trombón en motetes y antífonas más pequeños, como su versión de Alma Redemptoris mater para soprano, trombón alto, cuerdas y continuo. Parte de su música de cámara incluye trombones, al igual que muchas de sus óperas, utilizados como instrumento obligado. [50]
También en la corte vienesa estuvo Antonio Caldara , vicemaestro de capilla entre 1717 y 1736. Entre sus obras se encuentran dos arias Da Capo para Semana Santa: Deh sciogliete, o mesti lumi para soprano, violines al unísono, fagot, dos trombones y órgano y Dio, qual sia para soprano, trombón, fagot y bajo continuo. [51]
Nuevamente este período sufre de una falta de trombonistas. [ aclaración necesaria ] La mayoría de estas obras proceden de Viena y Salzburgo.
Joseph Haydn utiliza trombones en Il rotorno di Tobia , Die sieben letzten Worte , The Creation , Die Jahreszeiten , Der Sturm , Orfeo ed Euridice y coros de cantatas seculares.
Wolfgang Amadeus Mozart utiliza trombones en relación con la muerte o lo sobrenatural. Esto incluye el Réquiem (K626, 1791), la Gran Misa en do menor (K423, 1783), la Misa de la Coronación (do mayor) (K317, 1779), varias otras misas, Vesperae Solennes de Confessore (K339, 1780), Vesperae de Dominica , su arreglo de El Mesías de Handel más dos de sus tres grandes óperas: Don Giovanni (K527, 1787) y La flauta mágica (K620, 1791). El primer uso del trombón por parte de Mozart fue una línea obligada en el oratorio Die Schuldigkeit des ersten Gebots (K35, 1767) .
Christoph Willibald Gluck incluye trombones en cinco de sus óperas: Iphigénie en Aulide (1774), Orfeo ed Euridice (1774), Alceste (1776), Iphigénie en Tauride (1779) y Echo et Narcisse (1779), además del ballet Don Juan. (1761). [52]
Algunas obras de música de cámara de este período incluyen el trombón en un papel de obligado con voz, y también como instrumento de concierto con orquesta de cuerdas. Entre los compositores se encuentran Leopold Mozart , Georg Christoph Wagenseil , Johann Albrechtsberger , Michael Haydn y Johann Ernst Eberlin .
Para obras para trombón posteriores a 1800, consulte trombón .
Actualmente, existen numerosas grabaciones del sacabuche auténtico de grupos como Concerto Palatino, HMSC, Gabrieli Consort y Toulouse Sacqueboutiers. Para un análisis más detallado del instrumento, a continuación se ofrecen algunas grabaciones recomendadas en las que el sacabuche aparece con frecuencia como instrumento "solista".
Los primeros instrumentos:
Otros sacabutes notables:
Para obtener más información, consulte Herbert (2006). [7]
El moderno "trombón de iglesia" alemán también se parece a un sacabuche. [57]