El importante papel de la mujer en la danza se remonta a los orígenes de la civilización. Las pinturas rupestres, los frescos egipcios, las estatuillas indias, el arte griego y romano antiguo y los registros de las tradiciones cortesanas de China y Japón dan testimonio del importante papel que desempeñaron las mujeres en la danza ritual y religiosa desde el principio. En la Edad Media , lo que se conoce como ballet tuvo sus inicios en los festivales de la corte italiana, cuando las mujeres solían interpretar papeles masculinos. Sin embargo, fue a finales del siglo XVII en Francia cuando la Ópera de París produjo las primeras bailarinas célebres. Si bien las mujeres comenzaron a dominar la escena del ballet en el siglo XVIII, fue con la llegada del ballet romántico en el siglo XIX cuando se convirtieron en el centro indiscutible de atracción, con estrellas que interpretaban los papeles principales en las obras de Marius Petipa , que aparecieron en teatros de toda Europa, desde La Scala de Milán hasta el Teatro Mariinsky de San Petersburgo. Más recientemente, las mujeres han desempeñado un papel destacado en el desarrollo de varias formas de danza moderna, incluido el flamenco y la danza expresionista .
Las mujeres siempre han jugado un papel predominante en la danza, como se puede ver desde sus inicios hasta la aparición de las danzas formales en el siglo XV que evolucionaron hasta el ballet . [ cita requerida ]
Las pinturas rupestres del año 6000 a. C. muestran escenas de mujeres bailando. Se pueden ver ejemplos en la cueva de Addauta, cerca de Palermo, y en la Roca dels Moros , en Cataluña . En el Antiguo Egipto , las mujeres realizaban danzas rituales para ceremonias religiosas como los funerales, como lo ilustran los frescos de las tumbas de los faraones. [1] Los registros más antiguos de danza organizada y de bailarinas profesionales proceden de Egipto. Especialmente en el Imperio Antiguo , las mujeres se organizaban en grupos conocidos como khener , a los que aparentemente se unieron los hombres solo en una etapa posterior. [2]
En el subcontinente indio también hay evidencias tempranas de mujeres danzantes, en particular una estatuilla de bronce de Mohenjo-Daro en el valle del Indo que data de alrededor del 2500 a. C. [3] [4] Mientras que la participación temprana de los hombres en rituales de danza parece haber estado relacionada con la caza y la lucha, la danza de las mujeres estaba sobre todo relacionada con la fertilidad, tanto agrícola como humana. [5]
La danza en la Creta y Grecia clásicas parece haber sido influenciada por las danzas del Antiguo Egipto . [6] Hay muchos ejemplos de arte griego antiguo de los siglos VI y V a. C. que representan mujeres bailando. [5] Las vírgenes de Delos bailaban en círculo para honrar a Apolo [7] mientras que Terpsícore era la musa de la danza. [8] En el siglo VI a. C., el choros se convirtió en una característica duradera del teatro griego, mientras que las mujeres conocidas como dionisíacas, frecuentemente representadas en jarrones griegos, bailan frenéticamente, celebrando a Dioniso , el dios del vino. [9] En la Antigua Roma, las cantantes y bailarinas actuaban en las celebraciones anuales de Isis , que incluían obras de misterio que representaban la resurrección de Osiris . [10]
La Biblia contiene varios relatos de mujeres bailando, en particular las celebraciones dirigidas por Miriam después del cruce del Mar Rojo , cuando se dice que las mujeres bailaron y tocaron tambores con las manos. [11] Después de que David regresó de matar a Goliat , las mujeres salieron cantando y bailando. [12] En el Nuevo Testamento , Mateo cuenta la historia de cómo Salomé danzó para Herodes para que le dieran la cabeza de Juan el Bautista. [13]
En China también hay una larga historia registrada de bailarinas desde la dinastía Zhou (c. 1046-256 a. C.) que alcanzó su apogeo en la dinastía Tang (618-907 d. C.). [14] Las danzas corales interpretadas por mujeres en la dinastía Zhou se conocían como xi . Los antiguos espectáculos teatrales llamados baixi probablemente involucraban bailarinas con vestidos con mangas de seda ondeantes. [15] Los textos del período de Primavera y Otoño (771-476 a. C.) contienen descripciones de bailarinas profesionales, mientras que la danza Nishang Yuyi, creada por el emperador Li Longji (685-762), presenta a mujeres vírgenes bailando como en un mundo mágico. [ 16] A principios de la década de 1900, la danza moderna fue introducida por primera vez en China por Nellie Yu Roung Ling , hija de un diplomático de la dinastía Qing en Francia. [17] Desarrolló una serie de estilos de danza que combinaban la estética oriental con la técnica occidental durante su tiempo en la corte imperial Qing. [18] En el Japón del siglo XII, los Shirabyoshi eran famosos por sus bailes y poesía. Uno de los más famosos fue la bailarina de la corte Shizuka, que aparece en la literatura japonesa de la época. [19]
La India tiene nueve danzas clásicas . Algunas son interpretadas exclusivamente por mujeres, como el Mohiniattam . Otras son interpretadas por hombres, como el Kathak .
En la Edad Media , con la expansión del cristianismo por toda Europa, la iglesia generalmente desaprobaba la danza, aunque a menudo se bailaba en festivales folclóricos , particularmente a principios de mayo. En Francia e Italia, las danzas en cadena y circulares como el villancico y el tresque fueron populares entre los siglos IV y XIV. [20] Por lo general, se bailaban en un círculo cerrado con hombres y mujeres intercalados y tomados de la mano. [21] En Italia, el animado saltarello de Nápoles se hizo popular en los siglos XIV y XV. Grupos de cortesanas vestidas de hombres realizaban la danza en mascaradas . [22]
En el siglo XV, las festividades de la corte en Italia se volvieron cada vez más elaboradas, a menudo presentando bailes formales. Uno de los primeros maestros fue Domenico da Piacenza (c. 1400-1470) que compiló un manual de danza: De arte saltandi et choreas ducendi . [23] En Francia, también, el baile profesional comenzó a tomar forma cuando los bailarines actuaron para Enrique III de Francia en Fontainebleau a principios de la década de 1580. Se hicieron más presentaciones para Luis XIII , quien con frecuencia interpretó él mismo el papel principal. Pero fue, sobre todo, durante el reinado de Luis XIV (1643-1715) que se sentaron las bases de lo que se conocería como ballet. El rey no solo escribió las reglas de la danza, sino que estableció la Académie Royale de Danse en 1661, que se convirtió en el actual Ballet de la Ópera de París . [5] Muchos de los primeros ballets fueron creados por el compositor italo-francés Jean Baptiste Lully y el coreógrafo francés Pierre Beauchamp , a menudo asistidos por Molière . [24]
Inicialmente, los papeles femeninos en los primeros ballets eran interpretados por hombres jóvenes; pero, en 1681, una joven conocida como Mademoiselle De Lafontaine bailó en Le Triomphe de l'amour de Lully . [25] Ella pasó a ser la bailarina principal en al menos otras 18 producciones en la Ópera de París entre 1681 y 1693, estableciendo la importancia suprema de las mujeres en el ballet. [26] De Lafontaine fue reemplazada por Marie-Thérèse de Subligny , quien se convirtió en la primera bailarina en actuar en Londres cuando apareció con Claude Ballon en 1699. [27] Se dice que fue la mejor bailarina de su época, con hermosos ojos y una fina figura, Subligny bailó en la Ópera de París desde 1688 hasta su retiro en 1707. [28]
La siguiente bailarina principal de la Ópera fue Françoise Prévost (1680-1741), cuya precisión, ligereza y gracia contribuyeron mucho al ballet clásico. [29] Convenció al director Jean-Féry Rebel para que compusiera suites específicamente para ballet. Su Caprice , Boutade , Les Caractères de la danse y La Terpsichore le trajeron un éxito considerable. En particular, su interpretación personal de los pasos de Caprice sirvió como ejemplo para otros solistas mientras transformaba los Caractères en una secuencia que ilustra diferentes tipos de amantes, tanto masculinos como femeninos. Prévost entrenó a dos bailarinas de gran éxito, Marie Camargo (1710-1770) y Marie Sallé (1707-1756), quienes agregaron sus preferencias personales a sus Caractères , cada una desarrollando estilos individuales. Ellas ocuparían su lugar como primeras bailarinas después de que ella se retirara de la ópera en 1730. [30] [31]
Camargo resultó ser un gran éxito, no sólo como resultado de su deslumbrante trabajo de pies (especialmente su entrechat à quatre ), sino porque introdujo faldas ligeramente más cortas y nuevos estilos de cabello. [32] También descartó los zapatos de tacón alto, introduciendo zapatillas de baile que facilitaban la ejecución de las rutinas más exigentes. [33] Al bailar rutinas exigentes, que anteriormente habían sido realizadas exclusivamente por hombres, Camargo consolidó aún más la imagen de la bailarina. [34]
Sallé buscaba más del ballet que demostraciones hábiles de técnica como las que favorecían los defensores del ballet tradicional. Creía que la música, los pasos, la decoración y el vestuario debían contribuir a una actuación elegante y expresiva que combinara la pantomima con la danza en lo que se conocería como ballet d'action . Como muchos en la Ópera de París no compartían sus puntos de vista, decidió mudarse al Londres más liberal. En Covent Garden , causó sensación en 1734 como Galatea en Pigmalión , un ballet que ella misma había coreografiado. Descartando el atuendo habitual de una bailarina, eligió usar una sencilla túnica de muselina y dejar que su cabello cayera libremente sobre sus hombros. [35] Al año siguiente, incluso decidió vestirse como un hombre mientras interpretaba el papel de Cupido, pero las críticas fueron extremadamente críticas. Como resultado, regresó a París, donde bailó en la Ópera hasta su jubilación en 1740 a la temprana edad de 33 años. A partir de entonces, bailó ocasionalmente para la corte en Versalles . [30]
Durante la segunda mitad del siglo XVIII, la estrella dominante de la Ópera de París fue Marie-Madeleine Guimard, que tal vez no tuviera la técnica de Sallé, pero que sin embargo era reconocida por sus movimientos sensuales, sus numerosos pretendientes y su atuendo exótico. Otras estrellas incluyeron a Marie Allard (1738-1802), quien se unió a la Ópera de París en 1756, donde fue entrenada por Gaétan Vestris , convirtiéndose no solo en una étoile sino también en su esposa. Aunque era bastante corpulenta y frecuentemente estaba embarazada, fue aclamada por su impresionante juego de pies. [36]
El período de mayor éxito para las bailarinas de ballet fue alrededor de las décadas de 1830 y 1840, cuando se convirtieron en las grandes estrellas del ballet romántico . La italo-sueca Marie Taglioni (1804-1884) no solo sobresalió en la Ópera de París cuando bailó La Sílfide en 1832, sino que extendió su fama al Ballet Mariinsky de San Petersburgo , así como a los escenarios de Berlín, Milán y Londres hasta su retiro en 1847. Fue ella quien desarrolló el ballet en pointe (baile en las puntas de los pies) al tiempo que introdujo nuevas modas en vestimenta y peinado que se hicieron populares en toda Europa. La austriaca Fanny Elssler (1810-1884) ganó fama y fortuna bailando la coqueta cachucha española en Le Diable boiteux , actuando no solo en Austria, Alemania, Francia, Inglaterra y Rusia, sino también en los Estados Unidos. Sin embargo, en 1845 se negó a bailar con sus rivales Marie Taglioni, Carlotta Grisi , Fanny Cerrito y Lucile Grahn en Pas de Quatre de Jules Perrot . [37] [38]
Presentado en el Her Majesty's Theatre de Londres, el Pas de Quatre causó sensación al reunir a las cuatro bailarinas más grandes de la época. Además de Marie Taglioni, la italiana Grisi (1819-1899) se había hecho famosa tanto en París como en San Petersburgo por su Giselle , mientras que Cerrito, de Nápoles, se había convertido en la estrella de La Scala de Milán. Grahn (1819-1907), un danés formado por Bournonville, vivía en París pero también había bailado en Londres, San Petersburgo y Milán antes de establecerse en Alemania. [37]
Varias bailarinas italianas notables surgieron en la segunda mitad del siglo XIX, alcanzando su apogeo en Rusia. La italiana Virginia Zucchi (1849-1933) bailó por primera vez en Italia y Alemania, pero sus interpretaciones del ballet de Marius Petipa en Rusia tuvieron tanto éxito que el zar insistió en que debía unirse al Ballet Mariinsky en San Petersburgo. A mediados de la década de 1880, protagonizó Coppélia , La fille mal gardée y La Esmeralda , revolucionando el ballet en Rusia a través del extraordinario poder de sus actuaciones. [39] Pierina Legnani (1863-1930) de Milán siguió un camino similar, bailando también en el Mariinsky desde 1892, donde originó papeles famosos en los ballets de Petipa, incluyendo La Cenicienta , El lago de los cisnes y Raymonda , ganando el título de prima ballerina assoluta . [40] Carlotta Brianza (1865-1938), también de Milán, alcanzó fama por primera vez en La Scala, con la que realizó una gira por los Estados Unidos. Se la recuerda sobre todo por haber bailado Aurora en el estreno de La Bella Durmiente de Petipa en 1890. [41] [42]
A principios del siglo XX se desarrollaron nuevos enfoques más dinámicos del ballet, siendo el más influyente el de los Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev , que promovían colaboraciones innovadoras entre coreógrafos, compositores y bailarines. [43] Una de las primeras estrellas fue Anna Pavlova (1881-1931), que ganó fama al bailar El cisne moribundo coreografiado por Mijaíl Fokine antes de unirse a los Ballets Rusos en 1909. [44] Su rival, Tamara Karsavina (1885-1978), que también actuó con los Ballets Rusos, es recordada sobre todo por crear el papel principal en El pájaro de fuego de Fokine . [45] Olga Spessivtseva (1895-1991) bailó con el Mariinski en San Petersburgo, pero también realizó giras con los Ballets Rusos, bailando Aurora en La princesa durmiente (1921) de Diáguilev en Londres. [46]
El ballet también comenzó a desarrollarse en Londres, gracias principalmente a los esfuerzos de dos mujeres. La polaca Marie Rambert (1888-1982), que también había adquirido experiencia con los Ballets Russes, fundó el Ballet Club (más tarde la Rambert Dance Company) en 1926, introduciendo nuevos coreógrafos como Frederick Ashton . Aún más influyente, Ninette de Valois (1898-2001) pasó tres años con los Ballets Russes antes de crear el Vic-Wells Ballet de Londres en 1931 (más tarde se convirtió en el Royal Ballet), donde Alicia Markova (1910-2004) fue la primera bailarina principal, protagonizando ballets de las producciones clásicas del Mariinsky. Markova se fue para formar su propia compañía de gira en 1937. Diez años más tarde, Margot Fonteyn (1919-1991) se convirtió en la primera bailarina principal de la compañía. [47] El apogeo de su fama llegó en 1961 cuando se embarcó en una asociación con Rudolf Nureyev , primero en Giselle , hasta que se retiró en 1979. [48]
A medida que el ballet se desarrollaba en los Estados Unidos, Maria Tallchief (1925-2013), la primera gran prima ballerina estadounidense, fue promovida por la coreógrafa Bronislava Nijinska (1891-1972) cuando se unió al Ballet Russe de Monte Carlo en Nueva York en 1942. Bailó como solista en los arreglos de George Balanchine para Song of Norway en 1944. Como esposa de Balanchine, pronto se convirtió en la estrella del New York City Ballet . [49] Lucia Chase (1897-1986) fue cofundadora del American Ballet Theatre en 1939 y se convirtió en su directora artística durante más de 40 años, supervisando la producción de una amplia variedad de nuevos ballets. [50] A lo largo de los años han surgido varias bailarinas estadounidenses destacadas, entre ellas Gelsey Kirkland (nacida en 1952), que interpretó el papel principal en El pájaro de fuego cuando tenía solo 17 años, [51] y Suzanne Farrell (nacida en 1945), que fue la estrella de Don Quijote de Balanchine en 1965. [52]
Las mujeres también han contribuido significativamente a la mayoría de las otras formas de danza, en particular el flamenco , la danza moderna , la danza expresionista , la danza del vientre y el cabaret que condujo al teatro musical . [53]
La música flamenca se originó en el sur de España en el siglo XV, probablemente como resultado de la influencia de los moros con posibles orígenes en la India. Si bien muchos de los cantantes que surgieron en el siglo XVIII eran hombres, las mujeres ganaron cada vez más fama como bailarinas. [54] Una de las primeras fue Juana la Macarrona (1860-1947), que actuó por primera vez en Sevilla con el cantante Silverio Franconetti, pero pronto se hizo popular no solo en toda España sino en toda Europa. [55] Lola Flores (1923-1995) es recordada por cantar y bailar folclore andaluz, especialmente flamenco, copla y chotis . [56] Angelita Vargas (nacida en 1946) es considerada una de las mayores estrellas del baile flamenco andaluz, y realizó giras por Europa, Estados Unidos, Japón y Australia. [57]
Liderados por mujeres, varios estilos de danza moderna comenzaron a desarrollarse hacia finales del siglo XIX. Loie Fuller (1862-1928) de Chicago fue una de las pioneras. Empleó su propio enfoque natural del movimiento y la improvisación, convirtiéndose más tarde en una estrella del Folies Bergère de París. [58] Inspirada por el arte griego, Isadora Duncan (1877-1927) de San Francisco allanó el camino hacia el estilo de danza libre moderna creyendo que era más importante expresar la esencia de la vida a través del movimiento en lugar de seguir los preceptos del ballet clásico. [59] Criada en una granja en Nueva Jersey, Ruth St. Denis (1879-1968) desarrolló sus propias interpretaciones de la danza oriental como una expresión de espiritualismo. [60] La estadounidense Martha Graham (1894-1991) ejerció una influencia considerable en el desarrollo de la danza moderna a través de su Martha Graham Center of Contemporary Dance con sede en Nueva York . [61] Otras figuras femeninas que contribuyeron a los desarrollos a mediados del siglo XX incluyen a Doris Humphrey (1895-1958), quien coreografió espirituales afroamericanos, y Helen Tamiris (1905-1966), quien jugó un papel importante en la coreografía de los primeros musicales. [62] [63] Otra coreógrafa importante de musicales de Broadway fue Hanya Holm (1893-1992), nacida en Alemania , estudiante de Mary Wigman . [64]
La alemana Mary Wigman es reconocida como la creadora de la danza expresionista . Inspirada por la percusión oriental, a menudo enfatizaba lo macabro. [65] Hertha Feist (1896-1990), también de Alemania, fue una bailarina y coreógrafa expresionista. Estableció su propia escuela en Berlín, combinando gimnasia con nudismo y danza, aunque sus ambiciones fueron luego seriamente restringidas por los nazis. [66] También asociada de Wigman, Gret Palucca (1902-1993) abrió sus propias escuelas en Alemania en las décadas de 1920 y 1930, pero luego fueron cerradas debido a su ascendencia judía. [67] Una de sus estudiantes, Dore Hoyer (1911-1967), que también fue asociada de Mary Wigman, desarrolló sus propios programas antes de la Segunda Guerra Mundial en Alemania, los Países Bajos, Dinamarca y Suecia. Después de la guerra se convirtió en directora de ballet en la Ópera Estatal de Hamburgo . [68]
Aunque la danza del vientre parece tener sus orígenes en un pasado lejano, se introdujo en Europa y América del Norte hacia finales del siglo XIX. Varias actrices de cine egipcias bailaron danza del vientre en los musicales de los años 1930 y 1940. [69] Entre las primeras estrellas se encontraban Tahia Carioca (1919-1999), Samia Gamal (1924-1994) y Nelly Mazloum (1929-2003). [70] A partir de los años 1960, la danza del vientre se hizo cada vez más popular en los Estados Unidos con estrellas como Dalilah (1936-2001), Dahlena y Serena (1933-2007). [71]
Las mujeres comenzaron a cantar y bailar en los cabarets de París en la década de 1890, enfatizando el cuerpo femenino al introducir movimientos seductores que resaltaban sus pechos y caderas. La mayoría de ellas no tenía formación formal, con la excepción de Cléo de Mérode (1875-1966), que dejó la Ópera de París para actuar en el Folies Bergère . [72] La coreógrafa principal fue Mariquita (1830-1922) , nacida en Argelia, que se convirtió en directora de ballet en el Folies Bergère y la Opéra Comique . Entre las estrellas de la época se encontraban la española La Belle Otero de Galicia , que saltó a la fama en el Cirque d'été de Charles Franconi en 1890, [73] Émilienne d'Alençon (1869-1946), que bailó en el Folies Bergère, y la holandesa Mata Hari (1876-1917), que a partir de 1905 se hizo famosa por su danza del templo de inspiración indonesia, primero en París y luego en otras capitales europeas. [72] [74] La Goulue (1866-1929) es recordada por bailar el cancán en el Moulin Rouge en la década de 1890. [75]
Antes de la Segunda Guerra Mundial, el racismo influyó en la danza de forma drástica. Durante esta época existían bailes sociales, como el swing , el jitterbug y el Lindy Hop , que los negros crearon para complacer a los blancos ricos. La danza era una terapia o una droga porque durante la Gran Depresión era una forma de encontrar la felicidad, el baile unía a las razas e incluso el simple hecho de verlo hacía que la gente se sintiera mejor con lo que ya estaba pasando. Después de la Segunda Guerra Mundial, la danza se transformó en algo que todo el mundo podía aprender fácilmente a hacer, incluso si recién estaba empezando. Se estaba convirtiendo más en un baile social callejero que todo el mundo podía disfrutar y, aunque todavía había racismo, pero de diferentes maneras, la danza era una forma de disfrutar de la vida y era una nueva forma de entretenerse. Otros bailes como el Charleston , Pattin' Juba , Jive , Spank the baby y Boogie Back se convirtieron en elementos básicos de la danza para la comunidad negra y muchas otras comunidades de danza y baile social. Estos estilos de baile sentaron las bases de la técnica del jazz actual .
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