Milton Ernest " Robert " Rauschenberg (22 de octubre de 1925 - 12 de mayo de 2008) fue un pintor y artista gráfico estadounidense cuyas primeras obras anticiparon el movimiento del arte pop . Rauschenberg es conocido por sus Combines (1954-1964), un grupo de obras de arte que incorporaban objetos cotidianos como materiales artísticos y que desdibujaban las distinciones entre pintura y escultura. Rauschenberg fue principalmente pintor y escultor, pero también trabajó con fotografía , grabado , fabricación de papel y performance. [1] [2]
Rauschenberg recibió numerosos premios durante sus casi 60 años de carrera artística. Entre los más destacados se encuentran el Gran Premio Internacional de Pintura en la 32ª Bienal de Venecia en 1964 y la Medalla Nacional de las Artes en 1993. [3]
Rauschenberg vivió y trabajó en la ciudad de Nueva York y en la isla Captiva, Florida , hasta su muerte el 12 de mayo de 2008. [4]
Rauschenberg nació como Milton Ernest Rauschenberg en Port Arthur, Texas , hijo de Dora Carolina (née Matson) y Ernest R. Rauschenberg. [5] [6] [7] Su padre era de ascendencia alemana y su madre de ascendencia holandesa. [8] Rauschenberg afirmó incorrectamente que su abuela paterna Tina "Tiny" Jane Howard era cherokee. [9] [10] Su padre trabajaba para Gulf States Utilities, una empresa de luz y energía. Sus padres eran cristianos fundamentalistas . [11] Tenía una hermana menor llamada Janet Begneaud. [12] [13]
A los 18 años, Rauschenberg fue admitido en la Universidad de Texas en Austin , donde comenzó a estudiar farmacología , pero abandonó poco después debido a la dificultad del curso (sin darse cuenta en ese momento de que era disléxico ) y por su falta de voluntad para diseccionar una rana en la clase de biología. [14] Fue reclutado por la Marina de los Estados Unidos en 1944. Con base en California , sirvió como técnico neuropsiquiátrico en un hospital de la Marina hasta su baja en 1945 o 1946. [14]
Posteriormente, Rauschenberg estudió en el Instituto de Arte de Kansas City y en la Academia Julian de París, [15] Francia, donde conoció a su compañera de estudios de arte Susan Weil . En esa época también cambió su nombre de Milton a Robert. [16] En 1948, Rauschenberg se unió a Weil para matricularse en el Black Mountain College de Carolina del Norte . [17] [18]
En Black Mountain , Rauschenberg buscó a Josef Albers , uno de los fundadores de la Bauhaus en Alemania , sobre quien había leído en un número de agosto de 1948 de la revista Time . Esperaba que los rigurosos métodos de enseñanza de Albers pudieran frenar su dejadez habitual. [19] Los cursos preliminares de diseño de Albers se basaban en una disciplina estricta que no permitía ninguna "experimentación no influenciada". [20] [21]
Rauschenberg se convirtió, en sus propias palabras, en «el tonto de Albers, el ejemplo más destacado de lo que no estaba diciendo». [22] Aunque Rauschenberg consideraba a Albers su maestro más importante, encontró una sensibilidad más compatible en John Cage , un compositor establecido de música de vanguardia. Al igual que Rauschenberg, Cage se había alejado de las enseñanzas de su instructor, Arnold Schoenberg , en favor de un enfoque más experimentalista de la música. Cage proporcionó a Rauschenberg el apoyo y el estímulo que tanto necesitaba durante los primeros años de su carrera, y los dos siguieron siendo amigos y colaboradores artísticos durante las décadas siguientes. [19]
De 1949 a 1952, Rauschenberg estudió con Vaclav Vytlacil y Morris Kantor en la Art Students League de Nueva York , [23] donde conoció a sus compañeros artistas Knox Martin y Cy Twombly . [24]
Rauschenberg se casó con Susan Weil en el verano de 1950 en la casa familiar de Weil en Outer Island, Connecticut . Su único hijo, Christopher, nació el 16 de julio de 1951. Los dos se separaron en junio de 1952 y se divorciaron en 1953. [25] A partir de entonces, Rauschenberg tuvo relaciones románticas con sus compañeros artistas Cy Twombly y Jasper Johns , entre otros. [26] [27] Su pareja durante los últimos 25 años de su vida fue el artista Darryl Pottorf, [28] su ex asistente. [23]
En la década de 1970 se mudó a NoHo en Manhattan, en la ciudad de Nueva York. [29]
Rauschenberg compró Beach House, su primera propiedad en Captiva Island , el 26 de julio de 1968. Sin embargo, la propiedad no se convirtió en su residencia permanente hasta el otoño de 1970. [30]
Rauschenberg murió de insuficiencia cardíaca el 12 de mayo de 2008, en Captiva Island , Florida. [23] [31]
El enfoque de Rauschenberg fue a veces llamado " neodadaísta ", una etiqueta que compartía con el pintor Jasper Johns . [32] Rauschenberg afirmó célebremente que "la pintura se relaciona tanto con el arte como con la vida", y quería trabajar "en la brecha entre los dos". [33] Al igual que muchos de sus predecesores dadaístas , Rauschenberg cuestionó la distinción entre objetos de arte y objetos cotidianos, y su uso de materiales prefabricados retomaba las cuestiones intelectuales planteadas por La fuente de Marcel Duchamp (1917). La influencia dadaísta de Duchamp también se puede observar en las pinturas de Jasper Johns de objetivos, números y banderas, que eran símbolos culturales familiares: "cosas que la mente ya sabe". [34]
En el Black Mountain College , Rauschenberg experimentó con una variedad de medios artísticos, incluyendo el grabado, el dibujo, la fotografía, la pintura, la escultura y el teatro; sus obras a menudo presentaban alguna combinación de estos. Creó sus pinturas Night Blooming (1951) en Black Mountain presionando guijarros y grava sobre pigmento negro sobre lienzo. Ese mismo año hizo planos de cuerpo entero en colaboración con Susan Weil en su apartamento de Nueva York, que "esperan convertir [...] en diseños de pantalla y papel tapiz". [35]
Desde el otoño de 1952 hasta la primavera de 1953, Rauschenberg viajó por Italia y el norte de África con su compañero artista y socio Cy Twombly . Allí, creó collages y pequeñas esculturas, incluidas las Scatole Personali y Feticci Personali , a partir de materiales que encontró. Las exhibió en galerías de Roma y Florencia . [36] Para sorpresa de Rauschenberg, varias de las obras se vendieron; muchas de las que no lo hicieron las arrojó al río Arno , siguiendo la sugerencia de un crítico de arte que revisó su muestra. [37] [38]
A su regreso a la ciudad de Nueva York en 1953, Rauschenberg comenzó a crear esculturas con materiales que encontró en su vecindario del Bajo Manhattan, como chatarra, madera y cordel. [39] A lo largo de la década de 1950, Rauschenberg se mantuvo diseñando escaparates para Tiffany & Co. y Bonwit Teller , primero con Susan Weil y luego en sociedad con Jasper Johns bajo el seudónimo de Matson Jones.
En un incidente famoso de 1953, Rauschenberg solicitó un dibujo al pintor expresionista abstracto Willem de Kooning con el propósito expreso de borrarlo como una declaración artística. Esta obra conceptual, titulada Erased de Kooning Drawing (Dibujo borrado de de Kooning) , fue realizada con el consentimiento del artista mayor. [40] [23] [41]
En 1961, Rauschenberg exploró un enfoque conceptual similar al presentar una idea como la obra de arte en sí. Fue invitado a participar en una exposición en la Galerie Iris Clert en París , donde los artistas debían presentar retratos de Clert , la dueña de la galería. La presentación de Rauschenberg consistía en un telegrama que declaraba: "Este es un retrato de Iris Clert, si yo lo digo". [22]
En 1962, las pinturas de Rauschenberg comenzaron a incorporar no solo objetos encontrados, sino también imágenes encontradas. Después de una visita al estudio de Andy Warhol ese año, Rauschenberg comenzó a utilizar un proceso de serigrafía , generalmente reservado para medios comerciales de reproducción, para transferir fotografías al lienzo. [42] Las pinturas serigrafiadas realizadas entre 1962 y 1964 llevaron a los críticos a identificar la obra de Rauschenberg con el arte pop .
Rauschenberg había experimentado con la tecnología en sus obras de arte desde la creación de sus primeros Combines a mediados de la década de 1950, donde a veces usaba radios, relojes y ventiladores eléctricos como materiales escultóricos. Más tarde exploró su interés por la tecnología mientras trabajaba con el científico investigador de Bell Laboratories, Billy Klüver . Juntos realizaron algunos de los experimentos tecnológicos más ambiciosos de Rauschenberg, como Soundings (1968), una instalación de luz que respondía al sonido ambiental. En 1966, Klüver y Rauschenberg lanzaron oficialmente Experiments in Art and Technology (EAT), una organización sin fines de lucro establecida para promover colaboraciones entre artistas e ingenieros. [43] [44] En 1969, la NASA invitó a Rauschenberg a presenciar el lanzamiento del Apolo 11. En respuesta a este evento histórico, Rauschenberg creó su serie de litografías Stoned Moon . [45] Esto implicó combinar diagramas y otras imágenes de los archivos de la NASA con sus propios dibujos y texto escrito a mano. [46] [47]
A partir de 1970, Rauschenberg trabajó desde su casa y estudio en Captiva, Florida . Las primeras obras que creó en su nuevo estudio fueron Cardboards (1971-72) y Early Egyptians (1973-74), para las que se basó en materiales de origen local como cartón y arena. Mientras que sus obras anteriores a menudo habían resaltado las imágenes y los materiales urbanos, Rauschenberg ahora favoreció el efecto de las fibras naturales que se encuentran en la tela y el papel. Imprimió sobre textiles utilizando su técnica de transferencia de solvente para hacer las series Hoarfrost (1974-76) y Spread (1975-82); esta última presentaba grandes extensiones de tela pegada sobre paneles de madera. Rauschenberg creó su serie Jammer (1975-76) utilizando telas coloridas inspiradas en su viaje a Ahmedabad, India , una ciudad famosa por sus textiles. La simplicidad sin imágenes de la serie Jammer constituye un sorprendente contraste con las imágenes repletas de Hoarfrosts y la crudeza de sus primeros trabajos realizados en la ciudad de Nueva York .
Los viajes internacionales se convirtieron en una parte central del proceso artístico de Rauschenberg después de 1975. En 1984, Rauschenberg anunció el inicio de su Intercambio Cultural Rauschenberg en el Extranjero (ROCI, por sus siglas en inglés) en las Naciones Unidas . El proyecto ROCI, financiado casi en su totalidad por el artista, consistió en una gira de siete años por diez países de todo el mundo. Rauschenberg tomó fotografías en cada lugar e hizo obras de arte inspiradas en las culturas que visitó. Las obras resultantes se exhibieron en una exposición local en cada país. Rauschenberg a menudo donaba una obra de arte a una institución cultural local. [48]
A partir de mediados de la década de 1980, Rauschenberg se centró en la serigrafía de imágenes sobre una variedad de metales tratados de forma diferente, como el acero y el aluminio espejado. Creó muchas series de las llamadas "pinturas de metal", entre ellas: Borealis (1988-92), [49] Urban Bourbons (1988-1996), Phantoms (1991) y Night Shades (1991). [50] Además, a lo largo de la década de 1990, Rauschenberg continuó utilizando nuevos materiales mientras seguía trabajando con técnicas más rudimentarias. Como parte de su compromiso con las últimas innovaciones tecnológicas, en su serie de pinturas tardías transfirió imágenes fotográficas de inyección de tinta digital a una variedad de soportes de pintura. Para sus Arcadian Retreats (1996) transfirió imágenes a fresco húmedo. Su obra Love Hotel [Anagrama (un juego de palabras)] de 1998, realizada con transferencia de tinte vegetal sobre polilaminado, está incluida en la colección permanente del Pérez Art Museum Miami , en Florida, el estado natal del artista durante casi cuarenta años. [51] [52] En consonancia con su compromiso con el medio ambiente, Rauschenberg utilizó tintes y pigmentos biodegradables y agua en lugar de productos químicos en el proceso de transferencia. [53]
En 1951, Rauschenberg creó su serie de Pinturas blancas en la tradición de la pintura monocromática establecida por Kazimir Malevich , quien redujo la pintura a sus cualidades más esenciales para una experiencia de pureza estética e infinitud. [54] Las Pinturas blancas se exhibieron en la Stable Gallery de Eleanor Ward en Nueva York en el otoño de 1953. Rauschenberg usó pintura blanca de uso diario y rodillos de pintura para crear superficies suaves y sin adornos que a primera vista parecen lienzos en blanco. Sin embargo, en lugar de percibirlas como carentes de contenido, John Cage describió las Pinturas blancas como "aeropuertos para las luces, sombras y partículas"; [55] superficies que reflejaban delicados cambios atmosféricos en la habitación. El propio Rauschenberg dijo que se veían afectadas por las condiciones ambientales, "por lo que casi se podía saber cuántas personas había en la habitación". Al igual que las Pinturas blancas , las pinturas negras de 1951-1953 se ejecutaron en múltiples paneles y fueron predominantemente obras de un solo color. Rauschenberg aplicó pintura negra mate y brillante sobre fondos texturizados de periódico sobre lienzo, dejando ocasionalmente que el periódico permaneciera visible.
En 1953, Rauschenberg había pasado de la serie de Pinturas blancas y negras al expresionismo exaltado de su serie de Pinturas rojas . Consideraba que el rojo era "el color más difícil" con el que pintar, y aceptó el desafío goteando, pegando y exprimiendo capas de pigmento rojo directamente sobre soportes de lienzo que incluían tela estampada, periódico, madera y clavos. [56] Las complejas superficies materiales de las Pinturas rojas fueron precursoras de la conocida serie Combine de Rauschenberg (1954-1964). [54]
Rauschenberg recogía objetos desechados en las calles de la ciudad de Nueva York y los llevaba a su estudio, donde los integraba en su obra. Afirmaba que "quería algo distinto de lo que yo mismo podía hacer y quería utilizar la sorpresa, la colectividad y la generosidad de encontrar sorpresas. [...] Así, el objeto en sí mismo fue cambiando por su contexto y, por lo tanto, se convirtió en algo nuevo". [57] [41]
El comentario de Rauschenberg sobre la brecha entre el arte y la vida proporciona el punto de partida para comprender sus contribuciones como artista. [33] Veía la belleza potencial en casi cualquier cosa; una vez dijo: "Realmente siento pena por las personas que piensan que cosas como jaboneras, espejos o botellas de Coca-Cola son feas, porque están rodeadas de cosas así todo el día, y eso debe hacerlos miserables". [23] Su serie Combine dotó a los objetos cotidianos de un nuevo significado al ponerlos en el contexto de las bellas artes junto con los materiales de pintura tradicionales. Los Combines eliminaron los límites entre el arte y la escultura para que ambos estuvieran presentes en una sola obra de arte. Si bien "Combines" se refiere técnicamente al trabajo de Rauschenberg de 1954 a 1964, Rauschenberg continuó utilizando objetos cotidianos como ropa, periódicos, desechos urbanos y cartón a lo largo de su carrera artística.
Sus piezas de transición que llevaron a la creación de Combines fueron Charlene (1954) y Collection (1954/1955), donde hizo collages de objetos como bufandas, bombillas eléctricas, espejos y tiras cómicas. Aunque Rauschenberg había implementado periódicos y textiles estampados en sus pinturas negras y Pinturas rojas , en los Combines dio a los objetos cotidianos una prominencia igual a la de los materiales de pintura tradicionales. Considerada una de las primeras de los Combines, Bed (1955) fue creada untando pintura roja sobre una colcha, una sábana y una almohada muy gastadas. La obra fue colgada verticalmente en la pared como una pintura tradicional. Debido a las conexiones íntimas de los materiales con la propia vida del artista, Bed a menudo se considera un autorretrato y una huella directa de la conciencia interior de Rauschenberg. Algunos críticos sugirieron que la obra podría leerse como un símbolo de violencia y violación, [58] pero Rauschenberg describió Bed como "uno de los cuadros más amigables que he pintado". [39] Entre sus Combines más famosos se encuentran aquellos que incorporan animales disecados, como Monogram (1955-1959) , que incluye una cabra de angora disecada , y Canyon (1959) , que presenta un águila real disecada . Aunque el águila fue rescatada de la basura, Canyon provocó la ira del gobierno debido a la Ley de Protección del Águila Calva y Real de 1940. [59]
Los críticos consideraron originalmente los Combines en términos de sus cualidades formales: color, textura y composición. La visión formalista de la década de 1960 fue refutada más tarde por el crítico Leo Steinberg , quien dijo que cada Combine era "una superficie receptora en la que se dispersan los objetos, en la que se ingresan datos". [60] Según Steinberg, la horizontalidad de lo que él llamó el "plano de imagen plano" de Rauschenberg había reemplazado la verticalidad tradicional de la pintura y, posteriormente, permitió las superficies únicas ligadas al material de la obra de Rauschenberg.
Rauschenberg comenzó a explorar su interés por la danza después de mudarse a Nueva York a principios de la década de 1950. Estuvo expuesto por primera vez a la danza de vanguardia y al arte escénico en el Black Mountain College, donde participó en la pieza teatral No. 1 (1952) de John Cage, a menudo considerada el primer Happening . Comenzó a diseñar decorados, iluminación y vestuario para Merce Cunningham y Paul Taylor . A principios de la década de 1960 participó en los experimentos radicales de danza-teatro en la Judson Memorial Church en Greenwich Village , y coreografió su primera actuación, Pelican (1963), para el Judson Dance Theater en mayo de 1963. [61] Rauschenberg era amigo cercano de bailarines afiliados a Cunningham, incluidos Carolyn Brown , Viola Farber y Steve Paxton , todos los cuales aparecieron en sus obras coreografiadas. La vinculación a tiempo completo de Rauschenberg con la Merce Cunningham Dance Company finalizó tras su gira mundial de 1964. [62] En 1966, Rauschenberg creó la interpretación Open Score para parte de 9 Evenings: Theatre and Engineering en el 69th Regiment Armory , Nueva York. La serie fue fundamental para la formación de Experiments in Art and Technology (EAT). [63] [64]
En 1977, Rauschenberg, Cunningham y Cage volvieron a colaborar por primera vez en trece años para crear Travelogue (1977), para la que Rauschenberg contribuyó con el vestuario y los diseños de escenografía. [53] Rauschenberg no coreografió sus propias obras después de 1967, pero continuó colaborando con otros coreógrafos, incluida Trisha Brown , durante el resto de su carrera artística.
A lo largo de su carrera, Rauschenberg diseñó numerosos carteles en apoyo de causas que eran importantes para él. En 1965, cuando la revista Life le encargó que visualizara un infierno moderno, no dudó en expresar su ira contra la guerra de Vietnam y otros problemas sociopolíticos contemporáneos, como la violencia racial, el neonazismo , los asesinatos políticos y el desastre ecológico. [37]
En 1969, el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York encargó a Rauschenberg la creación de una pieza en honor a su centenario. Se enteró de que los objetivos originales del museo estaban detallados en un certificado de 1870 y creó su «Certificado del Centenario» basándose en ese objeto, con imágenes de algunas de las piezas más conocidas del museo y las firmas de la junta directiva de ese momento. Existen copias del Certificado del Centenario en numerosos museos y colecciones privadas. [65]
El 30 de diciembre de 1979, el Miami Herald imprimió 650.000 copias de Tropic , su revista dominical, con una portada diseñada por Rauschenberg. En 1983, ganó un premio Grammy por su diseño del álbum Speaking in Tongues de Talking Heads . [66] En 1986, BMW le encargó a Rauschenberg que pintara un BMW 635 CSi de tamaño real para la sexta entrega del famoso BMW Art Car Project . El automóvil de Rauschenberg fue el primero del proyecto en presentar reproducciones de obras del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, así como sus propias fotografías.
En 1998, el Vaticano encargó una obra a Rauschenberg en honor del año Jubileo 2000 para que se exhibiera en la Sala Litúrgica del Padre Pío , en San Giovanni Rotondo, Italia. Trabajando en torno al tema del Juicio Final , Rauschenberg creó El feliz Apocalipsis (1999), una maqueta de seis metros de largo . Finalmente, el Vaticano la rechazó con el argumento de que la representación de Dios que hacía Rauschenberg como una antena parabólica era una referencia teológica inapropiada. [67]
Rauschenberg tuvo su primera exposición individual en la Betty Parsons Gallery en la primavera de 1951. [68] [69] En 1953, mientras estaba en Italia, Irene Brin y Gaspero del Corso se fijaron en él y organizaron su primera exposición europea en su famosa galería en Roma . [36] En 1953, Eleanor Ward invitó a Rauschenberg a participar en una exposición conjunta con Cy Twombly en la Stable Gallery . En su segunda exposición individual en Nueva York en la Charles Egan Gallery en 1954, Rauschenberg presentó sus Pinturas rojas (1953-1953) y Combinaciones (1954-1964). [70] [71] Leo Castelli montó una exposición individual de Combinaciones de Rauschenberg en 1958. La única venta fue una adquisición por parte del propio Castelli de Cama (1955), ahora en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York . [72]
La primera retrospectiva de la carrera de Rauschenberg fue organizada por el Museo Judío de Nueva York en 1963. En 1964 se convirtió en uno de los primeros artistas estadounidenses en ganar el Gran Premio Internacional de Pintura en la Bienal de Venecia ( James Whistler y Mark Tobey habían ganado premios de pintura anteriormente en 1895 y 1958 respectivamente). Una retrospectiva de mitad de carrera fue organizada por la Colección Nacional de Bellas Artes (ahora el Museo Smithsonian de Arte Americano ), Washington, DC, y viajó por todo Estados Unidos entre 1976 y 1978. [53] [73]
En la década de 1990 se realizó una retrospectiva en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York (1997), que viajó a museos de Houston, Colonia y Bilbao hasta 1999. [74] Una exposición de Combines se presentó en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (2005; viajó al Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles , al Centro Georges Pompidou de París y al Moderna Museet de Estocolmo, hasta 2007). La primera retrospectiva póstuma de Rauschenberg se montó en la Tate Modern (2016; viajó al Museo de Arte Moderno de Nueva York y al Museo de Arte Moderno de San Francisco hasta 2017). [75]
Otras exposiciones incluyen: Robert Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery , Londres (2013); Robert Rauschenberg: The Fulton Street Studio , 1953–54 , Craig F. Starr Associates (2014); A Visual Lexicon, Leo Castelli Gallery (2014); Robert Rauschenberg: Works on Metal , Gagosian Gallery, Beverly Hills (2014); [76] Rauschenberg in China , Ullens Center for Contemporary Art , Pekín (2016); y Rauschenberg: The 1/4 Mile en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (2018-2019). [77]
Rauschenberg creía firmemente en el poder del arte como catalizador del cambio social. El Intercambio Cultural Rauschenberg en el Extranjero (ROCI, por sus siglas en inglés) comenzó en 1984 como un esfuerzo por generar un diálogo internacional y mejorar la comprensión cultural a través de la expresión artística. En 1991, se inauguró una exposición del ROCI en la Galería Nacional de Arte de Washington DC, [78] que concluyó una gira por diez países: México, Chile, Venezuela, China, Tíbet, Japón, Cuba, la URSS, Alemania y Malasia.
En 1970, Rauschenberg creó un programa llamado Change, Inc., para otorgar subvenciones de emergencia únicas de hasta $1,000 a artistas visuales en función de la necesidad financiera. [79] En 1990, Rauschenberg creó la Fundación Robert Rauschenberg (RRF) para promover la conciencia de las causas que le importaban, como la paz mundial, el medio ambiente y las cuestiones humanitarias. En 1986, Rauschenberg recibió el Premio Golden Plate de la Academia Estadounidense de Logros . [80] [81] El presidente Bill Clinton le otorgó la Medalla Nacional de las Artes en 1993. En 2000, Rauschenberg fue honrado con el Premio a la Excelencia de amfAR por las contribuciones artísticas a la lucha contra el SIDA. [82]
En la actualidad, la RRF posee muchas obras de Rauschenberg de todos los períodos de su carrera. En 2011, la fundación presentó The Private Collection of Robert Rauschenberg en colaboración con Gagosian Gallery , que presenta selecciones de la colección de arte personal de Rauschenberg. Las ganancias de la exposición ayudaron a financiar las actividades filantrópicas de la fundación. [83] También en 2011, la fundación lanzó su proyecto "Artista como activista" e invitó al artista Shepard Fairey a centrarse en un tema de su elección. La obra editada que realizó se vendió para recaudar fondos para la Coalition for the Homeless . [84] RRF continúa apoyando a artistas emergentes y organizaciones artísticas con subvenciones y colaboraciones filantrópicas cada año. La RRF tiene varios programas de residencia que se llevan a cabo en la sede de la fundación en Nueva York y en la propiedad del difunto artista en Captiva Island , Florida.
En 2013, Dale Eisinger de Complex clasificó a Open Score (1966) en el séptimo lugar de su lista de las mejores obras de arte escénico de todos los tiempos. [85]
La Galería Bob Rauschenberg del Florida Southwestern State College cambió su nombre en 2004 (de Galería de Bellas Artes, fundada en 1979) en honor a Rauschenberg y con su bendición.
En 2010, Studio Painting (1960‑61), una de las Combines de Rauschenberg cuyo valor se estimó originalmente entre 6 y 9 millones de dólares, fue comprada de la colección de Michael Crichton por 11 millones de dólares en Christie's , Nueva York. [86] En 2019, Christie's vendió la serigrafía Buffalo II (1964) por 88,8 millones de dólares, rompiendo el récord anterior del artista.
A principios de los años 1970, Rauschenberg presionó al Congreso de los Estados Unidos para que aprobara un proyecto de ley que compensara a los artistas cuando sus obras se revendieran en el mercado secundario. Rauschenberg emprendió su lucha por las regalías por reventa de obras de arte ( droit de suite ) después de que el magnate del taxi Robert Scull vendiera parte de su colección de obras de arte pop y expresionista abstracto por 2,2 millones de dólares. Scull había comprado originalmente las pinturas de Rauschenberg Thaw (1958) y Double Feature (1959) por 900 y 2.500 dólares respectivamente; aproximadamente una década después, Scull vendió las piezas por 85.000 y 90.000 dólares en una subasta de 1973 en Sotheby Parke Bernet en Nueva York. [87]
Los esfuerzos de cabildeo de Rauschenberg fueron recompensados en 1976 cuando el gobernador de California, Jerry Brown, firmó la ley de regalías por reventa de California de 1976. [88] El artista continuó impulsando una legislación nacional sobre regalías por reventa después de la victoria en California.
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