En las artes visuales , el estilo es una "... manera distintiva que permite agrupar obras en categorías relacionadas" [1] o "... cualquier forma distintiva, y por lo tanto reconocible, en la que se realiza un acto o se hace un artefacto". o debería realizarse y realizarse". [2] Estilo se refiere a la apariencia visual de una obra de arte que se relaciona con otras obras con raíces estéticas similares, del mismo artista, o del mismo período, formación, ubicación, "escuela", movimiento artístico o cultura arqueológica : " La noción de estilo ha sido durante mucho tiempo el principal modo de clasificación de las obras de arte por parte de los historiadores. [3]
El estilo se puede dividir en el estilo general de un período, país o grupo cultural, grupo de artistas o movimiento artístico , y el estilo individual del artista dentro de ese estilo grupal. A menudo se hacen divisiones dentro de ambos tipos de estilos, como entre "temprano", "medio" o "tardío". [4] En algunos artistas, como Picasso , por ejemplo, estas divisiones pueden ser marcadas y fáciles de ver; en otros, son más sutiles. El estilo se considera generalmente dinámico, y en la mayoría de los períodos siempre cambia mediante un proceso gradual, aunque la velocidad de este varía mucho, desde el muy lento desarrollo del estilo típico del arte prehistórico o del antiguo Egipto hasta los rápidos cambios en los estilos del arte moderno . El estilo a menudo se desarrolla en una serie de saltos, con cambios relativamente repentinos seguidos de períodos de desarrollo más lento.
Después de dominar la discusión académica en historia del arte en el siglo XIX y principios del XX, la llamada "historia del arte de estilo" ha sido objeto de un ataque cada vez mayor en las últimas décadas, y muchos historiadores del arte ahora prefieren evitar las clasificaciones estilísticas en la medida de lo posible. [5]
Cualquier obra de arte es, en teoría, susceptible de ser analizada en términos de estilo; ni las épocas ni los artistas pueden evitar tener un estilo, excepto por completa incompetencia, [6] y, a la inversa, no se puede decir que los objetos o lugares naturales tengan un estilo, ya que el estilo sólo resulta de las elecciones hechas por un creador. [7] Poco importa si el artista elige conscientemente su estilo o si puede identificar su propio estilo. Los artistas de las sociedades desarrolladas recientemente tienden a ser muy conscientes de su propio estilo, posiblemente demasiado conscientes, mientras que para los artistas anteriores las elecciones estilísticas probablemente eran "en gran medida inconscientes". [8]
La mayoría de los períodos estilísticos son identificados y definidos posteriormente por los historiadores del arte, pero los artistas pueden optar por definir y nombrar su propio estilo. Los nombres de la mayoría de los estilos más antiguos son invención de historiadores del arte y los practicantes de esos estilos no los habrían entendido. Algunos se originaron como términos de burla, incluidos el gótico , el barroco y el rococó . [9] El cubismo, por otro lado, fue una identificación consciente realizada por unos pocos artistas; La palabra en sí parece haberse originado en críticos más que en pintores, pero fue rápidamente aceptada por los artistas.
El arte occidental, como el de algunas otras culturas, más notablemente el arte chino , tiene una marcada tendencia a revivir a intervalos estilos "clásicos" del pasado. [10] En el análisis crítico de las artes visuales, el estilo de una obra de arte normalmente se trata como algo distinto de su iconografía , que cubre el tema y el contenido de la obra, aunque para Jas Elsner esta distinción "no es, por supuesto". , cierto en cualquier ejemplo real; pero retóricamente ha demostrado ser extremadamente útil". [11]
La crítica de arte clásica y los relativamente pocos escritos medievales sobre estética no desarrollaron en gran medida un concepto de estilo en el arte, o un análisis del mismo, [12] y aunque los escritores de arte del Renacimiento y el Barroco están muy preocupados por lo que llamaríamos estilo, sí lo hicieron. No desarrollo una teoría coherente al respecto, al menos fuera de la arquitectura:
Los estilos artísticos cambian con las condiciones culturales; una verdad evidente para cualquier historiador del arte moderno, pero una idea extraordinaria en este período [principios del Renacimiento y anteriores]. Tampoco está claro que tal idea fuera articulada en la antigüedad ... Plinio estuvo atento a los cambios en las formas de hacer arte, pero presentó esos cambios como impulsados por la tecnología y la riqueza. Vasari también atribuye la extrañeza y, en su opinión, las deficiencias del arte anterior a la falta de conocimientos tecnológicos y de sofisticación cultural. [13]
Giorgio Vasari presentó un relato enormemente influyente pero muy cuestionado sobre el desarrollo del estilo en la pintura italiana (principalmente) desde Giotto hasta su propio período manierista . Destacó el desarrollo de un estilo florentino basado en el disegno o dibujo basado en líneas, en lugar del color veneciano . Con otros teóricos del Renacimiento como Leon Battista Alberti continuó los debates clásicos sobre el mejor equilibrio en el arte entre la representación realista de la naturaleza y su idealización; este debate continuaría hasta el siglo XIX y la llegada del Modernismo . [14]
El teórico del neoclasicismo , Johann Joachim Winckelmann , analizó los cambios estilísticos en el arte clásico griego en 1764, comparándolos estrechamente con los cambios en el arte renacentista , y " Georg Hegel codificó la noción de que cada período histórico tendrá un estilo típico", formulando una Una sombra muy larga sobre el estudio del estilo. [15] A Hegel se le atribuye a menudo la invención de la palabra alemana Zeitgeist , pero en realidad nunca usó la palabra, aunque en Lectures on the Philosophy of History , usa la frase der Geist seiner Zeit (el espíritu de su tiempo), escribiendo que "nadie puede superar su propio tiempo, porque el espíritu de su tiempo es también su propio espíritu". [dieciséis]
La construcción de esquemas de los estilos de época del arte y la arquitectura históricos fue una de las principales preocupaciones de los estudiosos del siglo XIX en el nuevo campo de la historia del arte , inicialmente mayoritariamente de habla alemana , con importantes escritores sobre la teoría amplia del estilo, incluidos Carl Friedrich von Rumohr , Gottfried Semper. y Alois Riegl en su Stilfragen de 1893, con Heinrich Wölfflin y Paul Frankl continuando el debate en el siglo XX. [17] Paul Jacobsthal y Josef Strzygowski se encuentran entre los historiadores del arte que siguieron a Riegl al proponer grandes esquemas que rastrean la transmisión de elementos de estilos a través de grandes rangos en el tiempo y el espacio. Este tipo de historia del arte también se conoce como formalismo , o estudio de las formas o figuras en el arte. [18]
Semper, Wölfflin y Frankl, y más tarde Ackerman, tenían experiencia en la historia de la arquitectura y, como muchos otros términos para estilos de época, "románico" y "gótico" se acuñaron inicialmente para describir estilos arquitectónicos , donde se pueden observar cambios importantes entre estilos. más claro y más fácil de definir, sobre todo porque el estilo en arquitectura es más fácil de replicar siguiendo un conjunto de reglas que el estilo en el arte figurativo como la pintura. Los términos que se originaron para describir períodos arquitectónicos a menudo se aplicaron posteriormente a otras áreas de las artes visuales y luego, de manera más amplia, a la música, la literatura y la cultura en general. [19]
En la arquitectura, el cambio de estilo suele ser posible gracias al descubrimiento de nuevas técnicas o materiales, desde la bóveda de crucería gótica hasta las modernas construcciones de metal y hormigón armado . Un área importante de debate tanto en la historia del arte como en la arqueología ha sido hasta qué punto el cambio estilístico en otros campos como la pintura o la cerámica es también una respuesta a nuevas posibilidades técnicas, o tiene su propio impulso para desarrollarse (el kunstwollen de Riegl), o cambios en respuesta a factores sociales y económicos que afectan el patrocinio y las condiciones del artista, como tiende a enfatizar el pensamiento actual, utilizando versiones menos rígidas de la historia del arte marxista . [20]
Aunque el estilo estaba bien establecido como un componente central del análisis de la historia del arte, verlo como el factor predominante en la historia del arte había pasado de moda en la Segunda Guerra Mundial, a medida que se desarrollaban otras formas de ver el arte, [21] como así como una reacción contra el énfasis en el estilo; Para Svetlana Alpers , "la invocación normal del estilo en la historia del arte es ciertamente un asunto deprimente". [22] Según James Elkins "A finales del siglo XX, las críticas de estilo tenían como objetivo reducir aún más los elementos hegelianos del concepto, manteniéndolos al mismo tiempo en una forma que pudiera controlarse más fácilmente". [23] Meyer Schapiro , James Ackerman , Ernst Gombrich y George Kubler ( The Shape of Time: Remarks on the History of Things , 1962) han hecho contribuciones notables al debate, que también se ha basado en desarrollos más amplios de la teoría crítica . [24] En 2010, Jas Elsner lo expresó con más fuerza: "Durante casi todo el siglo XX, la historia del arte del estilo ha sido el rey indiscutible de la disciplina, pero desde las revoluciones de los años setenta y ochenta el rey ha estado muerto". [25] aunque su artículo explora formas en las que la "historia del arte del estilo" permanece viva, y su comentario difícilmente sería aplicable a la arqueología.
El uso de términos como Contramaniera parece estar en declive, a medida que crece la impaciencia entre los historiadores del arte ante tales "etiquetas de estilo" . En 2000, Marcia B. Hall , destacada historiadora del arte de la pintura italiana del siglo XVI y aprendiz de Sydney Joseph Freedberg (1914-1997), quien inventó el término, fue criticada por un crítico de su libro After Raphael: Painting in Central Italy in the Sixteenth Century por su "defecto fundamental" al seguir usando este y otros términos, a pesar de una "Nota sobre etiquetas de estilo" de disculpa al comienzo del libro y la promesa de mantener su uso al mínimo. [26]
Un raro intento reciente de crear una teoría para explicar el proceso que impulsa los cambios en el estilo artístico, en lugar de simplemente teorías sobre cómo describirlos y categorizarlos, es el del psicólogo conductual Colin Martindale , quien ha propuesto una teoría evolutiva basada en principios darwinianos . [27] Sin embargo, no se puede decir que esto haya ganado mucho apoyo entre los historiadores del arte.
La historia del arte tradicional también ha puesto gran énfasis en el estilo individual, a veces llamado estilo característico , [28] de un artista: "la noción de estilo personal: que la individualidad puede expresarse de manera única no sólo en la forma en que un artista dibuja, sino también en las peculiaridades estilísticas de la escritura de un autor (por ejemplo), es quizás un axioma de las nociones occidentales de identidad". [29] La identificación de estilos individuales es especialmente importante en la atribución de obras a artistas, lo que es un factor dominante en su valoración para el mercado del arte , sobre todo para obras de la tradición occidental desde el Renacimiento. La identificación del estilo individual en las obras está "esencialmente asignada a un grupo de especialistas en el campo conocidos como conocedores ", [30] un grupo que se centra en el comercio de arte y los museos, a menudo con tensiones entre ellos y la comunidad de historiadores académicos del arte. . [31]
El ejercicio del conocimiento es en gran medida una cuestión de impresiones subjetivas difíciles de analizar, pero también de conocer detalles de la técnica y la "mano" de diferentes artistas. Giovanni Morelli (1816 – 1891) fue pionero en el estudio sistemático del escrutinio de detalles menores de diagnóstico que revelaban la taquigrafía apenas consciente de los artistas y las convenciones para representar, por ejemplo, orejas o manos, en las pinturas de los viejos maestros occidentales . Sus técnicas fueron adoptadas por Bernard Berenson y otros, y han sido aplicadas a la escultura y muchos otros tipos de arte, por ejemplo por Sir John Beazley a la pintura de jarrones áticos . [32] Las técnicas personales pueden ser importantes para analizar el estilo individual. Aunque antes del Modernismo la formación de los artistas era esencialmente imitativa, basándose en métodos técnicos enseñados, ya fuera como aprendiz en un taller o más tarde como estudiante en una academia, siempre hubo lugar para la variación personal. La idea de los "secretos" técnicos celosamente guardados por el maestro que los desarrolló es un topos de larga data en la historia del arte, desde el relato probablemente mítico de Vasari sobre Jan van Eyck hasta los hábitos secretos de Georges Seurat . [33]
Sin embargo, la idea de estilo personal no se limita ciertamente a la tradición occidental. En el arte chino está igualmente profundamente arraigado, pero tradicionalmente se considera un factor de apreciación de algunos tipos de arte, sobre todo la caligrafía y la pintura de los literatos , pero no otros, como la porcelana china; [34] una distinción que también se ve a menudo en las llamadas artes decorativas en Occidente. La pintura china también permitió al artista expresar opiniones políticas y sociales mucho antes de lo que normalmente se detecta en Occidente. [35] La caligrafía, también considerada una bella arte en el mundo islámico y Asia Oriental , aporta una nueva área dentro del ámbito del estilo personal; El ideal de la caligrafía occidental tiende a ser suprimir el estilo individual, mientras que la grafología , que se basa en él, se considera a sí misma una ciencia.
El pintor Edward Edwards dijo en sus Anécdotas de pintores (1808): "La forma de escribir a lápiz del Sr. Gainsborough era tan peculiar de él mismo que su trabajo no necesitaba firma". [36] Ejemplos de estilos fuertemente individuales incluyen: el arte cubista de Pablo Picasso , el estilo Pop Art [37] de Andy Warhol , el estilo impresionista de Vincent Van Gogh , Drip Painting de Jackson Pollock
"Manera" es un término relacionado, que se utiliza a menudo para lo que en realidad es una subdivisión de un estilo, tal vez centrada en puntos particulares de estilo o técnica. [38] Si bien muchos elementos del estilo de época pueden reducirse a formas características, que pueden representarse adecuadamente en diagramas simples dibujados con líneas, "manera" se usa más a menudo para referirse al estilo general y la atmósfera de una obra, especialmente compleja. obras como pinturas, que no pueden ser tan fácilmente sujetas a un análisis preciso. Es un término algo obsoleto en la historia del arte académico, que se evita porque es impreciso. Cuando se utiliza a menudo es en el contexto de imitaciones del estilo individual de un artista, y forma parte de la jerarquía de términos discretos o diplomáticos utilizados en el comercio del arte para la relación entre una obra en venta y la de un artista conocido. artista, con "Manner of Rembrandt " sugiriendo una relacion distanciada entre el estilo de la obra y el propio estilo de Rembrandt. La "Explicación de la práctica de catalogación" de los subastadores Christie's explica que " Manera de ... " en sus catálogos de subasta significa "En nuestra opinión, una obra ejecutada en el estilo del artista pero de una fecha posterior". [39] El manierismo , derivado de la maniera italiana ("manera") es una fase específica del estilo general del Renacimiento, pero "manera" puede usarse muy ampliamente.
En arqueología , a pesar de las técnicas modernas como la datación por radiocarbono , el período o el estilo cultural sigue siendo una herramienta crucial en la identificación y datación no sólo de obras de arte sino de todas las clases de artefactos arqueológicos , incluidos los puramente funcionales (ignorando la cuestión de si existen artefactos puramente funcionales). ). [40] La identificación de estilos individuales de artistas o artesanos también se ha propuesto en algunos casos incluso para períodos remotos como el arte de la Edad de Hielo del Paleolítico superior europeo . [41]
Como en la historia del arte, el punto de partida es el análisis formal de la morfología (forma) de los artefactos individuales. Esto se utiliza para construir tipologías para diferentes tipos de artefactos, y mediante la técnica de seriación se logra una datación relativa basada en el estilo para un sitio o grupo de sitios donde no se pueden utilizar técnicas científicas de datación absoluta , en particular cuando solo se utilizan piedras, cerámicas o Se dispone de artefactos o restos de metal, como suele ser el caso. [42] Los fragmentos de cerámica suelen ser muy numerosos en sitios de muchas culturas y períodos, e incluso las piezas pequeñas pueden fecharse con seguridad según su estilo. En contraste con las tendencias recientes en la historia del arte académico, la sucesión de escuelas de teoría arqueológica en el último siglo, desde la arqueología histórico-cultural hasta la arqueología procesual y, finalmente, el surgimiento de la arqueología posprocesual en las últimas décadas no ha reducido significativamente la importancia de la Estudio del estilo en arqueología, como base para clasificar objetos antes de su posterior interpretación. [43]
Estilización y estilizado (o estilización y estilizado en inglés británico (no Oxford) , respectivamente) tienen un significado más específico, refiriéndose a representaciones visuales que utilizan formas simplificadas de representar objetos o escenas que no intentan una representación completa, precisa y exacta de su apariencia visual ( mímesis o " realista "), prefiriendo una representación general atractiva o expresiva. Más técnicamente, se ha definido como "la generalización decorativa de figuras y objetos mediante diversas técnicas convencionales, incluida la simplificación de la línea, la forma y las relaciones de espacio y color", [44] y se ha observado que "[es]tilizada "El arte reduce la percepción visual a construcciones de patrones en línea, elaboración de superficies y espacios aplanados". [45]
El arte antiguo, tradicional y moderno , así como las formas populares como los dibujos animados o la animación , utilizan muy a menudo representaciones estilizadas; por ejemplo, Los Simpson utilizan representaciones muy estilizadas, al igual que el arte tradicional africano . Las dos pinturas de Picasso ilustradas en la parte superior de esta página muestran un movimiento hacia una representación más estilizada de la figura humana dentro del estilo del pintor, [46] y el Caballo Blanco de Uffington es un ejemplo de una representación prehistórica muy estilizada de un caballo. Los motivos de las artes decorativas , como la palmeta o el arabesco, suelen ser versiones muy estilizadas de partes de plantas.
Incluso en el arte que en general intenta la mimesis o el "realismo", muy a menudo se encuentra cierto grado de estilización en los detalles, y especialmente en las figuras u otros rasgos a pequeña escala, como personas o árboles, etc., en el fondo distante incluso de un obra grande. Pero esta no es una estilización destinada a ser notada por el espectador, excepto tras un examen detenido. [47] Los dibujos , modelos y otros bocetos que no están destinados a ser obras terminadas para la venta también suelen estilizar.
"Estilizado" puede significar la adopción de cualquier estilo en cualquier contexto, y en inglés americano se utiliza a menudo para el estilo tipográfico de los nombres, como en " AT&T también está estilizado como ATT y at&t": este es un uso específico que parece tener diccionarios escapados, aunque es una pequeña extensión de otros sentidos existentes de la palabra. [ cita necesaria ]
En un experimento realizado en 2012 en la Universidad Tecnológica de Lawrence en Michigan, una computadora analizó aproximadamente 1.000 pinturas de 34 artistas conocidos utilizando un algoritmo especialmente desarrollado y las colocó en categorías de estilo similares a las de los historiadores del arte humanos. [48] El análisis implicó el muestreo de más de 4.000 características visuales por obra de arte. [48] [49]
Aplicaciones como Deep Art Effects pueden convertir fotografías en imágenes artísticas que supuestamente pertenecen al estilo de pintores como Van Gogh . [50] [51] Con el desarrollo de software artístico de IA sofisticado de texto a imagen , el uso de estilos artísticos especificables se ha convertido en una herramienta generalizada en la década de 2020. [52] [53] [54 ] [55] [56] [57]