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La escultura griega clásica ha sido considerada durante mucho tiempo como el punto más alto en el desarrollo de la escultura griega antigua . La Grecia clásica cubre solo un corto período en la historia de la Grecia antigua , pero un período de logros notables en varios campos. Corresponde a la mayor parte de los siglos V y IV a. C.; las fechas más comunes son desde la caída del último tirano ateniense en 510 a. C. hasta la muerte de Alejandro Magno en 323 a. C. El período clásico en este sentido sigue a la Edad Oscura griega y al período Arcaico y, a su vez, es sucedido por el período helenístico . [1]
La escultura de la Grecia clásica desarrolló una estética que combinaba valores idealistas con una representación fiel de la naturaleza, evitando la caracterización excesivamente realista y la representación de extremos emocionales, manteniendo en general una atmósfera formal de equilibrio y armonía. Incluso cuando el personaje está inmerso en escenas de batalla, su expresión se muestra poco afectada por la violencia de los acontecimientos. [2] [3]
El Clasicismo elevó al Hombre a un nivel de dignidad sin precedentes, al mismo tiempo que le confió la responsabilidad de crear su propio destino, ofreciéndole un modelo de vida armoniosa, en un espíritu de educación integral para una ciudadanía ejemplar. Estos valores, junto con su tradicional asociación de la belleza con la virtud , encontraron en la escultura del periodo Clásico con su retrato idealizado del ser humano, un vehículo particularmente apto para la expresión, y un eficiente instrumento de educación cívica , ética y estética . Con ella, se inició una nueva forma de representación del cuerpo humano -influyente hasta nuestros días-, siendo uno de los núcleos del nacimiento de una nueva rama filosófica, la Estética, y el fundamento estilístico de posteriores movimientos revivalistas de importancia, como el Renacimiento y el Neoclasicismo . Así, el Clasicismo tuvo un enorme impacto en la cultura occidental y se convirtió en una referencia para el estudio de la historia del arte occidental . Aparte de su valor histórico, la calidad artística intrínseca del Clasicismo ha tenido un gran impacto, siendo elogiado con vehemencia por la gran mayoría de los críticos antiguos y modernos, y los museos que lo conservan son visitados por millones de personas cada año. La escultura del Clasicismo griego, aunque en ocasiones ha sido objeto de críticas que relacionan su base ideológica con prejuicios raciales, dogmatismo estético y otras particularidades, sigue desempeñando un papel positivo y renovador en el arte y la sociedad contemporáneos. [4] [5] [6]
El clasicismo en la escultura griega deriva principalmente de la evolución cultural ateniense en el siglo V a.C. En Atenas , la principal figura artística fue Fidias , pero el clasicismo debe una aportación estética igualmente importante a Policleto , activo en Argos . Sin embargo, en aquellos tiempos Atenas era una ciudad mucho más influyente, de ahí su mayor papel como difusora de la nueva tendencia. Hacia mediados del siglo V a.C., Grecia vivía un momento de gloria; tras la victoria contra los persas , Atenas había asumido el liderazgo de las ciudades griegas, encabezando la Liga de Delos y siendo la depositaria de su tesoro.
Pericles dominó la política local entre 460 y 429 a. C., con el objetivo de convertir la ciudad en un modelo para todo el mundo griego. Fomentó el imperialismo , reduciendo a sus antiguos aliados a la condición de tributarios, pero protegió a los artistas y filósofos, que dieron forma y voz a sus ideales. Su papel en la historia de la escultura griega se deriva de su decisión de reconstruir la ciudad rompiendo un juramento hecho por los atenienses de dejar en ruinas los monumentos que habían sido destruidos por los persas, como un recordatorio perenne de la barbarie. Utilizando en parte sus propios recursos y en parte los excedentes del tesoro de la Liga, Pericles empleó una multitud de trabajadores y artesanos, que a la vez dinamizaron la economía y dejaron un testimonio monumental del nuevo estatus político y cultural de la ciudad. El principal legado de la vasta empresa fue la renovación de la Acrópolis de Atenas , con Fidias como director artístico de las obras. [7] [8] Plutarco describió más tarde el entusiasmo que se desbordó:
A medida que avanzaban las obras, resplandecientes en grandeza y dotadas de una gracia inimitable en sus formas, y mientras los artesanos se esforzaban por superarse unos a otros en la belleza de su trabajo, era asombroso ver con qué rapidez se ejecutaban las nuevas estructuras... Había un aspecto de novedad en cada obra, y parecían atemporales. Es como si una vida en continua floración y un espíritu de eterna juventud se hubieran infundido en su creación. [9]
La filosofía cambió su enfoque del mundo natural a la sociedad humana, creyendo que el hombre podía ser el autor de su propio destino . Más aún, el hombre ahora era considerado el centro de la creación. Sófocles expresa este nuevo pensamiento en Antígona ( c. 442 a. C. ), diciendo:
Hay muchas maravillas, pero ninguna tan admirable como el Hombre.
A través del mar tempestuoso en las tormentas de invierno.
Esta criatura hace su camino
A través de las olas gigantescas.
Y la tierra, la más antigua de las diosas,
El que es inmortal e inmune a la vejez, trabaja
Arando de ida y vuelta, año tras año
removiendo la tierra con los caballos que ha alimentado. (...)
"Con sus inventos somete a las fieras bestias de las montañas,
Al caballo salvaje le pone bozal y cabestro,
como lo hace con el infatigable toro de montaña.
Aprendió el idioma por sí solo, rápido como el viento,
y aprendió por sí mismo cómo vivir en sociedad,
Cómo escapar del ímpetu de las tormentas
y el frío penetrante de los días blancos.
Él puede enfrentarse a cualquier cosa, nunca está desprevenido,
Sea lo que sea lo que le traiga el futuro, sólo de la muerte no sabe cómo escapar.
Porque incluso para las enfermedades más graves ha encontrado una cura. [10]
Así, el clasicismo nació de un sentimiento de confianza en las capacidades y logros de un pueblo en particular, y de un deseo de gloria y eternidad para sí mismo. Este orgullo se puede ver en el discurso político y en la literatura de la época, y los poetas y filósofos ya eran conscientes de las implicaciones de esta nueva forma de ver el mundo. El hombre se convirtió en la nueva medida del mundo, que debía ser juzgado en función de la experiencia humana. Esto está presente, por ejemplo, en la irregularidad matemática de las dimensiones del Partenón , que se desvían de la ortogonalidad estricta para lograr efectos de regularidad puramente óptica. También se expresa en el naturalismo rápido y creciente de la representación escultórica de las formas humanas. [11] [12]
En cuanto a la elaboración de la forma clásica típica en sí, su naturalismo debe mucho a los logros de los escultores del período anterior al Clásico. Los cincuenta años anteriores habían sido un período de un rápido cambio social y estético radical, que determinó el abandono del patrón Arcaico por otro que se llamó Severo . El estilo Arcaico hizo uso de varias convenciones heredadas de los egipcios , y su género más importante, el desnudo masculino (el kouros ) tenía una fórmula fija: Una imagen de líneas estilizadas que conservaba del cuerpo humano real solo los rasgos más básicos, que mostraba un rostro invariablemente sonriente y la misma actitud corporal.
Este modelo prevaleció con pocas variaciones durante más de doscientos años, pero los artistas del periodo Severo introdujeron en él un nuevo sentido de naturalismo, abriendo camino al estudio de la anatomía y a la expresión de las emociones de un modo más realista y variado. Hacia el 455 a. C., Mirón , escultor de la transición, creó su Discóbolo , obra que ya muestra un grado más avanzado de naturalismo, y poco después, hacia el 450 a. C., Policleto consolidó un nuevo canon de proporciones, una síntesis que expresaba de forma convincente la belleza, la armonía y la vitalidad del cuerpo y le otorgaba un aspecto de eternidad y perenne juventud. Casi al mismo tiempo, en el 446 a. C. Fidias, al frente del grupo de escultores que decoraban la Acrópolis, dejó en los relieves y estatuaria del Partenón la primera serie de obras clasicistas a escala monumental, estableciendo modelos temáticos y narrativos que perdurarían durante mucho tiempo. Con ellos se sentaron las bases de la escultura del llamado Alto Clasicismo (c. 450-420 a. C.). [13] [14] [8] [2]
Desde el periodo Severo, el esfuerzo de los artistas se dirigió a obtener una verosimilitud cada vez mayor de las formas escultóricas respecto del modelo vivo pero también buscando trascender la mera semejanza para expresar sus virtudes interiores. Para los antiguos griegos, la belleza física se identificaba con la perfección moral, en un concepto conocido como kalokagathia . Según este, la educación y el cultivo del cuerpo eran tan importantes como el mejoramiento del carácter, siendo ambos esenciales para la formación de un individuo feliz y un ciudadano integrado y útil a la sociedad. En este panorama filosófico, que encontró expresión en un modelo educativo altamente organizado conocido como paideia , el arte tenía un espacio privilegiado como creador de símbolos con potencial educativo, siendo entendido como una actividad de utilidad pública. Dado que el arte tenía la función de educar más que solo agradar, el hombre al que representaba debía lucir bueno, virtuoso y bello, para que tales cualidades, visiblemente consagradas en innumerables estatuas, permearan la conciencia colectiva y determinaran la adopción de un modo de vida saludable, armonioso y positivo, asegurando en última instancia la felicidad de todos. La fusión del naturalismo con el idealismo, propia de la escultura del Clasicismo, fusión tan lograda e influyente que llegó a denominarse «clásica» (en el sentido de ser el modelo definitivo), fue, en definitiva, un cauce adecuado para la manifestación artística de la ideología dominante. [15] [16] [17]
Un importante aporte que cristalizó la asociación entre arte y ética fue dado en el periodo Arcaico por Pitágoras , a partir de sus investigaciones en el campo de las matemáticas aplicadas a la música y a la psicología . Considerando que los diversos géneros musicales impresionaban el alma de diferentes maneras y eran capaces de inducir estados psicológicos y comportamientos definidos, según él, si la música no imitara la armonía matemáticamente expresada del cosmos , podría causar perturbaciones en el alma de las personas y, por ende, en la sociedad en su conjunto. Esta asociación pronto se expandió a las demás artes, atribuyéndoles poderes similares de transformación individual y, en consecuencia, colectiva. Su pensamiento tendría una profunda influencia en el de Platón , quien llevaría aún más lejos la discusión estética, explorando a fondo sus repercusiones morales y sociales. [18]
Policleto fue, hasta donde se sabe, el primero en sistematizar estos valores y conceptos aplicados a la escultura en una obra teórica, el Canon . En ella, el autor mostraba un modelo de representación que era idealmente bello y «real»; ideal porque evitaba la caracterización individual al sintetizar a todos los hombres en uno solo, y real porque era muy similar a la verdadera forma humana, permitiendo una identificación inmediata y personal por parte del espectador. La obra se ha perdido, pero comentarios posteriores sobre ella demuestran la idea de su contenido. Galeno afirmaba que según el Canon, la belleza: [19]
No consiste en la simetría de los elementos del cuerpo, sino en la proporción adecuada entre las partes, como por ejemplo, de un dedo a otro dedo, de los dedos juntos a las manos y la muñeca, de éstas al antebrazo, de éstas al brazo, y de todas a todas, tal como está escrito en el Canon de Policleto. Después de habernos enseñado en este tratado todas las simetrías del cuerpo, Policleto ratificó el texto con una obra, habiendo hecho una estatua de un hombre según los postulados de su tratado, y llamando a la estatua, como al tratado, Canon . Desde entonces, todos los filósofos y doctores aceptan que la belleza reside en la proporción adecuada de las partes del cuerpo. [19]
La estatua de la que habla Galeno se identifica hoy con probabilidad como el Doríforo , [15] y Arnold Hauser ha sugerido, casi sin objeciones, que representa a Aquiles . [20] Andrew Stewart menciona que la intención del autor con ella era polemizar, criticando el estilo de predecesores como Pitágoras —que no debe confundirse con el filósofo— que se preocupaban más por la simetría y el ritmo . Su expresión neutra y desapasionada, su equilibrio entre la estaticidad y el movimiento (el contrapposto ), su cuidado en establecer un estricto sistema de proporciones que definía toda la composición de la figura corporal y las relaciones de las partes entre sí, apareció como una gran novedad en su tiempo. Representaba una perfecta ilustración visible de la sofrosina , el autocontrol y la moderación, una de las virtudes básicas que componían la areté , y la doctrina apolínea de "nada en exceso", que caracterizaba al verdadero héroe. Aunque muy apreciado, el sistema de Policleto, sin embargo, no fue aprobado para todos los casos. Su inadecuación para contextos narrativos y violentos como las escenas de batalla fue criticada, y escritores como Quintiliano dijeron posteriormente que este sistema no lograba expresar la autoridad de los dioses, lo que puede reflejar una opinión más antigua. Aun así, el éxito del modelo se evidencia en la gran cantidad de veces que fue copiado y su profunda influencia en las generaciones posteriores. Los escritores modernos también han encontrado analogías entre la balanza de Doríforo (basada en un delicado equilibrio de fuerzas opuestas) y las formulaciones de la medicina de Hipócrates , y por ello creen que el pensamiento del famoso médico fue deliberadamente asimilado por el escultor. [21] [22] [23]
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Es posible que Policleto se haya inspirado en las investigaciones anteriores sobre proporciones del escultor Pitágoras. Aun así, sus ideas formaban parte de la búsqueda de sus contemporáneos por descubrir la estructura regular y armoniosa (el modelo básico) que subyace a las infinitas variaciones del mismo tipo de cosa en el mundo físico y por establecer relaciones numéricas definidas para replicar esta regularidad y armonía en el arte, dando continuidad a la teoría del filósofo Pitágoras de que el universo estaba estructurado por números. Otras dos de sus composiciones también se denominan ahora "canónicas": el Discóforo y el Diadumeno , ya que son variaciones del modelo básico. [24]
En cuanto a Fidias, su obra heredó la austeridad del estilo Severo al combinarla con los logros de Policleto, y fue apreciada por el alto idealismo y ethos que expresaba. Como director de la decoración del Partenón , supervisó un grupo de varios maestros con preparación y tendencias diversas, lo que hizo que el resultado general fuera heterogéneo, mostrando tanto rasgos Severos como otros más avanzados, naturalistas, y una calidad técnica no siempre considerada la ideal. Este conjunto es el logro escultórico más ambicioso del Alto Clasicismo.
El éxito de Fidia entre sus contemporáneos y su recuerdo perdurable se derivan principalmente de sus colosales estatuas de culto de Atenea y Zeus , que solían instalarse respectivamente en el Partenón de Atenas y el templo de Zeus en Olimpia . Ambas estaban recubiertas de oro y marfil y tuvieron un enorme impacto en la época. De la Estatua de Zeus en Olimpia , considerada una de las Siete Maravillas del mundo antiguo, solo quedan descripciones literarias e imágenes burdas grabadas en monedas de la época. Pero de la Atenea Partenos , creada en el 438 a. C., sobrevivieron varias copias reducidas de peor calidad. Otras obras que perseveraron a través de copias y se le atribuyen, sin mucha seguridad, son la Atenea de Lemnia , el Apolo de Cassel, una Amazona herida y un Hermes Ludovisi . [25] [26] [27]
Otros escultores que trabajaron en torno a la propuesta de Policleto en el periodo del Alto Clasicismo fueron Alcámenes , Cresilas y Peonio . Calímaco , un maestro muy apreciado por el refinamiento de sus obras, es considerado el inventor del capitel corintio , y Calamis , otro nombre relevante, fue el ayudante de Fidias y se le atribuye el diseño de las metopas del Partenón . Sin embargo, su estilo todavía llevaba alguna influencia del periodo severo, del que fue uno de los máximos representantes. [ fuente obsoleta ]
El estilo impersonal, equilibrado y austero de Policleto y Fidias, que tipifica el Alto Clasicismo, no perduró mucho. En sus Memorabilia , Jenofonte dejó más información sobre el estado de la crítica de arte en la transición al Clasicismo Tardío. En el texto, que recuerda la carrera de Sócrates , se muestra que en esta época había un debate sobre las capacidades y los límites de la mímesis (imitación). Discute con Kleitos -un escultor desconocido al que algunos consideran Policleto- diciendo que sus estatuas de atletas ganadores debían mostrar no solo un ideal de belleza sino también lo que estaba sucediendo en la psique , el alma. La interpretación de este pasaje es controvertida pero plantea una pregunta sobre la relación entre las apariencias y la verdad, y admite la posibilidad de que el arte exprese patetismo , emoción individual y drama, en oposición directa a la neutralidad y moderación de Policleto. Para un público acostumbrado a ver en las estatuas celebrativas, no un homenaje al individuo que sirvió de modelo, sino un retrato del heroísmo colectivo, un ejemplo a seguir por todos los ciudadanos y un servicio prestado a toda la sociedad, este concepto llegó como un shock, debilitando el carácter absoluto e invariable de la areté . [28] [29] Respecto al problema de la representación imitativa de la naturaleza en el arte, Stephen Halliwell dice:
Incluso dentro de los confines de las conversaciones relatadas por Jenofonte en Memorabilia , podemos discernir una tensión –una tensión que se volvería central para todo el legado de la mímesis– entre puntos de vista divergentes sobre el arte representativo como una ilusión ficticia, el producto de un artefacto “engañoso”, por un lado, y un reflejo y un compromiso con la realidad, por el otro. [30]
Esta paradoja anunciaba el fin de la primacía del ideal. La esfera individual de interés adquirió cada vez mayor importancia, lo que sería la esencia del arte del siglo IV a.C., cuando Platón y Aristóteles profundizarían extraordinariamente lo esbozado por Sócrates, sentando las bases para el desarrollo de una rama filosófica enteramente nueva: la Estética . [31]
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A finales del siglo V a. C., la hegemonía de Atenas estaba en decadencia, debilitada por los disturbios internos y las guerras externas, y pronto Esparta , Corinto y Tebas cobraron protagonismo. Sin embargo, a principios del siglo IV a. C., Atenas recuperó parte de su poder y prestigio, restableció su democracia y su riqueza volvió a crecer. Aun así, la política se hizo cada vez más compleja, habiéndose desarrollado lo que se denomina el «aparato estatal», y la polis perdió su carácter comunitario. Al mismo tiempo, las colonias griegas en torno al Mediterráneo se multiplicaron, alcanzando algunas un gran desarrollo, con economías diversificadas y rentables que imitaban el modelo social de la polis metropolitana . La descentralización de la cultura a lo largo de estas regiones y el surgimiento de una clase rica de comerciantes, consumidores de arte pero con valores propios, abrieron el camino a la apreciación del gusto individual y a la influencia de elementos culturales extranjeros, disolviendo la rigidez y austeridad del Alto Clasicismo. [32] [33]
En la escultura, la preocupación por la verosimilitud se hizo aún más pronunciada. Las innovaciones en la técnica del tallado de la piedra permitieron un mayor control en el acabado de los detalles, en la representación de túnicas y vestidos, y en el pulido de las superficies para obtener sutiles efectos de luz y sombra. Los escultores de la nueva generación introdujeron una relajación general del canon de Policleto, desarrollando un nuevo repertorio de actitudes más dinámicas del cuerpo y dejando de lado las proporciones establecidas matemáticamente para crear imágenes convincentes para los sentidos, más similares a los cuerpos del mundo real con sus idiosincrasias físicas y afectos personales. Así comenzó el período llamado Clasicismo Inferior o Clasicismo Tardío.
Las estatuas adquieren una «presencia» aún más enfática, fruto también del nuevo tratamiento detallado y realista dado al rostro, al cabello y a la barba. Nace el retrato individualizado, innovación atribuida a Lisístrato , el primero, según Plinio el Viejo , en realizar moldes del rostro del modelo. El objetivo se traslada del embellecimiento a la semejanza, invitando al espectador a meditar sobre las posibles discrepancias entre el valor moral y la apariencia externa. Los retratos realistas de Sócrates de este período, cuyo aspecto era notorio así como su virtud, ejemplifican la nueva dimensión en la que empezaba a permear el arte de la representación corporal. [34]
Mientras las preferencias del mercado en expansión se abrían cada vez más al gusto individual, los cuestionamientos tradicionalistas e idealistas de Platón sobre el papel de la mímesis en el arte, más su condena de lo trágico, plantearon problemas para la validación del producto artístico que aún no han sido totalmente resueltos. [35] [36] [37] El debate teórico en la transición al Clasicismo Inferior fue adelantado por Aristóteles, cuya teoría de la catarsis contribuyó a la formulación de un nuevo concepto de arte evitando liberalmente la condena de la cultura popular y su emocionalismo típico. También defendió la representación de objetos "no bellos" basándose en el supuesto de que la fealdad en el arte podía ser una fuente de enseñanza y placer estético, superando la pena que causaría su contemplación en la vida real. Aún así, Aristóteles no dejó de aconsejar a los jóvenes individuos que prefirieran obras de artistas que él calificara de éticos, aquellos cuyas creaciones ejemplificaran mejor el buen carácter humano, porque su influencia sería beneficiosa para toda la polis .
Tales ideas contribuyeron a que la producción escultórica siguiera floreciendo, satisfaciendo nuevas necesidades, pero el acercamiento más cercano al natural no significó un abandono completo del ideal. El realismo como tendencia dominante solo aparecería en la escultura griega con la sucesiva escuela helenística . Lisipo todavía criticaba a los escultores que creaban obras a partir del natural y se enorgullecía de modelar a los hombres como "deberían" ser. [38] [39] [40] [41] En el campo de la estatuaria sagrada, también hubo aspectos nuevos. En los mitos, todos los mortales que vieron a los dioses en su gloria murieron, se volvieron ciegos, locos o sufrieron de otras formas. La cultura de la época fue capaz de aceptar representaciones parciales e imperfectas de los dioses. Incluso piedras, árboles y lugares informes podían ser reconocidos como receptáculos de lo divino, y las estatuas de culto antropomorfas podían permanecer ocultas o semiocultas por velos, túnicas y adornos diversos, lo que requería que el devoto ejerciera una contemplación espiritual que no requería semejanza para realizarse, aunque podía ser facilitada por un ídolo que pareciera bello o majestuoso, o que evocara más directamente los atributos del dios.
Sin embargo, pensadores como Platón consideraban que la antropomorfización de una deidad era impropia y engañosa, pues no sólo tergiversaba su objeto sino que lo degradaba en un intento de acercarlo demasiado a la esfera de lo humano. Para hacer frente a estas dificultades, los escultores posteriores hicieron uso de recursos especiales para mantener clara la distancia entre dioses y hombres, rescatando rasgos estilísticos arcaicos como la frontalidad, la postura hierática, los rasgos impasibles y sobrenaturales, que, en contraste con el estilo cada vez más naturalista y expresivo de la estatuaria profana, delimitaban bien las esferas de lo sagrado y lo mundano y obligaban al devoto a respetar al ídolo, como recordatorio de que lo divino permanece para siempre esencialmente incognoscible. Cuando la representación de las deidades no estaba directamente vinculada al culto, como en los monumentos y relieves arquitectónicos decorativos, había una mayor libertad formal, aunque se observaban algunas de las mismas convenciones y se intentaba mantener rasgos que identificaran bien el aspecto divino del personaje. [42] [43] [44]
El énfasis en el naturalismo en las estatuas también dio lugar a consecuencias en el ámbito afectivo. No era inusual que en su función como sustitutos de una persona o un dios, las estatuas fueran objeto de un intenso amor, lo que podía llevar al deseo de obtener gratificación emocional y/o sexual de las estatuas. Desde Pandora hasta Pigmalión , los mitos relatan diversas interacciones íntimas de estatuas con humanos, y los registros históricos muestran que los mortales también podían caer en la tentación de buscar en los simulacros . Aristófanes advirtió contra el riesgo de que los humanos cedieran a las pasiones frente a las estatuas o se apegaran demasiado a ellas, y fueran condenados a vivir como muertos vivientes alimentando un amor siempre incompleto, aunque consideraba que de la inevitable frustración podía nacer la oportunidad para que el individuo se descubriera a sí mismo. [45]
La escultura griega del siglo IV a. C. estuvo dominada por tres grandes figuras: Praxíteles , Escopas y Lisipo . Es probable que Praxíteles haya sido el primero en explorar por completo las posibilidades sensuales del mármol. El atractivo erótico de su Afrodita de Cnido –la primera estatua femenina completamente desnuda del arte griego– la hizo famosa en su época y dio lugar a la prolífica familia tipológica de la Venus Púdica. Su Hermes y el niño Dioniso ilustra su maestría a la hora de representar la expresión facial y la gracia de cuerpos flexibles y sinuosos.
Scopas se hizo conocido por el sentido del dramatismo, la violencia, el dinamismo y la pasión con que imbuyó sus obras, especialmente las que dejó en el Mausoleo de Halicarnaso , el logro arquitectónico griego más importante de este periodo, aunque en otras mostró su capacidad para retratar la tranquilidad y la armonía. Lisipo reformuló el canon de Policleto reduciendo las dimensiones de la cabeza y haciendo la figura más alargada, aunque más maciza. También se le atribuye la primera estatua cuyo acabado se realizó por igual en todas las direcciones, el Apoxiómeno , posibilitando al espectador apreciarla no solo desde un único y privilegiado punto de vista, como seguía siendo el uso de Policleto.
Estos maestros, junto con otras figuras notables de su generación como Leocares , Briaxis , Cefisodoto el Viejo , Eufranor y Timoteo , resolvieron todas las dificultades básicas pendientes en cuanto a forma y técnica que aún podían obstaculizar la libre expresión de la idea en la materia. Así, contribuyeron con grandes logros en el proceso de exploración de la anatomía humana , la representación de la vestimenta y la solución de problemas de composición, siendo el eslabón en el paso de la tradición clásica a la helenística, además de llevar la técnica de la talla de piedra y el modelado del bronce a un nivel de calidad sin precedentes. Las generaciones siguientes tendrían poco que añadir a la esencia del arte clásico, pero profundizarían en sus investigaciones en la representación de lo emocional y lo prosaico, llevando la escultura en mármol a un nivel de verdadero virtuosismo técnico. [32] [46] [47]
El estudio de las funciones y significados de la escultura clásica aún está en progreso. No se conocen del todo las interacciones e influencias recíprocas a diversos niveles que las categorías, usos y atribuciones pudieron haber establecido, y queda mucho por dilucidar sobre cómo la representación influyó en la construcción de conceptos y prácticas respecto del género , el estatus , la inclusión social , el afecto, la sexualidad , la estética , la ideología, la política, la religión, la ética y la evolución histórica de la sociedad griega. Parte de tal dificultad se debe a que muchas obras solo se conocen a través de referencias literarias, copias posteriores, se encuentran en un estado incompleto y dañado, o porque su datación y atribución de autoría a menudo son inciertas y las biografías de sus creadores presentan múltiples lagunas e inconsistencias. [48]
En el terreno puramente técnico, no se produjeron avances radicales en lo que ya habían logrado los escultores del periodo Arcaico y Severo . Los mármoles arcaicos ya mostraban un altísimo dominio de la piedra, visible sobre todo en sus relieves arquitectónicos. En el caso del bronce, la principal innovación en su historia para la escultura griega fue el desarrollo de la técnica de la cera perdida pero sus principios ya eran manejados con maestría en el periodo Severo, con una aplicación diversificada. Por tanto, el Clasicismo se benefició de que las principales técnicas escultóricas ya se habían refinado lo suficiente como para que el interés principal se desplazara hacia los aspectos de la forma y el significado, aunque siempre con algunos avances en el refinamiento. [49]
Entre los usos de la escultura, se encontraba la composición de monumentos funerarios, donde en términos generales compartía las características de la escultura decorativa en templos y edificios públicos. La tradición de construir monumentos a los muertos existía desde el periodo Arcaico cuando el kouros cumplía esta función. Con la llegada de la democracia a principios del siglo V a.C., las costumbres comenzaron a cambiar y aparecieron las estelas funerarias –placas en relieve con inscripciones–.
Tras un desarrollo irregular, pues desaparecieron en algunos periodos, en el Clásico se convirtieron en una práctica común en el Ática , mientras que en otras regiones sólo se popularizarían en el helenismo. Una de las primeras estelas importantes del Clasicismo es la Estela de Eufero , datada hacia el 430 a. C., cuyo estilo muestra una conexión con la escultura decorativa del Partenón que se estaba creando en la misma época. Tradicionalmente se ha pensado que este tipo de monumentos eran dotación de los ricos, pero estudios recientes han indicado que su coste habría sido mucho menor de lo que se pensaba, lo que significa que las clases bajas podían encargar una placa votiva, aunque existían claras diferencias de lujo y sofisticación entre los enterramientos del pueblo llano y los de las grandes familias. Los museos de arqueología clásica exhiben un gran número de ejemplares. Destacan los del Clasicismo Tardío, que muestran retratos de los difuntos junto a familiares en escenas a veces de gran sensibilidad y poesía. [50] [51]
La fabricación de objetos de terracota es una técnica muy antigua, pero su aplicación ha sido más habitual en la cerámica , limitándose su uso escultórico a objetos decorativos y pequeñas estatuillas de uso popular, que representaban actores, animales y personajes. Estas no presentaban, por lo general, un gran refinamiento técnico y repetían de forma burda los principios formales de la gran escultura. Las piezas más grandes y refinadas eran poco frecuentes y aparecerían con más frecuencia en las escuelas helenísticas a partir de finales del siglo IV a. C. Cabe mencionar una rica obra de arte procedente del Ática que se conserva en el Museo del Louvre , que sugiere prácticas avanzadas en este campo ya durante el Clasicismo.
Los elementos de terracota en la decoración arquitectónica tuvieron un gran uso en épocas anteriores y posteriores, pero en el Clasicismo aparecieron en raras ocasiones. Un tipo de terracota que destaca son las estatuillas con miembros articulados. Este grupo probablemente ha desempeñado funciones específicas. Se han encontrado en muchas tumbas, lo que sugiere una asociación con deidades ctónicas . También se especula que sirvieron como estatuas para el culto doméstico, como ofrendas a los dioses y como protección mágica contra las fuerzas del mal. Muchas de ellas tienen agujeros en la parte posterior de la cabeza, lo que indica que podían llevarse suspendidas, lo que permitía el libre movimiento de sus extremidades. Se ha pensado que eran muñecos de niños, pero su fragilidad, que impedía su manipulación repetida, no apoya esta suposición. En cuanto a las estatuas votivas, se observa un gran sincretismo de estilos, especialmente en el Clasicismo Tardío, cuando los rasgos arcaicos siguen apareciendo en cantidad, al lado de elementos estilísticos más progresistas, siguiendo las convenciones de la estatuaria de culto monumental. [52] [53] [54] [55]
La orfebrería estuvo presente como una técnica de escultura miniaturizada, donde hubo una producción significativa principalmente en las colonias de la Magna Grecia , Chipre y el sur del Mar Negro , siendo raros los hallazgos en Grecia continental. La mayor parte de las joyas de esta fase están relacionadas con contextos religiosos, decorando estatuas de culto, siendo ofrendas votivas o celebratorias, como en el caso de las coronas de oro utilizadas en la apoteosis de los políticos. El uso de joyas personales no era infrecuente. Su calidad, aunque alta, se muestra inferior a la joyería del período Arcaico. Los motivos representados son en general abstractos, animales y vegetales, y la popularización de las formas humanas sucede al final del período Clásico, junto con la aparición de los primeros camafeos . [56]
La práctica habitual de los antiguos griegos era cubrir sus estatuas y relieves arquitectónicos con pintura, ya fuera parcial o totalmente, buscando un parecido aún más llamativo que el que su forma y estructura simples podían lograr. Durante siglos, se creyó que sus obras se les presentaban como las que se les presentan hoy en día, pero en realidad eran ricamente coloreadas. Los estudios sugieren que en el Clasicismo el uso del color en la escultura era más discreto que en períodos anteriores. Recientemente, los investigadores han tratado de reconstruir la policromía de las estatuas en copias hechas especialmente, causando fascinación y sorpresa ya que el uso del color difiere del común en la actualidad. [57] [58] [59] [49]
De gran valor para reconstruir el panorama de la escultura griega son las copias en miniatura, que fueron muy populares y se reprodujeron a escala más pequeña prácticamente todos los modelos formales y todas las obras importantes de estatuaria monumental, una práctica que no se limitó al periodo clásico. Sin embargo, algunos temas muy logrados que fueron copiados varias veces en su tamaño original no se encuentran en miniaturas, como es el caso del Doríforo de Policleto. Es probable que la ausencia de hallazgos se deba a que estas estaban cargadas de un significado tan fuerte, que su reducción habría parecido inadecuada.
Los materiales empleados para la miniaturización fueron el bronce, el mármol, el marfil y, con el tiempo, otras piedras. La terracota, a pesar de su versatilidad, no parece haber sido considerada un material digno para la reproducción de obras célebres, al menos no durante el Clasicismo. [60]
El arte clásico ha ejercido una enorme influencia a lo largo de la historia de Occidente, como lo demuestra el consenso entre los especialistas. El legado escultórico de los clásicos sigue interesando a multitudes incluso hoy en día. El propio nombre –“clásico”– indica el prestigio sin igual que han adquirido, pues en el lenguaje corriente “clásico” es aquello que establece una medida con la que se juzgan otras cosas de ese tipo. [61]
La escultura clásica fue en su origen una de las palancas para el nacimiento de la Estética como rama autónoma de la Filosofía. A lo largo de la historia, sus modelos formales fueron utilizados con los más variados fines, algunos de alta inspiración humanística, pero otras veces en oposición a ello, celebrando regímenes totalitarios y personalismos de diversa índole, como ocurrió durante el nazismo y el fascismo .
En la apreciación moderna, la ideología subyacente a la escultura del Clasicismo griego no permanece libre de críticas, ya que se dice que glorifica una forma de vida y un pueblo en detrimento de otros, y el colectivo en detrimento del individuo, suprimiendo el cuestionamiento del orden instituido bajo la apariencia de homogeneidad y consenso. La ejecución de Sócrates , acusado de impiedad y corrupción de la juventud, por la misma sociedad que cultivó el Clasicismo, muestra cómo la perversión y la mala interpretación pueden suceder con los propósitos positivos de mejora y educación de la colectividad para una ciudadanía más plena, una vida más pura y armoniosa y una ética más avanzada (principios que la escultura clásica ilustró bien). Por otro lado, la crítica apunta a facetas de una realidad social compleja y contradictoria que fueron deliberadamente barridas de la vista en el arte de ese período. [62] [63] [64] [65 ] [66] [67] [68] [69] [47]
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El clasicismo comenzó su expansión por el mundo a través de las colonias griegas diseminadas por todo el Mediterráneo y el mar Negro . Alejandro Magno lo llevó más lejos, llegando hasta la India. En estas regiones, los principios de la escultura griega fueron presentados a las poblaciones locales y, mezclándose con sus tradiciones, dieron lugar a interpretaciones estilísticas que reprodujeron con más o menos éxito la estética metropolitana. Esta síntesis ecléctica y cosmopolita se denominó helenismo . [70] La antigua Roma , a su vez, fue otra ávida receptora de la cultura clásica griega. Sus escultores se enorgullecían de trabajar bajo inspiración griega, y al multiplicar copias de originales griegos que luego se perdieron, fueron los transmisores a la posteridad de una parte significativa de la cultura que imitaban. [71]
Del legado transmitido por los romanos, el cristianismo primitivo extrajo los modelos para iniciar su propio arte, pero a partir del siglo VI su política cambió. Hasta este momento, habían sobrevivido inmensas cantidades de escultura en templos y monumentos antiguos, pero a partir de entonces, su omnipresente desnudez comenzó a ser vista como una ofensa a la moral cristiana, además de ser condenada como imágenes de culto diabólico y malos recordatorios del paganismo . Al perder su antiguo valor, las obras antiguas comenzaron a ser destruidas. Por otro lado, durante el Renacimiento , la cultura clásica volvió a caer en el favor de las élites y fue el núcleo de una recuperación de la dignidad del cuerpo y del placer puramente estético. El propio cristianismo, después de proscribir durante siglos el patrimonio escultórico pagano, lo recuperó, transformándolo y adaptándolo para servirlo y ensalzar a los héroes del nuevo orden: los santos y mártires de la fe. La concepción renacentista del arte reproduce en gran medida la idea formulada por los filósofos clásicos. [64] [63] El prestigio que conoció la estatuaria clásica en este período alcanzó límites pasionales, como se puede comprobar en este extracto de Giovanni Pietro Bellori :
Los pintores y escultores, eligiendo entre las más elegantes bellezas del mundo natural, perfeccionan la idea, y sus obras superan y se sitúan por encima de la Naturaleza, que es el fin último de estas artes. [...] De aquí proviene la veneración y el respeto que tenemos por las estatuas y las pinturas, y de aquí deriva la recompensa y el honor de los Artistas; ésta fue la gloria de Timantes, Apeles, Fidias y Lisipo, y de tantos otros célebres por su fama, todos los cuales, elevándose por encima de las formas humanas, alcanzaron con sus ideas y obras una perfección admirable. Esta Idea puede entonces llamarse la perfección de la Naturaleza, el milagro del arte, la clarividencia del intelecto, el ejemplo de la mente, la luz de la imaginación, el sol naciente, que desde el este inspira la estatua de Menón e inflama el monumento de Prometeo. [72]
Para los románticos , especialmente en Alemania, Grecia seguía siendo vista como un modelo de vida y cultura. Nietzsche exclamó: "¡Oh, los griegos! ¡Sabían vivir!". Otros eruditos, asimismo, despreciando el filtro romano, comenzaron a cultivar los ideales del clasicismo griego hasta tal punto que se creó una verdadera Grecomanía, que influyó en todas las humanidades y formas artísticas. [73] [74] En el neoclasicismo , el humanismo clásico fue un impulso significativo para la consolidación de los conceptos democráticos y republicanos . Según Winckelmann , uno de los mentores del movimiento, solo los griegos habían logrado producir la Belleza, y para él y sus colegas, el Apolo de Belvedere fue el logro más perfecto de la escultura de todos los tiempos. A Winckelmann también se le atribuye la distinción entre el Alto y el Bajo Clasicismo, etiquetando al primero como "grandioso y austero", y al segundo como "bello y fluido". Mientras tanto, el Clasicismo cruzó el Atlántico e inspiró la formación del estado norteamericano y su escuela de escultura. [75] [76] [77] [78]
A principios del siglo XX, los estudios académicos se multiplicaron y se refinaron hasta niveles sin precedentes con el desarrollo de nuevos métodos de investigación arqueológica y el perfeccionamiento del aparato teórico e instrumental. [79] Al mismo tiempo, de alguna manera oficializando el intenso amor por los clásicos que desde el siglo XVIII habían cultivado los intelectuales alemanes, el Clasicismo fue cooptado por los nazis , quienes vieron en sus modelos formales la imagen glorificada de la raza aria . Vieron en sus valores la base para la formación de una sociedad pura, una raza sana y un Estado fuerte, estableciéndolo como un estándar de referencia para el arte patrocinado por el Estado y utilizándolo para justificar la erradicación de razas y culturas consideradas "degeneradas", como los judíos y el arte modernista . [80] [81] Mussolini intentó proponer un modelo similar para la Italia fascista , pero no tuvo mucho impacto práctico. [74]
El modelo educativo clásico comenzó a perder vigor bajo el impacto de la revolución modernista , y la capacidad de la escultura clásica para inspirar a nuevos artistas se precipitó en un declive fulminante, aunque nunca desapareció del todo. Esta recuperación fue muy alentada por los posmodernistas , para quienes no tenía sentido destruir la tradición, como había propuesto el modernismo, ya que esto equivalía a una pérdida de la memoria y del pasado, equivalente a la creación de un vacío inútil. Así, sería mejor apropiarse de ella y actualizarla a través de una crítica consciente, que apareciera en forma de citas, alegorías, relecturas y paráfrasis, que ofrecen una visión retrospectiva y un comentario sobre la antigua tradición. [74]
Hoy en día los patrones formales de la escultura clásica griega, su humanismo y énfasis en el desnudo han encontrado una nueva forma de impresionar a la sociedad, influyendo en la concepción de la belleza y las prácticas respecto al cuerpo, resucitando un cultivo de lo físico que nació con los griegos e influye en diversas costumbres relacionadas con la sexualidad y el concepto de cuerpo en la cultura mediática .
Al mismo tiempo, comienza a fortalecerse entre los críticos de arte una tendencia en dirección a abatir el prestigio prácticamente unánime que alcanzó y mantuvo el Modernismo durante casi un siglo, comenzando a cuestionarse sus valores individualistas, herméticos, irracionales, abstractos, antihistóricos e informalistas. En este sentido, el modelo clásico puede tener un nuevo atractivo para los artistas y la sociedad en un contexto de actualización de la paideia , rescatando una línea de trabajo inspirada en el humanismo clásico, centrada en el bien común y la educación ética e integral del público al que se dirigen sus obras, en un momento histórico en el que el énfasis en la tecnología, junto con el consumismo , la excesiva especialización de los oficios, la vida urbana salvaje, los problemas ecológicos, la superficialidad de la cultura de masas, y la pérdida de fuertes referentes morales, se han convertido en aspectos amenazantes para el bienestar y la supervivencia misma de la raza humana.
El turismo cultural a museos y sitios arqueológicos ha sido visto como una fuerza positiva para la difusión de la cultura y el arte clásicos al público en general, aunque puede sufrir manipulación política y degradación mercantilista, posiblemente dando fuerza a visiones simplistas, pasteurizadas y acríticas del pasado. [82] [83] [84] [85] [86] [87] [88] [89] [90]
En cualquier caso, la presencia de la escultura clásica sigue siendo llamativa en la cultura occidental y, con su amplia penetración en todo el mundo, se ha hecho conocida y apreciada a nivel global. Al menos en lo que respecta a Occidente, el atractivo que el modelo clásico ha tenido a lo largo de su historia y sigue teniendo hoy da testimonio de su persistente capacidad para estimular la imaginación popular y para incorporarse a una variedad de ideologías culturales, éticas, sociales y políticas. [63] [91]
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