El cine paralelo , o nuevo cine indio , es un movimiento cinematográfico del país que se originó en el estado de Bengala Occidental en la década de 1950 como alternativa al cine comercial indio convencional.
Inspirado por el neorrealismo italiano , el cine paralelo comenzó justo antes de la nueva ola francesa y la nueva ola japonesa , y fue un precursor de la nueva ola india de la década de 1960. El movimiento fue liderado inicialmente por el cine bengalí y produjo cineastas aclamados internacionalmente como Satyajit Ray , Mrinal Sen , Ritwik Ghatak , Tapan Sinha y otros. Más tarde ganó prominencia en otras industrias cinematográficas de la India .
Es conocido por su contenido serio, realismo y naturalismo , elementos simbólicos con una mirada atenta al clima sociopolítico de la época y el rechazo general a las rutinas de canto y baile insertadas que son típicas de las principales películas indias.
El realismo en el cine indio se remonta a las décadas de 1920 y 1930. Uno de los primeros ejemplos fue el clásico del cine mudo de 1925 de Baburao Painter, Savkari Pash ( Shylock indio ), sobre un campesino pobre (interpretado por V. Shantaram ) que "pierde su tierra a manos de un prestamista codicioso y se ve obligado a emigrar a la ciudad para convertirse en trabajador de una fábrica. [2] Aclamada como un avance realista, su toma de un perro aullando cerca de una choza se ha convertido en un hito en la marcha del cine indio". La película de Shantaram de 1937 Duniya Na Mane ( The Unaccepted ) también criticó el tratamiento de las mujeres en la sociedad india. [3]
El movimiento del Cine Paralelo comenzó a tomar forma a finales de la década de 1940, por pioneros como Satyajit Ray , Ritwik Ghatak , Bimal Roy , Mrinal Sen , Tapan Sinha , Khwaja Ahmad Abbas , Buddhadeb Dasgupta , Chetan Anand , Guru Dutt y V. Shantaram . Este período se considera parte de la "Edad de Oro" del cine indio. [4] [5] [6] Este cine tomó prestado en gran medida de la literatura india de la época, por lo que se convirtió en un estudio importante de la sociedad india contemporánea, y ahora es utilizado por académicos e historiadores por igual para mapear la demografía cambiante y el temperamento socioeconómico y político de la población india. Desde sus inicios, el cine indio ha tenido personas que querían y usaron el medio para algo más que entretenimiento. Lo usaron para resaltar problemas prevalecientes y, a veces, para abrir nuevas cuestiones para el público.
Los primeros ejemplos del movimiento realista social del cine indio incluyen Dharti Ke Lal (1946), una película sobre la hambruna de Bengala de 1943 dirigida y escrita por Khwaja Ahmad Abbas, [7] y Neecha Nagar (1946), una película dirigida por Chetan Anand y escrita por Khwaja Ahmad Abbas que ganó el Gran Premio en el primer Festival de Cine de Cannes . [8] Desde entonces, las películas independientes indias compitieron con frecuencia por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes durante la década de 1950 y principios de la de 1960, y algunas de ellas ganaron premios importantes en el festival.
Durante las décadas de 1950 y 1960, los cineastas intelectuales y los escritores de historias se sintieron frustrados con las películas musicales . Para contrarrestar esto, crearon un género de películas que mostraban la realidad desde una perspectiva artística. La mayoría de las películas realizadas durante este período fueron financiadas por los gobiernos estatales para promover un género artístico auténtico de la fraternidad cinematográfica india. El " neorrealista " indio más famoso fue el director de cine bengalí Satyajit Ray , seguido de Shyam Benegal , Mrinal Sen , Adoor Gopalakrishnan , G. Aravindan y Girish Kasaravalli . Las películas más famosas de Ray fueron Pather Panchali (1955), Aparajito (1956) y El mundo de Apu (1959), que formaron la Trilogía de Apu . Producida con un presupuesto reducido de Rs. 150.000 (3.000 dólares), [9] [10] las tres películas ganaron premios importantes en los Festivales de Cine de Cannes , Berlín y Venecia , y hoy en día figuran frecuentemente entre las mejores películas de todos los tiempos . [11] [12] [13] [14]
Algunas películas de arte también han cosechado éxito comercial, en una industria conocida por su surrealismo o películas "fantásticas", y combinaron con éxito características tanto del cine de arte como del cine comercial. Un ejemplo temprano de esto fue Do Bigha Zamin (1953) de Bimal Roy , que fue un éxito comercial y de crítica. La película ganó el Premio Internacional en el Festival de Cine de Cannes de 1954 y allanó el camino para la nueva ola india. [15] [16] [17] Hrishikesh Mukherjee , uno de los cineastas más exitosos del cine hindi, fue nombrado el pionero del "cine medio" y fue famoso por hacer películas que reflejaban el cambiante ethos de la clase media. Según la Encyclopædia Britannica , Mukherjee "trazó un camino intermedio entre la extravagancia del cine convencional y el realismo austero del cine de arte". [18] El reconocido cineasta Basu Chatterjee también construyó sus tramas sobre las vidas de la clase media y dirigió películas como Piya Ka Ghar , Rajnigandha y Ek Ruka Hua Faisla . [19] Otro cineasta que integró el cine de arte y comercial fue Guru Dutt , cuya película Pyaasa (1957) apareció en la lista de las 100 mejores películas de todos los tiempos de la revista Time . [20] El ejemplo más reciente de una película de arte que se convirtió en éxito comercial es la película canadiense en punjabi Work Weather Wife de Harpreet Sandhu ; marca el comienzo del cine en la industria cinematográfica punjabi. [21]
En la década de 1960, el gobierno indio comenzó a financiar películas de arte independientes basadas en temas indios. Muchos de los directores eran graduados del Instituto de Cine y Televisión de la India (FTII), en Pune . El director de cine bengalí Ritwik Ghatak era profesor en el instituto y un director muy conocido. Sin embargo, a diferencia de Ray, Ghatak no ganó fama internacional durante su vida. Por ejemplo, Nagarik (1952) de Ghatak fue quizás el primer ejemplo de una película de arte bengalí, precediendo a Pather Panchali de Ray por tres años, pero no se estrenó hasta después de su muerte en 1977. [22] [23] Su primer estreno comercial Ajantrik (1958) también fue una de las primeras películas en retratar un objeto inanimado, en este caso un automóvil , como personaje de la historia, muchos años antes de las películas de Herbie . [24] El protagonista de Ajantrik , Bimal, también puede ser visto como una influencia en el cínico taxista Narasingh (interpretado por Soumitra Chatterjee ) en Abhijan (1962) de Satyajit Ray . [25]
El cine de Karnataka vio su primer rayo de esperanza surrealista en el debut como director de N. Lakshminarayan, Naandi (1964). Con actores de renombre como Rajkumar , Kalpana y Harini , la película fue un éxito de crítica y público. Producida por Vadiraj, marcó un hito al ser la primera película en kannada que se proyectó en un festival de cine internacional. El movimiento cobró un impulso significativo en los años 1970 y 1980, lo que resultó en numerosos premios nacionales y reconocimiento internacional al cine en kannada.
Durante las décadas de 1970 y 1980, el cine paralelo entró en el centro de atención del cine hindi en una medida mucho más amplia. Esto fue liderado por directores como Gulzar , Shyam Benegal , Mani Kaul , Rajinder Singh Bedi , Kantilal Rathod y Saeed Akhtar Mirza , y más tarde directores como Govind Nihalani , convirtiéndose en los principales directores del cine de arte indio de este período. Las primeras películas de Mani Kaul , Uski Roti (1971), Ashadh Ka Ek Din (1972), Duvidha (1974), fueron apreciadas por la crítica y tenidas en alta estima en el foco de atención internacional. El debut como director de Benegal, Ankur (Seeding, 1974) fue un gran éxito de crítica y fue seguido por numerosas obras que crearon otro campo en el movimiento. Kumar Shahani , un estudiante de Ritwik Ghatak , lanzó su primer largometraje Maya Darpan (1972), que se convirtió en una película histórica del cine de arte indio. Estos cineastas intentaron promover el realismo en sus propios estilos diferentes, aunque muchos de ellos a menudo aceptaban ciertas convenciones del cine popular. [26] El cine paralelo de esta época dio carrera a una nueva generación de actores jóvenes, incluidos Shabana Azmi , Smita Patil , Amol Palekar , Om Puri , Naseeruddin Shah , Kulbhushan Kharbanda , Pankaj Kapoor , Deepti Naval , Farooq Shaikh e incluso actores del cine comercial como Hema Malini , Raakhee y Rekha se aventuraron en el cine de arte.
Adoor Gopalakrishnan extendió la Nueva Ola India al cine malayalam con su primer largometraje Swayamvaram en 1972. Mucho después de la Edad de Oro del cine indio, el cine malayalam experimentó su propia "Edad de Oro" en la década de 1980 y principios de la de 1990. Algunos de los cineastas indios más aclamados en ese momento eran de la industria malayalam, incluidos Adoor Gopalakrishnan , KP Kumaran , G. Aravindan , John Abraham , Padmarajan , Bharathan , TV Chandran y Shaji N. Karun . [27] Gopalakrishnan, a quien a menudo se considera el heredero espiritual de Satyajit Ray , [28] dirigió algunas de sus películas más aclamadas durante este período, incluyendo Elippathayam (1981) que ganó el Trofeo Sutherland en el Festival de Cine de Londres , así como Mathilukal (1989) que ganó premios importantes en el Festival de Cine de Venecia . [29] La película debut de Shaji N. Karun, Piravi (1989), ganó la Cámara de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1989 , mientras que su segunda película, Swaham (1994), compitió por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1994. [30] Su tercera película, Vanaprastham (1999), también fue seleccionada para el Festival de Cine de Cannes , lo que lo convirtió en el único cineasta indio que pudo llevar consecutivamente tres películas a Cannes.
K. Balachander , CV Sridhar , Mahendran , Balu Mahendra , Bharathiraja , Mani Ratnam , Kamal Haasan , Bala , Selvaraghavan , Mysskin , Vetrimaaran y Ram han hecho lo mismo con el cine tamil , durante la dominación del cine comercial en telugu, Pattabhirami Reddy , KNT Sastry , B. Narsing Rao y Akkineni Kutumba Rao fueron pioneros del cine paralelo telugu en alcanzar el reconocimiento internacional. [31]
Girish Kasaravalli , Girish Karnad y BV Karanth lideraron el camino del cine paralelo en la industria cinematográfica de Kannada . Muchos incondicionales literarios entraron o colaboraron con el cine en este período. Algunos de los otros cineastas notables de este período fueron P. Lankesh , GV Iyer , MS Sathyu, a quienes luego siguieron TS Nagabharana , Baraguru Ramachandrappa , Shankar Nag , Chandrashekhara Kambara en la década de 1980. Actores como Lokesh , Anant Nag , LV Sharada, Vasudeva Rao, Suresh Heblikar , Vaishali Kasaravalli , Arundhati Nag y otros saltaron a la fama.
Bhabendra Nath Saikia y Jahnu Barua lo hicieron para el cine asamés , mientras que Aribam Syam Sharma fue pionero en películas paralelas en el cine manipuri.
A principios de los años 90, el aumento de los costes de producción y comercialización de las películas tuvo un impacto negativo en el cine de autor. El hecho de que no se pueda garantizar el rendimiento de las inversiones hizo que el cine de autor perdiera popularidad entre los cineastas.
Una de las principales razones de la decadencia del cine paralelo en la India es que la FFC ( Corporación Nacional de Desarrollo Cinematográfico de la India) no se planteó seriamente la distribución o exhibición de estas películas. El sistema de exhibición convencional no las recogió porque no tenían el llamado "valor de entretenimiento" que buscaban. Se habló de construir pequeñas salas para este tipo de películas, pero no se hizo ningún intento serio de hacer realidad este modo alternativo de exhibición. Por lo tanto, se dejó en manos de unas pocas sociedades cinematográficas la proyección de estas películas, y también en una única exhibición. La llegada de la televisión y su popularidad hicieron que el movimiento de sociedades cinematográficas decayera. Poco a poco, el gobierno fue reduciendo el patrocinio de estas películas, ya que sólo tenían películas inéditas para exhibir en sus balances.
El cine paralelo, en su sentido más estricto, siempre estuvo al margen del cine convencional. Dado que la mayor parte del cine paralelo rechazaba la visión regresiva del mundo que en gran medida encarnaba el cine convencional, nunca encontró aceptación en el sistema de producción, distribución y exhibición convencional. A falta de un sistema de exhibición alternativo o un circuito de cine independiente como se lo llama en Occidente, muchas de las películas poco convencionales realizadas por cineastas de la generación actual como Sushant Mishra, Himanshu Khatua, Ashish Avikunthak , Murali Nair, Amitabh Chakraborty, Paresh Kamdar, Priya Krishnaswamy, Vipin Vijay , Ramchandra PN , Ashwini Mallik, Anand Subramanian, Sanjivan Lal, Amit Dutta , Umesh Vinayak Kulkarni , Gurvinder Singh y Bela Negi nunca tuvieron una gran audiencia.
El término "cine paralelo" ha comenzado a aplicarse a películas poco convencionales producidas en Bollywood , donde las películas de arte han comenzado a experimentar un resurgimiento. Esto llevó al surgimiento de un género distinto conocido como Mumbai noir , [32] películas urbanas que reflejan los problemas sociales en la ciudad de Mumbai. [33] La introducción del Mumbai noir estuvo marcada por Satya (1998) de Ram Gopal Varma . Sin embargo, el Mumbai noir es un género que no se considera artístico en su ambición a pesar de que se concentra en la representación realista del submundo de Mumbai ; generalmente se trata de películas comerciales.
Otros ejemplos modernos de películas artísticas producidas en la India que se clasifican como parte del género del cine paralelo incluyen Utsab (2000) y Dahan (1997) de Rituparno Ghosh , Alo (2003) de Tarun Majumdar , Yuva (2004 ) de Mani Ratnam ), 3 Deewarein (2003) y Dor ( 2006) de Nagesh Kukunoor , Matrubhoomi (2004) de Manish Jha , Hazaaron Khwaishein Aisi (2005) de Sudhir Mishra , Maine Gandhi Ko Nahin Mara (2005) de Jahnu Barua , Valley of Flowers (2006) de Pan Nalin , My Brother … Nikhil (2005) y Bas Ek Pal (2006) de Onir, Black Friday (2007) de Anurag Kashyap , Udaan (2009) de Vikramaditya Motwane , Kiran Dhobi Ghat (2010) de Rao , Sonchidi (2011) de Amit Dutta y El barco de Teseo (2013) de Anand Gandhi .
Entre las películas independientes habladas en inglés indio se incluyen Mitr, My Friend (2002) de Revathi, Mr. and Mrs. Iyer (2002) y 15 Park Avenue (2006) de Aparna Sen , Being Cyrus (2006) de Homi Adajania , The Last Lear (2007) de Rituparno Ghosh y Little Zizou (2009) de Sooni Taraporevala .
Algunos de los directores de cine artístico indios activos en la actualidad incluyen a Buddhadeb Dasgupta , Aparna Sen , Gautam Ghose , Sandip Ray ( hijo de Satyajit Ray ), Kaushik Ganguly , Suman Mukhopadhyay , Kamaleshwar Mukherjee y Soukarya Ghosal en el cine bengalí ; Adoor Gopalakrishnan , Shaji N. Karun , TV Chandran , MP Sukumaran Nair, Shyamaprasad , Dr. Biju y Sanal Kumar Sasidharan en el cine malayalam ; Kumar Shahani , Ketan Mehta , Govind Nihalani , Shyam Benegal , Amit Dutta , Manish Jha , Ashim Ahluwalia , Mudasir Dar, Anurag Kashyap , Anand Gandhi y Deepa Mehta en cine hindi; Mani Ratnam y Bala en tamil, Rajnesh Domalpalli y Narasimha Nandi en el cine telugu , Jahnu Barua en el cine hindi y el cine asamés, Amol Palekar , Umesh Vinayak Kulkarni en el cine marathi y Amartya Bhattacharyya , que hace películas independientes en odia y bengalí.
Aamir Khan , con su estudio de producción, introdujo su propia marca de cine social a principios del siglo XXI, desdibujando la distinción entre las películas masala comerciales y el cine paralelo realista, combinando los valores de entretenimiento y producción de las primeras con las narrativas creíbles y los mensajes contundentes del segundo. Ha ayudado a introducir el cine paralelo al público general, y sus películas han obtenido tanto éxito comercial como elogios de la crítica en la India y en el extranjero. [34]
Durante el período de formación del cine paralelo indio en las décadas de 1940 y 1950, el movimiento estuvo influenciado por el cine italiano y el cine francés , particularmente por el neorrealismo italiano así como por el realismo poético francés . Satyajit Ray citó particularmente Ladrón de bicicletas (1948) del cineasta italiano Vittorio De Sica y El río (1951) del cineasta francés Jean Renoir , en la que colaboró, como influencias en su película debut Pather Panchali (1955), junto con influencias de la literatura bengalí y el teatro clásico indio . [35] Do Bigha Zamin (1953) de Bimal Roy también estuvo influenciada por Ladrón de bicicletas de De Sica . La Nueva Ola india también comenzó aproximadamente al mismo tiempo que la Nueva Ola francesa y la Nueva Ola japonesa .
Desde que Neecha Nagar de Chetan Anand ganó el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes inaugural en 1946, [36] las películas de cine paralelo indio aparecieron con frecuencia en foros internacionales y festivales de cine durante las siguientes décadas. [37] Esto permitió a los cineastas independientes indios llegar a una audiencia global. El más influyente entre ellos fue Satyajit Ray , cuyas películas tuvieron éxito entre el público europeo, estadounidense y asiático. [38] Posteriormente, su trabajo tuvo un impacto mundial, con cineastas como Martin Scorsese , [39] James Ivory , [40] Abbas Kiarostami , Elia Kazan , François Truffaut , [41] Carlos Saura [42] y Wes Anderson [43] siendo influenciados por su estilo cinematográfico, y muchos otros como Akira Kurosawa elogiando su trabajo. [44] Los " dramas juveniles sobre la mayoría de edad que han inundado las salas de arte desde mediados de los años cincuenta tienen una deuda tremenda con la trilogía de Apu " (1955-1959). [45] La película de Ray Kanchenjungha (1962) introdujo una estructura narrativa que se asemeja al cine de hipervínculos posterior . [46] Se cree ampliamente que el guion de Ray de 1967 para una película que se llamaría The Alien , que finalmente se canceló, fue la inspiración para ET (1982) de Steven Spielberg . [47] [48] [49] Forty Shades of Blue (2005) de Ira Sachs fue una nueva versión libre de Charulata , y en My Family (1995) de Gregory Nava , la escena final se duplica de la escena final de The World of Apu (1959). Referencias similares a las películas de Ray se encuentran en obras recientes como Sacred Evil (2006), [50] la trilogía Elements de Deepa Mehta y en las películas de Jean-Luc Godard . [51]
Otro cineasta destacado es Mrinal Sen , cuyas películas han sido bien conocidas por sus puntos de vista marxistas . Durante su carrera, las películas de Mrinal Sen han recibido premios en casi todos los festivales de cine más importantes, incluidos Cannes , Berlín, Venecia , Moscú, Karlovy Vary , Montreal, Chicago y El Cairo . Se han exhibido retrospectivas de sus películas en casi todas las ciudades importantes del mundo. [52]
Otro cineasta independiente bengalí, Ritwik Ghatak , comenzó a llegar a una audiencia global mucho después de su muerte; a principios de la década de 1990, se emprendió un proyecto para restaurar las películas de Ghatak, y las exhibiciones internacionales (y los lanzamientos posteriores en DVD) han generado tardíamente una audiencia cada vez más global. Junto con las películas de Ray, las películas de Ghatak también han aparecido en varias encuestas de las mejores películas de todos los tiempos . Varias películas de Satyajit Ray aparecieron en la encuesta de críticos de Sight & Sound , incluida The Apu Trilogy (clasificada en el puesto número 4 en 1992 si se combinan los votos), [53] The Music Room (clasificada en el puesto número 27 en 1992), Charulata (clasificada en el puesto número 41 en 1992) [54] y Days and Nights in the Forest (clasificada en el puesto número 81 en 1982). [55] La encuesta de críticos y directores de Sight & Sound de 2002 también incluyó las películas de Guru Dutt Pyaasa y Kaagaz Ke Phool (ambas empatadas en el puesto 160), y las películas de Ritwik Ghatak Meghe Dhaka Tara (en el puesto 231) y Komal Gandhar (en el puesto 346). [56] En 1998, la encuesta de críticos realizada por la revista de cine asiática Cinemaya incluyó The Apu Trilogy (en el puesto n.º 1 si se combinan los votos), Charulata y The Music Room de Ray (ambas empatadas en el puesto 11), y Subarnarekha de Ghatak (también empatada en el puesto 11). [57] En 1999, la encuesta de críticos de The Village Voice sobre las 250 mejores "Mejores películas del siglo" también incluyó The Apu Trilogy (en el puesto n.º 5 si se combinan los votos). [12] La trilogía de Apu , Pyaasa y Nayakan de Mani Ratnam también fueron incluidas en la lista de las 100 mejores películas de todos los tiempos de la revista Time en 2005. [20] En 1992, la encuesta de críticos de Sight & Sound clasificó a Ray en el puesto número 7 en su lista de los "10 mejores directores" de todos los tiempos, [58] mientras que Dutt ocupó el puesto número 73 en la encuesta de los mejores directores de Sight & Sound de 2002. [59]
El director de fotografía Subrata Mitra , que debutó con The Apu Trilogy de Ray , también tuvo una importante influencia en la cinematografía de todo el mundo. Una de sus técnicas más importantes fue la iluminación rebotada , para recrear el efecto de la luz del día en los sets. Fue pionero en la técnica durante el rodaje de Aparajito (1956), la segunda parte de The Apu Trilogy . [60] Algunas de las técnicas experimentales que Satyajit Ray fue pionero incluyen flashbacks de fotonegativos y digresiones de rayos X durante el rodaje de Pratidwandi (1972). [61]
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