La pintura china ( chino simplificado :中国画; chino tradicional :中國畫; pinyin : Zhōngguó huà ) es una de las tradiciones artísticas más antiguas y continuas del mundo. La pintura en el estilo tradicional se conoce hoy en día en chino como guó huà ( chino simplificado :国画; chino tradicional :國畫), que significa "pintura nacional" o "pintura nativa", a diferencia de los estilos de arte occidentales que se hicieron populares en China en el siglo XX. También se llama danqing ( chino :丹青; pinyin : dān qīng ). La pintura tradicional implica esencialmente las mismas técnicas que la caligrafía y se realiza con un pincel mojado en tinta negra o pigmentos de colores ; no se utilizan óleos. Al igual que con la caligrafía, los materiales más populares sobre los que se hacen las pinturas son el papel y la seda. La obra terminada se puede montar en pergaminos, como pergaminos colgantes o pergaminos manuales . La pintura tradicional también se puede realizar sobre hojas de álbumes, paredes, lacas , biombos y otros medios.
Las dos técnicas principales de la pintura china son:
La pintura de paisajes se consideraba la forma más elevada de la pintura china, y en general todavía lo es. [3] El período comprendido entre el período de las Cinco Dinastías y el período Song del Norte (907-1127) se conoce como la "Gran época del paisaje chino". En el norte, artistas como Jing Hao , Li Cheng , Fan Kuan y Guo Xi pintaron cuadros de imponentes montañas, utilizando fuertes líneas negras, aguadas de tinta y pinceladas punteadas y definidas para sugerir piedra áspera. En el sur, Dong Yuan , Juran y otros artistas pintaron las ondulantes colinas y ríos de su campo natal en escenas pacíficas realizadas con pinceladas más suaves y frotadas. Estos dos tipos de escenas y técnicas se convirtieron en los estilos clásicos de la pintura de paisajes china.
La pintura y la caligrafía chinas se distinguen de las artes de otras culturas por el énfasis en el movimiento y el cambio con una vida dinámica. [4] La práctica se aprende tradicionalmente de memoria, en la que el maestro muestra la "forma correcta" de dibujar objetos. El aprendiz debe copiar estos objetos de manera estricta y continua hasta que los movimientos se vuelvan instintivos. En la época contemporánea, surgió un debate sobre los límites de esta tradición copista dentro de las escenas del arte moderno donde la innovación es la regla. Los cambios en los estilos de vida, las herramientas y los colores también están influyendo en las nuevas oleadas de maestros. [4] [5]
Las primeras pinturas no eran figurativas, sino ornamentales; consistían en patrones o diseños en lugar de imágenes. La cerámica primitiva se pintaba con espirales, zigzags, puntos o animales. Fue solo durante la dinastía Zhou oriental (770-256 a. C.) que los artistas comenzaron a representar el mundo que los rodeaba. En la época imperial (a partir de la dinastía Jin oriental ), la pintura y la caligrafía en China se encontraban entre las artes más apreciadas en la corte y a menudo las practicaban aficionados (aristócratas y funcionarios académicos) que tenían el tiempo libre necesario para perfeccionar la técnica y la sensibilidad necesarias para una gran pincelada. Se pensaba que la caligrafía y la pintura eran las formas de arte más puras. Los instrumentos eran el pincel hecho de pelo de animal y las tintas negras hechas de hollín de pino y cola animal . En la antigüedad, la escritura, así como la pintura, se hacían en seda . Sin embargo, después de la invención del papel en el siglo I d. C., la seda fue reemplazada gradualmente por el material nuevo y más barato. Los escritos originales de calígrafos famosos han sido muy valorados a lo largo de la historia de China y se montan en pergaminos y se cuelgan en las paredes del mismo modo que las pinturas.
Los artistas de las dinastías Han (206 a. C. – 220 d. C.) a Tang (618–906) pintaron principalmente figuras humanas. Gran parte de lo que sabemos de las primeras pinturas chinas de figuras proviene de los lugares de enterramiento, donde se conservaban pinturas en estandartes de seda, objetos lacados y paredes de tumbas. Muchas de las primeras pinturas de tumbas tenían como objetivo proteger a los muertos o ayudar a sus almas a llegar al paraíso. Otras ilustraban las enseñanzas del filósofo chino Confucio o mostraban escenas de la vida cotidiana.
Durante el período de las Seis Dinastías (220-589), la gente empezó a apreciar la pintura por su belleza y a escribir sobre arte. A partir de esta época empezamos a conocer a artistas individuales, como Gu Kaizhi . Incluso cuando estos artistas ilustraban temas morales confucianos (como el comportamiento adecuado de una esposa hacia su marido o de los hijos hacia sus padres), intentaban que las figuras fueran gráciles.
.
Los " Seis principios de la pintura china " fueron establecidos por Xie He , un escritor, historiador de arte y crítico de la China del siglo V, en "Seis puntos a tener en cuenta al juzgar una pintura" (繪畫六法, Pinyin : Huìhuà Liùfǎ), tomados del prefacio de su libro "El registro de la clasificación de los pintores antiguos" (古畫品錄; Pinyin : Gǔhuà Pǐnlù). Tenga en cuenta que esto fue escrito alrededor del año 550 d. C. y se refiere a prácticas "antiguas" y "antiguas". Los seis elementos que definen una pintura son:
Durante la dinastía Tang , la pintura de figuras floreció en la corte real. Artistas como Zhou Fang retrataron el esplendor de la vida cortesana en pinturas de emperadores, damas de palacio y caballos imperiales. La pintura de figuras alcanzó la cima del realismo elegante en el arte de la corte del sur de Tang (937-975).
La mayoría de los artistas de la dinastía Tang delineaban las figuras con finas líneas negras y utilizaban colores brillantes y detalles elaborados. Sin embargo, un artista de la dinastía Tang, el maestro Wu Daozi , utilizaba solo tinta negra y pinceladas libremente pintadas para crear pinturas a tinta que eran tan emocionantes que las multitudes se reunían para verlo trabajar. A partir de su época, las pinturas a tinta ya no se consideraban bocetos preliminares o contornos que se rellenaban con color, sino que se valoraban como obras de arte terminadas.
A partir de la dinastía Tang, muchas pinturas eran paisajes , a menudo pinturas shanshui (山水, "agua de montaña"). En estos paisajes, monocromáticos y despojados (un estilo que se denomina colectivamente shuimohua ), el propósito no era reproducir exactamente la apariencia de la naturaleza ( realismo ), sino más bien captar una emoción o atmósfera, como si se captara el "ritmo" de la naturaleza.
Se ha conservado una cantidad considerable de información literaria y documental sobre la pintura Tang, pero muy pocas obras, especialmente de la más alta calidad. Sir Aurel Stein descubrió una cueva tapiada en el complejo de las cuevas de Mogao en Dunhuang, que contenía un vasto botín, principalmente escritos budistas, pero también algunos estandartes y pinturas, lo que constituye el grupo más grande de pinturas sobre seda que sobrevive. Estas se encuentran ahora en el Museo Británico y en otros lugares. No son de calidad cortesana, pero muestran una variedad de estilos, incluidos algunos con influencias de más al oeste. Al igual que con la escultura, otras supervivencias que muestran el estilo Tang se encuentran en Japón , aunque la más importante, en Nara, fue destruida en gran parte en un incendio en 1949. Los complejos de cuevas excavadas en la roca y las tumbas reales también contienen muchas pinturas murales. La pintura cortesana sobrevive principalmente en lo que son, con certeza o posiblemente, copias de mucho más tarde.
_001.jpg/1280px-Chinesischer_Maler_des_11._Jahrhunderts_(I)_001.jpg)
La pintura durante la dinastía Song (960-1279) alcanzó un mayor desarrollo de la pintura de paisajes; se transmitieron distancias inconmensurables mediante el uso de contornos borrosos, contornos de montañas que desaparecían en la niebla y un tratamiento impresionista de los fenómenos naturales. La pintura de estilo shan shui (shan significa montaña y shui significa río) se volvió prominente en el arte paisajístico chino. El énfasis puesto en el paisaje se basaba en la filosofía china ; el taoísmo enfatizaba que los humanos no eran más que pequeñas motas en el vasto y mayor cosmos, mientras que los escritores neoconfucianistas a menudo buscaban el descubrimiento de patrones y principios que creían que causaban todos los fenómenos sociales y naturales. [6] La pintura de retratos y objetos vistos de cerca, como pájaros en las ramas, se tenía en alta estima, pero la pintura de paisajes era primordial. [7] A principios de la dinastía Song había surgido un estilo paisajístico distintivo . [8] Los artistas dominaban la fórmula de escenas intrincadas y realistas ubicadas en primer plano, mientras que el fondo conservaba cualidades de espacio vasto e infinito. Los picos de las montañas distantes se elevan entre las altas nubes y la niebla, mientras que ríos caudalosos corren desde lejos hacia el primer plano. [9]
Hubo una diferencia significativa en las tendencias de pintura entre el período Song del Norte (960-1127) y el período Song del Sur (1127-1279). Las pinturas de los funcionarios Song del Norte estaban influenciadas por sus ideales políticos de poner orden en el mundo y abordar los problemas más importantes que afectaban a toda la sociedad; sus pinturas a menudo representaban paisajes enormes y panorámicos. [10] Durante el período Song del Norte, las pinturas de paisajes tenían un significado político y la corte las usaba para enfatizar su fuerza y autoridad con el simbolismo de los grandes paisajes. [11] : 167 La corte Song del Norte encargó paisajes enormes que utilizó para apoyar sus ritos. [11] : 167
Los funcionarios de la dinastía Song del Sur estaban más interesados en reformar la sociedad desde abajo y en una escala mucho más pequeña, un método que creían que tenía más posibilidades de éxito; sus pinturas a menudo se centraban en escenas más pequeñas, visualmente más cercanas e íntimas, mientras que el fondo a menudo se representaba desprovisto de detalles, como un reino sin preocupación para el artista o el espectador. [10] Este cambio de actitud de una era a la siguiente se debió en gran medida a la creciente influencia de la filosofía neoconfuciana . Los partidarios del neoconfucianismo se centraron en reformar la sociedad desde abajo, no desde arriba, lo que se puede ver en sus esfuerzos por promover pequeñas academias privadas durante la dinastía Song del Sur en lugar de las grandes academias controladas por el Estado que se vieron en la era Song del Norte. [12]
Desde las dinastías del Sur y del Norte (420-589), la pintura se había convertido en un arte de alta sofisticación que se asociaba con la clase noble como uno de sus principales pasatiempos artísticos, siendo los otros la caligrafía y la poesía. [13] Durante la dinastía Song hubo ávidos coleccionistas de arte que a menudo se reunían en grupos para discutir sus propias pinturas, así como para calificar las de sus colegas y amigos. El poeta y estadista Su Shi (1037-1101) y su cómplice Mi Fu (1051-1107) a menudo participaban en estos asuntos, tomando prestadas piezas de arte para estudiarlas y copiarlas, o si realmente admiraban una pieza, a menudo se proponía un intercambio. [14] Crearon un nuevo tipo de arte basado en las tres perfecciones en las que usaban sus habilidades en caligrafía (el arte de la escritura hermosa) para hacer pinturas con tinta. A partir de su época, muchos pintores se esforzaron por expresar libremente sus sentimientos y capturar el espíritu interior de su tema en lugar de describir su apariencia externa. Las pequeñas pinturas redondas populares en la dinastía Song del Sur a menudo se recopilaban en álbumes y los poetas escribían poemas en los costados para que coincidieran con el tema y el estado de ánimo de la pintura. [10]
Aunque eran ávidos coleccionistas de arte, algunos eruditos Song no apreciaban fácilmente las obras de arte encargadas por esos pintores que se encontraban en tiendas o mercados comunes, y algunos de los eruditos incluso criticaron a los artistas de escuelas y academias de renombre. Anthony J. Barbieri-Low, profesor de historia china temprana en la Universidad de California, Santa Bárbara , señala que la apreciación de los eruditos Song por el arte creado por sus pares no se extendió a aquellos que se ganaban la vida simplemente como artistas profesionales: [15]
Durante la dinastía Song del Norte (960-1126 d. C.), surgió una nueva clase de artistas-eruditos que no poseían las habilidades de los pintores académicos para realizar trampantojos ni siquiera la competencia de los pintores de mercado comunes. La pintura de los literatos era más simple y, a veces, bastante inculta, pero criticaban a estos otros dos grupos como meros profesionales, ya que dependían de encargos pagados para su sustento y no pintaban simplemente por diversión o autoexpresión. Los artistas-eruditos consideraban que los pintores que se concentraban en representaciones realistas, que empleaban una paleta colorida o, lo peor de todo, que aceptaban un pago monetario por su trabajo no eran mejores que los carniceros o los caldereros del mercado. No debían ser considerados verdaderos artistas. [15]
Sin embargo, durante el periodo Song, hubo muchos pintores de la corte aclamados y fueron muy estimados por los emperadores y la familia real . Uno de los más grandes pintores de paisajes patrocinados por la corte Song fue Zhang Zeduan (1085-1145), quien pintó el rollo original A lo largo del río durante el Festival Qingming , una de las obras maestras más conocidas del arte visual chino. El emperador Gaozong de Song (1127-1162) una vez encargó un proyecto artístico de numerosas pinturas para las Dieciocho canciones de una flauta nómada , basado en la poetisa Cai Wenji (177-250 d. C.) de la dinastía Han anterior . Yi Yuanji logró un alto grado de realismo pintando animales, en particular monos y gibones . [16] Durante el periodo Song del Sur (1127-1279), pintores de la corte como Ma Yuan y Xia Gui usaron fuertes pinceladas negras para esbozar árboles y rocas y aguadas pálidas para sugerir un espacio brumoso.
Durante la dinastía mongol Yuan (1271-1368), los pintores unieron las artes de la pintura, la poesía y la caligrafía inscribiendo poemas en sus cuadros. Estas tres artes trabajaban juntas para expresar los sentimientos del artista de una manera más completa de lo que una sola arte podría hacerlo. El emperador Yuan Tugh Temur (r. 1328, 1329-1332) era aficionado a la pintura china y se convirtió en un pintor respetable.
Los chinos son los pueblos más hábiles en las artes y los que más perfección alcanzan en ellas. Esto es bien sabido y la gente lo ha descrito y hablado extensamente de ello. Nadie, ni griego ni ningún otro, los rivaliza en el dominio de la pintura. Tienen una prodigiosa habilidad para ello. Una de las cosas notables que vi en relación con esto es que si visitaba una de sus ciudades y luego regresaba a ella, siempre veía retratos míos y de mis compañeros pintados en las paredes y en papel en los bazares. Fui a la ciudad del sultán, pasé por el bazar de los pintores y fui al palacio del sultán con mis compañeros. Íbamos vestidos de iraquíes. Cuando volví del palacio por la tarde pasé por dicho bazar. Vi retratos míos y de mis compañeros pintados en papel y colgados en las paredes. Cada uno de nosotros miró el retrato de su compañero; el parecido era correcto en todos los aspectos. Me dijeron que el Sultán les había ordenado que hicieran esto y que habían venido al palacio mientras estábamos allí y habían comenzado a observarnos y pintarnos sin que nos diéramos cuenta. Es su costumbre pintar a todo el que se acerca a ellos. [17]
A partir del siglo XIII se desarrolló la tradición de pintar temas sencillos (una rama con frutas, unas cuantas flores o uno o dos caballos). La pintura narrativa, con una gama cromática más amplia y una composición mucho más recargada que las pinturas Song, fue inmensamente popular durante el período Ming (1368-1644).
En esa época aparecieron los primeros libros ilustrados con xilografías coloreadas; a medida que se perfeccionaban las técnicas de impresión a color, comenzaron a publicarse manuales ilustrados sobre el arte de la pintura. Jieziyuan Huazhuan (Manual del jardín de semillas de mostaza) , una obra de cinco volúmenes publicada por primera vez en 1679, se ha utilizado como libro de texto técnico para artistas y estudiantes desde entonces.
Algunos pintores de la dinastía Ming (1368-1644) continuaron las tradiciones de los pintores eruditos de la dinastía Yuan. Este grupo de pintores, conocido como la escuela Wu , estuvo dirigido por el artista Shen Zhou . Otro grupo de pintores, conocido como la escuela Zhe , revivió y transformó los estilos de la corte Song.
Durante la dinastía Qing temprana (1644-1911), los pintores conocidos como individualistas se rebelaron contra muchas de las reglas tradicionales de la pintura y encontraron formas de expresarse más directamente a través de la pincelada libre. En los siglos XVIII y XIX, las grandes ciudades comerciales como Yangzhou y Shanghái se convirtieron en centros de arte donde los ricos mecenas-mercaderes alentaron a los artistas a producir nuevas y audaces obras. Sin embargo, de manera similar al fenómeno de la producción de linajes clave, muchos artistas conocidos provenían de familias artísticas establecidas. Dichas familias se concentraron en la región de Jiangnan y produjeron pintores como Ma Quan , Jiang Tingxi y Yun Zhu . [18]
,_Chinese_School.jpg/1280px-A_View_of_Henan_(Honam),_Chinese_School.jpg)
Fue también durante este período cuando surgieron los pintores chinos especializados en comercio. Aprovechando la presencia de comerciantes británicos y europeos en ciudades portuarias populares como Cantón, estos artistas crearon obras de estilo occidental, especialmente para comerciantes occidentales. Este comercio, conocido como pinturas de exportación chinas, prosperó durante toda la dinastía Qing.
A finales del siglo XIX y durante el siglo XX, los pintores chinos se vieron cada vez más expuestos al arte occidental . Algunos artistas que estudiaron en Europa rechazaron la pintura china; otros intentaron combinar lo mejor de ambas tradiciones. Entre los pintores modernos más queridos se encontraba Qi Baishi , que comenzó su vida como un campesino pobre y se convirtió en un gran maestro. Sus obras más conocidas representan flores y pequeños animales.
A partir del Movimiento de la Nueva Cultura , los artistas chinos comenzaron a adoptar técnicas occidentales. Entre los artistas chinos destacados que estudiaron pintura occidental se encuentran Li Tiefu , Yan Wenliang , Xu Beihong , Lin Fengmian , Fang Ganmin y Liu Haisu .
Después de la fundación de la República Popular China, el Departamento de Propaganda del Partido Comunista organizó redes de asociaciones de trabajadores culturales que estaban encabezadas por la Federación China de Círculos Literarios y Artísticos . [11] : 136 El estado incorporó las empresas culturales existentes al aparato estatal, lo que proporcionó ingresos estables y entornos de trabajo para los artistas. [11] : 136
En los primeros años de la República Popular de China, se alentó a los artistas a emplear el realismo socialista . Se importó parte del realismo socialista de la Unión Soviética sin modificaciones, y se les asignaron temas a los pintores y se esperaba que produjeran pinturas en masa. Siguiendo el modelo de la Unión Soviética, la República Popular de China en sus inicios respaldó la pintura al óleo histórica y el estado encargó muchas obras artísticas en este estilo para representar a la nueva nación mediante la representación de las principales batallas y otros eventos que llevaron a la proclamación del país. [11] : 137 En este período, los críticos adoptaron una postura negativa hacia el estilo de pintura guohua . [11] : 137
Este régimen se relajó considerablemente en 1953, y después de la Campaña de las Cien Flores de 1956-57, la pintura tradicional china experimentó un renacimiento significativo. A mediados de la década de 1950, las relaciones entre China y la Unión Soviética se estaban deteriorando, y Mao Zedong estaba cada vez más ansioso por que China estableciera su propio camino nacional. [11] : 137 Las campañas de propaganda comenzaron a promover la readopción de estilos de arte tradicionales como adecuados para representar las relaciones sociales modernas. [11] : 137 La Campaña Nueva Guohua pidió a los pintores que modernizaran el estilo tradicional (que históricamente había sido exclusivo de la clase dominante de China) para retratar el paisaje de la República Popular China. [11] : 137 La forma y las técnicas tradicionales del paisaje se mantuvieron en gran medida, pero los nuevos elementos como el mayor uso del color rojo y la incorporación de vehículos modernos y líneas de cable tenían la intención de transmitir la modernidad socialista. [11] : 137
Junto con estos avances en los círculos artísticos profesionales, se produjo una proliferación del arte campesino que representaba la vida cotidiana en las zonas rurales en murales de pared y en exposiciones de pintura al aire libre. Durante el Gran Salto Adelante , las autoridades promovieron el Movimiento de Pintura Campesina, del que surgieron cientos de miles de nuevos artistas. [19] Como parte de este Movimiento, los artistas campesinos decoraron las paredes de las aldeas con murales con la temática del Gran Salto Adelante. [19] El Gran Salto Adelante también impulsó una segunda ola de la Campaña Nuevo Guohua en la que el estado encargó a los artistas paisajistas que pintaran nuevos proyectos de producción; algunas pinturas seleccionadas de la campaña se enseñaron en las escuelas, se publicaron ampliamente como carteles de propaganda, se exhibieron en museos y se utilizaron como telones de fondo de eventos estatales. [11] : 138
Durante la Revolución Cultural , se cerraron las escuelas de arte y se suspendió la publicación de revistas de arte y las principales exposiciones de arte. También se llevaron a cabo grandes destrucciones como parte de la campaña de eliminación de los Cuatro Viejos . Durante la Revolución Cultural, la difusión de las pinturas campesinas en la China rural se convirtió en uno de los acontecimientos recién nacidos que se celebraban en una sociedad socialista. [20]
Tras la Revolución Cultural, se restablecieron las escuelas de arte y las organizaciones profesionales. Se establecieron intercambios con grupos de artistas extranjeros y los artistas chinos comenzaron a experimentar con nuevos temas y técnicas. Un caso particular de estilo a mano alzada (xieyi hua) puede observarse en la obra del niño prodigio Wang Yani (nacido en 1975), que comenzó a pintar a los 3 años y desde entonces ha contribuido considerablemente al ejercicio de este estilo en el arte contemporáneo.
Después de la reforma económica china, cada vez más artistas llevaron a cabo innovaciones audaces en la pintura china. Las innovaciones incluyen: el desarrollo de nuevas habilidades de pincelado como salpicaduras de agua y tinta en dirección vertical, con el artista representativo Tiancheng Xie, [ cita requerida ] creación de un nuevo estilo mediante la integración de técnicas de pintura tradicionales chinas y occidentales como la pintura de estilo celestial , con el artista representativo Shaoqiang Chen , [21] y nuevos estilos que expresan temas contemporáneos y escenas naturales típicas de ciertas regiones como el estilo de pintura de Lijiang, con el artista representativo Gesheng Huang. [ cita requerida ] Una serie de pinturas de 2008 de Cai Jin , más conocida por su uso de colores psicodélicos , mostró influencias tanto de fuentes occidentales como tradicionales chinas, aunque las pinturas eran abstracciones orgánicas. [22]
La pintura china sigue desempeñando un papel esencial en la expresión cultural china. A partir de mediados del siglo XX, los artistas comenzaron a combinar las técnicas tradicionales de la pintura china con los estilos artísticos occidentales, lo que dio lugar al estilo del nuevo arte chino contemporáneo. Uno de los artistas representativos es Wei Dong, que se inspiró en fuentes orientales y occidentales para expresar el orgullo nacional y alcanzar la realización personal. [23]
A medida que la pintura de paisajes se hizo popular y se convirtió en el estilo dominante en la dinastía Song del Norte, los artistas comenzaron a desviar su atención de la pintura jiehua , que indica pinturas de objetos arquitectónicos chinos como edificios, barcos, ruedas y vehículos, hacia las pinturas de paisajes. Entrelazado con la pintura de paisajes imperial, el molino de agua, un elemento de la pintura jiehua , sin embargo, todavía se utiliza como un símbolo imperial. El molino de agua representado en el Molino de agua es una representación de la revolución de la tecnología, la economía, la ciencia, la ingeniería mecánica y el transporte en la dinastía Song. Representa la participación directa del gobierno en la industria de la molienda, lo que puede influir en las actividades comerciales. Otra evidencia que muestra que el gobierno interfirió en el comercio es una tienda de vinos que aparece al lado del molino de agua. El molino de agua en el Rollo de Shanghai refleja el desarrollo de la ingeniería y el creciente conocimiento en hidrología. Además, un molino de agua también puede usarse para identificar una pintura y usarse como metáfora literaria. Últimamente, el molino de agua se transformó en una forma simbólica que representa a la corte imperial.
Mil millas de ríos y montañas de Wang Ximeng celebra el mecenazgo imperial y construye un puente que une a los emperadores posteriores, Huizong y Shenzong, con sus antepasados, Taizu y Taizong. El molino de agua de esta pintura, a diferencia del que se pintó en los pergaminos anteriores de Shanghai para que fuera sólido y pesado, está pintado para que fuera ambiguo y vago para que coincidiera con el gusto de la corte de esa época. La pintura refleja un ritmo lento y un estilo de vida idílico y pacífico. Ubicado en lo profundo de un pueblo, el molino de agua es impulsado por la fuerza de una enorme rueda hidráulica vertical que es accionada por una compuerta. El artista parece ignorar la ingeniería hidráulica, ya que solo dibujó de manera aproximada el mecanismo de todo el proceso. Mil millas de ríos y montañas pintado por Wang Ximeng, un artista de la corte enseñado directamente por el propio Huizong. Por lo tanto, la obra de arte Mil millas de ríos y montañas debería revisar directamente el gusto imperial de la pintura de paisajes. Combinando la riqueza de los pigmentos azul brillante y turquesa heredados de la dinastía Tang con la inmensidad, el espacio solemne y las montañas de la dinastía Song del Norte, el pergamino es una representación perfecta del poder imperial y el gusto estético de los aristócratas. [24]
Existe una larga tradición de tener un significado oculto detrás de ciertos objetos en las pinturas chinas. Una pintura en abanico de un artista desconocido del período Song del Norte muestra a tres gibones capturando crías de garcetas y ahuyentando a los padres. El acertijo detrás de esta escena se interpreta como una celebración del éxito en el examen. Otra pintura que tiene temas similares (gibones y garcetas) recibe el título de San yuan de lu三猿得鹭, o Tres gibones atrapando garcetas. Como el acertijo, el sonido del título también puede escribirse como 三元得路, que significa "un triple primero gana [un] poder". 元 representa "primero" reemplaza a su homófono 猿, y 路 significa camino, reemplaza a 鹭. El término sanyuan se registró por primera vez como un término que se refería a las personas que conseguían el triple primer puesto en un examen en Qingsuo gaoyi por un escritor de Song del Norte, Liu Fu, y el uso de este nuevo término se extendió gradualmente por todo el país, donde el paisaje de gibones y garcetas fue ampliamente aceptado. Últimamente, otros paisajes derivados de las pinturas originales, incluyendo ciervos en la escena porque en chino, ciervo, lu también es un homófono de garcetas. Además, el número de gibones representados en la pintura puede ser flexible, no limitado solo a tres, sanyuan. Dado que los puestos en las cortes Song están ocupados por las élites que alcanzaron el grado jinshi, las pinturas con gibones, garcetas o ciervos se utilizan para elogiar a esas élites en general.
El emperador Huizong pintó personalmente un cuadro titulado Pájaros en un ciruelo en flor , en el que aparecen dos "pájaros de cabeza canosa", "Baitou weng", descansando juntos en la rama de un árbol. "Baitou" en la cultura china es una alusión al amor fiel y al matrimonio. En un conocido poema de amor, se escribió: "Deseo un amante en cuyo corazón sólo yo exista, sin separarnos, incluso nuestras cabezas se vuelven canosas". Durante el gobierno de Huizong, el rebus de los literatos se integró en la academia de pintura de la corte y se convirtió en parte de la rutina de prueba para ingresar a la corte imperial. Durante la dinastía Song, la conexión entre pintores y literatos, pinturas y poemas es más estrecha. [25]
"El país está destrozado; las montañas y los ríos permanecen". El poema de Du Fu (712-770) refleja el principio fundamental de la cultura china: la dinastía puede cambiar, pero el paisaje es eterno. Este tema de atemporalidad surgió a partir del período de las Seis Dinastías y de los primeros Song del Norte. Se estudia a un jinete de burro que viaja a través de montañas, ríos y aldeas como un personaje iconográfico importante en el desarrollo de la pintura de paisajes.
Se supone que el jinete de burro en la pintura Viajeros en un bosque invernal de Li Cheng es un retrato de Meng Haoran, "un hombre alto y flacucho vestido con una sencilla túnica de erudito, montado en un pequeño caballo seguido por un joven sirviente". Además de Meng Haoran, otras personas famosas, como Ruan Ji, uno de los siete sabios del Bosque de Bambú y Du Fu, un contemporáneo más joven de Meng, también están representados como jinetes de burro. Los poetas de la dinastía Tang Jia Dao y Li He y las élites de la dinastía Song temprana Pan Lang, Wang Anshi aparecen en las pinturas como jinetes de burro. Los poetas Song del Norte Lin Bu y Su Shi son representados recientemente como jinetes de burro. En esta pintura específica Viajeros en un bosque invernal , los candidatos potenciales para el jinete de burro son descartados y el personaje solo puede ser Meng Haoran. Meng Haoran ha escrito más de doscientos poemas en su vida, pero ninguno de ellos está relacionado con el paseo en burro. Representarlo como un jinete de burro es una invención histórica y Meng representa una personalidad general más que un personaje individual. Ruan Ji fue representado como un jinete de burro desde que decidió escapar de la vida de oficina y regresar al desierto. El burro que montaba representa su pobreza y excentricidad. Du Fu fue retratado como el jinete para enfatizar su fracaso en el logro de la oficina y también sus malas condiciones de vida. Meng Haoran, similar a esas dos figuras, no se interesó en la carrera de oficina y actuó como un erudito puro en el campo de la poesía escribiendo poemas reales con experiencia real y un apego emocional real con el paisaje. Se dice que el jinete del burro viaja a través del tiempo y el espacio. El público puede conectarse con los eruditos y poetas del pasado caminando por la misma ruta que han seguido esos antepasados superiores. Además del jinete del burro, siempre hay un puente para que el burro cruce. Se interpreta que el puente tiene un significado simbólico que representa el camino por el que los ermitaños parten de la ciudad capital y sus carreras oficiales y regresan al mundo natural. [26]
Durante la dinastía Song, las pinturas con temas que van desde animales, flores, paisajes e historias clásicas, se utilizan como adornos en el palacio imperial, las oficinas gubernamentales y las residencias de las élites con múltiples propósitos. El tema de las obras de arte en exhibición se elige cuidadosamente para reflejar no solo un gusto personal, sino también su estatus social y logros políticos. En la sala de conferencias del emperador Zhezong, una pintura que representa historias de la dinastía Zhou estaba colgada en la pared para recordarle a Zhezong cómo ser un buen gobernante del imperio. La pintura también sirve para expresar su determinación a sus oficiales de la corte de que es un emperador ilustrado.
Las paredes principales de la oficina gubernamental, también llamadas paredes del "Salón de Jade", que significa la residencia de los inmortales en el taoísmo, están decoradas con murales decorativos. Los eruditos más educados y respetados fueron seleccionados y recibieron el título de xueshi. Se dividieron en grupos para ayudar al Instituto de Literatura y se los describió como descendientes de los inmortales. Los xueshi reciben un alto estatus social y realizan trabajos sin preocupaciones. Últimamente, el yuan xueshi, el lugar donde viven los xueshi, se convirtió en la institución gubernamental permanente que ayudó al emperador a hacer decretos imperiales.
Durante el reinado de la dinastía Tang del emperador Xianzong (805-820), la pared oeste del xueshi yuan estaba cubierta de murales que representaban escenas montañosas con forma de dragón. En 820-822, se añadieron a los murales animales inmortales como el monte Ao, grullas voladoras y xianqin , una especie de aves inmortales. Todos esos símbolos inmortales indican que el xueshi yuan era una oficina gubernamental que existía eternamente.
Durante la dinastía Song, el xueshi yuan fue modificado y trasladado con la dinastía a la nueva capital Hangzhou en 1127. El mural pintado por el artista Song Dong Yu, siguió de cerca la tradición de la dinastía Tang al representar el mar brumoso que rodea las montañas inmortales. El paisaje de las paredes del Salón de Jade, lleno de nubes de niebla y tierras misteriosas, está estrechamente relacionado con la tradición del taoísmo. Cuando Yan Su, un pintor que siguió el estilo de Li Cheng, fue invitado a pintar el biombo detrás del asiento del emperador, incluyó pabellones construidos de manera elaborada, nubes de niebla y pinturas de paisajes de montaña en su obra. El tema de su pintura sugiere el reino inmortal que, de acuerdo con el tema general del Salón de Jade, proporciona al espectador la sensación de un mundo sobrenatural. Otro pintor, Guo Xi, hizo otra pintura de biombo para el emperador Shenzong, que representa montañas en primavera en una atmósfera armonizada. La imagen también incluye elementos inmortales: el monte Tianlao, que es uno de los reinos de los inmortales. En su cuadro Primavera temprana, las fuertes ramas de los árboles reflejan la fuerza vital de las criaturas vivientes e insinúan el gobierno benévolo del emperador. [27]
Los personajes femeninos están casi excluidos de la pintura tradicional china bajo la influencia del confucianismo . Dong Zhongshu, un influyente erudito confuciano de la dinastía Han , propuso la teoría de los tres vínculos diciendo que: "el gobernante es Yang y el súbdito es Yin, el padre es Yang y el hijo es Yin... El marido es Yang y la esposa es Yin", lo que coloca a las mujeres en una posición subordinada a la de los hombres. Según la teoría de los tres vínculos, las mujeres son representadas como amas de casa que deben obedecer a sus maridos y padres en la literatura. De manera similar, en las pinturas de retratos, los personajes femeninos también son representados como mujeres ejemplares para elevar el gobierno de los hombres. Un rollo de mano Mujeres ejemplares de Ku Kai Zhi, un artista de la sexta dinastía, representa personajes femeninos que pueden ser una esposa, una hija o una viuda.
Durante la dinastía Tang , los artistas comenzaron a apreciar lentamente la belleza del cuerpo de una mujer (shinu). El artista Zhang Xuan produjo una pintura titulada Mujeres de palacio escuchando música que capturaba la elegancia y los rostros bonitos de las mujeres. Sin embargo, las mujeres todavía eran representadas como sumisas e ideales dentro del sistema masculino.
Durante la dinastía Song , a medida que surgían los poemas de amor, las imágenes asociadas con esas historias de amor se hicieron lo más atractivas posible para satisfacer el gusto de los espectadores masculinos. [28]
La pintura de paisajes de la dinastía Song del Norte se diferencia de la pintura de la dinastía Song del Sur por su cambio de paradigma en la representación. Si se dice que la pintura de paisajes de la dinastía Song del Sur mira hacia el interior, la pintura de la dinastía Song del Norte se dirige hacia el exterior. Durante la dinastía Song del Norte, el objetivo de los gobernantes era consolidar y extender los valores de las élites a toda la sociedad, mientras que los pintores de la dinastía Song del Sur decidieron centrarse en la expresión personal. Los paisajes de la dinastía Song del Norte se consideran "paisajes reales", ya que la corte apreciaba la relación de representación entre el arte y el mundo exterior, en lugar de la relación entre el arte y la voz interior del artista. La pintura Mil millas de ríos y montañas se muestra horizontalmente y hay cuatro cadenas montañosas dispuestas de izquierda a derecha. Al igual que otro pintor temprano de la dinastía Song del Sur, Zhou Boju, ambos artistas glorificaron a sus mecenas presentando las imágenes gigantescas del imperio en pinturas de paisajes azules y verdes. La única diferencia es que en la pintura de Zhou hay cinco cadenas montañosas dispuestas de derecha a izquierda. Las escenas en las pinturas de la dinastía Song del Sur tratan sobre paisajes del norte que hacen eco del recuerdo de su territorio norteño perdido. Sin embargo, irónicamente, algunos estudiosos sugirieron que Mil millas de ríos y montañas de Wang Ximeng describe escenas del sur, no del norte. [29]
Se cree que la pintura de paisajes china está influenciada por las creencias religiosas tradicionales chinas entrelazadas, por ejemplo, "el amor taoísta por la naturaleza" y "el principio budista del vacío", y puede representar la diversificación de las actitudes y pensamientos de los artistas de períodos anteriores. El amor taoísta por la naturaleza no siempre está presente en la pintura de paisajes china, sino que se desarrolló gradualmente a partir del período de las Seis Dinastías, cuando los pensamientos de los taoístas Lao-tzu, Chuang-tzu y Pao-p'u tzu se reflejan en documentos literarios. Aparte de la tradición confuciana contemporánea de insistir en la cultivación y el aprendizaje humanos para ser más educados y construir un marco social, los taoístas persisten en volver al origen del ser humano, que es ser ignorante. Los taoístas creen que si uno descarta lo sabio, el robo se detendrá. Si la gente abandona las joyas caras, los ladrones no existirán. Desde la dinastía Han, la práctica del taoísmo se asoció con la alquimia y la medicina. Para seguir mejor la creencia del taoísmo, los taoístas necesitan peregrinar a montañas específicas para conectarse con los espíritus e inmortales que viven en ellas. En los siglos III y IV, la práctica de escapar de la sociedad y volver a la naturaleza meditando en el campo se fortaleció aún más por un grupo llamado Siete Sabios del Bosque de Bambú que deseaba escapar de los disturbios civiles. Los sabios huyeron por el mundo y vagaron por el campo y disfrutaron del paisaje tranquilo y se olvidaron de regresar. La ideología taoísta del olvido, el autocultivo, la armonización con el mundo natural y la purificación del alma ingresando a las montañas aisladas para meditar y buscar hierbas medicinales crea la escena de la pintura de paisajes.
Durante la dinastía Han, las montañas aparecieron en el diseño de las obras de arte, lo que muestra el papel predominante de la montaña en la sociedad Han. El emperador subía a la montaña para realizar sacrificios y practicar la religión porque se cree que las montañas tienen una conexión entre la tierra y el cielo y pueden vincular a los humanos con los espíritus y los inmortales. Y a veces, las montañas se representan como montañas místicas "(shenshan), donde se asentaron los sabios y los animales legendarios. Por lo tanto, la pintura de paisajes se utiliza como un objeto para la práctica del taoísmo que proporciona una forma visual para el ritual religioso. Durante el período de las Seis Dinastías, la pintura de paisajes experimentó un cambio estilístico en el que se introdujeron la representación de mitos y poemas en la pintura. Por ejemplo, en el pergamino "Ninfa del río" de Ku Kai-chih y "Las admoniciones de la preceptora de la corte", el público puede leer una descripción narrativa y un texto acompañado de imágenes visualizadas.
Además, en el budismo, la montaña también tiene un papel importante en la práctica religiosa. Desde un punto de vista iconográfico, la imagen de un Buda se utiliza para ayudar a un creyente a practicar la meditación . Por ejemplo, la imagen del reflejo de Buda, o la sombra, se asimila a la imagen de una montaña, Lushan . Esta asimilación también se registra en un poema de un poeta del período de las Seis Dinastías que señaló que la belleza y la numinosidad de la montaña pueden elevar la conexión espiritual entre el ser humano y los espíritus. Así, la pintura de paisajes entra en la exhibición de la imagen de Buda en la práctica ritual cotidiana de la gente. Hui-yuan describió en su poema que "Lushan parece reflejar la apariencia divina", que unifica las dos imágenes: la imagen verdadera y el reflejo de Buda. Además, la elevación espiritual se puede lograr contemplando frente a una pintura de paisaje que representa la misma montaña y el mismo camino que han seguido esos antiguos sabios. La pintura contiene tanto la fuerza espiritual (ling) como la verdad (li) de Buda y también los objetos que ya no están presentes físicamente. La famosa imagen de Hui-Yuan está estrechamente relacionada con su escena de paisaje, lo que indica la tendencia de transformación de la imagen de Buda a la pintura de paisajes como práctica religiosa. [30]
En la sociedad china, existe una apreciación de la belleza natural desde hace mucho tiempo. Los primeros temas de los poemas y las obras de arte están asociados con la agricultura y la vida cotidiana se asocia con los campos y los animales. Por otro lado, la pintura china posterior busca la majestuosidad y la grandeza. Así, el paisaje de montaña se convirtió en el tema más popular para pintar porque su altura representa la eminencia humana. Además, la montaña es estable y permanente, lo que sugiere la eminencia del poder imperial. Además, la montaña es difícil de escalar, lo que muestra las dificultades que enfrentará el ser humano a lo largo de sus vidas.
La pintura de paisajes evolucionó bajo la influencia de los taoístas que huyeron de la turbulencia civil y la persecución del gobierno y regresaron al desierto. Sin embargo, el desarrollo del taoísmo se vio obstaculizado por la dinastía Han. Durante la dinastía Han, el imperio se expandió y amplió su influencia política y económica. Por lo tanto, la creencia antisocial del taoísmo fue desfavorecida por el gobierno imperial. Los gobernantes Han solo favorecían la pintura de retratos que permitía perpetuar su imagen y que sus civiles vieran y memorizaran a sus grandes líderes o generales. El paisaje en ese momento solo se centraba en los árboles por su valor literario o talismánico. Se sospecha que el uso de la pintura de paisajes como adorno fue tomado de otras sociedades fuera del imperio Han durante su expansión hacia el Cercano Oriente. El paisaje y la escena de animales comenzaron a aparecer en los jarrones, pero la decoración tenía poco que ver con la conexión con el mundo natural. Además, hay evidencia que muestra que el surgimiento de la pintura de paisajes no se deriva de la elaboración de mapas.
Durante los Tres Reinos y las Seis Dinastías, la pintura de paisajes comenzó a tener conexión con los literatos y la producción de poemas. La influencia del taoísmo en la apreciación de la gente por el paisaje y el culto a la naturaleza se fue superando. Sin embargo, los taoístas todavía utilizaban la pintura de paisajes en su meditación, al igual que Confucio utiliza la pintura de retratos en su práctica ritual. (Advertencias de Ku Kai Chih) Durante este período de tiempo, la pintura de paisajes es más coherente con la variación de árboles, rocas y ramas. Además, la pintura es más elaborada y organizada. La evolución en la pintura de paisajes durante las Seis Dinastías es que los artistas armonizaron el espíritu con la naturaleza. (Wu Tao-tzu) El budismo también puede contribuir a afectar los cambios en la pintura de paisajes. Los artistas comenzaron a mostrar espacio y profundidad en sus obras donde mostraban masas montañosas, colinas distantes y nubes. El vacío del espacio está ayudando a los creyentes que meditan a entrar en el espacio del vacío y la nada.
El avance más importante en la pintura de paisajes es que la gente empezó a reconocer la infinita variación del mundo natural, por lo que tendieron a individualizar cada árbol. Cada pintura de paisajes está limitada por la narración y depende de la memoria del artista. [31]
La pintura de paisajes china, "shanshui hua", significa la pintura de montañas, ríos y acantilados, que son los dos componentes principales que representan la esencia de la naturaleza. El shanshui en la tradición china tiene un rico significado, por ejemplo, la montaña representa el Yang y el río indica el Yin. Según la teoría del Yin Yang, el Yin encarna el Yang y el Yang involucrado en el Yin, por lo tanto, la montaña y el río son inseparables y se tratan como un todo en una pintura. En Montañas y ríos sin fin, por ejemplo, "la díada de la elevación, subducción y erosión de la montaña y el ciclo planetario del agua" es coherente con la díada de la iconografía budista, ambas representan la austeridad y el espíritu generoso y amoroso. [32]
"Las artes en los mapas, las artes como mapas, los mapas en las artes y los mapas como artes" son las cuatro relaciones entre el arte y el mapa. Hacer una distinción entre el mapa y el arte es difícil porque hay elementos cartográficos en ambas pinturas. Los primeros mapas chinos consideraban que la superficie de la Tierra era plana, por lo que los artistas no tenían en cuenta la proyección. Además, los cartógrafos no tenían la idea de la escala de los mapas. Los chinos de la dinastía Song llamaban a las pinturas, mapas y otras imágenes pictóricas "tu", por lo que es imposible distinguir los tipos de cada pintura por su nombre. Los artistas que pintan paisajes como obras de arte se centran principalmente en la belleza natural, más que en la precisión y la representación realista del objeto. Por otro lado, los mapas deben representarse de manera precisa, centrándose más en la distancia y las características geográficas importantes.
Los dos ejemplos en este caso:
Aunque no se sabe con certeza la fecha ni la autoría del cuadro, se cree que se realizó durante la dinastía Song examinando los nombres de lugares registrados en él. Solo con el nombre del cuadro es difícil distinguir si se trata de un cuadro de paisaje o de un mapa.
En un principio se creyó que el Shu Chuan Shenggai era obra del artista de la dinastía Song del Norte, Li Gonglin; sin embargo, evidencias posteriores desaprobaron esta idea y propusieron cambiar la fecha al final de la dinastía Song del Sur y el artista sigue siendo desconocido.
Ambas pinturas, cuyo objetivo es mejorar la apreciación de los espectadores sobre la belleza y majestuosidad de la pintura de paisajes, centrándose en las condiciones de la luz y transmitiendo cierta actitud, se caracterizan como una obra maestra del arte en lugar de un mapa. [33]
Medios relacionados con Pinturas de China en Wikimedia Commons
_por_Ku_K'ai-chih_-_Duque_Yi_de_Wey.jpg/1280px-Mujeres_Sabias_y_Benevolentes_(detalle)_por_Ku_K'ai-chih_-_Duque_Yi_de_Wey.jpg)
