El arte del suroeste de Estados Unidos son las artes visuales del suroeste de los Estados Unidos . Esta región abarca Arizona , Nuevo México y partes de California , Colorado , Nevada , Texas y Utah . [1] Estas artes incluyen la arquitectura , la cerámica , el dibujo , el cine , la pintura , la fotografía , la escultura , el grabado y otros medios, que abarcan desde el pasado antiguo hasta las artes contemporáneas de la actualidad.
Los pueblos ancestrales , o anasazi (hasta 1400 d. C.), son los antepasados de las tribus Pueblo actuales . Su cultura se formó en el suroeste de Estados Unidos después de que se introdujera el cultivo del maíz desde Mesoamérica hace unos 4000 años. Los habitantes de esta región desarrollaron un estilo de vida agrario y vivieron en pueblos sedentarios. [2]
La cerámica temprana común incluía cerámica gris corrugada y cerámica decorada en blanco y negro. [3] La cerámica corrugada se hacía a partir de rollos de arcilla enrollados en la forma deseada y la arcilla se pellizcaba, lo que creaba la textura corrugada. [4] [5] El blanco sobre negro evolucionó como una cerámica decorativa y a menudo se usaba como un bien comercial para la comida. [6] Sikyátki , un antiguo pueblo hopi en Arizona habitado desde el siglo XIV hasta el XVI, es la fuente de cerámica policromada. [7] Alrededor del 300 d. C., la cultura Hohokam se desarrolló en Arizona. [8] Son los antepasados de las tribus Tohono O'odham y Akimel O'odham o Pima. [9] Los Mimbres , un subgrupo de la cultura Mogollon , son especialmente notables por las pinturas narrativas en su cerámica. [8] [10]
Los pueblos ancestrales han utilizado tradicionalmente turquesas , azabaches y conchas de ostras espinosas para hacer joyas, y hace siglos desarrollaron sofisticadas técnicas de incrustación . Se cree que los pueblos ancestrales (anazíes) del Cañón del Chaco y la región circundante prosperaron enormemente gracias a la producción y el comercio de objetos de turquesa.
En el último milenio, los pueblos atabascanos emigraron del norte de Canadá hacia el suroeste. Entre ellos se encuentran los navajos y los apaches . La pintura con arena es un aspecto de las ceremonias curativas de los navajos que inspiró una forma de arte. Los navajos aprendieron a tejer en telares verticales de los pueblos indígenas y tejieron mantas que las tribus de la Gran Cuenca y las llanuras recolectaron con entusiasmo en los siglos XVIII y XIX. Después de la introducción del ferrocarril en la década de 1880, las mantas importadas se volvieron abundantes y económicas, por lo que los tejedores navajos comenzaron a producir alfombras para el comercio.
Las tribus indígenas de los pueblos , los navajos y los apaches apreciaban la turquesa por su uso como amuleto; estos últimos creían que la piedra proporcionaba al arquero una puntería certera. Entre estos pueblos, la turquesa se utilizaba en incrustaciones de mosaicos , en obras escultóricas y se usaba para hacer cuentas toroidales y colgantes de forma libre. Las distintivas joyas de plata que producen los navajos y otras tribus indígenas del suroeste americano en la actualidad son un desarrollo bastante moderno, que se cree que data de alrededor de 1880 como resultado de influencias europeas.
Con la necesidad de ser autosuficientes, muchos hispanos adquirieron habilidades de carpintería, tejido, hojalatería, agricultura y trabajo del cuero para crear los muebles y accesorios para sus hogares. [11]
Las antiguas tradiciones artísticas se han manifestado en la artesanía nativa durante generaciones cuando los europeos comenzaron a establecerse en el suroeste de Estados Unidos; [12] un reconocimiento importante para comprender el atractivo estético inherente de esta área para los artistas angloamericanos . [13]
Los artistas nativos del suroeste adoptaron la platería a partir de la década de 1850, cuando los plateros mexicanos tuvieron que intercambiar sus trabajos de platería por ganado de los navajos. Los zuni admiraban las joyas de plata hechas por los navajos, [14] como Atsidi Sani (el viejo herrero), por lo que comenzaron a intercambiar ganado por instrucción en el trabajo de la plata. En 1890, los zuni habían enseñado a los hopi a hacer joyas de plata. [14]
Los nativos americanos también fueron influenciados por la introducción de pinturas hechas con óleo y acuarela sobre lienzo, donde tradicionalmente pintaban objetos como pieles o dentro de edificios, como en las paredes de un kiva . Las pinturas de los nativos americanos proporcionaron obras de arte que eran realistas del estilo de vida de los nativos americanos en contraste con el trabajo de las representaciones románticas de los angloamericanos . Los elementos de diseño tradicionales se formalizaron en el Estudio de la Escuela India de Santa Fe , definiendo el arte nativo americano de estilo plano . [13] El Estudio fue desarrollado en 1932 por Dorothy Dunn , quien enseñó allí hasta 1932, y fue reemplazada por Geronima Cruz Montoya ( Ohkay Owingeh ), quien enseñó arte en el Estudio hasta su cierre en 1962, cuando se estableció el Instituto de Artes Indígenas Americanas . [15]
Después de la Primera Guerra Mundial , la finalización del ferrocarril de Santa Fe permitió a los colonos estadounidenses viajar a través del oeste, hasta la costa de California . Nuevas colonias de artistas comenzaron a crecer alrededor de Santa Fe y Taos , el tema principal de los artistas eran los pueblos nativos y los paisajes del suroeste. Las imágenes del suroeste se convirtieron en una forma popular de publicidad, utilizada principalmente por el ferrocarril de Santa Fe para atraer a los colonos a venir al oeste y disfrutar de los "paisajes inmaculados". Walter Ufer , Bert Geer Phillips , E. Irving Couse , William Henry Jackson y Georgia O'Keeffe son algunos de los artistas más prolíficos del suroeste.
Los nativos americanos, incluidos los del suroeste de Estados Unidos, tradicionalmente fabrican sus cestas con materiales disponibles localmente.
Cerámica Acoma , que comenzó hace más de 1000 años, los diseños tradicionales incluyen pájaros del trueno, patrones geométricos y arcoíris. [16] La cerámica está hecha de arcilla local fina que se encuentra en el pueblo para crear la cerámica distintivamente de paredes delgadas. La cerámica está hecha en colores blanco y negro y policromado. Los diseños se presionan en cerámica completamente blanca con una uña o una herramienta. [17] Los alfareros de Acoma Pueblo durante la década de 1950 incluyen a Marie Z. Chino y Lucy M. Lewis . Vera Chino Ely , la hija de Marie Chino, también es una alfarera de cerámica Acoma de gran reputación.
En tiempos históricos, los hopi crearon ollas , cuencos para masa y cuencos para comida de diferentes tamaños para uso diario, pero también hicieron tazas ceremoniales más elaboradas, jarras, cucharones, frascos de semillas y aquellos recipientes para uso ritual, y estos generalmente estaban terminados con superficies pulidas y decorados con diseños pintados de negro. La creación de cerámica es una actividad social para la tribu hopi. Los alfareros que trabajan en estrecha colaboración comparten habilidades de producción y conocimiento de comercialización. Se anima a los niños a jugar con arcilla, pero en la edad adulta la decisión de dedicarse a la alfarería es un signo de "fuerza, madurez y paciencia". [18] A principios del siglo XX, el alfarero hopi Nampeyo revivió la cerámica policromada de estilo sikyatki de los siglos XIV al XVII. [5]
A finales del siglo XX, la alfarera Hopi-Tewa Paqua Naha de First Mesa, seguida por su hija Joy Navasie , Helen Naha "Feather Woman" y sus hijos lograron reconocimiento internacional por su cerámica Hopi elaborada tradicionalmente. [19]
La cerámica de Santa Clara se distingue por su policromía roja y su cerámica negra brillante. [20] También es conocida por tener diseños tallados en la arcilla cuando la pieza se ha secado hasta quedar "dura como el cuero".
La cerámica de San Ildefonso se destaca por la cerámica negra sobre negro traída al Pueblo de San Ildefonso a principios del siglo XX por María Martínez y su esposo Julián Martínez cuando redescubrieron cómo hacer la cerámica.
Juanita Suazo Dubray , residente de toda la vida de Taos Pueblo , es una alfarera nativa americana que elabora cerámica micácea , manteniendo la tradición de su madre y sus antepasados. Dubray agregó un elemento de relieve escultórico con íconos de maíz, tortugas, lagartijas y escalones de kiva en relieve. [21] [22]
La cerámica Zuni se elabora con arcilla local , que recibe un voto ritual de agradecimiento antes de ser recolectada. Se pinta con tintes orgánicos hechos en casa, utilizando un pincel de yuca tradicional . La función prevista de la cerámica dicta su forma y las imágenes pintadas en su superficie. La cocción de la cerámica era generalmente una empresa comunitaria, el silencio o la comunicación en voz baja se consideraba esencial para mantener la "voz" original del "ser" de la arcilla y el propósito del producto final. [23] [24] Las ventas de cerámica y artes tradicionales proporcionan una importante fuente de ingresos para muchos zuni en la actualidad. Un artesano puede ser el único sustento financiero para su familia inmediata, así como para otras personas.
El Dr. Joe Ben Wheat examinó miles de textiles del siglo XIX, [25] con el objetivo de establecer "una clave para la identificación de los textiles del suroeste basada en los rasgos que distinguen las tradiciones de tejido de mantas de los pueblos , los navajos y los hispanoamericanos y proporcionar una mejor manera de identificar y datar piezas de origen desconocido". Los años de investigación dieron como resultado la publicación "pionera" de "Tejidos de mantas en el suroeste". [26]
Los textiles navajos , como las mantas y alfombras tejidas a mano , son muy apreciados, valorados durante más de 150 años y un elemento importante de la economía navajo. [27] Los textiles navajos eran originalmente mantas utilitarias para usar como capas, vestidos, mantas de silla de montar y propósitos similares. Hacia fines del siglo XIX, los tejedores comenzaron a hacer alfombras para el turismo y la exportación. Los textiles navajos típicos tienen patrones geométricos fuertes . Son un tapiz plano : un tejido textil producido de una manera similar a los kilims de Europa del Este y Asia Occidental , pero la urdimbre es una longitud continua de hilo y no se extiende más allá del tejido como flecos.
Los bultos son figuras religiosas tridimensionales talladas a mano, a menudo de santos, introducidas por los hispanomexicanos. [28] [29]
Fetiches tallados a mano o formados de forma natural que se cree que contienen fuerzas espirituales específicas de ciertos animales y que se han utilizado comúnmente en la religión y las prácticas de los nativos americanos . El oso representaba al chamán , el búfalo era el proveedor, el puma era el guerrero y el lobo era el buscador de caminos. [29] [30] [31]
La publicación Zuni Fetishes de Frank Hamilton Cushing describe el mundo Zuni compuesto por seis regiones o direcciones. En el centro de cada región hay un gran pico de montaña que es un lugar muy sagrado. La montaña amarilla al norte, la montaña azul al oeste, la montaña roja al sur, la montaña blanca al este, la montaña multicolor arriba y la montaña negra abajo. Cada dirección está representada por un "Dios de la presa", o animal guardián, cada uno con poderes protectores o curativos, y Cushing los enumera de la siguiente manera: [ cita requerida ] norte: el puma, sur: el tejón, este: el lobo, oeste: el oso negro, el cielo o superior: el águila multicolor, y el subterráneo o inferior: el topo negro". [31]
Las imágenes de Kachina aparecieron en murales en kivas, pictografías y petroglifos de los pueblos indígenas hacia el año 1300 d. C. La religión Kachina fue fundamental para los pueblos Zuni y Hopi modernos . [32] [33]
Las muñecas kachinas zuni y hopi son representaciones de seres espirituales. Las muñecas kachina talladas a mano se dan a las niñas como obsequios que dan los bailarines kachina durante las ceremonias kachina. [34] Las muñecas del siglo XIX talladas con herramientas modernas mínimas se terminaban con piedras abrasivas y se pulían hasta quedar lisas con arcilla de caolín y luego se pintaban con tintes naturales. Se cree que las kachinas zuni viven en el remoto noreste de Arizona y traen vida al dar lluvia y apoyo adicional, como promover el éxito de los cazadores y agricultores, combatir el agotamiento de los animales con pieles durante los siglos XIX y XX o influir en la prosperidad o el bienestar de las personas. [35] [36]
Existen más de 400 kachinas diferentes en la cultura hopi y pueblo . El panteón local de kachinas varía en cada comunidad pueblo; puede haber kachinas para el sol, las estrellas, las tormentas eléctricas, el viento, el maíz, los insectos y muchos otros conceptos. [37]
Kokopelli es un flautista jorobado que representa el espíritu de la música y es una deidad nativa americana de la fertilidad , a veces representada con un falo , que preside el parto y la agricultura . Kokopelli es una de las figuras más fácilmente reconocibles que se encuentran en los petroglifos y pictografías del suroeste , el petroglifo más antiguo conocido data de alrededor del año 1000 d. C. A menudo aparece en rituales relacionados con el matrimonio, y el propio Kokopelli a veces se representa con una mujer llamada Kokopel Mana por los hopi. Kokopelli ahuyenta el invierno y trae el calor y las lluvias de la primavera con su forma de tocar la flauta. Entre los hopi , Kokopelli lleva a los niños no nacidos en su espalda y los distribuye a las mujeres. Su imagen se ha utilizado en arte rupestre , cerámica , [38] [39] muñecas kachina y más.
Las muñecas navajo fueron hechas por mujeres navajo basándose en los vestidos completos que usaban las mujeres de la costa este estadounidense en la década de 1860. El terciopelo fue sustituido por el satén y los botones estaban hechos de monedas de cinco y diez centavos. [40]
La muñeca cuentacuentos es una figura de arcilla rodeada de figuras de niños que escuchan, hecha por el pueblo indígena de Nuevo México. La primera muñeca cuentacuentos fue hecha por Helen Cordero del pueblo Cochiti en honor a su abuelo, un cuentacuentos tribal. [41]
La turquesa, la ostra roja y el azabache se han utilizado en joyería en el suroeste durante siglos. La platería se introdujo a través del comercio en el siglo XIX, y Atsidi Sani se convirtió en el platero navajo alrededor de 1853. Las tecnologías de platería se extendieron rápidamente a otras tribus. La platería del suroeste incluye diseños de incrustaciones de canal, racimo, mosaico y punta pequeña y materiales de concha, piedras preciosas y cuentas. Si bien los navajos favorecían el collar de flor de calabaza, a menudo también combinaban turquesa, coral y otras piedras preciosas semipreciosas . Las piedras se colocaban en volutas de plata, patrones de hojas y se ensartaban en un cordón para collares.
Los hopi son famosos por su trabajo de superposición de plata, desarrollado en la década de 1940. Los artistas zuni son admirados por sus joyas con trabajos en racimos, que muestran diseños de turquesa, así como sus elaboradas y pictóricas incrustaciones de piedras en plata.
Los objetos de hojalata , probablemente introducidos desde México y España, se usaban para adornos religiosos y objetos domésticos, como apliques y espejos, y se volvieron cada vez más populares a mediados del siglo XIX. [42]
Los santos , desarrollados a finales del siglo XVII, son íconos religiosos pintados sobre una tabla plana (retablos) o tallados en madera (bultos). [43]
Muchos eventos anuales de arte exhiben arte del suroeste. La Asociación del Suroeste para las Artes Indígenas organiza el Mercado Indígena cada agosto en Santa Fe, Nuevo México , que comenzó en 1922. [44] También comenzó en 1922 el Ceremonial Indígena Intertribal de Gallup, que presenta una muestra de arte con jurado y un mercado de arte, así como muchos otros eventos, en Gallup, Nuevo México . [45] El Heard Museum Guild ha celebrado su Feria de Arte Indígena desde 1958 en Phoenix, Arizona . El Museo Estatal de Arizona en la Universidad de Arizona en Tucson organiza la Feria Anual de Arte Indígena del Suroeste, [46] y el Museo del Norte de Arizona en Flagstaff y alberga importantes festivales de arte para los pueblos indígenas e hispanos del suroeste. [47] El Mercado Español de Santa Fe organiza dos eventos anuales, un Mercado de Invierno en diciembre de artes hispánicas experimentales y un Mercado Español en julio, que exhibe artes hispánicas clásicas, como santos , retablos , apliques de paja ( popotillo ), bordados de colcha , hojalatería , ramilletes y otros medios. [48]
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