Todd Haynes ( / h eɪ n z / ; nacido el 2 de enero de 1961) es un director de cine, guionista y productor estadounidense. Sus películas abarcan cuatro décadas con temas que examinan las personalidades de músicos conocidos, sociedades disfuncionales y distópicas y roles de género borrosos.
Haynes llamó la atención del público por primera vez con su controvertido cortometraje Superstar: The Karen Carpenter Story (1987), que narra la vida y muerte de la cantante Karen Carpenter utilizando muñecas Barbie como actrices. [a] Superstar se convirtió en un clásico de culto . [1] [2] Su debut como director, Poison (1991), una provocativa exploración de las percepciones y subversiones queer de la era del SIDA , lo estableció como una figura de un nuevo cine transgresor. Poison ganó el Gran Premio del Jurado del Festival de Cine de Sundance y está considerada una obra fundamental del Nuevo Cine Queer .
Haynes recibió más elogios por su segundo largometraje, Safe (1995), un retrato simbólico de un ama de casa que desarrolla una sensibilidad química múltiple . Más tarde , Safe fue votada como la mejor película de la década de 1990 por The Village Voice Film Poll . Su siguiente largometraje, Velvet Goldmine (1998), es un homenaje a la era del glam rock de los años 70. La película recibió el Premio Especial del Jurado a la Mejor Contribución Artística en el Festival de Cine de Cannes de 1998 .
Haynes obtuvo elogios y cierto éxito comercial con Lejos del cielo (2002), por la que recibió su primera nominación al Premio de la Academia al mejor guión original . Continuó dirigiendo películas aclamadas por la crítica como I'm Not There (2007), Carol (2015), Wonderstruck (2017), Dark Waters (2019) y May Dec (2023), así como el documental The Velvet Underground. (2021). Haynes también dirigió y coescribió la miniserie de HBO Mildred Pierce (2011), por la que recibió tres nominaciones al premio Primetime Emmy .
Haynes nació el 2 de enero de 1961 en Los Ángeles y creció en el barrio Encino de la ciudad. [3] [4] Su padre, Allen E. Haynes, era importador de cosméticos y su madre, Sherry Lynne (de soltera Semler), estudió actuación. Haynes es judío por parte de su madre. [5] [6] Su hermana menor es Gwynneth Haynes de la banda Sophe Lux . [7]
Haynes desarrolló un interés por el cine a una edad temprana y produjo un cortometraje, The Suicide (1978), cuando aún estaba en la escuela secundaria. Estudió arte y semiótica en la Universidad de Brown , donde dirigió su primer cortometraje Assassins: A Film Concerning Rimbaud (1985), inspirado en el poeta francés Arthur Rimbaud (personalidad a la que Haynes haría referencia más tarde en su película I'm Not There ). En Brown, conoció a Christine Vachon , quien produciría todos sus largometrajes. Después de graduarse de Brown, Haynes se mudó a la ciudad de Nueva York y se involucró en la escena del cine independiente, lanzando Apparatus Productions, una organización sin fines de lucro para el apoyo del cine independiente. [1]
Según Cinematic/Sexual: An Interview with Todd Haynes , en respuesta a si su formación académica afectó su práctica cinematográfica, Haynes afirmó que su profesor de secundaria le enseñó una valiosa lección: "La realidad no puede ser un criterio para juzgar el "El éxito o el fracaso de una película, o su efecto en ti. Fue una forma simple, pero reveladora, de abordar el cine". [8]
En 1987, mientras estudiaba un MFA en Bard College , Haynes hizo un corto, Superstar: The Karen Carpenter Story , que narra la vida de la cantante pop estadounidense Karen Carpenter , utilizando muñecas Barbie como actrices. [1] La película presenta la lucha de Carpenter contra la anorexia y la bulimia, presentando varios primeros planos de Ipecac (el medicamento sin receta que Carpenter tenía fama de haber usado para provocarse el vómito durante su enfermedad). La pérdida de peso crónica de Carpenter se retrató utilizando una muñeca Barbie "Karen" con la cara y el cuerpo cortados con un cuchillo, dejando la muñeca con un aspecto esquelético.
Superstar presentó un uso extensivo de las canciones de Carpenter, mostrando el amor de Haynes por la música popular (que sería una característica recurrente en películas posteriores). Haynes no logró obtener la licencia adecuada para usar la música, lo que provocó una demanda del hermano de Karen, Richard, por infracción de derechos de autor. Según los informes, Carpenter también se sintió ofendido por la interpretación poco halagadora que hizo Haynes de él como un matón narcisista, junto con varias sugerencias ampliamente descartadas de que era gay y estaba en el armario . Carpenter ganó su demanda y Superstar fue retirado de la distribución pública; hasta la fecha, no puede verse públicamente. [1] Todavía circulan versiones pirateadas de la película, y la película está disponible esporádicamente en YouTube. [9] [10]
El debut cinematográfico de Haynes en 1991, Poison , le valió más elogios y controversias. [1] Basándose en los escritos del escritor gay Jean Genet , la película es un tríptico de narrativas de temática queer , cada una de las cuales adopta un género cinematográfico diferente: documental vox-pop ("Hero"), terror de ciencia ficción de los años 50 ("Horror" ) y drama romántico de prisioneros homosexuales ("Homo"). La película explora las percepciones tradicionales de la homosexualidad como una fuerza antinatural y desviada, y presenta la visión de Genet de las relaciones gay sadomasoquistas como una subversión de las normas heterosexuales, que culmina con una ceremonia de matrimonio entre dos convictos homosexuales. Poison marcó la primera colaboración de Haynes con su productora Christine Vachon .
Poison fue financiado parcialmente con una subvención del Fondo Nacional de las Artes (NEA), [1] "en un momento en que la agencia estaba bajo ataque de grupos conservadores por utilizar fondos públicos para apoyar obras sexualmente explícitas". [11] Esto, junto con los temas sexuales de la película, fue una fuente de controversia. [11] [1] Posteriormente, la película se convirtió en el centro de un ataque público por parte del reverendo Donald Wildmon , jefe de la American Family Association , quien criticó a la NEA por financiar Poison y otras obras de artistas y cineastas gays y lesbianas. Wildmon, que no había visto la película antes de hacer sus comentarios públicamente, [12] condenó las "escenas pornográficas explícitas de homosexuales involucrados en sexo anal" de la película, a pesar de que tales escenas no aparecen en la película. [13] Poison ganó el Gran Premio del Jurado del Festival de Cine de Sundance de 1991 , estableciendo a Haynes como un talento emergente y la voz de una nueva generación transgresora. [1] [14] [15] El escritor de cine B. Ruby Rich citó a Poison como una de las películas definitorias del emergente movimiento New Queer Cinema , con su enfoque en la sexualidad inconformista como una fuerza social antisistema. [16] [17]
El siguiente cortometraje de Haynes, Dottie Gets Spanked (1993), exploró las experiencias de un niño tranquilo y gentil de seis años de principios de la década de 1960 que tiene varios encuentros indirectos con las nalgadas, en los que el más significativo involucra a su ídolo, una estrella de comedia televisiva llamada Dottie. . La película fue transmitida por PBS . [1]
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El segundo largometraje de Haynes, Safe (1995), fue un retrato aclamado por la crítica de Carol White, una ama de casa del Valle de San Fernando (interpretada por Julianne Moore ) que desarrolla violentas alergias a su existencia suburbana de clase media. [1] Después de una serie de reacciones alérgicas extremas y hospitalización, Carol se diagnostica a sí misma con una enfermedad ambiental aguda y se muda a una comuna New Age en el desierto de Nuevo México dirigida por un "gurú" VIH positivo que predica que el mundo real es tóxico. e inseguro para Carol, y que ella es responsable de su enfermedad y recuperación. La película termina con Carol retirándose a su "habitación segura" antiséptica, parecida a una prisión, mirándose en el espejo y susurrando "Te amo" a su reflejo.
La película se destaca por su tratamiento crítico (aunque no del todo antipático) de su personaje principal. Julie Grossman sostiene en su artículo "The Trouble With Carol" que Haynes concluye la película como un desafío a las narrativas cinematográficas tradicionales de Hollywood en las que la heroína se hace cargo de su vida, y que Haynes presenta a Carol como víctima de una represión dominada por los hombres. sociedad, y también de una cultura de autoayuda igualmente debilitante que anima a los pacientes a asumir la responsabilidad exclusiva de su enfermedad y recuperación. [18] La enfermedad de Carol, aunque no identificada, ha sido interpretada como una analogía de la crisis del SIDA de mediados de los años 1980, como una "amenaza" igualmente incómoda y en gran parte tácita en los Estados Unidos reaganistas de los años 1980. [1] [19] Safe fue aclamado por la crítica, lo que le dio a Moore su primer papel protagónico en un largometraje y le dio a Haynes cierto reconocimiento de la crítica generalizada. [1] Fue votada como la mejor película de la década de 1990 por la encuesta de críticos de Village Voice. [20] El historiador de cine David Thomson la describió más tarde como "una de las películas más fascinantes, originales y logradas de la década de 1990". [21]
Haynes dio un cambio radical de dirección en su siguiente largometraje, Velvet Goldmine (1998), protagonizado por Christian Bale , Ewan McGregor , Jonathan Rhys-Meyers y Toni Collette . El título de la película toma su nombre de la canción de David Bowie " Velvet Goldmine ". [22] Filmada y ambientada principalmente en Inglaterra, la película fue un tributo intencionalmente caótico a la era del glam rock de la década de 1970, basándose en gran medida en las historias y mitologías del rock de los glam rockers David Bowie , Iggy Pop y Lou Reed . Comenzando con Oscar Wilde como padrino espiritual del glam rock, la película se deleita con la experimentación de género e identidad y la bisexualidad de moda de la época, y reconoce el poder transformador del glam rock como un escape y una forma de autoexpresión para los adolescentes homosexuales. [ cita necesaria ]
La película sigue al personaje de Arthur (Bale), un periodista inglés que alguna vez quedó cautivado por el glam rock cuando era un adolescente de la década de 1970, que regresa una década después para cazar a sus antiguos héroes: Brian Slade (Rhys Meyers), un andrógino que viste una boa de plumas y alter ego, "Maxwell Demon", que se parece a Bowie en su encarnación de Ziggy Stardust , y Curt Wild (McGregor), un rockero al estilo Iggy Pop. La narrativa reescribe en broma los mitos del glam rock que, en algunos casos, se acercan inquietantemente a la verdad. [ cita necesaria ] Slade coquetea con la bisexualidad y la decadencia antes de escenificar su propia muerte en una actuación en vivo y desaparecer de la escena, haciéndose eco de la propia negación del glam rock de Bowie a finales de la década de 1970 y su posterior recreación como una estrella del pop abiertamente heterosexual. La película presenta una historia de amor entre los personajes de Slade y Wild, recordando los rumores sobre la supuesta relación sexual de Bowie y Reed. El personaje de Curt Wild tiene un flashback de un tratamiento forzado con descargas eléctricas cuando era adolescente para intentar curar su homosexualidad, haciéndose eco de las experiencias adolescentes de Reed como víctima de la profesión médica homofóbica.
Haynes estaba interesado en utilizar música original del período del glam rock y (aprendiendo la lección de Superstar ) [ cita necesaria ] se acercó a David Bowie antes de hacer la película para pedirle permiso para usar su música en la banda sonora. Bowie se negó, dejando que Haynes usara para la película una combinación de canciones originales de otros artistas y música inspirada en el glam-rock escrita por bandas de rock contemporáneo, incluida Suede . [ cita necesaria ] Velvet Goldmine se estrenó en la competencia principal del Festival de Cine de Cannes de 1998 y ganó un premio especial del jurado a la Mejor Contribución Artística. [23] A pesar de los elogios iniciales de la crítica, la película recibió críticas mixtas. [ cita requerida ] La diseñadora de vestuario Sandy Powell recibió una nominación al Premio de la Academia por su diseño de vestuario y ganó el Oscar ese mismo año por su trabajo en Shakespeare In Love . [24]
Haynes logró su mayor éxito comercial y de crítica hasta la fecha con Lejos del cielo (2002), un drama ambientado en los años 50 inspirado en las películas de Douglas Sirk sobre una ama de casa de Connecticut, Cathy Whittaker ( Julianne Moore ), que descubre que su marido ( Dennis Quaid ) es secretamente gay, y posteriormente se enamora de Raymond, su jardinero afroamericano ( Dennis Haysbert ). La película funciona como un tributo mayoritariamente reverencial y poco irónico a la realización cinematográfica de Sirk, recreando con amor la estilizada puesta en escena , los colores, el vestuario, la cinematografía y la iluminación del melodrama de Sirk . La relación de Cathy y Raymond se parece a la historia de amor entre clases de Jane Wyman y Rock Hudson en Todo lo que el cielo permite , y la relación de Cathy con Sybil, su ama de llaves afroamericana ( Viola Davis ), recuerda la amistad de Lana Turner y Juanita Moore en Imitación de Vida . Manteniéndose dentro del lenguaje cinematográfico de la época, Haynes actualiza la política sexual y racial, mostrando escenarios (una historia de amor interracial y relaciones homosexuales) que no habrían sido permisibles en la era de Sirk. Haynes también se resiste a un final feliz sirkiano, lo que permite que la película termine con una nota melancólica más cercana en tono a los melodramas "llorosos" del cine de los años 1940 y 1950, como Mildred Pierce .
Far from Heaven debutó en el Festival de Cine de Venecia con gran éxito de crítica y obtuvo una gran cantidad de premios cinematográficos, incluida la Copa Volpi para Moore y cuatro nominaciones al Premio de la Academia: actriz principal para Moore, guión original de Haynes, música de Elmer Bernstein y Cinematografía de Edward Lachman . Lejos del cielo perdió en las cuatro categorías, pero el éxito de la película fue aclamado como un gran avance para el cine independiente que logró el reconocimiento general y atrajo a Haynes a la atención de una audiencia general más amplia. [1]
En otro cambio radical de dirección, la siguiente película de Haynes, I'm Not There (2007), volvió a la mitología de la música popular, retratando la vida y la leyenda de Bob Dylan a través de siete personajes ficticios interpretados por seis actores: Richard Gere , Cate Blanchett , Marcus . Carl Franklin , Heath Ledger , Ben Whishaw y Christian Bale . Haynes obtuvo la aprobación de Dylan para continuar con la película y los derechos para usar su música en la banda sonora, después de presentar un resumen de una página del concepto de la película a Jeff Rosen, el antiguo manager de Dylan. [25] I'm Not There se estrenó en el Festival de Cine de Venecia con gran éxito de crítica, donde Haynes ganó el Gran Premio del Jurado y Blanchett ganó la Copa Volpi, y finalmente recibió una nominación al Premio de la Academia como Mejor Actriz de Reparto . [26] [27]
El siguiente proyecto de Haynes fue Mildred Pierce , una miniserie de cinco horas para HBO basada en la novela de James M. Cain y la película de 1945 protagonizada por Joan Crawford . La serie fue protagonizada por Kate Winslet en el papel principal y contó con Guy Pearce , Evan Rachel Wood , Melissa Leo , James LeGros y Hope Davis . El rodaje se completó a mediados de 2010 y la serie comenzó a transmitirse en HBO el 27 de marzo de 2011. Recibió 21 nominaciones al premio Primetime Emmy , ganó cinco, y Winslet ganó un Globo de Oro por su actuación. [28] [29]
El sexto largometraje de Haynes, Carol , es una adaptación de la novela de 1952 El precio de la sal de Patricia Highsmith . El reparto incluye a Cate Blanchett , Rooney Mara , Sarah Paulson y Kyle Chandler . La película se estrenó en competición en el Festival de Cine de Cannes de 2015 , donde ganó la Queer Palm y un premio compartido a Mejor Actriz para Mara. [30] [31] Carol recibió elogios de la crítica [32] y fue nominada a seis premios de la Academia, cinco premios Globo de Oro, nueve premios BAFTA y seis premios Independent Spirit . [33] [34] [35] [36] Geoffrey McNab de The Independent elogió la película y elogió el escrito de Haynes: "De manera astuta y subversiva, Haynes está dejando al descubierto las tensiones en una sociedad que se niega a reconocer" diferencias "de cualquier tipo". . McNabb añadió: "A ambos les ayuda el hecho de que, en Todd Haynes, tengan un director que es sensible a hasta el último matiz de sus actuaciones". [37]
El 20 de octubre de 2017, se estrenó Wonderstruck de Haynes, que se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2017 el 18 de mayo de 2017. La película es una adaptación del libro infantil del mismo nombre de Brian Selznick . Wonderstruck está protagonizada por Julianne Moore y está producida por la colaboradora de Haynes, Christine Vachon , y Amazon Studios , que también distribuye la película. [38] [39] La película describe a dos niños sordos, uno en 1927 y el otro en 1977, que se embarcan en búsquedas separadas para encontrarse a sí mismos. Cuando se le preguntó por qué había hecho una película para niños, en su entrevista en NPR del 15 de octubre de 2017, Haynes explicó: "Sentí que hablaba de algo indomable sobre la naturaleza de los niños y la capacidad de los niños para enfrentar desafíos y la desconocido y seguir luchando para superar esos desafíos". [40] La película recibió críticas mixtas, pero obtuvo elogios por la cinematografía en blanco y negro de Edward Lachman .
Haynes dirigió una película titulada Dark Waters para Participant Media . [41] [42] La película está basada en el artículo de Nathaniel Rich en el New York Times Magazine “El abogado que se convirtió en la peor pesadilla de DuPont”, que trata sobre el abogado defensor corporativo Robert Bilott y su demanda ambiental contra el conglomerado estadounidense DuPont . [43] Mark Ruffalo y Anne Hathaway protagonizan, [44] y la fotografía principal comenzó en enero de 2019, en Cincinnati . [45] La película se estrenó el 22 de noviembre de 2019. [46]
Haynes estrenó su primer largometraje documental, The Velvet Underground , en el Festival de Cine de Cannes el 7 de julio de 2021, y se estrenó el 15 de octubre de 2021 en cines y en Apple TV+ , con gran éxito de crítica. La película rechaza los tropos biográficos documentales, evocando un lugar y una época mediante un uso extensivo del montaje. "Lo que puede hacer el montaje es siempre más sofisticado de lo que creemos", dice Haynes. "Quería que la audiencia llenara los vacíos y hiciera sus propios descubrimientos y sintiera que estas ideas están vivas nuevamente, porque vienen a través de usted y no simplemente nos las cuentan como en una conferencia". [47] Haynes fue nominado al premio Critics' Choice Documentary Award a la mejor ópera prima documental . [48]
La última película de Haynes, May-Diciembre , lo reúne con su frecuente colaboradora Julianne Moore y sus coprotagonistas Natalie Portman y Charles Melton . La película, basada libremente en el escándalo de Mary Kay Letourneau , gira en torno a un matrimonio cuya relación se pone a prueba después de que una actriz llega para investigar para una película sobre su pasado. De un guión de Samy Burch, con una historia de Burch y Alex Mechanik. [49] [50] La película se rodó en Savannah, Georgia, y concluyó su rodaje en diciembre de 2022. [51] La película recibió críticas positivas [52] con Peter Debruge de Variety escribiendo: "Todd Haynes analiza la obsesión de Estados Unidos por el escándalo y la imposibilidad de saber realmente qué motiva a los demás en esta mirada en capas al proceso del actor". [53] La película recibió nominaciones a cuatro Globos de Oro , incluida la de Mejor Película: Musical o Comedia . [54] El propio Haynes fue nominado al premio Independent Spirit al mejor director . [55]
En 2015 se informó que estaba desarrollando una serie de televisión basada en el documental de 2012 The Source Family para HBO . [38] [56]
Haynes dirigirá una película biográfica de Peggy Lee , titulada Fever , basada en un guión originalmente redactado por Nora Ephron antes de su muerte en 2012, protagonizada por Michelle Williams en el papel principal después de que Reese Witherspoon se retirara del papel para producir en su lugar. Billie Eilish está en conversaciones iniciales para ser productora ejecutiva. El guionista principal es ahora Doug Wright . [57]
Haynes dijo en septiembre de 2023 que había estado trabajando en una película sexualmente explícita sobre una "historia de amor entre dos hombres ambientada en los años 30", protagonizada por Joaquin Phoenix . [58] Se informa que Haynes dirigirá la serie de HBO Trust, basada en la novela homónima de Hernán Díaz , con Kate Winslet como protagonista después de trabajar juntos en Mildred Pierce. [59]
AllMovie escribe que "Haynes es conocido por hacer películas provocativas que subvierten la estructura narrativa y resuenan con un erotismo complejo y transgresor ... Aunque no se caracteriza como un cineasta gay que hace películas gay... El nombre de Haynes se ha convertido en sinónimo de El movimiento New Queer Cinema y su trabajo para explorar y redefinir los contornos de la cultura queer en Estados Unidos y más allá". [60]
El trabajo de Haynes se preocupa por las ideas posmodernistas de identidad y sexualidad como conceptos socialmente construidos y de identidad personal como un estado fluido y cambiante. Sus protagonistas son invariablemente marginados sociales cuya identidad y sexualidad "subversivas" los ponen en desacuerdo con las normas recibidas de su sociedad. En el universo de Haynes, la sexualidad (especialmente la sexualidad "desviada" o no convencional) es una fuerza subversiva y peligrosa que altera las normas sociales y, a menudo, es reprimida brutalmente por las estructuras de poder dominantes. Haynes presenta a los artistas como la fuerza subversiva suprema, ya que necesariamente deben permanecer fuera de las normas sociales, y la producción creativa de un artista representa la mayor oportunidad para la libertad personal y social. Muchas de sus películas son retratos poco convencionales de artistas y músicos populares ( Karen Carpenter en Superstar , David Bowie en Velvet Goldmine y Bob Dylan en I'm Not There ). [ cita necesaria ]
Las películas de Haynes a menudo presentan dispositivos cinematográficos o narrativos formales que desafían las nociones recibidas de identidad y sexualidad y recuerdan al público la artificialidad del cine como medio. Los ejemplos incluyen el uso de muñecas Barbie en lugar de actores en Superstar o que varios actores interpreten al protagonista en I'm Not There . Estilísticamente, Haynes favorece el formalismo sobre el naturalismo, a menudo apropiándose y reinventando estilos cinematográficos, incluida la forma documental en Poison , Velvet Goldmine y I'm Not There , la reinvención del melodrama de Douglas Sirk en Far from Heaven y extensas referencias al cine artístico de los años 60 en No estoy ahí . [ cita necesaria ]
Haynes es abiertamente gay, [61] [62] [63] y se identifica como irreligioso . [64] Después de vivir en la ciudad de Nueva York durante más de una década, Haynes se mudó a Portland, Oregon , en 2002. [4] [65] Ha estado en una relación con Bryan O'Keefe, un productor de archivos, desde 2002. [66]
En 2014 se publicó un libro editado de entrevistas personales, titulado Todd Haynes: Interviews . [67]
Productor ejecutivo
Actuaciones dirigidas en los premios de la Academia
cineasta Todd Haynes en 1961 (58 años)
Le pregunté a Todd por qué él, un director gay, a menudo privilegiaba a la mujer sin poder como personaje principal en sus películas, desde su muñeca Barbie Karen Carpenter hasta la ama de casa alérgica paranoica en Safe.
