El nacimiento de Venus ( en italiano : Nascita di Venere [ˈnaʃʃita di ˈvɛːnere] ) es una pintura del artista italiano Sandro Botticelli , probablemente ejecutada a mediados de la década de 1480. Representa a la diosa Venus llegando a la orilla después de su nacimiento, cuando había emergido del mar completamente desarrollada (llamada Venus Anadyomene y a menudo representada en el arte). La pintura se encuentra en la Galería de los Uffizi en Florencia , Italia.
Aunque no forman pareja, la pintura se menciona inevitablemente junto con la otra pintura mitológica de gran tamaño de Botticelli, La Primavera , también en los Uffizi. Se encuentran entre las pinturas más famosas del mundo y son iconos de la pintura renacentista italiana ; de las dos, El Nacimiento es más conocida que La Primavera . [1] Como representaciones de temas de la mitología clásica a gran escala, eran prácticamente inéditas en el arte occidental desde la Antigüedad clásica , al igual que el tamaño y la prominencia de una figura femenina desnuda en El Nacimiento . Se solía pensar que ambas fueron encargadas por el mismo miembro de la familia Medici, pero esto ahora es incierto.
Los historiadores del arte los han analizado sin cesar , y los temas principales son: la emulación de los pintores antiguos y el contexto de las celebraciones nupciales (en general, se está de acuerdo), la influencia del neoplatonismo renacentista (algo controvertido) y la identidad de los comisarios (no se está de acuerdo). Sin embargo, la mayoría de los historiadores del arte coinciden en que el Nacimiento no requiere un análisis complejo para descifrar su significado, de la manera en que probablemente lo hace la Primavera . Si bien hay sutilezas en la pintura, su significado principal es un tratamiento sencillo, aunque individual, de una escena tradicional de la mitología griega , y su atractivo es sensorial y muy accesible, de ahí su enorme popularidad. [2]
En el centro, la diosa Venus (recién nacida en estado adulto, según la tradición) se encuentra desnuda en una concha gigante . El tamaño de la concha es puramente imaginario y también se encuentra en representaciones clásicas del tema. [3] A la izquierda, el dios del viento Céfiro sopla hacia ella, y el viento se muestra mediante líneas que irradian de su boca. Está en el aire y lleva a una joven mujer, que también sopla, pero con menos fuerza. Ambos tienen alas. Vasari probablemente estaba en lo cierto al identificarla como " Aura ", personificación de una brisa más ligera. [4] Sus esfuerzos conjuntos están soplando a Venus hacia la orilla y soplando el cabello y la ropa de las otras figuras hacia la derecha. [5]
A la derecha, una figura femenina que puede estar flotando ligeramente por encima del suelo sostiene una rica capa o vestido para cubrir a Venus cuando llegue a la orilla, como está a punto de hacer. Ella es una de las tres Horas , diosas griegas menores de las estaciones y de otras divisiones del tiempo, y asistentes de Venus. La decoración floral de su vestido sugiere que ella es la Hora de la primavera. [6] Está de pie en una pose de contrapposto , similar a Venus, ya que parece relajada y alegre de que Venus haya llegado.
Las identificaciones alternativas para las dos figuras femeninas secundarias incluyen las que también se encuentran en la Primavera ; la ninfa sostenida por Céfiro puede ser Cloris , una ninfa de las flores con la que se casó en algunas versiones de su historia, y la figura en la tierra puede ser Flora . [7] Flora es generalmente el equivalente romano de la griega Cloris; en la Primavera , Cloris se transforma en la figura de Flora junto a ella, siguiendo los Fastos de Ovidio , [8] pero es difícil ver que tal transformación se contemple aquí. Sin embargo, las rosas sopladas junto con las dos figuras voladoras serían apropiadas para Cloris.
El tema no es estrictamente el «Nacimiento de Venus», un título dado a la pintura solo en el siglo XIX (aunque Vasari lo menciona como tema ), sino la siguiente escena de su historia, donde llega a la tierra, arrastrada por el viento. La tierra probablemente representa a Citera o Chipre , ambas islas mediterráneas consideradas por los griegos como territorios de Venus. [9]
El cuadro es grande, pero ligeramente más pequeño que la Primavera , y en el caso de que se trate de una pintura sobre tabla , se hace sobre un soporte más económico, el lienzo. El lienzo estaba ganando popularidad, quizás especialmente para las pinturas seculares para villas de campo, que estaban decoradas de forma más sencilla, barata y alegre que las de los palacios de la ciudad , y estaban diseñadas para el placer más que para el entretenimiento ostentoso. [10]
La pintura está realizada sobre dos lienzos, cosidos antes de empezar, con una base de yeso teñida de azul. Hay diferencias con la técnica habitual de Botticelli, trabajando sobre soportes de panel, como la falta de una primera capa verde bajo las zonas de piel. Hay una serie de pentimenti revelados por pruebas científicas modernas. La Hora originalmente tenía "sandalias clásicas bajas", y el collar del manto que sostiene es una idea de último momento. El cabello de Venus y la pareja voladora fue cambiado. Hay un uso abundante de oro como pigmento para los reflejos, en el cabello, las alas, los tejidos, la concha y el paisaje. Todo esto aparentemente se aplicó después de enmarcar la pintura. Se terminó con un "barniz gris frío", probablemente usando yema de huevo. [11] [12]
Al igual que en La primavera , el pigmento verde –utilizado para las alas de Céfiro, su compañero, y las hojas de los naranjos de la tierra– se ha oscurecido considerablemente con la exposición a la luz a lo largo del tiempo, distorsionando un poco el equilibrio de colores deseado. Partes de algunas hojas en la esquina superior derecha, normalmente cubiertas por el marco, se han visto menos afectadas. [13] Los azules del mar y del cielo también han perdido su brillo. [14]
Aunque la pose de Venus es clásica en algunos aspectos y toma prestada la posición de las manos del tipo Venus Pudica de las esculturas grecorromanas (véase la sección siguiente), el tratamiento general de la figura, de pie descentrada con un cuerpo curvado de líneas largas y fluidas, es en muchos aspectos del arte gótico . Kenneth Clark escribió: "Sus diferencias con la forma antigua no son fisiológicas, sino rítmicas y estructurales. Todo su cuerpo sigue la curva de un marfil gótico. Carece por completo de esa cualidad tan apreciada en el arte clásico, conocida como aplomo; es decir, el peso del cuerpo no se distribuye uniformemente a ambos lados de una plomada central... No está de pie, sino flotando... Sus hombros, por ejemplo, en lugar de formar una especie de arquitrabe para su torso, como en el desnudo antiguo, descienden hacia sus brazos en la misma corriente ininterrumpida de movimiento que su cabello flotante". [15]
El cuerpo de Venus es anatómicamente improbable, con un cuello y un torso alargados. Su pose es imposible: aunque está de pie en una postura clásica de contrapposto , su peso está desplazado demasiado hacia la pierna izquierda como para que pueda mantener la pose. Las proporciones y poses de los vientos a la izquierda no tienen mucho sentido, y ninguna de las figuras proyecta sombras. [16] La pintura representa el mundo de la imaginación en lugar de preocuparse demasiado por la representación realista. [17]
Ignorando el tamaño y la posición de las alas y las extremidades de la pareja voladora de la izquierda, que molestan a algunos otros críticos, Kenneth Clark las llama:
...quizás el ejemplo más bello de movimiento extático en toda la pintura... la suspensión de nuestra razón se logra mediante los intrincados ritmos de los drapeados que se extienden y fluyen irresistiblemente alrededor de las figuras desnudas. Sus cuerpos, mediante una interminable complejidad de abrazos, sostienen la corriente de movimiento, que finalmente se desliza por sus piernas y se dispersa como una carga eléctrica. [18]
El arte de Botticelli nunca estuvo totalmente comprometido con el naturalismo; en comparación con su contemporáneo Domenico Ghirlandaio , Botticelli rara vez dio peso y volumen a sus figuras y rara vez utilizó un espacio de perspectiva profunda. [16] Botticelli nunca pintó fondos de paisajes con gran detalle o realismo, pero este es especialmente el caso aquí. Los árboles de laurel y la hierba debajo de ellos son verdes con reflejos dorados, la mayoría de las olas tienen patrones regulares y el paisaje parece fuera de escala con las figuras. [19] Los grupos de juncos en el primer plano a la izquierda están fuera de lugar aquí, ya que provienen de una especie de agua dulce. [20]
Desde hace tiempo se ha sugerido que Botticelli recibió el encargo de la familia Medici de Florencia, tal vez de Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici (1463-1503), un importante mecenas de Botticelli, bajo la influencia de su primo Lorenzo de' Medici , "il Magnifico". Esto fue sugerido por primera vez por Herbert Horne en su monografía de 1908, la primera obra moderna importante sobre Botticelli, y seguida durante mucho tiempo por la mayoría de los escritores, pero más recientemente se ha puesto en duda ampliamente, aunque algunos todavía lo aceptan. Varias interpretaciones de la pintura se basan en este origen para su significado. Aunque las relaciones quizás siempre fueron bastante tensas entre el Magnifico y sus jóvenes primos y pupilos, Lorenzo di Pierfrancesco y su hermano Giovanni di Pierfrancesco de' Medici , puede haber sido político encargar una obra que glorificara al Lorenzo mayor, como lo sostienen algunas interpretaciones. Puede haber una ambigüedad deliberada en cuanto a qué Lorenzo se pretendía evocar. Con el paso de los años la hostilidad entre las dos ramas de la familia se hizo patente.
Horne creía que la pintura fue encargada poco después de la compra en 1477 de la Villa di Castello , una casa de campo a las afueras de Florencia, por Lorenzo y Giovanni, para decorar su nueva casa, que estaban reconstruyendo. Esto fue el año después de que su padre muriera a la edad de 46 años, dejando a los jóvenes bajo la tutela de su primo Lorenzo il Magnifico, de la rama mayor de la familia Medici y gobernante de facto de Florencia. [21] No hay registro del encargo original, y la pintura es mencionada por primera vez por Vasari , quien la vio, junto con la Primavera , en Castello, algún tiempo antes de la primera edición de sus Vidas en 1550, probablemente hacia 1530-40. En 1550, el propio Vasari estaba pintando en la villa, pero muy posiblemente la visitó antes de eso. Pero en 1975 se supo que, a diferencia de la Primavera , el Nacimiento no está en el inventario, aparentemente completo, hecho en 1499 de las obras de arte pertenecientes a la rama de la familia de Lorenzo di Pierfrancesco. Ronald Lightbown concluye que el castillo pasó a ser propiedad de los Medici después de eso. El inventario se publicó recién en 1975 y invalidó muchas suposiciones previas. [22]
Horne fechó la obra en algún momento posterior a la compra de la villa en 1477 y anterior a la partida de Botticelli a Roma para unirse a la pintura de la Capilla Sixtina en 1481. Estudiosos recientes prefieren una fecha de alrededor de 1484-86 en base al lugar que ocupa la obra en el desarrollo del estilo de Botticelli. La Primavera se suele fechar ahora antes, después del regreso de Botticelli de Roma en 1482 y quizás alrededor de la época de la boda de Lorenzo di Pierfrancesco en julio de 1482, [23] pero algunos incluso antes de la partida de Botticelli. [24]
Desde entonces, las dos pinturas han permanecido juntas en Castello hasta 1815, cuando fueron trasladadas a los Uffizi. Durante algunos años, hasta 1919, se conservaron en la Galleria dell'Accademia , otro museo gubernamental de Florencia. [25]
Aunque existen textos antiguos y modernos que son relevantes, ningún texto único proporciona la imaginería precisa de la pintura, lo que ha llevado a los académicos a proponer muchas fuentes e interpretaciones. [26] Muchos historiadores del arte que se especializan en el Renacimiento italiano han encontrado que las interpretaciones neoplatónicas , de las cuales Edgar Wind y Ernst Gombrich han articulado dos versiones diferentes , [27] son la clave para comprender la pintura. Botticelli representó la idea neoplatónica del amor divino en la forma de una Venus desnuda. [28]
Para Platón –y también para los miembros de la Academia Platónica Florentina– Venus tenía dos aspectos: era una diosa terrenal que incitaba a los humanos al amor físico o era una diosa celestial que inspiraba en ellos el amor intelectual. Platón sostenía además que la contemplación de la belleza física permitía a la mente comprender mejor la belleza espiritual. Así pues, mirar a Venus, la más bella de las diosas, podía suscitar en un primer momento una respuesta física en los espectadores que luego elevaba sus mentes hacia lo divino. [29] Una lectura neoplatónica de El nacimiento de Venus de Botticelli sugiere que los espectadores del siglo XV habrían mirado la pintura y habrían sentido que sus mentes se elevaban al reino del amor divino.
La composición, con una figura desnuda central y otra a un lado con un brazo levantado sobre la cabeza de la primera, y seres alados a su lado, habría recordado a sus espectadores renacentistas la iconografía tradicional del Bautismo de Cristo , que marca el inicio de su ministerio en la tierra. De manera similar, la escena que se muestra aquí marca el inicio del ministerio de amor de Venus, ya sea en un sentido simple o en el significado ampliado del neoplatonismo renacentista. [30]
Más recientemente, han surgido preguntas sobre el neoplatonismo como el sistema intelectual dominante en la Florencia de finales del siglo XV, [31] y los estudiosos han indicado que podría haber otras formas de interpretar las pinturas mitológicas de Botticelli. En particular, tanto La Primavera como El nacimiento de Venus han sido vistas como pinturas de bodas que sugieren comportamientos apropiados para los novios. [32]
Los laureles de la derecha y la corona de laurel que lleva la Hora son referencias al nombre de "Lorenzo", aunque no se sabe con certeza si se refiere a Lorenzo il Magnifico , el gobernante efectivo de Florencia, o a su joven primo Lorenzo di Pierfrancesco . Del mismo modo, las flores en el aire alrededor de Zephyr y en los textiles que lleva y lleva la Hora evocan el nombre de Florencia. [33]
El precedente más cercano de la escena se acepta generalmente que se encuentra en uno de los primeros himnos homéricos griegos antiguos , publicado en Florencia en 1488 por el refugiado griego Demetrios Chalkokondyles :
Este poema probablemente ya lo conocía Angelo Poliziano , poeta de la corte de Lorenzo di Medici y contemporáneo de Botticelli en Florencia . La iconografía de El nacimiento de Venus es similar a la descripción de un relieve del evento en el poema de Poliziano, Stanze per la giostra , que conmemora una justa de los Medici en 1475, que también pudo haber influido en Botticelli, aunque hay muchas diferencias. Por ejemplo, Poliziano habla de múltiples Horas y céfiros. [35] Escritores más antiguos, siguiendo a Horne, postularon que "su patrón Lorenzo di Pierfrancesco le pidió que pintara un tema que ilustrara las líneas", [36] y esa sigue siendo una posibilidad, aunque es difícil de mantener con tanta seguridad hoy en día. Otro poema de Poliziano habla de Céfiro que hace que las flores florezcan y esparza su aroma sobre la tierra, lo que probablemente explica las rosas que sopla junto con él en la pintura. [37]
El hecho de que una gran figura femenina desnuda de pie sea el centro de atención no tenía precedentes en la pintura occidental posclásica y ciertamente se inspiró en las esculturas clásicas que estaban surgiendo en este período, especialmente en Roma, donde Botticelli había pasado entre 1481 y 1482 trabajando en las paredes de la Capilla Sixtina . [38] La pose de la Venus de Botticelli sigue el tipo de Venus Púdica ("Venus del pudor") de la antigüedad clásica , donde las manos se sostienen para cubrir los senos y la ingle; en el arte clásico esto no se asocia con la recién nacida Venus Anadiomene . Lo que se convirtió en un ejemplo famoso de este tipo es la Venus de Médici , una escultura de mármol que estaba en una colección de los Médici en Roma en 1559, que Botticelli pudo haber tenido la oportunidad de estudiar (la fecha en que se encontró no está clara). [39]
El pintor y los eruditos humanistas que probablemente lo asesoraron habrían recordado que Plinio el Viejo había mencionado una obra maestra perdida del célebre pintor griego antiguo, Apeles , que representa a Venus Anadyomene ( Venus saliendo del mar ). Según Plinio, Alejandro Magno ofreció a su amante, Campaspe , como modelo para la Venus desnuda y más tarde, al darse cuenta de que Apeles se había enamorado de la muchacha, se la entregó al artista en un gesto de extrema magnanimidad. Plinio continuó señalando que la pintura de Apeles de Pankaspe como Venus fue posteriormente "consagrada por Augusto en el santuario de su padre César ". Plinio también afirmó que "la parte inferior de la pintura estaba dañada y era imposible encontrar a alguien que pudiera restaurarla... Esta imagen se descompuso por la edad y la podredumbre, y Nerón ... la sustituyó por otra pintura de la mano de Doroteo". [40]
Plinio también señaló una segunda pintura de Venus de Apeles "superior incluso a la anterior", que había sido comenzada por el artista pero que dejó inacabada. Las imágenes romanas en varios medios que muestran a la Venus recién nacida en una concha gigante pueden ser versiones derivadas burdas de estas pinturas. Botticelli no pudo haber visto los frescos desenterrados más tarde en Pompeya , pero bien pudo haber visto versiones pequeñas del motivo en terracota o gemas grabadas . La "Casa de Venus" en Pompeya tiene un fresco de tamaño natural de Venus recostada en la concha, que también se ve en otras obras; en la mayoría de las otras imágenes está de pie con las manos en el cabello, escurriendo el agua, con o sin concha.
La bidimensionalidad de esta pintura puede ser un intento deliberado de evocar el estilo de las antiguas pinturas de vasos griegos o de los frescos de las paredes de las tumbas etruscas , [41] los únicos tipos de pintura antigua conocidos por Botticelli.
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Otra interpretación del Nacimiento de Venus es la proporcionada por el historiador de arte y autor, Charles R. Mack. [42] Esta interpretación toma mucho de lo que generalmente se acepta, pero Mack continúa explicando la pintura como una alegoría que ensalza las virtudes de Lorenzo de' Medici . [43] Esto no ha sido adoptado por los historiadores de arte del Renacimiento en general, [44] y sigue siendo problemático, ya que depende de que la pintura haya sido encargada por los Medici, pero la obra no está documentada en manos de los Medici hasta bien entrado el siglo siguiente.
Mack considera que la escena está inspirada tanto en el Himno homérico como en las pinturas antiguas. Pero es probable que en la mente del miembro de la familia Medici que encargó esta pintura a Botticelli hubiera algo más que un himno homérico redescubierto. Una vez más, Botticelli, en su versión de El nacimiento de Venus, podría ser visto completando la tarea iniciada por su antiguo predecesor Apeles, incluso superándolo. Lo que da más respaldo a esta interpretación de Botticelli como un Apeles renacido es el hecho de que esa misma afirmación fue expresada en 1488 por Ugolino Verino en un poema titulado "Alabando la historia de Florencia". [45]
Aunque Botticelli bien podría haber sido celebrado como un Apeles revivificado, su Nacimiento de Venus también testificó la naturaleza especial del principal ciudadano de Florencia, Lorenzo de' Medici . Aunque ahora parece que la pintura fue realizada para otro miembro de la familia Medici, probablemente tenía la intención de celebrar y halagar a su cabeza, Lorenzo de' Medici. La tradición asocia la imagen de Venus en la pintura de Botticelli con la famosa belleza Simonetta Cattaneo Vespucci , de quien la leyenda popular afirma que tanto Lorenzo como su hermano menor, Giuliano , eran grandes admiradores. Simonetta posiblemente nació en la ciudad costera de Liguria de Portovenere ('el puerto de Venus'). Así, en la interpretación de Botticelli, Pankaspe (el antiguo prototipo viviente de Simonetta), la amante de Alejandro Magno (su predecesor Laurenciano), se convierte en la encantadora modelo de la Venus perdida ejecutada por el famoso pintor griego Apeles (renacida gracias a los talentos recreativos de Botticelli), que acabó en Roma, instalada por el emperador Augusto en el templo dedicado al supuesto fundador de Florencia, Julio César .
En el caso de El nacimiento de Venus de Botticelli , las referencias sugeridas a Lorenzo, apoyadas por otros indicadores internos como el grupo de arbustos de laurel a la derecha, habrían sido justo el tipo de cosas que los eruditos humanistas florentinos habrían apreciado. En consecuencia, por implicación abierta, Lorenzo se convierte en el nuevo Alejandro Magno con un vínculo implícito tanto con Augusto, el primer emperador romano, como incluso con el legendario fundador de Florencia, el propio César. Lorenzo, además, no solo es magnífico sino, como lo fue Alejandro en la historia de Plinio, también magnánimo. En última instancia, estas lecturas de El nacimiento de Venus halagan no solo a los Medici y a Botticelli, sino a toda Florencia, hogar de los dignos sucesores de algunas de las más grandes figuras de la antigüedad, tanto en el gobierno como en las artes. [46]
Estas lecturas esencialmente paganas del Nacimiento de Venus de Botticelli no deben excluir una lectura más puramente cristiana, que puede derivarse de la lectura neoplatónica de la pintura indicada anteriormente. Vista desde un punto de vista religioso, la desnudez de Venus sugiere la de Eva antes de la Caída, así como el amor puro del Paraíso. Una vez en tierra, la diosa del amor se pondrá el atuendo terrenal del pecado mortal, un acto que conducirá a la Nueva Eva, la Madonna cuya pureza está representada por la Venus desnuda. Una vez envuelta en prendas terrenales, se convierte en una personificación de la Iglesia cristiana que ofrece un transporte espiritual de regreso al amor puro de la salvación eterna. En este caso, la concha de vieira sobre la que se encuentra esta imagen de Venus/Eva/Madonna/Iglesia puede verse en su contexto de peregrinación tradicionalmente simbólico. Además, la amplia extensión del mar sirve como recordatorio del título de la Virgen María, stella maris , que alude tanto al nombre de la Madonna (Maria/maris) como al cuerpo celestial (Venus/stella). El mar da a luz a Venus, del mismo modo que la Virgen da a luz al símbolo máximo del amor, Cristo. [47]
En lugar de elegir una de las muchas interpretaciones que se ofrecen para la representación que Botticelli hace del nacimiento (¿llegada?) de Venus, tal vez sea mejor verla desde una variedad de perspectivas. Este enfoque multidimensional (mitológico, político y religioso) fue el que se pretendía. [48]
Botticelli, o más probablemente su taller, repitió la figura de Venus en otra pintura de alrededor de 1490. Esta obra de tamaño natural representa una figura y una pose similares, parcialmente vestida con una blusa clara y en contraste con un fondo oscuro y liso. Se encuentra en la Galleria Sabauda de Turín . [49] [50] Existe otra Venus de taller similar en Berlín, y es muy probable que otras fueran destruidas en la " Hoguera de las vanidades ". Parece que se exportaron ejemplos a Francia y Alemania, probablemente influyendo en Lucas Cranach el Viejo, entre otros. [51]
Más de una década después, Botticelli adaptó la figura de Venus para una personificación desnuda de la "Verdad" en su Calumnia de Apeles . Aquí una mano está levantada, señalando al cielo en busca de justificación, y la mirada de la figura también mira hacia arriba; el efecto general es muy diferente. [52]
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