Primavera ( pronunciación italiana: [primaˈvɛːra] , que significa "primavera") es un gran panel pintado al temple delpintor renacentista italiano Sandro Botticelli realizado a finales de la década de 1470 o principios de la de 1480 (las fechas varían). Ha sido descrita como "una de las pinturas más controvertidas y sobre las que más se ha escrito en el mundo", [1] y también "una de las pinturas más populares del arte occidental". [2]
La pintura representa un grupo de figuras de la mitología clásica en un jardín, pero no se ha encontrado ninguna historia que reúna a este grupo en particular. [3] La mayoría de los críticos coinciden en que la pintura es una alegoría basada en el exuberante crecimiento de la primavera, pero los relatos sobre cualquier significado preciso varían, aunque muchos involucran el neoplatonismo renacentista que entonces fascinaba a los círculos intelectuales de Florencia . El tema fue descrito por primera vez como Primavera por el historiador del arte Giorgio Vasari, quien lo vio en Villa Castello , en las afueras de Florencia, en 1550. [4]
Aunque ahora se sabe que los dos no son pareja, la pintura inevitablemente se discute con la otra pintura mitológica de gran tamaño de Botticelli, El nacimiento de Venus , también en los Uffizi. Se encuentran entre las pinturas más famosas del mundo y son iconos del Renacimiento italiano ; De los dos, el Nacimiento es incluso más conocido que la Primavera . [5] Como representaciones de temas de la mitología clásica a muy gran escala, prácticamente no tenían precedentes en el arte occidental desde la antigüedad clásica. [6]
No se conoce con certeza la historia de la pintura; pudo haber sido encargado por alguien de la familia Medici , pero se desconoce la certeza de su encargo. Se basa en una serie de fuentes literarias clásicas y renacentistas, incluidas las obras del poeta romano antiguo Ovidio y, con menor certeza, Lucrecio , y también puede aludir a un poema de Poliziano , el poeta de la casa Medici que pudo haber ayudado a Botticelli a idear la composición. . Desde 1919 el cuadro forma parte de la colección de la Galería de los Uffizi de Florencia , Italia.
La pintura presenta seis figuras femeninas y dos masculinas, junto con un cupido, en un campo de naranjos. El movimiento de la composición es de derecha a izquierda, por lo que siguiendo esa dirección la identificación estándar de las figuras es la siguiente: En el extremo derecho, " Céfiro , el viento cortante de marzo, secuestra y posee a la ninfa Cloris , con quien luego se casa". y se transforma en una deidad; se convierte en la diosa de la Primavera, eterna portadora de la vida, y se la ve esparciendo rosas por el suelo." [7] La transformación está indicada por las flores que salen de la boca de Cloris [8]
En el centro (pero no exactamente) y algo alejada de las otras figuras, se encuentra Venus, una mujer vestida de rojo y vestida de azul. Como el recolector de flores, devuelve la mirada al espectador. Los árboles detrás de ella forman un arco roto para llamar la atención. En el aire, encima de ella, Cupido con los ojos vendados apunta su arco hacia la izquierda. [9] A la izquierda del cuadro, las Tres Gracias , un grupo de tres mujeres también vestidas de un blanco diáfano, se dan la mano en una danza. En el extremo izquierdo Mercurio , vestido de rojo con espada y casco, levanta su caduceo o vara de madera hacia unas tenues nubes grises. [10]
Las interacciones entre las figuras son enigmáticas. Zephyrus y Chloris se miran. Flora y Venus miran al espectador, Cupido tiene los ojos vendados y Mercurio les ha dado la espalda a los demás y mira hacia las nubes. La Grace central mira hacia él, mientras que los otros dos parecen mirarse entre sí. La sonrisa de Flora era muy inusual en la pintura de esta época. [11]
El paisaje pastoral es elaborado. Hay 500 especies de plantas identificadas representadas en la pintura, con alrededor de 190 flores diferentes, [12] de las cuales al menos 130 pueden identificarse específicamente. [1] La apariencia general y el tamaño de la pintura son similares a los de los tapices flamencos millefleur ("mil flores") que eran decoraciones populares para los palacios en ese momento. [13]
Estos tapices no habían alcanzado en la década de 1480 los desarrollos artísticos del Renacimiento italiano, y la composición de la pintura tiene aspectos que pertenecen a este estilo todavía gótico. Las figuras están distribuidas en una línea tosca a lo largo del frente del espacio de la imagen, "colocadas una al lado de la otra como perlas en un collar". [14] Ahora se sabe que en el entorno para el que se diseñó la pintura, la parte inferior estaba aproximadamente al nivel de los ojos, o ligeramente por encima, lo que explica en parte "el plano suavemente ascendente" en el que se encuentran las figuras. [15]
Los pies de Venus son considerablemente más altos que los de los demás, lo que demuestra que ella está detrás de ellos, pero está a la misma escala, si no más grande, que las otras figuras. La superposición de otras figuras por la espada de Mercurio y las manos de Cloris muestra que están ligeramente por delante de Grace y Flora izquierdas, respectivamente, lo que podría no ser obvio de otra manera, por ejemplo desde sus pies. Se ha argumentado que las flores no se hacen más pequeñas en la parte posterior del espacio pictórico, lo que sin duda es una característica de los tapices millefleur. [dieciséis]
Los trajes de las figuras son versiones de la vestimenta de la Florencia contemporánea, aunque el tipo de "trajes cuasi teatrales diseñados para mascaradas del tipo que escribió Vasari fueron inventados por Lorenzo de' Medici para festivales y torneos cívicos". [17] La falta de una narrativa obvia puede relacionarse con el mundo de los espectáculos y tableaux vivants , así como con las alegorías góticas típicamente estáticas.
Se han expuesto varias interpretaciones de las figuras, [18] pero en general se acepta que al menos en un nivel la pintura es "una elaborada alegoría mitológica de la floreciente fertilidad del mundo". [2] Se cree que Botticelli ayudó a idear la composición de la pintura y cualquier significado que pretendía contener, ya que parece que la pintura refleja un profundo conocimiento de la literatura y la filosofía clásicas que es poco probable que Botticelli hubiera poseído. Generalmente se piensa que Poliziano estuvo involucrado en esto, [19] aunque también se ha mencionado a menudo a Marsilio Ficino , otro miembro del círculo de Lorenzo de' Medici y una figura clave en el neoplatonismo renacentista. [20]
Un aspecto de la pintura es una representación del progreso de la estación de primavera, leyendo de derecha a izquierda. El viento de principios de primavera sopla sobre la tierra y produce crecimiento y flores, presidido por Venus, diosa de abril, con a la izquierda Mercurio, dios del mes de mayo en un calendario romano temprano, ahuyentando las últimas nubes antes. verano. [21] Además de ser parte de una secuencia a lo largo de la temporada, Mercurio, al disipar las nubes, actúa como guardia del jardín, lo que explica en parte su vestimenta militar y su mirada hacia el espacio de la imagen. Un pasaje de la Eneida de Virgilio lo describe limpiando los cielos con su caduceo. [22] Una visión neoplatónica más positiva de las nubes es que son "los velos benéficos a través de los cuales el esplendor de la verdad trascendente puede llegar al espectador sin destruirlo". [23]
Venus preside el jardín: un huerto de naranjos (un símbolo de los Medici). También es el Jardín de las Hespérides del mito clásico, de donde procedieron las manzanas de oro utilizadas en el Juicio de París ; los griegos helenísticos habían decidido que se trataba de cítricos , exóticos para ellos. [24] Según Claudio , allí no se permitían nubes. [25] Venus se encuentra frente a las hojas oscuras de un arbusto de mirto . Según Hesíodo , Venus había nacido del mar después de que el semen de Urano cayera sobre las aguas. Al llegar a tierra envuelta en una concha, había vestido su desnudez con mirto, por lo que la planta se volvió sagrada para ella. [26] Venus aparece aquí en su carácter de diosa del matrimonio, vestida y con el cabello modestamente cubierto, como se esperaba que aparecieran en público las mujeres casadas. [27]
Las Tres Gracias son hermanas y tradicionalmente acompañan a Venus. En el arte clásico (pero no en la literatura) normalmente están desnudos y normalmente permanecen quietos mientras se toman de la mano, pero la representación aquí es muy cercana a una adaptación de Séneca de Leon Battista Alberti en su De pictura (1435), que Botticelli ciertamente conocía. [28] Desde la izquierda, Edgar Wind los identifica como Voluptas , Castitas y Pulchritudo (Placer, Castidad y Belleza), [29] aunque se encuentran otros nombres en la mitología, y es notable que muchos escritores, incluidos Lightbown y el Ettlingers, absténganse de nombrar las Gracias de Botticelli.
La flecha de Cupido apunta a la Gracia media (la Castidad, según Wind) y el impacto del amor sobre la castidad, que conduce al matrimonio, aparece en muchas interpretaciones. [31] Chastity mira hacia Mercurio, y algunas interpretaciones, especialmente aquellas que identifican las figuras como modeladas a partir de individuos reales, ven a esta pareja como una que coincide con Cloris y Céfiro en el otro lado de la pintura.
En una interpretación diferente, el amor carnal terrenal representado por Céfiro a la derecha es renunciado por la figura central de las Gracias, que ha dado la espalda a la escena, indiferente a la amenaza que representa Cupido para ella. Su atención se centra en Mercurio, quien mira más allá del lienzo a lo que muchos creen colgado como pieza complementaria de Primavera : Palas y el Centauro , en la que "el amor orientado hacia el conocimiento" (encarnado por Palas Atenea ) resulta triunfante sobre la lujuria (simbolizada por el centauro ). [32]
La identificación básica de las figuras ahora está ampliamente aceptada, [33] pero en el pasado a veces se han usado otros nombres para las mujeres de la derecha, que son dos etapas de la misma persona en la interpretación habitual. La mujer del vestido de flores puede llamarse Primavera (una personificación de la primavera), siendo Flora la figura perseguida por Céfiro. [34] [35] Un académico sugirió en 2011 que la figura central no es Venus en absoluto, sino Perséfone . [36]
Además de su significado abierto, la pintura ha sido interpretada como una ilustración del ideal de amor neoplatónico popularizado entre los Medicis y sus seguidores por Marsilio Ficino. [30] Los filósofos neoplatónicos vieron a Venus gobernando tanto el amor terrenal como el divino y argumentaron que ella era el equivalente clásico de la Virgen María; a esto se alude por la forma en que está enmarcada en un entorno parecido a un altar que es similar a las imágenes contemporáneas de la Virgen María. [37] [38] El gesto de bienvenida con la mano de Venus, probablemente dirigido al espectador, es el mismo que utilizó María hacia el arcángel Gabriel en las pinturas contemporáneas de la Anunciación . [39]
Las alusiones a los nombres de los Medici probablemente incluyan las bolas doradas de las naranjas, que recuerdan las del escudo de armas de los Medici, los laureles de la derecha, para Lorenzo, y las llamas en el traje de Mercurio (para quienes son un atributo habitual). ) y Venus, que también son atributo de San Lorenzo (Lorenzo en italiano). Mercurio era el dios de la medicina y de los "doctores", medici en italiano. Estos juegos de palabras con los Medici y, en Venus y Marte , con los Vespucci, se encuentran en todas las pinturas mitológicas de Botticelli. [40]
De las muchas fuentes literarias que pueden haber contribuido a la pintura, [41] la más clara fue señalada por primera vez en los tiempos modernos por Aby Warburg en 1893, en su fundamental disertación sobre la pintura. [42] El grupo a la derecha del cuadro se inspiró en una descripción del poeta romano Ovidio de la llegada de la primavera ( Fasti , Libro 5, 2 de mayo). En este, la ninfa del bosque Cloris cuenta cómo sus encantos desnudos atrajeron el primer viento de la primavera, Céfiro. Zephyr la persiguió y mientras era violada, brotaron flores de su boca y se transformó en Flora, diosa de las flores. [43] En la obra de Ovidio se le dice al lector que "hasta entonces la tierra había sido de un solo color". Por el nombre de Cloris, se puede suponer que el color era verde (la palabra griega para verde es khloros , la raíz de palabras como clorofila ) y puede ser la razón por la que Botticeli pintó a Zephyr en tonos de verde azulado. [44]
Otros elementos específicos pueden haberse derivado de un poema de Poliziano . [45] Como el poema de Poliziano, "Rusticus", se publicó en 1483 y generalmente se considera que la pintura se completó alrededor de 1482, [1] [46] algunos eruditos han argumentado que la influencia se revirtió, [47] teniendo en cuenta Tenga en cuenta que generalmente se cree que Poliziano ayudó a idear la alegoría de la pintura. [48]
Otra inspiración para la pintura parece haber sido el poema de Lucrecio " De rerum natura ", que incluye los versos: "La primavera y Venus vienen, y el niño de Venus, / El presagio alado, pisa antes, / Y con fuerza Las huellas de Zephyr, Madre Flora, / Rociando los caminos ante ellas, lo llenan todo / De colores y olores excelentes". [49] [50] [51]
Cuando hay una plétora de fuentes literarias, la mayoría de ellas probablemente no conocidas directamente por Botticelli, o no expuestas por sus asesores, las fuentes visuales son un asunto diferente:
Pero, ¿de dónde vino la visión, en el sentido visual más que literario? Ése es el misterio del genio. De sarcófagos antiguos, de algunas gemas y relieves, y quizás de algunos fragmentos de cerámica aretina ; de aquellos dibujos de restos clásicos de artistas contemporáneos que circulaban en los talleres florentinos, como los libros de patrones de los arquitectos del siglo XVIII; A partir de un material tan escaso y mediocre, Botticelli ha creado una de las evocaciones de belleza física más personales de todo el arte, las Tres Gracias de la Primavera . ( Kenneth Clark ) [52]
El origen de la pintura no está claro. Botticelli estuvo en Roma durante muchos meses en 1481/82, pintando en la Capilla Sixtina , y las fechas sugeridas en los últimos años son en su mayoría posteriores, pero a veces incluso anteriores. El pensamiento cambió un poco con la publicación en 1975 de un inventario de 1499 de la colección de Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici. [55]
El inventario de 1499 lo registra colgado en el palacio de la ciudad de Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici y su hermano Giovanni "Il Popolano" . Eran primos de Lorenzo de' Medici ("Lorenzo il Magnifico"), quien era efectivamente el gobernante de Florencia, y después de la temprana muerte de su padre habían sido sus pupilos. [56] Colgaba sobre un gran lettuccio , un elaborado mueble que incluía una base elevada, un asiento y un respaldo, probablemente rematado con una cornisa . La parte inferior de la pintura probablemente estaba aproximadamente a la altura de los ojos del espectador, por lo que estaba bastante más alta de lo que está colgada hoy. [57]
En la misma sala se encontraban Palas y el Centauro de Botticelli , y también un gran tondo con la Virgen y el Niño . El tondo ahora no está identificado, pero es un tipo de pintura especialmente asociada con Botticelli. A este se le asignó el valor más alto de las tres pinturas, 180 liras. Otro inventario de 1503 registra que el Primavera tenía un gran marco blanco. [58]
En la primera edición de su Vida de Botticelli , publicada en 1550, Giorgio Vasari dijo que había visto este cuadro, y el Nacimiento de Venus , colgados en la Villa di Castello del país de los Medici . Antes de que se conociera el inventario, se creía generalmente que ambas pinturas fueron hechas para la villa, probablemente poco después de su adquisición en 1477, ya sea por encargo de Lorenzo di Pierfrancesco o tal vez entregadas a él por su primo mayor y tutor Lorenzo de' Medici . Curiosamente, Vasari dice que ambas pinturas contenían desnudos femeninos, lo cual no es estrictamente el caso en este caso. [59]
La mayoría de los estudiosos ahora relacionan la pintura con el matrimonio de Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici . A menudo se regalaban cuadros y muebles en las bodas. El matrimonio tuvo lugar el 19 de julio de 1482, pero fue pospuesto tras la muerte de la madre del mayor Lorenzo el 25 de marzo. Inicialmente estaba previsto para mayo. [60] Las dataciones recientes tienden a preferir la década de 1480, después del regreso de Botticelli de Roma, lo que sugiere que fue encargado directamente en relación con esta boda, una opinión apoyada por muchos. [61]
Otra teoría más antigua, que supone una fecha temprana, sugiere que Lorenzo mayor encargó el retrato para celebrar el nacimiento de su sobrino Giulio di Giuliano de' Medici (quien más tarde se convirtió en Papa ), pero cambió de opinión después del asesinato del padre de Giulo, su hermano Giuliano. en 1478, y en su lugar se completó como regalo de bodas para Lorenzo di Pierfrancesco. [7] [62]
Con frecuencia se sugiere que Lorenzo di Pierfrancesco es el modelo de Mercurio en el retrato, y que su novia Semiramide está representada como Flora (o Venus). [53] En teorías más antiguas, que sitúan la pintura en la década de 1470, se propuso que el modelo de Venus fuera Simonetta Vespucci , esposa de Marco Vespucci y, según la leyenda popular, amante de Giuliano de' Medici (de quien a veces también se dice que tuvo sido el modelo para Mercurio); [54] estas identificaciones dependen en gran medida de una fecha temprana, en la década de 1470, ya que ambos habían muerto en 1478. Simonetta era tía de Semiramide, la novia de Lorenzo. [63] Al resumir las muchas interpretaciones de la pintura, Leopold Ettlinger incluye "descender a lo ridículo: una pantomima wagneriana representada en memoria del asesinado Giuliano de' Medici y su amada Simonetta Vespucci con las nornas germánicas disfrazadas de las Gracias del Mediterráneo". [64]
Siempre que esta pintura y el Nacimiento de Venus se unieron en Castello, han permanecido juntos desde entonces. Permanecieron en Castello hasta 1815, cuando fueron trasladados a los Uffizi. Durante algunos años, hasta 1919, se conservaron en la Galleria dell'Accademia , otro museo gubernamental de Florencia. [65] Desde 1919, se exhibe en la Galería de los Uffizi de Florencia. Durante la campaña italiana de la Segunda Guerra Mundial, el cuadro se trasladó al castillo de Montegufoni, a unas diez millas al suroeste de Florencia, para protegerlo de los bombardeos en tiempos de guerra. [66]
Fue devuelto a la Galería de los Uffizi, donde permanece hasta el día de hoy. En 1978 el cuadro fue restaurado . [67] La obra se ha oscurecido considerablemente con el paso del tiempo. [45]
