Richard Kogan es profesor clínico de psiquiatría en el Centro Médico Weill Cornell de la ciudad de Nueva York ; codirector del Programa de Sexualidad Humana del Centro Médico; y director artístico del Programa de Música y Medicina de Weill Cornell. [1]
Kogan es concertista de piano . Ha desarrollado una serie de conferencias-recitales que exploran el papel de la música en la curación y la influencia de los factores psicológicos y las condiciones médicas en el trabajo creativo de los compositores . [2]
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Kogan es hijo de un gastroenterólogo de Elizabeth, Nueva Jersey , y el segundo de cinco hijos. [3] Comenzó a tocar el piano en 1961 a los 6 años. Pero el mundo médico nunca estuvo lejos de la vida familiar; su padre llevaba al niño a sus rondas médicas. [4] Su madre lo inscribió en la Juilliard School of Music preuniversitaria, donde estudió piano con Nadia Reisenberg . [3]
En la Universidad de Harvard , donde se especializó en música y completó un plan de estudios premédico, Kogan formó un trío con su amigo de Juilliard Yo-Yo Ma y el violinista Lynn Chang . [3] Después de obtener una licenciatura en 1977, fue a la Escuela de Medicina de Harvard bajo un plan especial de cinco años que le permitió viajar y realizar conciertos. [4]
Kogan recibió su título de médico en la Facultad de Medicina de Harvard en 1982. [3] Completó una residencia en psiquiatría y una beca académica en la Universidad de Nueva York . [1]
En 2001, Kogan presentó un simposio en la Asociación Estadounidense de Psiquiatría sobre enfermedades mentales y creatividad musical. La experiencia lo impulsó a emprender una nueva carrera. Lo convenció de que explorar la psique de los compositores lo convertía en un mejor intérprete de sus partituras y que comprender el papel de la creatividad en la vida de las personas lo convertía en un mejor psiquiatra. [2]
El papel de Kogan como director artístico del Programa de Música y Medicina de Weill Cornell le ha permitido permitir que estudiantes de medicina y médicos se dediquen, como él lo ha hecho, tanto a la medicina como a la música sin dejar ninguna de ellas atrás. [5]
Para sus conferencias-conciertos, Kogan selecciona compositores que tuvieron conflictos intrapsíquicos que afectaron sus procesos creativos y que escribieron para piano, para poder ilustrar sus puntos con ejemplos musicales. [6]
A menudo aprovecha un aniversario para examinar a un compositor en particular. En 2006, exploró la mente y la música de Mozart en el 250 aniversario de su nacimiento. En 2007, habló de Leonard Bernstein en el 50 aniversario del estreno mundial de West Side Story . En 2010, habló de Chopin en el bicentenario de su nacimiento. [6]
Cuando se le preguntó si es posible diagnosticar afecciones psiquiátricas en compositores fallecidos, Kogan dijo:
La gente suele decir que no se puede diagnosticar a nadie sin haber tenido una entrevista personal con él, porque, en el mejor de los casos, se trata de conjeturas. Pero Chaikovski fue un prolífico escritor de cartas; escribió 1.400 a su patrón, y eran cartas muy íntimas. Era evidente que padecía un trastorno depresivo grave; Schumann era claramente bipolar. Beethoven era interesante; me ha resultado difícil dar con su diagnóstico. Tenía importantes problemas psicológicos con cambios bruscos de humor. Estaba indudablemente deprimido. Tenía pensamientos suicidas, aunque nunca intentó suicidarse. Y tenía un comportamiento psicótico claro y manifiesto, especialmente al final de su vida. Es difícil tener en cuenta en qué medida su comportamiento irregular y sus excentricidades se vieron influidos o exacerbados por su progresiva pérdida de audición. Cuando hablo de esto con el público, a menudo se me acercan y dicen: "He oído esta pieza un millón de veces, pero nunca la había oído así". No creo que se refieran a la singularidad de mi interpretación. Creo que están hablando de su comprensión de las fuerzas psicológicas e históricas que intervinieron para realizar esa pieza. [4]
Kogan ha dicho que muchos compositores famosos han tenido problemas mentales que parecen haber enriquecido y complicado su música, y ciertamente han complicado sus vidas. Entre ellos se destacan:
Ludwig van Beethoven (1770–1827): Su pérdida auditiva y su sífilis pueden haberle inducido una psicosis . [4] [7]
Frédéric Chopin (1810-1849): en exilio autoimpuesto de su amada Polonia ocupada; evidentemente sufriendo tuberculosis que le causaba enervación, agotamiento y una conciencia constante de la sombra de la muerte; y acosado por alucinaciones visuales (posiblemente producidas por epilepsia del lóbulo temporal ), Chopin, según Kogan, "no casualmente compuso la marcha fúnebre más famosa de la historia ". [8]
Robert Schumann (1810-1856): Los episodios maníacos en el curso de su trastorno bipolar le trajeron períodos de creatividad explosiva, pero murió en una institución mental por inanición. [4]
Peter Ilich Tchaikovsky (1840-1893): fue un homosexual reprimido en la Rusia zarista , estuvo profundamente deprimido durante muchos años y es posible que haya terminado su vida suicidándose. [4]
Scott Joplin (1867 o 1868 – 1917): el "rey del ragtime", nacido en la primera generación de afroamericanos nacidos libres después de la Guerra Civil. "Cuando escuchas piezas clásicas de ragtime y notas la tensión básica entre las líneas de base métricamente rígidas y las líneas melódicas cautivadoras y sincopadas, casi puedes oírlas como la lucha y el triunfo final de la libertad sobre la esclavitud". En 1916, Joplin tenía sífilis terciaria y la consiguiente locura; en enero de 1917 fue ingresado en una institución mental, donde pronto murió de demencia sifilítica a los 49 años. [9]
George Gershwin (1898-1937) de niño probablemente hoy hubiera sido diagnosticado con trastorno de conducta y trastorno por déficit de atención e hiperactividad . Más tarde en su vida, el psicoanálisis no pudo aliviar la depresión desencadenada por un tumor cerebral no diagnosticado , que lo mató a los 38 años. [10]
La vida de otros compositores, aunque también estuvo marcada por períodos de enfermedad mental, no terminó de manera tan trágica. Serguéi Rajmáninov (1873-1943), tras el desastroso estreno de su Sinfonía n.º 1 , sufrió una depresión severa durante tres años que le impidió componer. Después de que su psiquiatra, Nikolai Dahl (un músico aficionado), curara el bloqueo creativo de Rajmáninov mediante hipnosis y psicoterapia, el compositor produjo su célebre Concierto para piano n.º 2 , dedicado a Dahl. [11] [12] [13]
Kogan ha dicho que, si bien los escritores y artistas tienen trastornos del estado de ánimo en mayor proporción que la población general, la enfermedad mental no es un requisito previo para la creatividad . "Ha habido ejemplos de grandes compositores, como Bach, Haydn y Mendelssohn, que parecen haber estado relativamente libres de psicopatología significativa". [6]
Kogan, director de un programa sobre sexualidad humana, ve vínculos entre la música y la sexualidad humana:
Existe un vocabulario común entre ambos: fantasía, ritmo, armonía, clímax... Masters y Johnson intentaron definir las fases de la sexualidad con rigor científico: etapas de deseo, excitación, clímax y resolución. Muchas piezas musicales excelentes siguen el mismo arco. La música puede hacer que todos los presentes en la sala sientan lo mismo al mismo tiempo, y todos estarán de acuerdo en el clímax de la pieza. Los grandes compositores no te dan una gratificación inmediata; crean una expectativa y luego te desvían hacia otro lugar, de modo que cuando finalmente consigues la liberación, la resolución es más poderosa y más satisfactoria. Puede que exista un mecanismo básico que sea común a todos los placeres. [14]
Aunque se formó como músico clásico, Kogan ha dicho que tiene "un profundo aprecio por una amplia variedad de géneros musicales... En general, me opongo a las distinciones estilísticas arbitrarias. Estoy de acuerdo con el punto de vista de Duke Ellington , quien una vez dijo: 'Sólo hay dos tipos de música: buena música y mala música. Me gustan ambos tipos'". [6]
Kogan ha dicho que ha tenido al menos una docena de compositores favoritos, entre ellos Bach, Mozart, Beethoven, Schubert, Chopin, Brahms, Debussy, Stravinsky, Bartók y Shostakovich. "Mi compositor favorito parece ser aquel en cuyo mundo musical me he sumergido más profundamente en un momento dado". [6]
La resiliencia psicológica es la capacidad de recuperarse de acontecimientos traumáticos hasta el punto de que la vida de una persona vuelve a su nivel de funcionamiento anterior al trauma. En opinión de Kogan, la música puede fomentar el desarrollo de la resiliencia. [7]
Según Kogan, Ludwig van Beethoven es un ejemplo extraordinario de resiliencia. Cuando descubrió que se estaba quedando sordo, pensó en suicidarse, pero decidió no hacerlo y "de hecho se convirtió en un compositor mucho mejor después de quedarse sordo... no escuchaba la música escrita por sus contemporáneos como Haydn , con quien había estudiado de joven, por lo que estaba menos influenciado por las tradiciones dominantes y comenzó a... crear sonidos y formas que eran diferentes de todo lo que alguien había compuesto". [7]
Beethoven había sufrido traumas en su juventud. Su padre, alcohólico y profesor de música, era brutal con él. Cuando Beethoven no seguía sus instrucciones al pie de la letra, amenazaba con pegarle o incluso lo hacía. «Y nada enfurecía más a su padre que cuando Beethoven improvisaba, lo que el padre consideraba un acto inaceptable de rebelión». El muchacho, desesperadamente infeliz, se refugió en un mundo de música y fantasía: practicaba prodigiosamente, especialmente cuando su padre no estaba presente, y fantaseaba con que su padre no era su verdadero padre, sino que era, de hecho, el hijo ilegítimo del rey Federico Guillermo II de Prusia . [7]
Beethoven, que vivió aislado durante su infancia, se aisló aún más cuando se quedó sordo. En cierto modo, la sordera jugó a su favor. Antes de verse obligado a abandonar las actuaciones en público como uno de los pianistas más destacados de su época, se había sentido terriblemente frustrado por los pianos de su época, que eran instrumentos diminutos con muy poca resonancia. Una vez que se retiró a su mundo silencioso, conjuró los sonidos del piano de cola moderno . Su Sonata Appassionata nunca fue interpretada mientras vivió. "No tiene sentido en los pianos de su época", ha dicho Kogan. "En la Sonata, lo escuchas canalizando su rabia; pero el sonido del piano de cola moderno parecía ser casi esencial para la expresión de lo que estaba tratando de [transmitir]... Ocasionalmente, alguna persona 'auténtica' intentará [tocarla en un piano de su época], pero suena realmente extraño". [7]
En la mitad de su vida, Beethoven compuso música muy dramática, llena de heroísmo y nobleza. Hacia el final de su vida, cuando estaba completamente sordo y casi completamente aislado, "su forma de hacer música se volvió mucho más íntima, lírica, expresiva. Uno tiene la sensación de que la música que estaba creando era su propia manera de conectarse con el mundo exterior, era una manera de establecer algún tipo de intimidad que de otro modo faltaba en su vida. [E]n las sonatas para piano que escribió [hacia el final de su vida] desnuda su alma... No está expresando el tipo de furia que asola el cielo que expresó en la Appassionata . [Ahora] está revelando una vida de sufrimiento, pero está atemperada, creo, por la sabiduría". [7]
Al final de su vida, Beethoven padecía una serie de enfermedades crónicas, entre ellas cirrosis hepática , insuficiencia renal crónica , pancreatitis y fuertes dolores abdominales . Pero, según Kogan, este hombre, que necesitaba desesperadamente curarse a sí mismo, "estaba intentando curar al mundo... No estoy seguro de que haya habido alguna pieza musical... que haya curado más traumas mundiales que el final de la Novena Sinfonía de Beethoven ... la Oda a la Alegría ". [7]
Otro ejemplo de resiliencia que cita Kogan es Frédéric Chopin , que vivió toda la breve segunda mitad de su vida en Francia, en un exilio autoimpuesto de su amada Polonia. La represión del levantamiento polaco de noviembre de 1830 por parte del Imperio ruso lo sumió en tal desesperación que, en un cuaderno, se preguntó cómo Dios, si existía y no era ruso, podía permitir semejante calamidad. Chopin también volcó su angustia en composiciones como el Estudio revolucionario , que combina una sensación de pérdida palpable con una sensación de resistencia invencible. En esa pieza, Chopin, de 20 años, mostró su resiliencia al convertir su angustia en sanación interior a través de la expresión más verdadera de sus sentimientos. [8]
En medio del dolor del exilio de su amada familia y patria, Chopin continuó componiendo obras para piano en muchos géneros, incluyendo piezas inspiradas en una danza folclórica polaca , la mazurca (llamada así por la región de Mazovia , Mazowsze , de Polonia ), y en la majestuosa danza procesional aristocrática, la polonesa (llamada así por Polonia). Las escribió como una forma de demostrar la vitalidad continua de una Polonia que no existía como un estado soberano. Con sus versiones para piano más refinadas de música exclusivamente polaca, hizo que el mundo fuera consciente de la herencia musical de su patria al tiempo que extendía el alcance de esas formas. [8]
Además de la separación de su patria y de su familia durante toda su vida adulta, las graves condiciones médicas de Chopin —que evidentemente incluían tuberculosis y alucinaciones visuales perturbadoras (posiblemente producidas por la epilepsia del lóbulo temporal )— le causaron debilitamiento, agotamiento y la sombra constante de una muerte inminente. "Probablemente no fue una coincidencia", dice Kogan, "que este hombre que estuvo mortalmente enfermo durante gran parte de su corta vida compusiera la marcha fúnebre más famosa de la historia ". [8]
Kogan describe la indomable capacidad de recuperación de Chopin, su habilidad para “regresar”, una habilidad que, según Kogan, puede utilizarse para afrontar los desafíos más desalentadores de la vida de cualquier persona, sea cual sea su grado de talento. “La resiliencia es una habilidad”, afirma; “se puede practicar. Chopin exhibió muchos de sus componentes, incluida la disciplina. A pesar de su terrible salud, fluctuaciones de energía y debilidad, mantuvo un horario de trabajo muy disciplinado, componiendo, enseñando cinco horas al día y practicando”. Kogan ve un potencial especial para la curación psíquica y física en la música y en la formación musical. [8]
Cuando Sergei Rachmaninoff tenía nueve años y vivía con su familia en San Petersburgo , Rusia, el niño y su hermana mayor contrajeron difteria . Ella murió; y aunque él sobrevivió, la experiencia traumática lo dejó con un miedo a la muerte que lo acompañó toda su vida. [15]
A los 12 años, Rachmaninoff fue enviado a Moscú para asistir a un programa de educación pianística. El programa mejoró sus habilidades con el piano, pero profundizó su depresión. Sin embargo, descubrió que escribir música le permitía expresar sus emociones. En el Conservatorio de Moscú , sus habilidades fueron reconocidas por su ídolo, Pyotr Ilyich Tchaikovsky . Después de la muerte de Tchaikovsky en 1893, Rachmaninoff, que estaba decidido a estar a la altura de las expectativas que Tchaikovsky tenía de él, comenzó a escribir su Sinfonía n.º 1. [ 16]
Su estreno recibió malas críticas. La orquesta no había ensayado adecuadamente y el director, Aleksandr Glazunov , aparentemente había estado borracho durante la representación. Rajmáninov se sumió en una gran depresión y perdió su capacidad para componer. Finalmente, desesperado, consultó a un psiquiatra, Nikolai Dahl , que había curado a la tía de Rajmáninov de una afección psicosomática. [17]
Dahl, un violista amateur consumado , parece haber utilizado la terapia cognitiva para suprimir los pensamientos negativos que obstaculizaban la creatividad musical de Rachmaninoff. En cada sesión, también ponía al compositor en un trance hipnótico y repetía las mismas sugerencias poshipnóticas alentadoras . Dahl y su paciente se reunieron diariamente a partir de enero de 1900, y para ese abril el humor, el sueño y el apetito de Rachmaninoff habían mejorado notablemente. Comenzó a trabajar en una de las grandes obras de música clásica, su Concierto para piano n.º 2 , que dedicó con gratitud a Dahl. [18] Kogan percibe otro tributo a Dahl en la notable melodía del tercer movimiento introducida por las violas: "No creo que sea una coincidencia que el instrumento del Dr. Dahl fuera la viola". [19] "El Segundo Concierto para piano de Rachmaninoff... es el concierto para piano más popular jamás escrito... que fue dedicado a un psiquiatra". [20]
Tras la Revolución rusa de 1917, Rachmaninoff y su familia abandonaron Rusia y se establecieron en la ciudad de Nueva York, donde alcanzó un gran éxito como concertista de piano. Sin embargo, siguió atormentado por la depresión y su preocupación por la muerte no hizo más que aumentar con la edad. Hizo un uso creativo de esta preocupación al incluir el motivo del Dies irae en al menos 20 de sus obras. [21]
También desarrolló fobias a los extraños, la oscuridad y los animales pequeños. Reconoció abiertamente sus dolencias mentales. También desarrolló dolencias físicas que llevaron a su internista a aconsejarle que redujera sus conciertos. Rachmaninoff se negó: "Esta es mi única alegría, los conciertos... Si tengo un dolor, se me quita cuando estoy tocando... No, no puedo tocar menos... Es mejor morir en el escenario del concierto". [22]
Un ejemplo más reciente de un compositor especialmente resiliente que cita Kogan es George Gershwin . "Parte de lo fascinante de Gershwin es que creció en un hogar casi completamente sin música". Él y sus hermanos pasaron mucho tiempo vagando por las calles. "George robaba comida de los carritos, participaba regularmente en peleas a puñetazos e incluso prendía fuego en ocasiones. Perdió la virginidad con una niña a los nueve años. Era un niño hiperactivo que mostraba signos de trastorno de conducta". [10]
Pero a los 10 u 11 años, mientras hacía novillos en la escuela, Gershwin escuchó por casualidad un recital de violín de un compañero de estudios. "En ese momento", dice Kogan, "decidió que eso era lo que iba a hacer con el resto de su vida". [10]
"Gershwin podría haber sido diagnosticado con TDAH ", dice Kogan. "Hoy en día, un psiquiatra infantil podría haberle recetado Adderall o Ritalin , pero en el caso de Gershwin, sus problemas de conducta cesaron cuando descubrió la música". [10]
Gershwin convenció a sus padres para que le permitieran tomar clases de piano. Dedicó toda su considerable energía a una educación musical que abarcaba clásicos de Mozart, Schumann y Beethoven, pero también "inhalaba todas las melodías de Broadway y el jazz". Kogan afirma: "Solía decir que 'Estudiar piano convertía a un chico malo en un chico bueno'". [10]
A los 15 años, Gershwin abandonó la escuela y se fue a una editorial de Tin Pan Alley para promocionar las canciones de otras personas. A los 20 años, tuvo su propio éxito con Swanee , grabada por Al Jolson , quien había escuchado a Gershwin interpretarla en una fiesta. [10]
Kogan señala un viaje en tren que Gershwin y su hermano letrista Ira hicieron cuando el compositor tenía 25 años. Viajaban de Nueva York a Boston para la prueba de un musical llamado Sweet Little Devil . "En el camino, George dijo que prestó mucha atención al traqueteo del tren en las vías y los sonidos silbantes del tren en movimiento. Más tarde, afirmó que toda la construcción de Rhapsody in Blue se le reveló durante ese viaje". La pieza combina elementos de música clásica y jazz y fue terminada en apenas tres semanas. [10]
"Lo que otros podrían considerar ruido lo estimulaba", dice Kogan. Esto también se aplicaba a las bocinas de los taxis parisinos que influyeron en Un americano en París . "Algunos compositores insisten en el silencio absoluto, pero Gershwin componía con la ventana abierta". [10]
La hiperactividad que lo caracterizó cuando era joven persistió durante el resto de su vida. Se puede escuchar en su música. Esto, por ejemplo, en Rhapsody in Blue . [Kogan toca un pasaje de ritmo rápido en el piano.] Dígame: ¿podría haber sido escrita por alguien que no fuera hiperactivo? ¿Conoce esta canción? [Kogan toca un pasaje de Someone to Watch over Me .] Cuando Gershwin tocaba esta canción, sonaba más como esto. [Kogan toca el mismo pasaje a un ritmo acelerado.] La gente le preguntaba: "¿Por qué tocas todo de esa manera?". Él respondía: "Vivimos en una era de staccato [toque entrecortado, abrupto y distante], no de legato [toque suave y conectado]". Esta era la Era del Jazz, eran los locos años veinte. Pero creo que Gershwin vivía en un sistema nervioso central de staccato y no de legato. El Gershwin adulto no habría recibido un diagnóstico de TDAH [de un psiquiatra del siglo XXI]. De adulto, tenía una capacidad de atención excelente; ya no era propenso a la conducta impulsiva. Y, a diferencia de tantos niños con trastornos de conducta, no tenía tendencias antisociales ni sociopáticas de adulto. La vida de George Gershwin se transformó por completo gracias a su exposición a la música cuando era niño. La música no sólo lo curó, sino que lo hizo mejor que bien al liberar el genio creativo que llevaba dentro. [10]
Gershwin murió a los 38 años de un tumor cerebral . Los médicos no habían detectado los síntomas del tumor, que no fue diagnosticado hasta el día de su muerte. Había ido a un hospital, quejándose de dolores de cabeza, y cayó en coma . Más tarde se encontró un glioblastoma en su lóbulo temporal . Había estado mostrando síntomas: interrumpía los ensayos, se quejaba de oler basura quemada y tenía problemas de coordinación. Pero la gente puede haber pasado por alto los síntomas porque nunca dejó de trabajar; escribió música hasta la última semana de su vida. [10]
Kogan dice: “Lo que me fascina es lo que influye en la creatividad y la capacidad de la música para sanar y transformar vidas”. [10]
Cuando el Dr. Lloyd I. Sederer le preguntó sobre otras de sus preocupaciones, Kogan dijo que está tratando de desestigmatizar los trastornos mentales: si los genios pueden tener una enfermedad mental, entonces la enfermedad mental no debería ser considerada algo vergonzoso, especialmente si un trastorno mental es parte del proceso creativo e inspirador. [5] Kogan ha realizado numerosos conciertos benéficos para organizaciones como la Alianza Nacional sobre Enfermedades Mentales (NAMI).
Hay algunas evidencias epidemiológicas de que la incidencia de enfermedades psiquiátricas, en particular los trastornos del estado de ánimo , es mayor en poblaciones de escritores, poetas, artistas y músicos que en la población general. A lo largo de la historia, ha habido ejemplos de genios creativos que lucharon con enfermedades psiquiátricas: Robert Schumann , Tchaikovsky , Beethoven , Miguel Ángel , van Gogh , Tolstoi , Hemingway , Virginia Woolf , Sylvia Plath . Estos ejemplos pueden ser beneficiosos para los psiquiatras que buscan erradicar el estigma asociado con las enfermedades mentales, porque parece bastante perverso estigmatizar a un grupo cuyos miembros incluyen a algunos individuos que han hecho contribuciones tan inmensas a la civilización. [23]
En psiquiatría , el paradigma general es el modelo biopsicosocial . Este modelo sostiene que la mente , centrada en el cerebro , es una parte integral del cuerpo y que tanto la mente como el cuerpo también interactúan con el entorno social . Cada uno de los tres factores ( biología , psique y sociedad) interactúa con los demás y los afecta.
Kogan dice que escuchar o tocar música reduce los niveles de estrés al liberar la hormona cortisol , [24] y puede reducir el dolor . [25]
La música refuerza la inmunidad y libera dopamina , un neurotransmisor cerebral que también se libera durante otras actividades placenteras como el sexo o comer buena comida. [24]
La música beneficia a los pacientes cardíacos al reducir la presión arterial alta ; en pacientes con accidente cerebrovascular , ayuda a restablecer el habla y las funciones motoras; y en los ancianos ayuda a detener el deterioro cognitivo. [24] La música puede mejorar el funcionamiento motor de las personas con enfermedad de Parkinson . [25]
"La música debe formar parte de las técnicas de curación que adopte un psiquiatra", afirma Kogan. "No debería sustituir a la medicina tradicional, sino más bien complementarla. Tenemos que incorporarla a la terapia tradicional, ya que acelera la recuperación". [24]
Kogan recomienda a sus pacientes que no se limiten a escuchar música, sino que la creen ellos mismos. [24]
"Recomiendo especialmente escuchar o jugar en comunidad, donde todo el grupo disfruta en lugar de simplemente sintonizar iPods y otros aparatos". [24]
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