Joan Miró i Ferrà ( / m ɪ ˈ r oʊ / mi- ROH , [ 1] US también / m iː ˈ r oʊ / mee- ROH , [2] [3] catalán: [ʒuˈan miˈɾoj fəˈra] ; 20 de abril de 1893 – 25 de diciembre de 1983) fue un pintor, escultor y ceramista español catalán . Un museo dedicado a su obra, la Fundació Joan Miró , se creó en su ciudad natal de Barcelona en 1975, y otro, la Fundació Pilar i Joan Miró , se creó en su ciudad adoptiva de Palma en 1981.
Su obra, que obtuvo reconocimiento internacional, ha sido interpretada como surrealista , pero con un estilo personal, que en ocasiones también se acerca al fauvismo y al expresionismo . [4] Se destacó por su interés en el inconsciente o la mente subconsciente , reflejado en su recreación de lo infantil. Sus obras difíciles de clasificar también tenían una manifestación de orgullo catalán . En numerosas entrevistas que datan de la década de 1930 en adelante, Miró expresó su desprecio por los métodos de pintura convencionales como una forma de apoyar a la sociedad burguesa y declaró un "asesinato de la pintura" a favor de alterar los elementos visuales de la pintura establecida. [5]
Nacido en una familia de orfebre y relojero, Miquel Miró Adzerias, y madre Dolores Ferrà., [6] Miró creció en el barrio Barri Gòtic de Barcelona. [7] El apellido Miró indica algunas posibles raíces judías (en términos de judíos ibéricos marranos o conversos que se convirtieron al cristianismo ). [8] [9] Comenzó clases de dibujo a la edad de siete años en una escuela privada en Carrer del Regomir 13, una mansión medieval. Para consternación de su padre, se inscribió en la academia de bellas artes de La Llotja en 1907. Estudió en el Cercle Artístic de Sant Lluc [10] y tuvo su primera exposición individual en 1918 en las Galeries Dalmau , [11] donde su trabajo fue ridiculizado y desfigurado. [12] Inspirado por las exposiciones fauvistas y cubistas en Barcelona y en el extranjero, Miró se sintió atraído por la comunidad artística que se estaba reuniendo en Montparnasse y en 1920 se mudó a París, pero continuó pasando sus veranos en Cataluña . [7] [13] [14] [15]
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Miró asistió inicialmente a la escuela de negocios, así como a la escuela de arte. Comenzó su carrera laboral como empleado cuando era un adolescente, aunque abandonó el mundo de los negocios por completo para dedicarse al arte después de sufrir una crisis nerviosa. [18] Su arte temprano, como el de los fauvistas y cubistas con influencias similares, se inspiró en Vincent van Gogh y Paul Cézanne . La semejanza de la obra de Miró con la de la generación intermedia de la vanguardia ha llevado a los académicos a denominar a este período como su período fauvista catalán. [19]
Unos años después de la exposición individual de Miró en Barcelona de 1918, [11] se instaló en París, donde terminó una serie de pinturas que había comenzado en la casa de verano y granja de sus padres en Mont-roig del Camp . Una de esas pinturas, La granja , mostró una transición hacia un estilo de pintura más individual y ciertas cualidades nacionalistas. Ernest Hemingway , quien más tarde compró la pieza, la describió diciendo: "Tiene todo lo que sientes sobre España cuando estás allí y todo lo que sientes cuando estás lejos y no puedes ir allí. Nadie más ha sido capaz de pintar estas dos cosas tan opuestas". [20] Miró regresó anualmente a Mont-roig y desarrolló un simbolismo y un nacionalismo que lo acompañarían a lo largo de su carrera. Dos de las primeras obras de Miró clasificadas como surrealistas, Paisaje catalán (El cazador) y El campo cultivado , [21] emplean el lenguaje simbólico que dominaría el arte de la década siguiente. [22]
Josep Dalmau organizó la primera exposición individual parisina de Miró, en la Galerie la Licorne en 1921. [13] [23] [24]
En 1924, Miró se unió al grupo surrealista. La naturaleza simbólica y poética de la obra de Miró, así como las dualidades y contradicciones inherentes a ella, encajaban bien en el contexto del automatismo onírico propugnado por el grupo. Gran parte de la obra de Miró perdió la falta de foco caótica y desordenada que había definido su obra hasta entonces, y experimentó con el collage y el proceso de pintura dentro de su obra para rechazar el encuadre que proporcionaba la pintura tradicional. Esta actitud antagónica hacia la pintura se manifestó cuando Miró se refirió a su obra en 1924 ambiguamente como "x" en una carta a su amigo poeta Michel Leiris . [25] Las pinturas que surgieron de este período finalmente fueron denominadas las pinturas de sueños de Miró.
Sin embargo, Miró no abandonó por completo la temática. A pesar de las técnicas automáticas surrealistas que empleó ampliamente en la década de 1920, los bocetos muestran que su obra era a menudo el resultado de un proceso metódico. La obra de Miró rara vez se sumergió en la no objetividad, manteniendo un lenguaje simbólico y esquemático. Esto fue quizás más prominente en la serie repetida Cabeza de campesino catalán de 1924 a 1925. En 1926, colaboró con Max Ernst en diseños para el empresario de ballet Sergei Diaghilev .
Miró volvió a una forma de pintura más figurativa con Los interiores holandeses de 1928. Realizadas a partir de obras de Hendrik Martenszoon Sorgh y Jan Steen vistas como reproducciones de postales, las pinturas revelan la influencia de un viaje a Holanda realizado por el artista. [27] Estas pinturas tienen más en común con Campo labrado o Carnaval de Arlequín que con las pinturas de sueños minimalistas producidas unos años antes.
Miró se casó con Pilar Juncosa en Palma ( Mallorca ) el 12 de octubre de 1929. Su hija, María Dolores Miró , nació el 17 de julio de 1930. En 1931, Pierre Matisse abrió una galería de arte en la ciudad de Nueva York. La Pierre Matisse Gallery (que existió hasta la muerte de Matisse en 1989) se convirtió en una parte influyente del movimiento de arte moderno en Estados Unidos. Desde el principio, Matisse representó a Joan Miró e introdujo su obra en el mercado de los Estados Unidos exhibiendo con frecuencia la obra de Miró en Nueva York. [28] [29]
En 1932 creó un diseño escénico para el ballet Jeux d'enfants [ru] de Massine en el Ballet Russe de Monte-Carlo .
Hasta el estallido de la Guerra Civil Española , Miró regresaba habitualmente a España en los veranos. Una vez que comenzó la guerra, no pudo regresar a casa. A diferencia de muchos de sus contemporáneos surrealistas, Miró había preferido mantenerse alejado de los comentarios explícitamente políticos en su obra. Aunque un sentido de nacionalismo (catalán) impregnaba sus primeros paisajes surrealistas y Cabeza de campesino catalán , no fue hasta que el gobierno republicano de España le encargó pintar el mural El segador , para el Pabellón Republicano Español en la Exposición de París de 1937 , que la obra de Miró adquirió un significado políticamente cargado. [30]
En 1939, ante la inminente invasión alemana de Francia, Miró se trasladó a Varengeville, en Normandía, y el 20 de mayo del año siguiente, cuando los alemanes invadieron París, huyó por poco a España (ahora controlada por Francisco Franco) durante el gobierno del régimen de Vichy. [31] En Varengeville, Palma y Mont-roig, entre 1940 y 1941, Miró creó la serie de veintitrés gouache Constelaciones . Girando en torno al simbolismo celestial , Constelaciones le valió al artista el elogio de André Breton , quien diecisiete años después escribió una serie de poemas, que llevan el nombre de la serie de Miró y están inspirados en ella. [32] Las características de esta obra revelaron un enfoque cambiante hacia los temas de las mujeres, los pájaros y la luna, que dominarían su iconografía durante gran parte del resto de su carrera.
Shuzo Takiguchi publicó la primera monografía sobre Miró en 1940. Entre 1948 y 1949, Miró vivió en Barcelona y viajó con frecuencia a París para trabajar en técnicas de impresión en los estudios Mourlot y en el Atelier Lacourière . Entabló una estrecha relación con Fernand Mourlot que dio como resultado la producción de más de mil ediciones litográficas diferentes.
En 1959, André Breton le pidió a Miró que representara a España en la exposición Homenaje al surrealismo junto a Enrique Tábara , Salvador Dalí y Eugenio Granell . Miró creó una serie de esculturas y cerámicas para el jardín de la Fundación Maeght en Saint-Paul-de-Vence , Francia, que se completó en 1964.
En 1974, Miró creó un tapiz para el World Trade Center de la ciudad de Nueva York junto con el artista catalán Josep Royo . Inicialmente se había negado a hacer un tapiz, luego aprendió el oficio de Royo y los dos artistas produjeron varias obras juntos. Su tapiz del World Trade Center se exhibió en el edificio [33] y fue una de las obras de arte más caras perdidas durante los ataques del 11 de septiembre . [34] [35]
En 1977, Miró y Royo terminaron un tapiz para ser exhibido en la Galería Nacional de Arte en Washington, DC. [36] [37]
En 1981 se inauguró El sol, la luna y una estrella de Miró , que más tarde se rebautizó como Chicago de Miró . Esta gran escultura de técnica mixta está situada al aire libre en la zona del centro de Chicago, frente a otra gran escultura pública, el Picasso de Chicago . Miró había creado un modelo de bronce de El sol, la luna y una estrella en 1967. La maqueta se encuentra ahora en el Museo de Arte de Milwaukee .
En 1979 Miró recibió el doctorado honoris causa por la Universidad de Barcelona . El artista, que padecía una insuficiencia cardíaca, falleció en su casa de Palma ( Mallorca ) el 25 de diciembre de 1983 a los 90 años. [38] Posteriormente fue enterrado en el cementerio de Montjuïc de Barcelona.
Miró tuvo muchos episodios de depresión a lo largo de su vida. [39] Experimentó su primera depresión cuando tenía 18 años en 1911. [40] [41] Miró dijo: Estaba desmoralizado y sufrí una depresión grave. Caí muy enfermo y estuve tres meses en cama . [42]
Utilizaba la pintura como una forma de lidiar con la depresión, y supuestamente lo hacía más tranquilo y sus pensamientos menos oscuros. Miró decía que sin pintar se volvía muy depresivo, sombrío y me surgían "ideas negras", y no sabía qué hacer conmigo mismo . [43]
Su estado mental es visible en su cuadro Carnaval del Arlequín. Trató de pintar el caos que experimentaba en su mente, la desesperación de querer dejar atrás ese caos y el dolor creado por ello. Miró pintó aquí el símbolo de la escalera, que también es visible en muchos otros cuadros posteriores a este. Se supone que simboliza la huida. [44]
La relación entre la creatividad y las enfermedades mentales ha sido muy estudiada. [45] Se ha argumentado que las personas creativas tienen una mayor probabilidad de sufrir una enfermedad maníaco-depresiva o esquizofrenia, así como una mayor probabilidad de transmitirla genéticamente. [46] Aunque sabemos que Miró sufría de depresión episódica, no se sabe con certeza si también experimentó episodios maníacos, lo que a menudo se conoce como trastorno bipolar. [47]
Entre sus primeras obras modernistas se encuentran Retrato de Vincent Nubiola (1917), Siurana (El camino) , Nord-Sud (1917) y Pintura de Toledo . Estas obras muestran la influencia de Cézanne , y llenan el lienzo con una superficie colorida y un tratamiento más pictórico que el estilo de bordes duros de la mayoría de sus obras posteriores. En Nord-Sud , el periódico literario de ese nombre aparece en la naturaleza muerta, un recurso compositivo común en las composiciones cubistas, pero también una referencia a los intereses literarios y vanguardistas del pintor. [48]
A partir de 1920, Miró desarrolló un estilo muy preciso, seleccionando cada elemento de forma aislada y detallada y ordenándolos en una composición deliberada. Estas obras, entre las que se incluyen Casa con palmera (1918), Desnudo con espejo (1919), Caballo, pipa y flor roja (1920) y La mesa: naturaleza muerta con conejo (1920), muestran la clara influencia del cubismo , aunque de forma contenida, ya que se aplica solo a una parte del tema. Por ejemplo, La mujer del granjero (1922-23) es realista, pero algunas secciones están estilizadas o deformadas, como el tratamiento de los pies de la mujer, que están agrandados y aplanados. [49]
La culminación de este estilo fue La granja (1921-22). La escena rural catalana que representa se ve reforzada por un periódico francés de vanguardia en el centro, lo que demuestra que Miró ve esta obra transformada por las teorías modernistas a las que había estado expuesto en París. La concentración en cada elemento como igualmente importante fue un paso clave hacia la generación de un signo pictórico para cada elemento. El fondo se representa en áreas simples planas o estampadas, lo que resalta la separación de la figura y el fondo, que se volvería importante en su estilo maduro.
Miró hizo muchos intentos de promover esta obra, pero sus colegas surrealistas la encontraron demasiado realista y aparentemente convencional, por lo que pronto recurrió a un enfoque más explícitamente surrealista. [50]
En 1922, Miró exploró el surrealismo abstracto y fuertemente coloreado en al menos una pintura. [51] A partir del verano de 1923 en Mont-roig, Miró comenzó una serie clave de pinturas donde predominan los signos pictóricos abstractos, en lugar de las representaciones realistas utilizadas en La granja. En El campo cultivado , Paisaje catalán (El cazador) y Pastoral (1923-24), estas formas y líneas planas (en su mayoría negras o fuertemente coloreadas) sugieren los sujetos, a veces de manera bastante críptica. Para Paisaje catalán (El cazador) , Miró representa al cazador con una combinación de signos: un triángulo para la cabeza, líneas curvas para el bigote, líneas angulares para el cuerpo. Esta obra está tan codificada que en un momento posterior Miró proporcionó una explicación precisa de los signos utilizados. [52]
A mediados de la década de 1920, Miró desarrolló el lenguaje de signos pictórico que sería central a lo largo del resto de su carrera. En El carnaval de Arlequín (1924-25), hay una clara continuación de la línea iniciada con El campo labrado . Pero en obras posteriores, como La felicidad de amar a mi morena (1925) y Pintura (Fratellini) (1927), hay muchas menos figuras en primer plano, y las que quedan están simplificadas.
Poco después, Miró también comenzó su serie de obras Bailarina española . Estos collages sencillos eran como un contrapunto conceptual a sus pinturas. En Bailarina española (1928) combina un corcho, una pluma y un alfiler de sombrero sobre una hoja de papel en blanco. [50]
Miró creó más de 250 libros ilustrados. [53] Estos fueron conocidos como " Livres d' Artiste ". Una de estas obras fue publicada en 1974, a instancias de la viuda del poeta francés Robert Desnos , titulada Les pénalités de l'enfer ou les nouvelles Hébrides ("Las penas del infierno o Las nuevas Hébridas"). Era un conjunto de 25 litografías, cinco en negro y las demás en colores.
En 2006, el libro se exhibió en la exposición "Joan Miró, Illustrated Books" del Museo de Arte de Vero Beach. Un crítico dijo que se trata de "un conjunto especialmente poderoso, no solo por la riqueza de las imágenes, sino también por la historia que hay detrás de la creación del libro. Las litografías son verticales largas y estrechas, y si bien presentan las formas familiares de Miró, hay un énfasis inusual en la textura". El crítico continuó: "Me sentí inmediatamente atraído por estos cuatro grabados, por una exuberancia emocional que contrasta con las superficies frías de gran parte de la obra de Miró. Su intensidad es aún mayor, creo, cuando lees cómo surgieron. El artista conoció y se hizo amigo de Desnos, quizás el escritor surrealista más querido e influyente, en 1925, y en poco tiempo, hicieron planes para colaborar en un livre d'artiste . Esos planes se suspendieron debido a la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial . La audaz crítica de Desnos a este último lo llevó a ser encarcelado en Auschwitz , y murió a los 45 años poco después de su liberación en 1945. Casi tres décadas después, por sugerencia de la viuda de Desnos, Miró se propuso ilustrar el manuscrito del poeta. Fue su primera obra en prosa, que fue escrita en Marruecos en 1922, pero permaneció inédita hasta esta colaboración póstuma". [ Esta cita necesita una cita ]
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En París, bajo la influencia de poetas y escritores, desarrolló su estilo único: formas orgánicas y planos pictóricos aplanados dibujados con una línea nítida. Generalmente considerado surrealista debido a su interés en el automatismo y el uso de símbolos sexuales (por ejemplo, ovoides con líneas onduladas que emanan de ellos), el estilo de Miró estuvo influenciado en diversos grados por el surrealismo y el dadaísmo , [18] sin embargo, rechazó la pertenencia a cualquier movimiento artístico en los años europeos de entreguerras. André Breton lo describió como "el más surrealista de todos nosotros". Miró confesó haber creado una de sus obras más famosas, El carnaval de Arlequín , en circunstancias similares:
¿Cómo se me ocurrían los dibujos y las ideas para pintar? Bueno, llegaba a mi estudio de París en la Rue Blomet por la noche, me acostaba y, a veces, no cenaba. Veía cosas y las anotaba en un cuaderno. Veía formas en el techo... [54]
Los orígenes surrealistas de Miró surgieron de la "represión", al igual que toda la obra surrealista y de realismo mágico española, especialmente debido a su etnia catalana , que fue objeto de una persecución especial por parte del régimen franquista. Se inspiró en el arte popular catalán, como los siurells , que afirmaba "observar constantemente". [55] Además, Joan Miró conocía bien el arte vudú haitiano y la santería cubana a través de sus viajes antes de exiliarse. Esto lo llevó a su estilo característico de creación artística. [ cita requerida ]
Joan Miró fue uno de los primeros artistas en desarrollar el dibujo automático como una forma de deshacer las técnicas establecidas previamente en la pintura y, por lo tanto, junto con André Masson , representó el comienzo del surrealismo como movimiento artístico. Sin embargo, Miró decidió no convertirse en un miembro oficial de los surrealistas para tener libertad para experimentar con otros estilos artísticos sin comprometer su posición dentro del grupo. Persiguió sus propios intereses en el mundo del arte, que abarcaban desde el dibujo automático y el surrealismo , hasta el expresionismo , la abstracción lírica y la pintura de campos de color . La pintura en cuatro dimensiones fue un tipo teórico de pintura que Miró propuso en el que la pintura trascendería su bidimensionalidad e incluso la tridimensionalidad de la escultura. [ cita requerida ] [56]
El interés de Miró por el asesinato de la pintura, tan citado a menudo , se deriva de su aversión por el arte burgués , que creía que se utilizaba como forma de promover la propaganda y la identidad cultural entre los ricos. En concreto, Miró respondió de esta manera al cubismo, que en el momento de su cita ya se había convertido en una forma de arte establecida en Francia. Se le cita diciendo "Voy a romperles la guitarra", refiriéndose a las pinturas de Picasso , con la intención de atacar la popularidad y la apropiación del arte de Picasso por parte de la política. [57]
El espectáculo del cielo me sobrecoge. Me sobrecoge ver, en un cielo inmenso, la medialuna de la luna o el sol. Allí, en mis cuadros, pequeñas formas en enormes espacios vacíos. Espacios vacíos, horizontes vacíos, llanuras vacías: todo lo que está desnudo siempre me ha impresionado mucho. —Joan Miró, 1958, citado en Artistas del siglo XX sobre el arte
En una entrevista con el biógrafo Walter Erben, Miró expresó su desagrado por los críticos de arte , diciendo que "están más interesados en ser filósofos que en cualquier otra cosa. Forman una opinión preconcebida, luego miran la obra de arte. La pintura simplemente sirve como un manto en el que envolver sus demacrados sistemas filosóficos". [55]
En las últimas décadas de su vida, Miró aceleró su trabajo en diferentes medios y produjo cientos de cerámicas, entre ellas el Muro de la Luna y el Muro del Sol en el edificio de la UNESCO en París. También realizó pinturas temporales sobre vidrieras (sobre vidrio) para una exposición. En los últimos años de su vida, Miró escribió sus ideas más radicales y menos conocidas, explorando las posibilidades de la escultura de gas y la pintura en cuatro dimensiones.
A lo largo de la década de 1960, Miró fue un artista destacado en muchas exposiciones de salón organizadas por la Fundación Maeght que también incluyeron obras de Marc Chagall , Giacometti , Brach, Cesar, Ubac y Tal-Coat .
Las grandes retrospectivas dedicadas a Miró en su vejez en lugares como Nueva York (1972), Londres (1972), Saint-Paul-de-Vence (1973) y París (1974) fueron un buen indicio del reconocimiento internacional que había crecido de forma constante durante el medio siglo anterior; otras grandes retrospectivas tuvieron lugar póstumamente. Los cambios políticos en su país natal llevaron en 1978 a la primera exposición completa de su pintura y obra gráfica, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. En 1993, año del centenario de su nacimiento, se celebraron varias exposiciones, entre las que destacan las celebradas en la Fundació Joan Miró de Barcelona, el Museum of Modern Art de Nueva York, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y la Galerie Lelong de París. [58] En 2011, la Tate Modern de Londres montó otra retrospectiva que viajó a la Fundació Joan Miró y a la National Gallery of Art de Washington, DC. Joan Miró, Printmaking , Fundación Joan Miró (2013). Y dos exposiciones en 2014, Miró: From Earth to Sky en el Museo Albertina y Masterpieces from the Kunsthaus Zürich , National Art Center, Tokio.
Las exposiciones tituladas Joan Miró: Instinct & Imagination y "Miró: The Experience of Seeing" se llevaron a cabo en el Denver Art Museum del 22 de marzo al 28 de junio de 2015 y en el McNay Art Museum del 30 de septiembre de 2015 al 10 de enero de 2016 (respectivamente), mostrando obras realizadas por Miró entre 1963 y 1981, cedidas por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid. [59] [60] [61] [62] [63] En 2018, se exhibió junto a, entre otros, Henri Matisse , Le Corbusier , Raymond Hains y Éric Sandillon en el Museo de Artes Decorativas y Diseño de Riga , Letonia . [64] [65] [66] [67] Esta exposición, titulada " Color de los gobelinos: gobelinos contemporáneos de la colección 'Mobilier national' en Francia ", tuvo lugar durante la sexta edición del Arte Textil de Riga. [64] [65] [66] [67]
En la primavera de 2019, el Museo de Arte Moderno de Nueva York inauguró Joan Miró: el nacimiento del mundo. [68] La exposición, que estará abierta hasta julio de 2019, exhibe 60 obras de los inicios de la carrera de Miró, incluida la influencia de las Guerras Mundiales. La exposición incluye lienzos de 60 pies y pinturas más pequeñas de 8 pies, y las influencias van desde el cubismo hasta la abstracción. [69]
Miró ha sido una influencia significativa en el arte de finales del siglo XX, en particular en los artistas expresionistas abstractos estadounidenses que incluyen a: Motherwell , Calder , Gorky , Pollock , Matta y Rothko , mientras que sus abstracciones líricas [70] y pinturas de campos de color fueron precursoras de ese estilo por artistas como Helen Frankenthaler , Olitski y Louis y otros. [71] Su trabajo también ha influido en los diseñadores modernos, incluidos Paul Rand [72] y Lucienne Day , [73] [ ¿fuente autoeditada? ] e influyó en pintores recientes como Julian Hatton . [74]
Una de las fotografías de Man Ray de la década de 1930, Miró con cuerda , muestra al pintor con una cuerda colocada sobre una pared y fue publicada en la obra surrealista de un solo número Minotaure .
En 2002, el percusionista y compositor estadounidense Bobby Previte lanzó el álbum The 23 Constellations of Joan Miró en Tzadik Records . Inspirado por la serie Constellations de Miró , Previte compuso una serie de piezas cortas (ninguna de más de 3 minutos) para que coincidieran con el pequeño tamaño de las pinturas de Miró. Las composiciones de Privete para un conjunto de hasta diez músicos fueron descritas por los críticos como "poco convencionales, ligeras, etéreas y oníricas". [75]
En 1954 recibió el premio de grabado de la Bienal de Venecia y en 1958 el Premio Internacional Guggenheim. [18] [76]
En 1981, el Ayuntamiento de Palma ( Mallorca ) creó la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca , ubicada en los cuatro estudios que Miró había donado para tal fin. [77]
En octubre de 2018, el Grand Palais de París inauguró la mayor retrospectiva dedicada al artista hasta la fecha. La exposición incluyó cerca de 150 obras y estuvo comisariada por Jean Louis Prat. [78]
En la actualidad, las pinturas de Miró se venden por entre 250.000 y 26 millones de dólares; 17 millones de dólares en una subasta en Estados Unidos por La Caresse des étoiles (1938) el 6 de mayo de 2008, en ese momento la cantidad más alta pagada por una de sus obras. [79] En 2012, Painting-Poem ("le corps de ma brune puisque je l'aime comme ma chatte habillée en vert salade comme de la grêle c'est pareil") (1925) se vendió en Christie's Londres por 26,6 millones de dólares. [80] Más tarde ese año en Sotheby's en Londres, Peinture (Etoile Bleue) (1927) obtuvo casi 23,6 millones de libras con honorarios, más del doble de lo que se había vendido en una subasta de París en 2007 y un precio récord para el artista en una subasta. [81] [82] El 21 de junio de 2017, la obra Femme et Oiseaux (1940), una de sus Constelaciones , se vendió en Sotheby's Londres por 24.571.250 GBP. [83]
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