Masaaki Yuasa (湯浅 政明, Yuasa Masaaki , nacido el 16 de marzo de 1965) es un director, guionista y animador japonés afiliado a Science SARU , un estudio de animación japonés que cofundó con el productor Eunyoung Choi en 2013. Yuasa se desempeñó anteriormente como presidente de Science SARU, pero renunció a este cargo en 2020. [1] [2] Reconocido por su estilo artístico idiosincrásico y su voz de director, Yuasa comenzó su carrera como animador en las históricas series de televisión Chibi Maruko-chan (1990-1992) y Crayon Shin-chan (1992-presente), [3] antes de pasar a dirigir con el largometraje Mind Game (2004) y desarrollar un atractivo de culto . [4]
Yuasa pasó gran parte de la década de 2000 y principios de la de 2010 trabajando en la dirección de televisión, dirigiendo un trío de series, Kemonozume (2006), Kaiba (2008) y The Tatami Galaxy (2010), antes de lanzar el cortometraje financiado colectivamente Kick-Heart (2013). [5] Durante la producción de Kick-Heart , Choi propuso la creación de Science SARU, [6] y las obras resultantes creadas en el estudio, combinadas con una mayor distribución internacional, llevaron a grandes éxitos en la década de 2010 y vieron a Yuasa ascender a la fama como uno de los principales creadores independientes de Japón. [7] [8] En Science SARU, Yuasa se centró en dirigir producciones tanto para televisión como para largometrajes, comenzando con un episodio de la serie animada estadounidense Adventure Time (2014), [9] y continuando con Ping Pong the Animation (2014), [10] Night Is Short, Walk On Girl (2017), [11] Lu Over the Wall (2017), [12] Devilman Crybaby (2018), [13] Ride Your Wave (2019), [14] Super Shiro (2019), [15] Keep Your Hands Off Eizouken! (2020), [16] Japan Sinks: 2020 (2020), [17] e Inu-Oh (2021). [18]
Las producciones de Yuasa han ganado elogios de la crítica internacional, recibiendo premios de Annecy , [19] [20] el Premio de Cine de la Academia de Japón , [21] los Premios de Cine Mainichi , [22] [23] y el Festival de Artes Mediáticas de Japón . [24] [25] [26] [27] En reconocimiento a sus logros profesionales colectivos, ha sido reconocido por el gobierno japonés y recibió la Medalla de Honor con Cinta Púrpura , así como el Premio del Ministro del Gabinete de la Agencia de Asuntos Culturales para las Bellas Artes de los Medios. [28] [29]
El último proyecto de Yuasa es el largometraje de drama musical Inu-Oh , que se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Venecia en septiembre de 2021 y se estrenó mundialmente en agosto de 2022. [30] [31]
Masaaki Yuasa nació el 16 de marzo de 1965 en Fukuoka , Japón. De niño, a Yuasa le gustaba la animación, y desde el jardín de infantes descubrió que podía entretener a sus compañeros de clase con sus dibujos. Cuando Yuasa estaba en su primer año de secundaria y pensaba que era hora de alejarse del anime y el manga, Space Battleship Yamato The Movie se estrenó en 1977, lo que desencadenó un gran auge del anime en Japón, [32] seguido en 1979 por el lanzamiento simultáneo de Lupin III: The Castle of Cagliostro de Hayao Miyazaki , Aim for the Ace! The Movie de Osamu Dezaki y Galaxy Express 999 The Movie de Rintaro y varias otras películas. [33] [34] Decidió seguir una carrera en la industria del manga/anime, alentado por la opinión pública (fuera cierta o no), incluidos los informes de periódicos y televisión de que la animación japonesa puede soportar la visualización de adultos . [33] [34] No tenía idea sobre la industria de la animación e inicialmente pensó en convertirse en un artista de manga. Sin embargo, cuando vio que los animadores eran tratados como estrellas como creadores en una sucesión de nuevas revistas de animación, decidió que quería convertirse en animador. [33] [34] [35] Luego estudió diseño en la escuela secundaria y se especializó en pintura al óleo en el departamento de arte de la Universidad Kyushu Sangyo. [33] [34] Durante sus años universitarios, Yuasa temía no poder ganarse la vida como animador, pero continuó estudiando animación televisiva a medida que se transmitía y se familiarizó con animadores cuyos estilos personales resonaban con él. [32]
En su juventud, Yuasa se sintió atraído inicialmente por las series de animación televisivas Mazinger Z (1972-1974) y Space Battleship Yamato (1974-1975). Una influencia crucial que llevó a Yuasa a trabajar en la industria fue el debut cinematográfico de Hayao Miyazaki, Lupin III: El castillo de Cagliostro (1979). En la década de 1980, Yuasa comenzó a centrarse en el estudio de animadores individuales, a saber, Takashi Nakamura y su trabajo en Golden Warrior Gold Lightan (1981-1982). [32] También estudió animación internacional, con influencias particulares siendo las obras de Tex Avery , [4] la película británica Yellow Submarine (1968), The King and the Mockingbird (1980) del cineasta francés Paul Grimault , y el trabajo de animación de Glen Keane en la secuencia de lucha climática en The Fox and the Hound (1981). [36] Algunas de sus otras animaciones favoritas incluyen Unico en la Isla de la Magia (1983), [37] Wicked City (1987), [38] Aim for the Ace! (1979), Galaxy Express 999 (1979), Mazinger Z contra el Gran General de las Tinieblas (1974), Planeta fantástico (1973), Pinocho (1940), Sing (2016), Una noche en el ferrocarril galáctico (1985), Cómo entrenar a tu dragón (2010), [39] Los pantalones equivocados (1994), Gamba no Bouken (1972), Conan, el chico del futuro (1978), [40] Tensai Bakabon (1970), Lupin 3.ª parte I: Las aventuras clásicas (1971-1972), Tom y Jerry , Heidi, la chica de los Alpes (1974), Doraemon: La gran aventura de Nobita en el inframundo (1984), [41] El hombre que plantaba árboles (1987), Erizo en la niebla (1975), [42] 3000 leguas en Search of Mother (1976), Anne of Green Gables (1979), The Gutsy Frog (1972-1974), Doraemon: The Records of Nobita, Spaceblazer (1981), Kumo to Tulip (1943), The Animal Neighborhood Community (1941). [43] Fuera de la animación, Yuasa también estuvo influenciado por el arte de Salvador Dalí . [4]
Yuasa describió su proceso de inspiración:
Me inspiro en muchas cosas que veo, oigo, huelo y toco en la vida cotidiana... A menudo me inspiro incluso en imágenes muy modestas: un anuncio, un corte de una película, un movimiento de un anime, así como flores y hierbas sin nombre que florecen en la carretera, nubes, estrellas y lunas en el cielo. También me inspiro en lo que me interesa y siento en ese momento. Mi humilde deseo al crear anime es tener imágenes, conversaciones y escenas comunes sublimadas en obras de arte. [4]
Al graduarse, Yuasa buscó trabajo consultando anuncios de contratación publicados en la revista de animación Animage . Después de responder a un anuncio publicado por Ajia-do , el estudio lo contrató como animador intermedio . Yuasa inicialmente luchó y llegó a creer que le faltaba talento y, por lo tanto, no tenía futuro en el negocio. Después de una enfermedad, contempló dejarlo, pero al no tener una buena oportunidad para hacerlo, continuó. Un punto de inflexión clave en su percepción de sus habilidades artísticas se produjo durante su transición de dibujar animación intermedia, que requiere un trabajo de vida limpio y uniforme que sea consistente de un artista a otro, a dibujar animación clave , que establece las poses clave de movimiento y refleja mejor las sensibilidades individuales de movimiento de cada artista. El estilo de dibujo natural de Yuasa era rápido, intuitivo y tosco; carecía de las líneas finas enfatizadas para el intermedio. Como resultado, cuando Yuasa se convirtió en animador clave, pudo utilizar su estilo de línea más tosco para una mayor expresión personal y comenzó a hacerse un nombre. [32] Durante este tiempo, Yuasa también recibió aliento y consejos del cofundador de Ajia-do, Osamu Kobayashi , un animador veterano con décadas de experiencia. Kobayashi le dijo a Yuasa que no podía considerarse un maestro de la animación a menos que utilizara dibujos abstractos como parte de su movimiento; aunque estos fotogramas individuales no se distinguen en el desenfoque del movimiento completo, influyen inconscientemente en la percepción del espectador del movimiento y de la escena en su conjunto. El consejo se sincronizó con el propio estudio de Yuasa de las técnicas de animación internacionales y, cada vez más, las integró en su trabajo. Yuasa también recibió el asesoramiento de otro cofundador de Ajia-do, el animador y director Tsutomu Shibayama , quien sirvió como mentor y le dio orientación artística formativa. [36]
Yuasa obtuvo sus primeros créditos importantes como animador principal en 1990 en la histórica serie de televisión Chibi Maruko-chan (1990-1992), en la que Ajia-do trabajó como estudio subcontratista. [44] Basada en un manga popular, Chibi Maruko-chan fue un gran éxito y le brindó a Yuasa la oportunidad de perfeccionar sus habilidades. Su siguiente gran avance llegó con la película Chibi Maruko-chan: My Favorite Song (1992), en la que se le confiaron dos secuencias musicales. Yuasa hizo el storyboard de las secuencias, la primera vez que asumía esta responsabilidad, y pudo animarlas con su propio estilo característico; más tarde identificó estos segmentos como la primera vez que la apreciación de su trabajo por parte de otros artistas lo llevó a ver su propio trabajo como bueno. [32]
En 1992, el siguiente gran paso en la carrera de animación de Yuasa se produjo cuando se unió al equipo de producción de la serie de larga duración e inmensamente popular Crayon Shin-chan (1992-presente). Consistente en una serie de televisión, numerosos especiales de televisión y estrenos anuales de películas en cines, la franquicia Crayon Shin-chan se convirtió rápidamente en una empresa masiva con oportunidades de trabajo y producción continuas. Trabajando bajo la guía del director supervisor Mitsuru Hongo , Yuasa asumió una variedad de roles dentro de las muchas producciones de televisión y cine de la franquicia, incluyendo animación clave, guion gráfico, diseño de escenarios y fondos, diseño de utilería y vehículos, y contribución de conceptos e ideas de la historia. [45] Yuasa rápidamente se convirtió en un especialista en imaginar, diseñar y animar los clímax visuales inventivos de las películas anuales de Crayon Shin-chan , una práctica que continuó durante casi una década. [46] Fue durante su trabajo en Crayon Shin-chan que Yuasa por fin encontró placer en su trabajo artístico, [32] así como su primer deseo de convertirse en director. [45] Ese mismo año, Yuasa tuvo su primera oportunidad de dirigir con un episodio de la serie de animación en video original (OVA) Anime Rakugo Kan (1992). Yuasa dirigió el tercer episodio de la serie, titulado The Squash Seller . Estilísticamente, el episodio reflejó la admiración de Yuasa por la animación creada por Kobayashi y Shimoyama anteriormente en sus carreras, y por lo tanto tuvo una estética visual diferente a las obras posteriores de Yuasa. Más que un simple homenaje, el episodio reflejó una continuación del arte personal de Yuasa; aunque inicialmente pensó que desarrollaría un estilo completamente diferente, al final, incorporó elementos de la animación de Kobayashi y Shimoyama en la suya. [45] [47]
En 1994 se produjeron dos acontecimientos importantes en la carrera de animación de Yuasa: dejó Ajia-do para convertirse en animador independiente y participó como director de animación en el cuarto episodio de la histórica serie OVA The Hakkenden: A New Saga (1993-1995). [45] Basada en la novela histórica épica Nansō Satomi Hakkenden (1814-1842) y animada en un estilo serio y realista, The Hakkenden fue un desafío único para Yuasa, quien hasta ese momento había trabajado en obras de comedia con una estética visual suelta y fluida. Esto resultó en una desconfianza inicial hacia Yuasa por parte del equipo de producción de AIC , el estudio responsable de la serie. [32] Sin embargo, Yuasa había sido invitado a unirse a la producción por el director del episodio y animador inconformista Shinya Ohira , quien después de ver su trabajo en Crayon Shin-chan lo buscó y lo colocó en una posición de responsabilidad para supervisar la animación de su episodio de la serie, titulado Hamaji's Resurrection . [45] Aunque la producción fue caótica debido a un cronograma comprimido que no permitió tiempo suficiente para asegurar la coherencia visual tradicionalmente apreciada en la animación, el resultado fue un episodio distintivo con énfasis en el realismo, técnicas de cámara en movimiento y atención expresiva a los pequeños detalles de actuación de los personajes. Como resultado de este trabajo, Ohira colaboró con Yuasa en producciones posteriores. [48] Hamaji's Resurrection generó una conversación considerable dentro de la industria de la animación de Japón, fue citada como una de las producciones animadas japonesas más importantes de la década de 1990 y descrita como una obra maestra de la animación japonesa. [32] [49] [50]
Tras el éxito de Hamaji's Resurrection , Yuasa continuó trabajando como animador independiente durante el resto de la década de 1990, incluido su trabajo en el largometraje de Studio Ghibli Mis vecinos los Yamada (1999). Este trabajo independiente le trajo oportunidades adicionales de dirección y supervisión tempranas. Estas incluyeron la película piloto de televisión Vampiyan Kids (1999), que Yuasa dirigió y guionó; el cortometraje Slime Adventures: Yay, the Sea! (1999), basado en la popular franquicia Dragon Quest , que Yuasa dirigió; y el aclamado cortometraje Cat Soup (2001), en el que se desempeñó como guionista y productor de animación. [51] Cat Soup fue un éxito de crítica y ganó un Premio a la Excelencia en animación en el Festival de Artes de Medios de Japón . [52] El proyecto Cat Soup en particular sirvió como trampolín para que Yuasa pasara de lleno a la fase de dirección de su carrera. [53]
La oportunidad de Yuasa de dedicarse a la dirección de largometrajes llegó cuando Eiko Tanaka , cofundadora y directora ejecutiva de Studio 4 ° C , le pidió a Yuasa que adaptara el manga Mind Game de Robin Nishi . Aunque el manga era poco conocido por el público en general, varios miembros destacados del personal de Studio 4 ° C estaban apasionados por el título, y el cofundador del estudio Kōji Morimoto había presentado previamente a Yuasa la serie. Yuasa sintió que el material le convenía y aceptó dirigir el proyecto. [54] La producción utilizó una sensibilidad visual experimental, incorporando una variedad de estilos ilustrados e incluyendo el uso de imágenes de acción en vivo. Yuasa se inspiró para hacer uso de esta combinación de estilos para preservar la sensación del manga original, que fue dibujado en un estilo tosco y de gag visual. En palabras de Yuasa, "Quería que pareciera que no habíamos trabajado muy duro en él, aunque por supuesto lo habíamos hecho". [55] Aunque la historia de la película se mantuvo fiel a la del manga original, Yuasa realizó un cambio significativo: alteró el final para que fuera más positivo para todos los personajes, no solo para el protagonista. La intención de este cambio se reflejaría en los trabajos futuros de Yuasa: un deseo de crear historias positivas, donde la acción apasionada resulte en la culminación de los sueños y los deseos. [56]
Producida con un pequeño presupuesto, [55] la realización de Mind Game tomó dos años y nueve meses desde la planificación hasta su finalización. [53] La producción también fue el primer proyecto de Yuasa con el frecuente colaborador artístico Nobutake Ito, quien fue encargado de animar la secuencia climática de la película; [57] Ito posteriormente se desempeñaría como diseñador de personajes y director de animación en muchos de los proyectos posteriores de Yuasa. [58] Mind Game se estrenó en 2004, pero no logró un éxito comercial; después del estreno de la película, Yuasa luchó por encontrar productores que lo apoyaran. [4] Sin embargo, Mind Game se convirtió en un éxito de culto y logró una gran aclamación crítica mundial, ganando el premio Ōfuji Noburō de los Mainichi Film Awards , [22] el Gran Premio de Animación del Japan Media Arts Festival, [24] y los premios del Fantasia International Film Festival a Mejor Película, Director, Guion y Logro Visual, así como el Premio del Público a la Mejor Película de Animación. [59] Tras el estreno final de la película en Estados Unidos, Mind Game logró una calificación del 100% en el agregador de reseñas Rotten Tomatoes . [60]
Tras el estreno de Mind Game , la siguiente oportunidad de Yuasa como director llegó cuando Masao Maruyama , el cofundador de Madhouse , le brindó una oportunidad única. Maruyama, quien a lo largo de sus décadas en el negocio se había ganado la reputación de hacer proyectos animados que ningún otro productor consideraría, [61] le ofreció a Yuasa la oportunidad de dirigir series de televisión en Madhouse. Además, Maruyama usó su poder como productor veterano para presionar a las cadenas de televisión para que tomaran riesgos, lo que le permitió a Yuasa libertad creativa y la oportunidad de hacer precisamente el tipo de contenido que quería hacer. [5] [62] El primero de estos proyectos fue la serie original de romance de terror Kemonozume (2006), que Yuasa creó, dirigió y escribió. [51] La producción marcó un desarrollo significativo en la carrera de Yuasa, ya que resultó en que conociera a un colaborador clave: el artista surcoreano Eunyoung Choi, quien recientemente se había mudado a Japón para convertirse en animador. [63] El trabajo de Choi en Kemonozume como animadora clave y directora de animación de episodios ganó elogios de otros animadores y fanáticos, [64] [65] y la llevó a participar en los proyectos posteriores de Yuasa. [66] Kemonozume recibió un Premio de Selección del Jurado en el Festival de Artes de Medios de Japón, continuando la racha de éxitos críticos de Yuasa. [67]
Antes de comenzar su siguiente proyecto en Madhouse, Yuasa regresó brevemente a Studio 4 °C para dirigir un cortometraje para el proyecto antológico del estudio Genius Party (2007). La película, titulada Happy Machine , se centraba en los viajes de un infante a través de un mundo misterioso y peligroso. Producida con un pequeño equipo de solo cuatro animadores clave, [68] Happy Machine representó una continuación del desarrollo del estilo visual surrealista de Yuasa, ganando elogios tanto por su sentido atmosférico de asombro, [69] como por el propio Yuasa como líder de la escena de animación experimental de Japón. [70]
Al año siguiente, Yuasa dirigió su siguiente producción televisiva en Madhouse, la serie dramática de ciencia ficción original Kaiba (2008), que creó, dirigió y escribió. [71] El proyecto vio una expansión de la colaboración con Eunyoung Choi, quien dirigió y realizó el guion gráfico de episodios de la serie, además de coescribir un episodio con Yuasa. [72] Una serie narrativamente ambiciosa que trata sobre la memoria, la identidad y la desigualdad social, Kaiba recibió un Premio a la Excelencia en el Festival de Artes Mediáticas de Japón, [73] y obtuvo atención crítica positiva por sus imágenes oníricas y su historia imaginativa, con especial enfoque en el impacto emocional generado al combinar imágenes infantiles con temas maduros y, a veces, pérdidas devastadoras. [74] [75] [76]
En 2010, Yuasa completó su tercera y última serie de televisión en Madhouse, la comedia dramática psicológica absurda The Tatami Galaxy (2010). Adaptada de una novela de Tomihiko Morimi , la serie sigue las desventuras de un estudiante sin nombre que, a través de medios sobrenaturales, revive repetidamente su último año en la universidad en un intento de lograr sus concepciones idealizadas de romance y felicidad. [77] Después de que se le acercara con la oportunidad de adaptar la novela, Yuasa vio rápidamente el atractivo de la historia y aceptó, aunque el proyecto presentó desafíos para transferir el estilo ingenioso y de diálogo intensivo de la obra original a un medio visual. Para capturar el atractivo de la novela, Yuasa enfatizó el uso de una edición rápida y un diálogo de ritmo rápido, para transmitir la narración del flujo de conciencia del protagonista . [78] A diferencia de las anteriores Kemonozume y Kaiba , que se emitieron en la red de televisión satelital WOWOW , [79] The Tatami Galaxy se transmitió en la televisión nacional a través del bloque de programación Noitamina de Fuji TV . [62] El acuerdo de transmisión con Fuji TV marcó el inicio de una relación continua con el productor Kōji Yamamoto, quien se desempeñó como productor principal de Noitamina antes de partir para fundar su propia compañía de desarrollo Twin Engine ; esta relación cubriría el lanzamiento de varios proyectos posteriores durante la década siguiente. [80] The Tatami Galaxy fue un éxito crítico inmediato, ganando tanto el Gran Premio de Animación del Festival de Artes Mediáticas de Japón, [25] como el Premio a la Animación de Televisión Destacada en el Festival de Premios de Anime de Tokio . [81] Como el primero de los proyectos de Yuasa en recibir un lanzamiento en streaming en América del Norte, [82] la serie ayudó a aumentar el conocimiento de su trabajo a nivel mundial y, posteriormente, fue nombrada una de las mejores series animadas japonesas de la década. [83] [84]
Tras la finalización de The Tatami Galaxy , Madhouse fue adquirido por el conglomerado de medios de difusión NTV . [85] La cultura corporativa del estudio experimentó un cambio y el jefe creativo de Madhouse, Masao Maruyama, se fue para fundar una nueva compañía de producción. [86] Yuasa volvió a buscar oportunidades en otros estudios, [5] incluida una breve incorporación a la producción de la película de A-1 Pictures Welcome to the Space Show (2010), para la que dirigió y animó una secuencia corta. [51] [87] También dirigió la serie corta Shin-men (2010-2012), un grupo de episodios especiales integrados en la serie de televisión principal Crayon Shin-chan . [51]
Yuasa aprovechó la conclusión de su trabajo en Madhouse para reunirse con su colaborador Eunyoung Choi, quien había dejado Madhouse después de trabajar en The Tatami Galaxy para dirigir Ankama Japan, una subsidiaria con sede en Japón de la compañía francesa de entretenimiento y animación Ankama . [88] El estudio recién inaugurado combinó técnicas de animación tradicional dibujada a mano con animación digital creada a través de Adobe Animate y otros programas, [89] un nuevo enfoque que Yuasa no había utilizado anteriormente. [90] El estudio no solo era una empresa comercial internacional, sino también creativa, con 25 animadores europeos trabajando en el estudio con sede en Tokio. En una inversión de sus roles anteriores, Yuasa se unió a un proyecto que Choi había organizado, un episodio de la serie animada Wakfu de la compañía titulado Noximilien the Watchmaker (2010); Choi dirigió el episodio, mientras que Yuasa se desempeñó como diseñador de personajes. [91] Poco después de la finalización del episodio, se produjo el terremoto y tsunami de Tōhoku de 2011 y Ankama cerró el estudio de Japón. [88] [90] Sin embargo, la experiencia en Ankama Japón, que mezcló un equipo de animación internacional con un método de producción que utilizaba tanto animación tradicional como digital, sirvió como modelo para el estudio posterior de Yuasa y Choi, Science SARU.
Yuasa y Choi continuaron su colaboración en su próximo proyecto, el cortometraje financiado colectivamente Kick-Heart (2013), que Yuasa dirigió y escribió, y para el cual Choi trabajó como asistente de dirección. [92] Una historia de amor improbable que gira en torno a un luchador masculino masoquista y su sádica oponente femenina, la película fue producida en Production IG y fue el primer proyecto animado japonés a gran escala en ser financiado colectivamente con éxito en Kickstarter , recaudando más de $200,000 de más de 3,200 patrocinadores en todo el mundo. [93] La película recibió un par de proyecciones sorpresa no anunciadas en el bloque de programación Toonami de Cartoon Network , que logró calificaciones de espectadores de 708,000 y 618,000, [94] y obtuvo críticas positivas por su colorida narración visual. [95] [96] Kick-Heart fue una selección oficial de competencia en Annecy , [97] recibió un Premio de Selección del Jurado en el Festival de Artes Mediáticas de Japón, [98] y ganó el premio al Mejor Cortometraje de Animación en el Festival Fantasia . [99]
Durante la producción de Kick-Heart , Choi propuso establecer un estudio con Yuasa. [100] En febrero de 2013, la nueva compañía se estableció bajo el nombre Science SARU . [101] Yuasa y Choi se decidieron por el nombre, que se traduce al inglés como "Science Monkey", en un intento de combinar un enfoque tecnológico internacional (la parte "Science" del nombre, traducida al inglés), con una identidad de animación tradicional japonesa (la parte "SARU", traducida al japonés). [100] Además, Yuasa, que frecuentemente se dibujaba a sí mismo como un mono en autorretratos, quería que el estudio fuera más inteligente que un simio; como resultado, agregó la palabra Science delante de SARU con la intención de tener una empresa que poseyera tanto instinto como inteligencia. [102] La primera ubicación de producción del estudio fue una pequeña casa suburbana convertida en un espacio de trabajo improvisado; a fines de 2013, la empresa se había expandido a una plantilla de cinco personas. [103]
El nuevo estudio de Yuasa comenzó sus actividades corporativas asumiendo trabajos de subcontratación, así como colaborando con otras empresas. El primer proyecto de Science SARU fue un episodio de la serie de televisión estadounidense Adventure Time ; el episodio, titulado Food Chain (2014), fue dirigido por Yuasa, codirigido por Choi, [104] y producido íntegramente en casa. [105] Food Chain recibió elogios de la crítica como uno de los mejores episodios de la serie, [106] [107] [108] fue una selección oficial de competencia en Annecy, [109] y fue nominado para el Premio Annie a la Dirección de Televisión Destacada. [104]
Más tarde ese mismo año, Yuasa regresó a la dirección de series de televisión con una adaptación del manga deportivo de Taiyō Matsumoto Ping Pong the Animation (2014). Además de dirigir la serie, Yuasa escribió y realizó el guion gráfico de todos los episodios. [110] Science SARU proporcionó servicios de producción de animación "asistida digitalmente", [10] mientras que Tatsunoko Production sirvió como el estudio principal. [110] La serie también reunió a Yuasa con su antiguo colaborador de animación Shinya Ohira, quien contribuyó con la secuencia de créditos iniciales. [50] Un gran éxito de crítica, la serie fue destacada como una de las mejores series animadas japonesas de la década. [83] [111] [112] [113] Ping Pong the Animation recibió un Premio de Selección del Jurado en el Festival de Artes de Medios de Japón, [114] y ganó el Gran Premio de Animación de Televisión en el Festival de Premios de Anime de Tokio; además, el diseñador de personajes y colaborador de mucho tiempo Nobutake Ito ganó el premio al Mejor Animador por logro individual. [115]
Yuasa terminó el año 2014 dirigiendo un episodio de la serie de televisión de BONES Space Dandy (2014). [116] El episodio, titulado "Slow and Steady Wins the Race, Baby" , fue producido conjuntamente por BONES y Science SARU y recibió elogios de la crítica. [117] [118] [119]
A principios de 2016, Science SARU había adquirido experiencia y estaba lista para emprender proyectos a gran escala. La primera producción cinematográfica del estudio, la película de fantasía familiar Lu Over the Wall (2017), se produjo en menos de 16 meses utilizando técnicas de animación "asistida digitalmente". [103] Yuasa dirigió y coescribió Lu Over the Wall ; fue su primer largometraje con una historia original. [12] La película presenta la importancia de la autoexpresión como tema central; Yuasa enfatizó este aspecto de la historia con la esperanza de alentar a los jóvenes en Japón, quienes sentía que a menudo no podían expresar sus verdaderos sentimientos y emociones. Yuasa también decidió enfocar este proyecto en una audiencia familiar por el deseo de volver a la sensibilidad de sus trabajos anteriores como animador, incluidos Crayon Shin-chan y Chibi Maruko-chan . [120]
Durante la producción de Lu Over the Wall , a Yuasa se le ofreció la oportunidad de producir un segundo largometraje, la comedia romántica The Night Is Short, Walk On Girl (2017), basada en la novela de Tomihiko Morimi. [11] La oferta sirvió como una oportunidad única para Yuasa, quien previamente había esperado adaptar la novela en 2010 después de la finalización de The Tatami Galaxy , pero debido a las circunstancias en ese momento no pudo. Cuando se le dio otra oportunidad en 2016, aceptó de inmediato e hizo uso del trabajo preparatorio que había hecho cuando inicialmente se le ofreció el proyecto. La película reunió a la mayoría del personal creativo clave que había trabajado en The Tatami Galaxy , y la historia sirvió como sucesor espiritual y como narrativa paralela a la serie anterior. El momento del proyecto resultó en que el trabajo de preproducción de The Night is Short, Walk On Girl se superpusiera con la posproducción de Lu Over the Wall . [121] [122] Aunque Lu Over the Wall se completó primero, se estrenó después de The Night is Short, Walk On Girl ; esto se debió en parte a una sugerencia de marketing de que podría ser preferible que la primera película del estudio se basara en una propiedad preexistente familiar para el público japonés. [123]
Tanto Lu Over the Wall como The Night is Short, Walk On Girl recibieron elogios inmediatos de la crítica. Lu Over the Wall recibió el Annecy Cristal du long métrage, [19] [103] el premio Ōfuji Noburō de los Mainichi Film Awards, [23] y el Gran Premio de Animación del Festival de Artes Mediáticas de Japón. [26] The Night is Short, Walk On Girl recibió el Premio de Cine de la Academia Japonesa a la Animación del Año , [21] el Gran Premio del Festival Internacional de Animación de Ottawa a la Mejor Película de Animación, [124] un Premio de Selección del Jurado en el Festival de Artes Mediáticas de Japón, [125] y ha sido catalogada como una de las mejores películas de animación japonesas de la década. [126] [127] [128]
En 2018, Yuasa logró un amplio reconocimiento internacional tras el lanzamiento de sus trabajos cinematográficos anteriores, así como el debut de una nueva serie histórica. [129] A principios de año , Mind Game , Lu Over the Wall y The Night is Short, Walk On Girl obtuvieron la licencia para su lanzamiento en Norteamérica por parte del aclamado distribuidor de animación GKIDS . [130] Sin embargo, aún más importante para la prominencia internacional de Yuasa fue el lanzamiento de la serie de Netflix Devilman crybaby (2018), basada en el manga de Go Nagai . [13] Yuasa había sido fanático del manga original desde la infancia, pero nunca había soñado que tendría la oportunidad de adaptarlo. Entre sus decisiones creativas clave al adaptar la historia estaban representar el contenido sexual y violento de una manera sin restricciones que no era posible cuando se publicó inicialmente el manga, y actualizar los personajes delincuentes juveniles del original como jóvenes raperos que usan la música para decir lo que piensan libremente. [131] Devilman crybaby fue un éxito internacional inmediato y masivo; [132] [133] con el 90% de sus espectadores fuera de Japón, la serie logró la audiencia global más grande tanto para Yuasa como para Science SARU hasta esa fecha. [79] La serie inspiró memes de Internet , [23] [134] fue perfilada por el YouTuber PewDiePie , [135] y fue ampliamente discutida en Twitter . [136] La serie fue nominada en 7 categorías en los Crunchyroll Anime Awards y ganó por Anime del año y Director del año, [137] recibió un Premio de selección del jurado en el Japan Media Arts Festival, [138] fue citada por Vulture por contener una de las 100 secuencias más influyentes en la historia de la animación global, [139] y fue catalogada como una de las mejores series animadas japonesas de la década. [83] [111] [112] [140] [141]
En 2019, Yuasa dirigió su próximo largometraje, el romance Ride Your Wave (2019). Una historia original, [14] la película se centra en una pareja improbable que puede unirse a pesar de la angustia, y trata temas meditativos de pérdida. A pesar del éxito de Lu Over the Wall , después de completar esa película, Yuasa lidió con la misma falta de confianza en su trabajo que había marcado su carrera anterior. Sintió que representar una historia con dos personajes que carecían de confianza en sí mismos, pero que podían superar este y otros obstáculos al aceptar el riesgo y surfear las olas metafóricas de la vida, sería significativo tanto para el público como para él mismo. [142] [143] Ride Your Wave recibió elogios de la crítica mundial. [144] La película fue una selección de competencia oficial en Annecy, [145] fue nominada para el Premio de Cine Mainichi a la Mejor Película de Animación, [146] fue nominada para los Premios Annie en las categorías de Mejor Película Independiente y Dirección de Largometraje Destacada, [147] recibió un Premio de Selección del Jurado en el Festival de Artes de Medios de Japón, [148] y ganó premios a la Mejor Película de Animación en el Festival Internacional de Cine de Shanghái , [149] el Festival Internacional de Cine Fantasia, [150] y el Festival de Cine de Sitges . [151]
También en 2019, Yuasa se desempeñó como director de la serie Super Shiro (2019-2020), una entrega de la popular franquicia Crayon Shin-chan . Yuasa colaboró en tareas de dirección con el veterano animador Tomohisa Shimoyama , quien hizo su debut como director con la serie. El proyecto, animado en Science SARU y producido en asociación con el estudio principal de Crayon Shin-chan , Shin-Ei Animation , sirvió como culminación de la larga y duradera asociación de Yuasa con Crayon Shin-chan que se remonta a sus años como animador. [15] La serie se distribuyó mediante transmisión y transmisión en Japón y en toda la región de Asia y el Pacífico , excluida China. [152] El final del año vio la década de 2010 anunciada como la "década de ruptura" de Masaaki Yuasa; [7] [8] colectivamente, Devilman crybaby y el lanzamiento de las películas de Yuasa en los Estados Unidos lo llevaron a ser reconocido como uno de los directores más importantes y emocionantes de la animación. [3] [23] [79]
En 2020, Yuasa dirigió la serie de televisión de comedia Keep Your Hands Off Eizouken! (2020), basada en el manga de Sumito Ōwara. La serie gira en torno a tres chicas de secundaria que crean animación como amateurs apasionadas. [16] Antes de que se propusiera el proyecto, Yuasa había descubierto el manga después de ver comentarios de los fanáticos en línea que sugerían que adaptara el título. La producción alentó a los miembros del personal de Science SARU, incluido Yuasa, a compartir sus propias experiencias sobre la creación de animación, todo lo cual se sumó a la historia. [6] La serie impulsó las ventas del manga original, [153] inspiró memes de Internet, [154] [155] y ganó el premio mensual Galaxy Award de la Asociación Japonesa de Críticos de Radiodifusión durante su transmisión. [156] Tras la conclusión de la transmisión, ¡ Mantén tus manos fuera de Eizouken! recibió elogios de la crítica como una de las mejores series animadas japonesas tanto de la temporada en la que se emitió como del año en su conjunto, [157] [158] [159] [160] [161] [162] [163] y fue reconocida por The New York Times y The New Yorker como una de las mejores series de televisión de 2020. [164] [165] La serie fue nominada en 10 categorías en los Crunchyroll Anime Awards y ganó como Director del Año y Mejor Animación, [166] recibió el Gran Premio de Animación de Televisión en el Tokyo Anime Awards Festival, [167] y recibió el Gran Premio de Animación del Japan Media Arts Festival. [27]
Más tarde ese año, Science SARU produjo la serie de Netflix Japan Sinks: 2020 (2020), basada en la novela de desastres de Sakyo Komatsu . Yuasa dirigió junto con Pyeon-Gang Ho, quien hizo su debut como directora con la serie. [17] El proyecto representó un desafío único para Science SARU, ya que retrató temas serios en un estilo más realista. [168] Central para la concepción de Yuasa de la serie fue la inmediatez del enfoque en una sola familia en medio de una catástrofe nacional, [169] así como la idea de la reencarnación social, donde el proceso de ruptura y reconstrucción puede producir algo mejor que lo que vino antes. [170] La serie atrajo críticas dentro de Japón por su condena al nacionalismo japonés , [171] pero también recibió atención positiva por su multiculturalismo e inclusión, [169] y fue nombrada como una de las mejores series de anime de 2020. [161] [172] El primer episodio de la serie recibió el Premio del Jurado de Annecy para una Serie de Televisión, [20] y la serie en su conjunto recibió dos nominaciones en los Crunchyroll Anime Awards. [166] Una versión recopilatoria cinematográfica de la serie se estrenó posteriormente en los cines japoneses en noviembre de 2020, [173] y recibió un Premio de Selección del Jurado en el Festival de Artes Mediáticas de Japón. [174]
El 25 de marzo de 2020, Yuasa renunció como presidente y director representante de Science SARU. Citó su deseo de tomarse un descanso de la dirección después de siete años de trabajo continuo, pero reafirmó su compromiso de completar proyectos adicionales con Science SARU en el futuro. [2] Eunyoung Choi posteriormente se convirtió en directora ejecutiva y presidenta del estudio. Asimismo, afirmó la participación continua de Yuasa con el estudio como creador. [175] Yuasa habló más sobre su descanso planeado de la dirección en septiembre de 2021, afirmando que estaba "tomando un descanso para estudiar" durante su tiempo fuera de la producción activa. [176]
A principios de 2021, Yuasa fue reconocido por la Agencia de Asuntos Culturales del gobierno japonés , que le otorgó el Premio del Ministro del Gabinete de Bellas Artes de los Medios por sus logros profesionales. [28] Yuasa agradeció a los colaboradores creativos, al personal artístico y a los miembros del elenco de sus obras, diciendo que compartían conjuntamente el honor. [177] Más tarde ese año, Yuasa fue reconocido además con la Medalla de Honor con Cinta Púrpura por el gobierno japonés en reconocimiento a sus distinguidas contribuciones al desarrollo artístico y cultural. [29]
El último proyecto de Yuasa es el drama musical Inu-Oh (2021), basado en la novela de Hideo Furukawa. [18] Ambientada en el Japón del siglo XIV, la historia se centra en un músico ciego y un actor de Noh afligido por una terrible maldición; los objetivos de Yuasa con la película eran retratar a ambos personajes como equivalentes históricos de las estrellas del pop de la actualidad y utilizar los temas de la narrativa para destacar a las personas marginadas por la sociedad. [178] La película presenta diseños de personajes del creador de Ping Pong Taiyō Matsumoto, está producida por Science SARU y fue autorizada para su distribución en cines y videos domésticos en América del Norte por GKIDS. [179] La película se estrenó mundialmente en el Festival Internacional de Cine de Venecia en septiembre de 2021, y se estrenó en cines a nivel mundial en agosto de 2022. [31] Inu-Oh le valió a Yuasa las mejores críticas de su carrera y logró elogios universales de la crítica durante su recorrido por festivales de cine internacionales. [180] [181] La película ganó el premio a la Mejor Película de Animación en el Festival Internacional de Cine Fantasia, [182] el Premio de Distinción Especial del Festival Internacional de Animación de Bucheon para una Película Internacional, [183] y fue nominada al Premio Globo de Oro a la Mejor Película de Animación . [184]
Las obras de Yuasa han sido descritas como que enfatizan el amor, la amabilidad y la aceptación. [4] La importancia de la comunicación, la autoexpresión y la capacidad de revelar los verdaderos sentimientos son temas que Yuasa ha expresado y destacado repetidamente como centrales en sus obras. [120] [131] Yuasa siente una afinidad particular por las historias de amor intensamente sentidas; [5] en las representaciones de sexo y erotismo, busca visualizar las emociones que experimentan sus personajes y comprender cómo se expresarían sus deseos. [185] Al representar emociones, la intención de Yuasa es mantener el realismo y la autenticidad, pero las imágenes a través de las cuales se representan las emociones pueden ser expresionistas; [5] además, Yuasa opina que los personajes que se mueven libremente y sin las restricciones de un realismo estricto pueden expresar una gama mayor y más fiel de emocionalidad. [120] La transformación también es un motivo central y recurrente, ya sea utilizado para el aterrador horror corporal de Kemonozume y Devilman: crybaby , la visualización de los ciclos de vida en Food Chain , la transformación inesperada de un perro en un superhéroe de Super Shiro , el cambio de forma mágico de Lu Over the Wall o la renovación social de Japan Sinks: 2020. [ 57] [129] [170] [186] Los protagonistas masculinos de Yuasa han sido descritos como esencialmente sin rumbo, desventurados y temerosos de comunicarse honestamente, [77] [187] pero que son capaces de encontrar su voz a lo largo de la historia. [120] Si bien los personajes femeninos en sus obras anteriores recibieron algunas críticas por no estar tan bien desarrollados, [3] las obras posteriores de Yuasa han recibido reconocimiento por protagonistas femeninas fuertes e independientes que no están definidas ni restringidas por suposiciones de género. [188] [189] Las cuestiones generacionales también se presentan en las obras de Yuasa, con un tema recurrente de jóvenes que utilizan la aceptación y la positividad para ayudar a la generación mayor a superar los miedos que han causado dolor y discriminación en el pasado. [3] Una identificación representativa y humanista con las personas marginadas por la sociedad, ya sea por raza, discapacidad, identidad de género, sexualidad u otras razones, está presente en toda la obra de Yuasa. [176] [178] [190] [191] [192] [193]Al contar una historia, Yuasa ha señalado que espera dar al público la libertad de sentir una variedad de maneras diferentes sobre la obra. No cree que sea su función decirles a los espectadores cómo deben sentirse, sino más bien mantener un espacio entre su intención y la interpretación del público que permita impresiones individuales de significado. [5]
En cuanto a las opiniones de Yuasa sobre la industria de la animación japonesa, Yuasa ha expresado su deseo de alejarse de una cultura de trabajo excesivo y largas horas que tradicionalmente han sido endémicas en el negocio, y en su lugar centrarse en prácticas que se asemejen más a las utilizadas en la animación estadounidense y europea. Como resultado, Science SARU se ha modelado a sí misma sobre estas ideas, con énfasis en proporcionar descanso, tomar tiempo libre y mantener un horario de trabajo regular. Yuasa opina que, para que la animación japonesa logre un verdadero éxito global, la industria debe crear por sí misma un mejor entorno de trabajo para sus artistas y creadores. [142] Yuasa también ha señalado la importancia de preservar la animación tradicional , señalando que si la industria no muestra continuamente lo maravillosa que puede ser la animación tradicional, la presión para cambiar a la animación por computadora dará como resultado que sea suplantada. [176]
Las obras de Masaaki Yuasa han alcanzado un reconocimiento significativo tanto en Japón como en todo el mundo. Los proyectos que Yuasa ha dirigido, o para los cuales ha servido como colaborador creativo principal, han sido reconocidos por el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy (2 victorias, 3 nominaciones), [19] [97] [109] [145] [20] la Asociación del Premio de Cine de la Academia Japonesa (1 victoria), [21] los Globos de Oro (1 nominación), [184] los Premios de Cine Mainichi (2 victorias, 1 nominación), [22] [23] [146] el Festival de Artes Mediáticas de Japón (4 victorias, 2 premios a la excelencia, 7 selecciones del jurado), [24] [25] [26] [27] [52] [67] [73] [98] [114] [125] [138] [148] [174] los Premios de Anime de Tokio (4 victorias), [81] [115] [167] los Premios de Anime Crunchyroll (4 victorias, 16 nominaciones), [137] [166] el Festival Internacional de Animación de Ottawa (1 victoria, 1 nominación), [124] [194] el Festival Internacional de Cine de Shanghái (1 victoria, 1 nominación) [149] [195] el Festival de Cine de Sitges (1 victoria, 3 nominaciones), [151] [196] [197] el Festival Internacional de Cine Fantasia (3 victorias, 1 plata, 1 bronce), [99] [150] [182] [198] los Satellite Awards (1 nominación), [199] y los Annie Awards (3 nominaciones). [104] [147] Además, Yuasa ha sido reconocido por el gobierno japonés, recibiendo el Premio del Ministro de Gabinete de la Agencia de Asuntos Culturales para las Bellas Artes de los Medios y la Medalla de Honor con Cinta Púrpura por sus logros profesionales. [28] [29]
Después de desarrollar una reputación de culto entre los fanáticos del anime, 2018 es cuando el director de anime Masaaki Yuasa aterrizó en los EE. UU. con fuerza atómica.
