Les Peintres Cubistes, Méditations Esthétiques (inglés, The Cubist Painters, Aesthetic Meditations ), es un libro escrito por Guillaume Apollinaire entre 1905 y 1912, publicado en 1913. Este fue el tercer texto importante sobre el cubismo ; siguiendo Du "Cubisme" de Albert Gleizes y Jean Metzinger (1912); [1] [2] y André Salmon , Histoire anecdotique du cubisme (1912). [3] [4] [5]
Les Peintres Cubistes está ilustrado con fotografías en blanco y negro de obras de Pablo Picasso , Georges Braque , Jean Metzinger , Albert Gleizes , Juan Gris , Marie Laurencin , Fernand Léger , Francis Picabia , Marcel Duchamp y Raymond Duchamp-Villon . [6] También se reproducen fotografías de los artistas Metzinger, Gleizes, Gris, Picabia y Duchamp. En total, son 46 retratos y reproducciones en semitonos . [6]
Publicado por Eugène Figuière Éditeurs, Colección "Tous les Arts", París, 1913, Les Peintres Cubistes fue el único volumen independiente de crítica de arte publicado por Apollinaire y representó una fuente crítica muy original sobre el cubismo . [7] Aclara la historia del movimiento cubista, su nueva estética, sus orígenes, su desarrollo y sus diversas características. [8]
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Apollinaire primero pretendió que este libro fuera una colección general de sus escritos sobre arte titulada Méditations Esthétiques en lugar de específicamente sobre el cubismo. En el otoño de 1912 revisó las pruebas de página para incluir más material sobre los pintores cubistas, añadiendo el subtítulo Les Peintres Cubistes . Cuando el libro salió a imprenta, el título original estaba entre paréntesis y de tamaño reducido, mientras que el subtítulo Les Peintres Cubistes estaba ampliado, dominando la portada. Sin embargo, Les Peintres Cubistes aparece sólo en la mitad de las páginas tp y tp, mientras que cada dos páginas tiene el título Méditations Esthétiques , lo que sugiere que la modificación se hizo tan tarde que sólo se reimprimieron las páginas de título. [6] [7] [9]
Una parte del texto fue traducida al inglés y publicada con varias imágenes del libro original en The Little Review: Quarterly Journal of Art and Letters , Nueva York, otoño de 1922. [10] [11]
Guillaume Apollinaire, poeta, dramaturgo, cuentista, novelista y crítico de arte francés, sirvió como interfaz decisiva entre artistas y poetas de principios del siglo XX, uniéndose a los círculos de artes visuales y literarios. [7] Italiano de nacimiento, polaco de nombre (Wilhelm Albert Włodzimierz Apolinary Kostrowicki), parisino por elección, Apollinaire fue una figura destacada de la poesía modernista temprana, una figura permutable cuyo trabajo se hizo eco de los simbolistas , los cubistas y previó a los surrealistas .
Como figura activa en revistas literarias bien establecidas desde 1902 hasta su muerte en 1918, Apollinaire jugó un papel crucial en el desarrollo del modernismo temprano al fundar sus propias revistas artísticas, apoyar galerías y exposiciones, y como coleccionista de arte de vanguardia. y como apasionado partidario de un grupo diverso de artistas emergentes. [7] Su influencia omnipresente en estos artistas se ejemplifica en una multitud de retratos de Apollinaire pintados por artistas como Henri Rousseau , Pablo Picasso, Jean Metzinger, Louis Marcoussis , Amedeo Modigliani , Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Maurice de Vlaminck , Giorgio de Chirico , Mikhail Larionov , Robert Delaunay , Marc Chagall , Pierre Savigny de Belay y Henri Matisse . [7] [12] [13]
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Como amigo íntimo de todos los cubistas y amante de Marie Laurencin, Apollinaire fue testigo de primera mano del desarrollo del cubismo. Estuvo en estrecho contacto con Le Bateau-Lavoir y sus habituales, incluidos Max Jacob , Maurice Princet , Picasso, Braque y Metzinger. También estuvo en estrecho contacto con el Groupe de Puteaux (o Sección de Oro) , con sede en los suburbios occidentales de París, incluidos los hermanos Duchamp, Gleizes, Picabia y nuevamente Metzinger (quien se asoció con ambos grupos desde el principio).
Apollinaire acuñó varios términos importantes de la vanguardia, como orfismo (en el Salón de la Sección de Oro de 1912) [19] y surrealismo (relativo al ballet Parade en 1917), [20] [21] y fue el primero en adoptar el término "cubismo" en nombre de sus compañeros artistas (en el Salón de los Independientes de 1911, Bruselas). [22] [23] [24] Escribió sobre estos y movimientos relacionados como el fauvismo , el futurismo y el simultanismo. [7] Pero su postura más convincentemente original se puede encontrar en Les Peintres Cubistes , en su análisis del nuevo movimiento artístico : "Los nuevos artistas exigen una belleza ideal, que será, no sólo la expresión orgullosa de la especie, sino la expresión del universo, en la medida en que ha sido humanizado por la luz". ( Les Peintres Cubistes , p. 18) [7]
El único libro de Guillaume Apollinaire sobre arte, Los pintores cubistas, Meditaciones estéticas, es una colección no sistemática de reflexiones y comentarios. [25] Fue escrito entre 1905 y 1912, y finalmente publicado en 1913. Compuesto por dos partes, el volumen demuestra la visión poética de Apollinaire. La primera parte, "Sobre la pintura" ( Sur la peinture ), es un manifiesto para la nueva forma de arte, que consta de siete capítulos (22 páginas), de los cuales gran parte del texto fue escrito en 1912 y publicado en Les Soirées de París el mismo año. [26] [27] [28]
La segunda y más amplia sección del libro (53 páginas), bajo el título "Nuevos Pintores" ( Peintres nouveaux ), analiza la obra de diez artistas más representativos del movimiento en el siguiente orden: Picasso, Braque, Metzinger, Gleizes, Laurencin. , Gris, Léger, Picabia, Duchamp y, en el Apéndice, Duchamp-Villon. En la sección sobre Marie Laurencin , Apollinaire incluyó un texto de Henri Rousseau , publicado por primera vez en una reseña del Salon des Indépendants de 1911 (L'Intransigéant, 10 de abril de 1911). [28]
Se incluyen cuatro reproducciones de las obras de cada artista (con excepción de Rousseau) y retratos fotográficos de Metzinger, Gleizes, Gris, Picabia y Duchamp. [6] [28]
Este ensayo, un hito en la historia de la crítica de arte, sintetiza las preocupaciones estéticas no sólo de los cubistas, sino también del propio Apollinaire. El volumen se valora hoy como una obra de referencia y un ejemplo clásico de escritura modernista creativa. [29] [30]
Este fue el tercer intento de definir la nueva tendencia pictórica que floreció durante los años previos a la Primera Guerra Mundial, después de Du "Cubisme" de Albert Gleizes y Jean Metzinger, 1912, [1] [2] y André Salmon , Histoire anecdotique du cubisme ( Historia anecdótica del cubismo ), 1912. [3] [4] [5]
En su análisis del nuevo movimiento artístico , Apollinaire distingue entre cuatro tipos diferentes de cubismo; [7] científico, físico, órfico e instintivo. El primero, el cubismo científico , es el arte de pintar nuevos conjuntos con elementos tomados no de la realidad de la visión, sino de la realidad del conocimiento. Es la tendencia de la pintura "pura". Los pintores que Apollinaire sitúa en esta categoría son: Picasso, Braque, Metzinger, Gleizes, Laurencin y Gris. [28]
El segundo, el cubismo físico , es la disciplina de construir pintura con elementos tomados mayoritariamente de la realidad de la visión. Su papel social está bien marcado, pero no es un arte puro. El 'físico' que creó esta tendencia es Le Fauconnier. [28]
El cubismo órfico es el arte de pintar con elementos tomados no de la realidad visual, sino enteramente creados por el artista y dotados por él de una poderosa realidad. Las obras de los artistas órficos presentan simultáneamente un puro placer estético, una construcción para los sentidos y un significado sublime. Esto es arte puro, según Apollinaire, que incluye la obra de R. Delaunay, Léger, Picabia y M. Duchamp. [28]
El cubismo instintivo es, según Apollinaire, el arte de pintar elementos tomados no de la realidad visual, sino que sugieren el instinto y la intuición del artista. El cubismo instintivo incluye un gran número de artistas. Derivado del impresionismo francés, el movimiento se extiende ("se está extendiendo") por toda Europa. [28]
El estudio histórico del cubismo comenzó a finales de la década de 1920, basándose al principio en Du "Cubisme" y Les Peintres Cubistes de Apollinaire . [31] Llegó a depender en gran medida del libro de Daniel-Henry Kahnweiler Der Weg zum Kubismus (publicado en 1920), que se centró exclusivamente en los desarrollos de Picasso, Braque, Léger y Gris. [2] [31] Los términos "cubismo analítico" y "cubismo sintético" que surgieron posteriormente (eclipsando el esquema de clasificación de Apollinaire) han sido ampliamente aceptados desde mediados de la década de 1930. Sin embargo, ambos términos son imposiciones históricas que se produjeron con posterioridad a los hechos que identifican. [2] Ninguna de las fases fue designada como tal al momento de crear las obras correspondientes. "Si Kahnweiler considera el cubismo como Picasso y Braque", escribió Daniel Robbins , "nuestro único defecto es someter las obras de otros cubistas a los rigores de esa definición limitada". [2] [31] Esta interpretación del cubismo, formulada post facto como un medio para comprender las obras de Braque y Picasso, es difícil de aplicar a otros cubistas cuyo arte difería fundamentalmente de las categorías "analítica" o "sintética", obligó a Kahnweiler cuestionar su derecho a ser llamados cubistas. Según Robbins, "sugerir que simplemente porque estos artistas se desarrollaron de manera diferente o variaron del patrón tradicional merecían ser relegados a un papel secundario o satélite en el cubismo es un profundo error". [2] [31]
Desde entonces han surgido otros términos. En su libro, La época cubista , Douglas Cooper divide el cubismo en tres fases: "Cubismo temprano" (de 1906 a 1908), cuando el movimiento se desarrolló inicialmente en los talleres de Picasso y Braque; el "Alto Cubismo" (de 1909 a 1914), época durante la cual Juan Gris emergió como un exponente importante (después de 1911); y el "Cubismo tardío" (de 1914 a 1921), la última fase del cubismo como movimiento de vanguardia radical . [32] El uso restrictivo de Cooper de estos términos para distinguir el trabajo de Braque, Picasso, Gris y Léger (en menor medida) implicaba un juicio de valor intencional, según Christopher Green. [25]
La tendencia actual en la clasificación de los estilos cubistas refleja la visión más amplia de Apollinaire sobre el movimiento, más que otros. Una vez más, el cubismo ya no está definitivamente vinculado al arte de un grupo específico o incluso de un movimiento. Abarca trabajos muy dispares; aplicándose a artistas en diferentes entornos y entornos socioculturales. Y a pesar de las dificultades de clasificación, el cubismo, como lo predijo Apollinaire en 1913, ha sido considerado el primero y el más influyente de todos los movimientos en el arte del siglo XX. [25]
Apollinaire destacó la importancia de lo que percibía como virtudes de las artes plásticas : pureza, unidad y verdad; todo lo cual mantendría "la naturaleza en sujeción". Deploró los violentos ataques lanzados contra la preocupación de los cubistas por la geometría; siendo las figuras geométricas la esencia del dibujo. "La geometría, la ciencia del espacio, sus dimensiones y relaciones, siempre ha determinado las normas y reglas de la pintura".
Antes del cubismo, las tres dimensiones de la geometría euclidiana habían sido suficientes para los artistas. Pero según Apollinaire, "la geometría es a las artes plásticas lo que la gramática al arte del escritor". Los artistas, al igual que los científicos, ya no tenían que limitarse a tres dimensiones espaciales. Fueron guiados por la intuición, para preocuparse por las nuevas posibilidades de medición espacial que incluían la "cuarta dimensión". Este reino ficticio representaba la "inmensidad del espacio que se eterniza en todas direcciones en un momento dado". Esta expresión utópica representaba las aspiraciones y premoniciones de los artistas que contemplaban esculturas egipcias, africanas y oceánicas; que meditaba sobre diversas obras científicas y que vivía "anticipando un arte sublime". [28]
Un hombre como Picasso estudia un objeto como un cirujano disecciona un cadáver. ( Un Picasso étudie un objet comme un chirurgien dissèque un cadavre ) [28] [33] [34] [35]
Picasso, con sus planos para denotar volumen, "da una enumeración tan completa" que los objetos se transforman enteramente, "gracias al esfuerzo del espectador, que se ve obligado a ver todos los elementos simultáneamente". Al cuestionar si el arte de Picasso es más profundo que noble, Apollinaire responde: "No prescinde de la observación de la naturaleza y actúa sobre nosotros tan íntimamente como la naturaleza misma". [10] [28]
Fue Braque quien, en el Salón de los Independientes de 1908, expuso por primera vez al público obras cuyas preocupaciones geométricas comenzaron a dominar la composición. La obra de Picasso, aunque no expuesta, sentó el precedente. Esta transformación, creía Apollinaire, estaba en perfecta armonía con la sociedad en la que evolucionaba el pintor. El papel de Braque fue "heroico", su arte "tranquilo y admirable", escribe el poeta, "Expresa una belleza, una belleza llena de ternura, y la calidad perlada de sus cuadros irradia nuestra comprensión. Es un pintor angelical. " [28]
Metzinger, después de Picasso y Braque, fue cronológicamente el tercer artista cubista, observó Apollinaire. [36] Al describir a Metzinger, Apollinaire afirma que "la obra de este gran pintor aún no había sido plenamente apreciada, a pesar del diseño, la composición, las luces contrastadas y el estilo general". Sus obras se "destacan" por encima de muchas de las obras de sus contemporáneos. "Fue entonces cuando Jean Metzinger, uniéndose a Picasso y Braque, fundó la Ciudad Cubista." [10] [28]
No había "nada incompleto" en las obras de Metzinger. Sus obras fueron "fruto de una lógica rigurosa", escribe el autor. A la hora de explicar el arte de nuestra época, "su obra será uno de los documentos más seguros". Las pinturas de Metzinger contenían su propia "explicación". Para Apollinaire se trata de un caso "único en la historia del arte". [10] [28] Para Apollinaire, Metzinger tenía pureza; "sus meditaciones toman bellas formas cuya armonía tiende a acercarse a lo sublime... enteramente despojadas de todo lo conocido antes de él. [...] Cada uno de sus cuadros contiene un juicio del universo y toda su obra se asemeja a un firmamento nocturno cuando está claro, libre de todas las nubes y tembloroso de luces adorables, no hay nada incompleto en sus obras, la poesía ennoblece los detalles más pequeños." [10] [28]
Las obras de Gleizes muestran "poderosas armonías", pero Apollinaire advierte contra la confusión de sus pinturas con el "cubismo teórico" de los "pintores científicos". Refiriéndose a los escritos de Gleizes, Apollinaire cita la voluntad del artista de "devolver su arte a sus elementos más simples". [10] [28]
Gleizes había comprendido la influencia de Cézanne sobre los cubistas, [37] escribe Apollinaire. La obra de Gleizes, continúa, tiene "un grado de plasticidad tal que todos los elementos que constituyen los personajes individuales están representados con la misma majestuosidad dramática". [10] [28]
La majestuosidad caracterizó sobre todo el arte de Gleizes, aportando una innovación sorprendente al arte contemporáneo, como pocos pintores modernos lo habían hecho antes. "Esta majestuosidad despierta y provoca la imaginación... la inmensidad de las cosas. Este arte es vigoroso... realizado por una fuerza del mismo tipo que la que realizó las Pirámides y las Catedrales, las construcciones en metal, los puentes y las túneles." [10] [28]
El arte de Laurencin (y de las mujeres en general) aporta una "nueva visión llena de la alegría del universo", una "estética enteramente femenina", escribe Apollinaire. Como artista, colocó a Laurencin entre Picasso y Le Douanier Rousseau, no como una indicación jerárquica, sino como una declaración de relación. "Su arte baila, como Salomé, entre el de Picasso, que como un nuevo Juan Bautista baña todas las artes en un bautismo de luz, y el de Rousseau, un Herodes sentimental". El autor afirma las similitudes con la danza y la "enumeración rítmica, infinitamente graciosa en la pintura". [10] [28]
Rousseau murió en septiembre de 1910. Apollinaire dejó claro la gran estima que los pintores cubistas tenían por sus obras, llamando a Rousseau el "Habitante del Deleite". Fueron para Apollinaire las cualidades de su obra las que hicieron que su pintura fuera "tan encantadora a la vista". Pocos artistas habían sido objeto de burla durante su vida como Rousseau, y aún menos habían afrontado con igual calma la lluvia de insultos. Y felizmente, escribe Apollinaire, "pudo encontrar, en los insultos y en las burlas, pruebas de que ni siquiera los mal intencionados podían ignorar su obra". [10] [28]
Rousseau había pintado dos retratos de Apollinaire: "Le observé a menudo trabajar, y sé el cuidado que ponía en los detalles más pequeños; tenía la capacidad de mantener siempre ante él la concepción original y definitiva de su cuadro hasta que se dio cuenta de ello. ; y no dejó nada, sobre todo, nada esencial, al azar. Su dibujo nervioso, variedad, encanto y delicadeza de tonos hacen que la excelencia de esta obra muestre los recursos de encanto y énfasis en el alma y la mano del. Aduanero." [10] [28]
Gris había "meditado sobre todo lo moderno", pintando "para concebir sólo nuevas estructuras" y "formas materialmente puras". [38] Apollinaire compara la obra de Gris con el "cubismo científico" de Picasso, "su único maestro", un tipo de dibujo geométricamente individualizado, "un arte profundamente intelectual, según el color una significación meramente simbólica". Sus obras tenían "pureza, concebidas científicamente", y "de esta pureza seguramente surgirán paralelos". [28] [38]
Léger es descrito como un artista talentoso. "Amo su arte porque no es desdeñoso, porque no conoce el servilismo y porque no razona. ¡Amo tus colores claros [ couleurs légers ], oh Fernand Léger! La fantasía no te eleva a los países de las hadas, pero te concede todas tus alegrías." [28] [38]
Al igual que los impresionistas y los fauves, Picabia "tradujo la luz en color", llegando a "un arte completamente nuevo". Su color no era sólo una "transposición luminosa" sin "significado simbólico". Era una "forma y luz de todo lo representado". [28] [38]
Como en las obras de Robert Delaunay, el color era para Picabia "la dimensión ideal", aquella que incorporaba todas las demás dimensiones. La forma era simbólica, mientras que el color seguía siendo formal. Era "un arte perfectamente legítimo y seguramente muy sutil". El color estaba saturado de energía y prolongado en el espacio. [28] [38]
El título de Picabia era intelectualmente inseparable de la obra a la que hacía referencia, desempeñando un papel como objetos reales. Análogos a los títulos de Picabia, objetos reales, "son los arabescos pictóricos de los fondos de los cuadros de Laurencin. En Albert Gleizes esta función la asumen los ángulos rectos que retienen la luz, en Fernand Léger las burbujas, Metzinger las líneas verticales paralelas a la lados del marco cortados por escalones poco frecuentes." Apollinaire encontró equivalencia en las obras de todos los grandes pintores. "Da intensidad pictórica a una pintura, y esto es suficiente para justificar su legitimidad." [28] [38]
No se trataba de abstracción, sino de "placer directo". La sorpresa jugó un papel importante. "¿Se puede llamar abstracto el sabor de un melocotón?" reflexionó el autor. Cada cuadro de Picabia "tiene una existencia definida, cuyos límites los marca el título". Los cuadros de Picabia estaban tan alejados de las abstracciones a priori que "el pintor puede contar la historia de cada uno de ellos. Danza en la primavera es simplemente la expresión de una emoción plástica vivida espontáneamente cerca de Nápoles". [28] [38]
Hasta la fecha, la producción de Duchamp había sido demasiado escasa y difería considerablemente de un cuadro a otro. Apollinaire dudó en hacer generalizaciones amplias, destacando más bien el aparente talento de Duchamp y su abandono del "culto a las apariencias". Para liberar su arte de toda percepción, Duchamp escribió los títulos en las propias pinturas. "Esta literatura, que tan pocos pintores han podido evitar, desaparece de su arte, pero no la poesía. Utiliza formas y colores, no para representar apariencias, sino para penetrar la naturaleza esencial de las formas y los colores formales... Quizás Será tarea de un artista tan alejado de las preocupaciones estéticas y tan decidido a lo enérgico como Marcel Duchamp, reconciliar el arte y la gente". [28] [38]
El alejamiento de la escultura de la naturaleza tiende hacia la arquitectura, escribe Apollinaire: "El fin utilitario perseguido por la mayoría de los arquitectos contemporáneos es responsable del gran atraso de la arquitectura en comparación con las demás artes. El arquitecto, el ingeniero, debe tener objetivos sublimes: construir la torre más alta, para preparar para el tiempo y la hiedra las ruinas más hermosas, para lanzar a través de un puerto o un río un arco más audaz que el arco iris, y finalmente componer con una armonía duradera, la más poderosa jamás imaginada por el hombre. -Villon tenía esta concepción titánica de la arquitectura. Escultor y arquitecto, para él lo único que cuenta es la luz, pero en todas las artes, además, sólo cuenta la luz, la luz incorruptible. [28] [38]
Además de los artistas sobre los que Apollinaire escribe en los capítulos anteriores, había otros artistas y escritores igualmente adheridos, "voluntariamente o no", al movimiento cubista. El cubismo científico fue defendido por Ricciotto Canudo , Jacques Nayral, André Salmon , Joseph Granié, Maurice Raynal , Marc Brésil, Alexandre Mercereau , Pierre Reverdy , André Tudesq, André Warnod , Georges Deniker, Jacques Villon y Louis Marcoussis . El cubismo físico fue apoyado en la prensa por los escritores mencionados anteriormente, además de Roger Allard , Olivier Hourcade, Jean Marchand , Auguste Herbin y Véra. El cubismo órfico fue defendido por Max Goth, Pierre Dumont y Henry Valensi . Ciertos artistas asociados con el cubismo instintivo fueron apoyados por Louis Vauxcelles , René Blum (ballet) , Adilphe Basler, Gustave Kahn , Filippo Tommaso Marinetti y Michel Puy. Según Apollinaire, esta tendencia incluía a Henri Matisse , Georges Rouault , André Derain , Raoul Dufy , Auguste Chabaud , Jean Puy , Kees van Dongen , Gino Severini y Umberto Boccioni . Además de Duchamp-Villon, otros escultores cubistas incluyeron a Auguste Agéro, Alexander Archipenko y Constantin Brâncuși . [28] [38]
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