Les Peintres Cubistes, Méditations Esthétiques (inglés, The Cubist Painters, Aesthetic Meditations ), es un libro escrito por Guillaume Apollinaire entre 1905 y 1912, publicado en 1913. Este fue el tercer texto importante sobre el cubismo ; siguiendo Du "Cubisme" de Albert Gleizes y Jean Metzinger (1912); [1] [2] y André Salmon , Histoire anecdotique du cubisme (1912). [3] [4] [5]
Les Peintres Cubistes está ilustrado con fotografías en blanco y negro de obras de Pablo Picasso , Georges Braque , Jean Metzinger , Albert Gleizes , Juan Gris , Marie Laurencin , Fernand Léger , Francis Picabia , Marcel Duchamp y Raymond Duchamp-Villon . [6] También se reproducen fotografías de los artistas Metzinger, Gleizes, Gris, Picabia y Duchamp. En total, hay 46 retratos y reproducciones en semitonos . [6]
Publicado por Eugène Figuière Éditeurs, Colección "Tous les Arts", París, 1913, Les Peintres Cubistes fue el único volumen independiente de crítica de arte publicado por Apollinaire, y representó una fuente crítica sumamente original sobre el cubismo . [7] Aclara la historia del movimiento cubista, su nueva estética, sus orígenes, su desarrollo y sus diversas características. [8]
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Apollinaire pretendió en un principio que este libro fuera una recopilación general de sus escritos sobre arte, titulada Méditations Esthétiques, en lugar de específicamente sobre el cubismo. En el otoño de 1912 revisó las pruebas de imprenta para incluir más material sobre los pintores cubistas, añadiendo el subtítulo Les Peintres Cubistes . Cuando el libro entró en imprenta, el título original se encerró entre corchetes y se redujo de tamaño, mientras que el subtítulo Les Peintres Cubistes se amplió y dominó la cubierta. Sin embargo, Les Peintres Cubistes aparece sólo en las páginas de portada y media, mientras que cada dos páginas tiene el título Méditations Esthétiques , lo que sugiere que la modificación se hizo tan tarde que sólo se reimprimieron las páginas del título. [6] [7] [9]
Una parte del texto fue traducida al inglés y publicada con varias imágenes del libro original en The Little Review: Quarterly Journal of Art and Letters , Nueva York, otoño de 1922. [10] [11]
Guillaume Apollinaire, poeta, dramaturgo, cuentista, novelista y crítico de arte francés, sirvió como una interfaz decisiva entre artistas y poetas de principios del siglo XX, uniendo las artes visuales y los círculos literarios. [7] Italiano de nacimiento, polaco de nombre (Wilhelm Albert Włodzimierz Apolinary Kostrowicki), parisino por elección, Apollinaire fue una figura destacada de la poesía modernista temprana, una figura permutable cuyo trabajo se hizo eco de los simbolistas , los cubistas y previó a los surrealistas .
Como figura activa en revistas literarias bien establecidas desde 1902 hasta su muerte en 1918, Apollinaire jugó un papel crucial en el desarrollo del modernismo temprano al fundar sus propias revistas artísticas, al apoyar galerías y exposiciones, como coleccionista de arte de vanguardia y como un apasionado partidario de un grupo diverso de artistas emergentes. [7] Su influencia omnipresente en estos artistas está ejemplificada por una multitud de retratos de Apollinaire pintados por artistas como Henri Rousseau , Pablo Picasso, Jean Metzinger, Louis Marcoussis , Amedeo Modigliani , Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Maurice de Vlaminck , Giorgio de Chirico , Mikhail Larionov , Robert Delaunay , Marc Chagall , Pierre Savigny de Belay y Henri Matisse . [7] [12] [13]
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Amigo íntimo de todos los cubistas y amante de Marie Laurencin, Apollinaire fue testigo directo del desarrollo del cubismo. Estuvo en estrecho contacto con Le Bateau-Lavoir y sus habituales, entre ellos Max Jacob , Maurice Princet , Picasso, Braque y Metzinger. También estuvo en estrecho contacto con el Groupe de Puteaux (o Section d'Or) , con sede en los suburbios occidentales de París, que incluía a los hermanos Duchamp, Gleizes, Picabia y nuevamente Metzinger (que se asoció con ambos grupos desde el principio).
Apollinaire acuñó varios términos importantes de la vanguardia, como el orfismo (en el Salón de la Sección de Oro en 1912) [19] y el surrealismo (en relación con el ballet Parade en 1917), [20] [21] y fue el primero en adoptar el término "cubismo" en nombre de sus compañeros artistas (en el Salón de los Independientes de 1911, Bruselas). [22] [23] [24] Escribió sobre estos y otros movimientos relacionados, como el fauvismo , el futurismo y el simultaneismo. [7] Pero su postura más convincentemente original se puede encontrar en Les Peintres Cubistes , en su análisis del nuevo movimiento artístico : "Los nuevos artistas exigen una belleza ideal, que no sea simplemente la expresión orgullosa de la especie, sino la expresión del universo, en la medida en que haya sido humanizado por la luz". ( Les Peintres Cubistes , p. 18) [7]
El único libro de Guillaume Apollinaire sobre arte, Los pintores cubistas, meditaciones estéticas, es una colección no sistemática de reflexiones y comentarios. [25] Fue escrito entre 1905 y 1912, y finalmente publicado en 1913. Compuesto por dos partes, el volumen demuestra la visión poética de Apollinaire. La primera parte, "Sobre la pintura" ( Sur la peinture ), es un manifiesto para la nueva forma de arte, que consta de siete capítulos (22 páginas), de los cuales gran parte del texto fue escrito en 1912 y publicado en Les Soirées de Paris el mismo año. [26] [27] [28]
La segunda y más extensa sección del libro (53 páginas), bajo el título «Nuevos pintores» ( Peintres nouveaux ), analiza la obra de los diez artistas más representativos del movimiento en el siguiente orden: Picasso, Braque, Metzinger, Gleizes, Laurencin, Gris, Léger, Picabia, Duchamp y, en el apéndice, Duchamp-Villon. En la sección sobre Marie Laurencin , Apollinaire incluyó un texto sobre Henri Rousseau , publicado por primera vez en una reseña del Salon des Indépendants de 1911 (L'Intransigéant, 10 de abril de 1911). [28]
Se incluyen cuatro reproducciones de las obras de cada artista (con excepción de Rousseau) y fotografías de retratos de Metzinger, Gleizes, Gris, Picabia y Duchamp. [6] [28]
Este ensayo, que constituye un hito en la historia de la crítica de arte, sintetiza las preocupaciones estéticas no sólo de los cubistas, sino del propio Apollinaire. El volumen se valora hoy como obra de referencia y como ejemplo clásico de la escritura creativa modernista. [29] [30]
Este fue el tercer intento de definir la nueva tendencia pictórica que floreció durante los años anteriores a la Primera Guerra Mundial, después de Du "Cubisme" de Albert Gleizes y Jean Metzinger, 1912, [1] [2] y André Salmon , Histoire anecdotique du cubisme ( Historia anecdótica del cubismo ), 1912. [3] [4] [5]
En su análisis del nuevo movimiento artístico , Apollinaire distingue cuatro tipos diferentes de cubismo: [7] científico, físico, órfico e instintivo. El primero, el cubismo científico , es el arte de pintar nuevos conjuntos con elementos tomados prestados no de la realidad de la visión, sino de la realidad del conocimiento. Es la tendencia de la pintura "pura". Los pintores que Apollinaire coloca en esta categoría son: Picasso, Braque, Metzinger, Gleizes, Laurencin y Gris. [28]
El segundo, el cubismo físico , es la disciplina que construye la pintura con elementos tomados en su mayoría de la realidad de la visión. Su papel social está bien marcado, pero no es un arte puro. El «físico» que creó esta tendencia es Le Fauconnier. [28]
El cubismo órfico es el arte de pintar con elementos tomados no de la realidad visual, sino creados enteramente por el artista y dotados por él de una poderosa realidad. Las obras de los artistas órficos presentan simultáneamente un puro placer estético, una construcción para los sentidos y un significado sublime. Se trata de un arte puro, según Apollinaire, que incluye la obra de R. Delaunay, Léger, Picabia y M. Duchamp. [28]
El cubismo instintivo es, según Apollinaire, el arte de pintar elementos tomados no de la realidad visual, sino que sugieren el instinto y la intuición del artista. El cubismo instintivo incluye a un gran número de artistas. Derivado del impresionismo francés, el movimiento se extiende ("se está extendiendo") por toda Europa. [28]
El estudio histórico del cubismo comenzó a fines de la década de 1920, basándose al principio en Du "Cubisme" y Les Peintres Cubistes de Apollinaire . [31] Pasó a depender en gran medida del libro de Daniel-Henry Kahnweiler Der Weg zum Kubismus (publicado en 1920), que se centró exclusivamente en los desarrollos de Picasso, Braque, Léger y Gris. [2] [31] Los términos "cubismo analítico" y "cubismo sintético" que surgieron posteriormente (eclipsando el esquema de clasificación de Apollinaire) han sido ampliamente aceptados desde mediados de la década de 1930. Sin embargo, ambos términos son imposiciones históricas que ocurrieron después de los hechos que identifican. [2] Ninguna fase fue designada como tal en el momento en que se crearon las obras correspondientes. "Si Kahnweiler considera el cubismo como Picasso y Braque", escribió Daniel Robbins , "nuestra única falla es someter las obras de otros cubistas a los rigores de esa definición limitada". [2] [31] Esta interpretación del cubismo, formulada a posteriori como un medio para comprender las obras de Braque y Picasso, es difícil de aplicar a otros cubistas cuyo arte difería fundamentalmente de las categorías "analítica" o "sintética", lo que obligó a Kahnweiler a cuestionar el derecho de estos artistas a ser llamados cubistas. Según Robbins, "Sugerir que simplemente porque estos artistas se desarrollaron de manera diferente o se apartaron del patrón tradicional merecían ser relegados a un papel secundario o satélite en el cubismo es un profundo error". [2] [31]
Desde entonces han surgido otros términos. En su libro The Cubist Epoch , Douglas Cooper divide el cubismo en tres fases: «cubismo temprano» (de 1906 a 1908), cuando el movimiento se desarrolló inicialmente en los talleres de Picasso y Braque; «alto cubismo» (de 1909 a 1914), durante el cual Juan Gris emergió como un exponente importante (después de 1911); y «cubismo tardío» (de 1914 a 1921), la última fase del cubismo como movimiento de vanguardia radical . [32] El uso restrictivo de Cooper de estos términos para distinguir la obra de Braque, Picasso, Gris y Léger (en menor medida) implicaba un juicio de valor intencional, según Christopher Green. [25]
La tendencia actual en la clasificación de los estilos cubistas refleja la visión más amplia que Apollinaire tenía del movimiento, más que otros. Una vez más, el cubismo ya no se vincula definitivamente al arte de un grupo específico o incluso de un movimiento, sino que abarca obras muy dispares que se aplican a artistas de diferentes entornos y contextos socioculturales. Y a pesar de las dificultades de clasificación, el cubismo, como predijo Apollinaire en 1913, ha sido considerado el primero y el más influyente de todos los movimientos en el arte del siglo XX. [25]
Apollinaire subrayó la importancia de lo que percibía como virtudes de las artes plásticas : pureza, unidad y verdad; todo lo cual mantendría "a la naturaleza en sujeción". Deploró los violentos ataques lanzados contra la preocupación del cubismo por la geometría; las figuras geométricas son la esencia del dibujo. "La geometría, la ciencia del espacio, sus dimensiones y relaciones, siempre ha determinado las normas y reglas de la pintura".
Antes del cubismo, las tres dimensiones de la geometría euclidiana bastaban a los artistas, pero según Apollinaire, «la geometría es a las artes plásticas lo que la gramática al arte de escribir». Los artistas, al igual que los científicos, ya no tenían que limitarse a tres dimensiones espaciales. Se dejaban guiar por la intuición y se preocupaban por las nuevas posibilidades de medición espacial, entre las que se encontraba la «cuarta dimensión». Este reino ficticio representaba la «inmensidad del espacio que se eterniza en todas las direcciones en un momento dado». Esta expresión utópica representaba la aspiración y las premoniciones de los artistas que contemplaban esculturas egipcias, africanas y oceánicas, que meditaban sobre diversas obras científicas y que vivían «en espera de un arte sublime». [28]
Un hombre como Picasso estudia un objeto como un cirujano disecciona un cadáver. ( Un Picasso étudie un objet comme un chirurgien dissèque un cadavre ) [28] [33] [34] [35]
Picasso, con sus planos para indicar el volumen, «da una enumeración tan completa» que los objetos se transforman por completo, «gracias al esfuerzo del espectador, que se ve obligado a ver todos los elementos simultáneamente». Al preguntarse si el arte de Picasso es profundo más que noble, Apollinaire responde: «No prescinde de la observación de la naturaleza y actúa sobre nosotros tan íntimamente como la naturaleza misma». [10] [28]
Fue Braque quien, en el Salón de los Independientes de 1908, expuso por primera vez al público obras cuyas preocupaciones geométricas empezaban a dominar la composición. La obra de Picasso, aunque no se expuso, sentó un precedente. Esta transformación, según Apollinaire, estaba en perfecta armonía con la sociedad en la que se desenvolvía el pintor. El papel de Braque era «heroico», su arte «pacífico y admirable», escribe el poeta, «expresa una belleza, una belleza llena de ternura, y la cualidad perlada de sus cuadros irradia nuestro entendimiento. Es un pintor angelical». [28]
Según Apollinaire, Metzinger fue, después de Picasso y Braque, el tercer artista cubista en orden cronológico. [36] Al describir a Metzinger, Apollinaire afirma que «la obra de este gran pintor aún no había sido plenamente apreciada, a pesar del diseño, la composición, las luces contrastadas y un estilo general». Sus obras «se distinguían» de muchas de las obras de sus contemporáneos. «Fue entonces cuando Jean Metzinger, uniéndose a Picasso y Braque, fundó la Ciudad Cubista». [10] [28]
En las obras de Metzinger no había nada incompleto. Sus obras eran el fruto de una lógica rigurosa, escribe el autor. A la hora de explicar el arte de nuestra época, «su obra será uno de los documentos más seguros». Los cuadros de Metzinger contenían su propia «explicación». Para Apollinaire se trataba de un caso «único en la historia del arte». [10] [28] Para Apollinaire, Metzinger tenía pureza; «sus meditaciones toman formas hermosas cuya armonía tiende a acercarse a lo sublime... completamente despojada de todo lo que se conocía antes de él. [...] Cada uno de sus cuadros contiene un juicio del universo y toda su obra se asemeja a un firmamento nocturno cuando está claro, libre de toda nube y temblando de luces adorables. No hay nada incompleto en sus obras, la poesía ennoblece los detalles más pequeños». [10] [28]
Las obras de Gleizes muestran “armonías poderosas”, pero Apollinaire advierte que no se pueden confundir sus cuadros con el “cubismo teórico” de los “pintores científicos”. Refiriéndose a los escritos de Gleizes, Apollinaire cita la voluntad del artista de “devolver su arte a sus elementos más simples”. [10] [28]
Gleizes había comprendido la influencia de Cézanne en los cubistas, [37] escribe Apollinaire. La obra de Gleizes, continúa, tiene "un grado de plasticidad tal que todos los elementos que constituyen los personajes individuales están representados con la misma majestuosidad dramática". [10] [28]
La majestuosidad es lo que más caracterizó el arte de Gleizes, aportando una sorprendente innovación al arte contemporáneo, como pocos pintores modernos lo habían hecho antes. “Esta majestuosidad despierta y provoca la imaginación... la inmensidad de las cosas. Este arte es vigoroso... realizado por una fuerza del mismo tipo que la que realizó las pirámides y las catedrales, las construcciones de metal, los puentes y los túneles”. [10] [28]
El arte de Laurencin (y de las mujeres en general) trajo consigo una «nueva visión llena de alegría del universo», una «estética enteramente femenina», escribe Apollinaire. Como artista, situó a Laurencin entre Picasso y el aduanero Rousseau, no como una indicación jerárquica, sino como una declaración de relación. «Su arte danza, como Salomé, entre el de Picasso, que como un nuevo Juan Bautista baña todas las artes en un bautismo de luz, y el de Rousseau, un Herodes sentimental». El autor señala las similitudes con la danza y la «enumeración rítmica, infinitamente graciosa en la pintura». [10] [28]
Rousseau murió en septiembre de 1910. Apollinaire dejó en claro la gran estima que los pintores cubistas tenían por sus obras, al llamar a Rousseau el "habitante del deleite". Para Apollinaire, las cualidades de su obra eran las que hacían que su pintura fuera "tan encantadora de contemplar". Pocos artistas habían sido objeto de burlas durante su vida como Rousseau, y menos aún habían afrontado con igual calma la lluvia de insultos. Y, afortunadamente, escribe Apollinaire, "era capaz de encontrar, en los insultos y las burlas, la prueba de que ni siquiera los malintencionados podían ignorar su obra". [10] [28]
Rousseau había pintado dos retratos de Apollinaire: "Lo observaba trabajar a menudo y sé el cuidado que ponía en los detalles más minúsculos; tenía la capacidad de mantener siempre presente la concepción original y definitiva de su cuadro hasta que la había realizado; y no dejaba nada, sobre todo, nada esencial, al azar. Su dibujo nervioso, la variedad, el encanto y la delicadeza de los tonos constituyen la excelencia de esta obra. Sus cuadros de flores muestran los recursos de encanto y énfasis del alma y la mano del aduanero". [10] [28]
Gris había «meditado sobre todo lo moderno», pintando «para concebir sólo nuevas estructuras» y «formas materialmente puras». [38] Apollinaire compara la obra de Gris con el «cubismo científico» de Picasso, «su único maestro», un tipo de dibujo individualizado geométricamente, «un arte profundamente intelectual, según el cual el color tiene un significado meramente simbólico». Sus obras tenían «una pureza concebida científicamente», y «de esta pureza seguramente surgirán paralelos». [28] [38]
Se describe a Léger como un artista talentoso. "Amo su arte porque no es desdeñoso, porque no conoce el servilismo y porque no razona. ¡Amo tus colores claros , oh Fernand Léger! La fantasía no te eleva a los países de hadas, pero te concede todas tus alegrías". [28] [38]
Al igual que los impresionistas y los fauvistas, Picabia «tradujo la luz en color», llegando a «un arte completamente nuevo». Su color no era sólo una «transposición luminosa» sin «significado simbólico». Era una «forma y luz de lo que se representa». [28] [38]
Como en las obras de Robert Delaunay, el color era para Picabia "la dimensión ideal", que incorporaba todas las demás dimensiones. La forma era simbólica, mientras que el color seguía siendo formal. Era "un arte perfectamente legítimo, y seguramente muy sutil". El color estaba saturado de energía y se prolongaba en el espacio. [28] [38]
El título de Picabia era intelectualmente inseparable de la obra a la que se refería, y desempeñaba un papel de objetos reales. Análogamente a los títulos de Picabia, los objetos reales "son los arabescos pictóricos en los fondos de los cuadros de Laurencin. En Albert Gleizes, esta función la cumplen los ángulos rectos que retienen la luz, en Fernand Léger las burbujas, en Metzinger las líneas verticales paralelas a los lados del marco cortadas por escalones poco frecuentes". Apollinaire encontró equivalencia en las obras de todos los grandes pintores. "Da intensidad pictórica a una pintura, y esto es suficiente para justificar su legitimidad". [28] [38]
No se trataba de una cuestión de abstracción, sino de «placer directo». La sorpresa desempeñaba un papel importante. «¿Se puede llamar abstracto al sabor de un melocotón?», reflexionaba el autor. Cada cuadro de Picabia «tiene una existencia definida, cuyos límites están fijados por el título». Los cuadros de Picabia estaban tan lejos de ser abstracciones a priori que «el pintor puede contar la historia de cada uno de ellos. Baile en la primavera es simplemente la expresión de una emoción plástica experimentada espontáneamente cerca de Nápoles». [28] [38]
Hasta ahora, la producción de Duchamp había sido demasiado escasa y difería considerablemente de un cuadro a otro. Apollinaire dudó en hacer generalizaciones amplias, destacando más bien el aparente talento de Duchamp y su abandono del "culto a las apariencias". Para liberar su arte de toda percepción, Duchamp escribió los títulos en los propios cuadros. "Esta literatura, de la que tan pocos pintores han podido prescindir, desaparece de su arte, pero no la poesía. Utiliza formas y colores, no para reproducir apariencias, sino para penetrar en la naturaleza esencial de las formas y los colores formales... Tal vez sea tarea de un artista tan desprendido de las preocupaciones estéticas y tan atento a lo enérgico como Marcel Duchamp, reconciliar el arte y el pueblo". [28] [38]
El alejamiento de la escultura de la naturaleza tiende hacia la arquitectura, escribe Apollinaire: "El fin utilitario que persiguen la mayoría de los arquitectos contemporáneos es responsable del gran atraso de la arquitectura en comparación con las demás artes. El arquitecto, el ingeniero, debería tener objetivos sublimes: construir la torre más alta, preparar para el tiempo y la hiedra las ruinas más hermosas, tender sobre un puerto o un río un arco más audaz que el arco iris y, finalmente, componer una armonía duradera, la más poderosa jamás imaginada por el hombre. Duchamp-Villon tenía esta concepción titánica de la arquitectura. Escultor y arquitecto, la luz es lo único que cuenta para él; pero también en todas las artes, es sólo la luz, la luz incorruptible, lo que cuenta". [28] [38]
Además de los artistas de los que habla Apollinaire en los capítulos anteriores, hubo otros artistas y escritores que se afiliaron, "voluntariamente o no", al movimiento cubista. El cubismo científico fue defendido por Ricciotto Canudo , Jacques Nayral, André Salmon , Joseph Granié, Maurice Raynal , Marc Brésil, Alexandre Mercereau , Pierre Reverdy , André Tudesq, André Warnod , Georges Deniker, Jacques Villon y Louis Marcoussis . El cubismo físico fue apoyado en la prensa por los escritores mencionados anteriormente, además de Roger Allard , Olivier Hourcade, Jean Marchand , Auguste Herbin y Véra. El cubismo órfico fue defendido por Max Goth, Pierre Dumont y Henry Valensi . Ciertos artistas asociados con el cubismo instintivo fueron apoyados por Louis Vauxcelles , René Blum (ballet) , Adilphe Basler, Gustave Kahn , Filippo Tommaso Marinetti y Michel Puy . Según Apollinaire, esta tendencia incluía a Henri Matisse , Georges Rouault , André Derain , Raoul Dufy , Auguste Chabaud , Jean Puy , Kees van Dongen , Gino Severini y Umberto Boccioni . Además de Duchamp-Villon, otros escultores cubistas incluyeron a Auguste Agéro, Alexander Archipenko y Constantin Brâncuși . [28] [38]
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