Jan van Eyck ( / v æ n ˈ aɪ k / van EYEK , holandés: [ˈjɑɱ vɑn ˈɛik] ; c. antes de 1390 - 9 de julio de 1441) fue un pintor flamenco activo en Brujas que fue uno de los primeros innovadores de lo que se conoció como pintura holandesa temprana y uno de los representantes más importantes del arte del Renacimiento temprano del norte . Según Vasari y otros historiadores del arte, incluido Ernst Gombrich , inventó la pintura al óleo , [1] aunque la mayoría considera ahora esa afirmación como una simplificación excesiva.
Los registros supervivientes indican que nació alrededor de 1380 o 1390, en Maaseik (entonces Maaseyck, de ahí su nombre), Limburgo , que se encuentra en la actual Bélgica . Entró en La Haya alrededor de 1422, cuando ya era un maestro pintor con asistentes de taller, y trabajó como pintor y ayuda de cámara de Juan III el Despiadado , gobernante de los condados de Holanda y Hainaut . Después de la muerte de Juan en 1425, fue nombrado pintor de la corte de Felipe el Bueno , duque de Borgoña , y trabajó en Lille antes de trasladarse a Brujas en 1429, donde vivió hasta su muerte. Felipe lo respetaba mucho y realizó varias visitas diplomáticas al extranjero, incluida Lisboa en 1428 para explorar la posibilidad de un contrato matrimonial entre el duque e Isabel de Portugal . [2]
Se le atribuyen con seguridad unas 20 pinturas supervivientes, así como el Retablo de Gante y las miniaturas iluminadas de las Horas de Turín-Milán , todas fechadas entre 1432 y 1439. Diez están fechadas y firmadas con una variación de su lema ALS ICH KAN ( As Yo (Eyck) puedo ), un juego de palabras con su nombre, que normalmente pintaba en caracteres griegos.
Van Eyck pintó temas tanto seculares como religiosos, incluidos retablos, figuras religiosas de un solo panel y retratos por encargo. Su obra incluye paneles individuales, dípticos, [3] trípticos y paneles polípticos. Estaba bien pagado por Felipe, que buscaba que el pintor tuviera seguridad económica y libertad artística para que pudiera pintar "cuando quisiera". [4] La obra de Van Eyck proviene del estilo gótico internacional , pero pronto lo eclipsó, en parte mediante un mayor énfasis en el naturalismo y el realismo. Alcanzó un nuevo nivel de virtuosismo gracias a sus avances en el uso de la pintura al óleo. [5] Fue muy influyente y sus técnicas y estilo fueron adoptados y refinados por los primeros pintores holandeses.
Poco se sabe de los primeros años de vida de Jan van Eyck y no está documentado ni la fecha ni el lugar de su nacimiento. El primer registro existente de su vida proviene de la corte de Juan de Baviera en La Haya , donde, entre 1422 y 1424, se hicieron pagos a Meyster Jan den malre (el maestro Jan el pintor), que entonces era un pintor de la corte con rango de valet. de chambre , primero con uno y luego con dos asistentes. [6] Esto sugiere una fecha de nacimiento de 1395 a más tardar. Sin embargo, su edad aparente en el probable autorretrato de Londres de 1433 sugiere a la mayoría de los estudiosos una fecha más cercana a 1380. [4] A finales del siglo XVI fue identificado como nacido en Maaseik , un distrito del príncipe-obispado de Lieja . [7] Su hija Lievine estaba en un convento de monjas en Maaseik después de la muerte de su padre. Las notas sobre su dibujo preparatorio para el Retrato del cardenal Niccolò Albergati están escritas en dialecto de Maasland. [8]
Tenía una hermana Margareta, y al menos dos hermanos, Hubert (fallecido en 1426), con quien probablemente realizó su aprendizaje [9] y Lambert (activo entre 1431 y 1442), ambos también pintores, pero el orden de sus nacimientos no se ha especificado. sido establecido. [4] Se presume que otro pintor importante, y bastante más joven, que trabajó en el sur de Francia, Barthélemy van Eyck , es un pariente. [10] No se sabe dónde se educó Jan, pero tenía conocimientos de latín y usó los alfabetos griego y hebreo en sus inscripciones, lo que indica que fue educado en los clásicos. [4] Este nivel de educación era poco común entre los pintores y lo habría hecho más atractivo para el cultivado Felipe. [11]
Van Eyck sirvió como funcionario de Juan de Baviera-Straubing , gobernante de Holanda , Hainault y Zelanda . Para entonces ya había montado un pequeño taller y participó en la redecoración del palacio Binnenhof en La Haya . Después de la muerte de Juan en 1425, se mudó a Brujas y llamó la atención de Felipe el Bueno c. 1425 . [12] Su surgimiento como pintor coleccionable generalmente sigue a su nombramiento en la corte de Felipe, y desde este punto su actividad en la corte está comparativamente bien documentada. Se desempeñó como artista de la corte y diplomático, y fue un miembro de alto rango del gremio de pintores de Tournai . El 18 de octubre de 1427, fiesta de San Lucas, viajó a Tournai para asistir a un banquete en su honor, al que también asistieron Robert Campin y Rogier van der Weyden . [13]
Un salario judicial lo liberó del trabajo por encargo y le permitió un alto grado de libertad artística. [14] Durante la década siguiente, la reputación y la capacidad técnica de van Eyck crecieron, principalmente gracias a sus enfoques innovadores en el manejo y manipulación de la pintura al óleo. A diferencia de la mayoría de sus pares, su reputación nunca disminuyó y siguió siendo bien considerado durante los siglos siguientes. Su acercamiento revolucionario al óleo fue tal que surgió el mito, perpetuado por Giorgio Vasari , de que había inventado la pintura al óleo . [A] [15]
Su hermano Hubert van Eyck colaboró en las obras más famosas de Jan, el Retablo de Gante ; en general, los historiadores del arte creen que se inició c. 1420 por Hubert y completado por Jan en 1432. Otro hermano, Lambert, se menciona en documentos judiciales de Borgoña y es posible que haya supervisado el taller de su hermano después de la muerte de Jan. [dieciséis]
Considerados revolucionarios durante su vida, los diseños y métodos de van Eyck fueron copiados y reproducidos en gran medida. Su lema, una de las primeras y aún más distintivas firmas de la historia del arte, ALS ICH KAN ("COMO PUEDO"), un juego de palabras con su nombre, [17] apareció por primera vez en 1433 en Retrato de un hombre con turbante , que puede verse como un indicativo de la creciente confianza en sí mismo en ese momento. Los años comprendidos entre 1434 y 1436 se consideran generalmente su punto culminante cuando produjo obras como la Virgen del Canciller Rolin , la Virgen de Lucca y la Virgen y el Niño con el canónigo van der Paele .
Hacia 1432 se casó con Margarita , que era 15 años menor. Casi al mismo tiempo compró una casa en Brujas; No se menciona a Margaret antes de su traslado, cuando nació el primero de sus dos hijos en 1434. Se sabe muy poco de Margaret; incluso su apellido de soltera se ha perdido; los registros contemporáneos se refieren a ella principalmente como Damoiselle Marguerite . [18] Pudo haber sido de origen aristocrático, aunque de la baja nobleza, como lo demuestra su ropa en el retrato, que está a la moda, pero no de la suntuosidad que luce la novia en el Retrato de Arnolfini . Más tarde, como viuda de un pintor de renombre, Margaret recibió una modesta pensión de la ciudad de Brujas tras la muerte de Jan. Al menos parte de estos ingresos se invirtió en lotería . [19]
Van Eyck emprendió varios viajes en nombre de Felipe el Duque de Borgoña entre 1426 y 1429, descritos en los registros como encargos "secretos", por los que cobraba múltiplos de su salario anual. Aún se desconoce su naturaleza precisa, pero parece que implican su actuación como enviado del tribunal. En 1426 partió hacia "ciertas tierras lejanas", posiblemente a Tierra Santa , teoría dada peso por la precisión topográfica de Jerusalén en Las Tres Marías en la Tumba , una pintura completada por miembros de su taller c. 1440 . [8]
Un encargo mejor documentado fue el viaje a Lisboa junto con un grupo destinado a preparar el terreno para la boda del duque con Isabel de Portugal . A Van Eyck se le encomendó la tarea de pintar a la novia , para que el duque pudiera visualizarla antes de su boda. Debido a que Portugal estaba plagada de plagas , su corte era itinerante y el grupo holandés los recibió en el apartado castillo de Avis . Van Eyck pasó nueve meses allí y regresó a los Países Bajos con Isabella como futura esposa; la pareja se casó el día de Navidad de 1429. [20] La princesa probablemente no era particularmente atractiva, y así es exactamente como Van Eyck la transmitió en el retrato ahora perdido. Por lo general, mostraba a sus modelos dignos, pero no ocultaba sus imperfecciones. [21] Después de su regreso, estaba preocupado por completar el Retablo de Gante , que fue consagrado el 6 de mayo de 1432 en la catedral de San Bavón durante una ceremonia oficial en honor de Felipe. Los registros de 1437 dicen que las altas filas de la nobleza borgoñona lo tenían en alta estima y que trabajaba en comisiones extranjeras.
Jan van Eyck murió el 9 de julio de 1441 en Brujas. Fue enterrado en el cementerio de la Iglesia de San Donaciano . [4] Como muestra de respeto, Philip hizo un pago único a la viuda de Jan, Margaret, por un valor igual al salario anual del artista. Dejó muchas obras inacabadas para que las completaran los oficiales de su taller. [22] Después de su muerte, Lambert van Eyck dirigió el taller, [23] a medida que la reputación y la estatura de Jan crecían constantemente. A principios de 1442, Lambert hizo exhumar el cuerpo y colocarlo dentro de la Catedral de San Donaciano .
En 1449 fue mencionado por el humanista y anticuario italiano Ciriaco de' Pizzicolli como un pintor destacado y hábil, y fue registrado por Bartolomeo Facio en 1456.
Además de su trabajo en la corte, Jan van Eyck pintó para clientes privados. Entre ellos destaca el Retablo de Gante, pintado para el comerciante, financiero y político Jodocus Vijdts y su esposa Elisabeth Borluut. Iniciado en algún momento antes de 1426 y terminado en 1432, el políptico se considera una representación de "la conquista final de la realidad en el Norte", a diferencia de las grandes obras del Renacimiento temprano en Italia en virtud de su voluntad de renunciar a la idealización clásica en favor de la fiel observación de la naturaleza. [24]
Aunque se puede suponer (dada la demanda y la moda) que produjo varios trípticos, sólo se conserva el retablo de Dresde , aunque algunos de los retratos que se conservan pueden ser alas de polípticos desmantelados. Los signos reveladores dependen de los marcos originales, la orientación del modelo y las manos en oración o la inclusión de elementos iconográficos en un retrato aparentemente secular. [25]
Se le atribuyen con seguridad unas 20 pinturas supervivientes, todas fechadas entre 1432 y 1439. Diez, incluido el Retablo de Gante , están fechadas y firmadas con una variación de su lema, ALS ICH KAN . En 1998, Holland Cotter estimó que "sólo unas dos docenas de pinturas... atribuidas... con distintos grados de confianza, junto con algunos dibujos y algunas páginas de... las Horas de Turín-Milán". Describió la "compleja relación y la tensión entre los historiadores del arte y los museos a la hora de asignar la autoría. De las aproximadamente 40 obras consideradas originales a mediados de los años 80, unas diez son ahora fuertemente cuestionadas por destacados investigadores como taller". [26]
Desde 1901, a Jan van Eyck se le ha acreditado a menudo como el artista anónimo conocido como Mano G de las Horas de Turín-Milán . [B] Si esto es correcto, las ilustraciones de Turín son las únicas obras conocidas de su período temprano; según Thomas Kren, las fechas anteriores de Hand G preceden a cualquier pintura sobre panel conocida en estilo eyckiano, lo que "plantea preguntas provocativas sobre el papel que la iluminación del manuscrito puede haber desempeñado en la alardeada verosimilitud de la pintura al óleo de Eyckian". [27]
La evidencia para atribuir a van Eyck se basa en parte en el hecho de que, aunque las figuras son en su mayoría del tipo gótico internacional , reaparecen en algunos de sus trabajos posteriores. Además, hay escudos de armas relacionados con la familia Wittelsbach, con la que tenía conexiones en La Haya, mientras que algunas figuras de las miniaturas recuerdan a los jinetes del Retablo de Gante . [28]
La mayoría de las Horas Turín-Milán fueron destruidas por un incendio en 1904 y sólo sobreviven fotografías y copias; ahora sólo sobreviven tres páginas como máximo atribuidas a la Mano G, aquellas con grandes miniaturas del Nacimiento de Juan Bautista , el Hallazgo de la Vera Cruz y el Oficio de los Difuntos (o Misa de Réquiem ), con las miniaturas al pie de la página. e iniciales del primero y del último de ellos [C] A menudo se considera que el Oficio de los Difuntos recuerda la Virgen en la Iglesia de Jan de 1438-1440 . [30] Cuatro más se perdieron en 1904: todos los elementos de las páginas con las miniaturas llamadas La Oración en la Orilla (o Duque Guillermo de Baviera a la Orilla del Mar , La oración del Soberano, etc.), y la escena nocturna de la Traición. de Cristo (que Durrieu ya describió como "desgastado" antes del fuego), la Coronación de la Virgen y su bas-de-page, y el cuadro grande únicamente del viaje marino de San Julián y Santa Marta . [D]
Excepto el 'Retablo de Gante', las obras religiosas de Van Eyck presentan a la Virgen María como figura central. Por lo general, está sentada, lleva una corona tachonada de joyas y acuna a un niño juguetón, Cristo, que la mira y agarra el dobladillo de su vestido de una manera que recuerda la tradición bizantina del siglo XIII del icono de Eleusa ( Virgen de la Ternura ). [31] A veces se la muestra leyendo un Libro de Horas . Suele vestir de rojo. En el Retablo de Gante de 1432 , María lleva una corona adornada con flores y estrellas. Está vestida de novia y lee un libro cubierto con tela verde, [32] quizás un elemento tomado de La Virgen Anunciada de Robert Campin . [33] El panel contiene una serie de motivos que luego reaparecen en obras posteriores; ella ya es Reina del Cielo, llevando una corona adornada de flores y estrellas. Van Eyck suele presentar a María como una aparición ante un donante arrodillado en oración a un lado. [34] [35] La idea de un santo apareciendo ante un laico era común en los retratos de donantes del Norte de la época. [34] En La Virgen y el Niño con el canónigo van der Paele (1434-1436), el canónigo parece haber hecho una pausa momentánea para reflexionar sobre un pasaje de su Biblia en la mano cuando la Virgen y el Niño con dos santos aparecen ante él, como si encarnaciones de su oración. [36]
El papel de María en sus obras debe verse en el contexto del culto y la veneración contemporáneos que la rodean. A principios del siglo XV, María adquirió importancia como intercesora entre lo divino y los miembros de la fe cristiana. El concepto del purgatorio como estado intermedio por el que cada alma tenía que pasar antes de ser admitida al cielo estaba en su apogeo. [37] La oración era el medio más obvio para disminuir el tiempo en el limbo , mientras que los ricos podían encargar nuevas iglesias, ampliaciones de las existentes o retratos devocionales. Al mismo tiempo, hubo una tendencia hacia el patrocinio de misas de réquiem , a menudo como parte de los términos de un testamento, una práctica que Joris van der Paele patrocinó activamente. Con estos ingresos dotó a las iglesias de paños bordados y accesorios de metal como cálices, platos y candelabros. [38]
Eyck suele asignar a María tres roles: Madre de Cristo; la personificación de las " Ecclesia Triumphans "; o Reina del Cielo . [39]
La idea de María como metáfora de la Iglesia misma es especialmente fuerte en sus pinturas posteriores. En Madonna in the Church domina la catedral; su cabeza está casi al nivel de la galería de aproximadamente veinte metros de altura. [39] El historiador de arte Otto Pächt describe el interior del panel como una "sala del trono" que la envuelve como si fuera un "estuche de transporte". [40] Esta distorsión de escala se encuentra en varias otras de sus pinturas de Madonna, incluida la Anunciación . Su estatura monumental se inspira en las obras de artistas italianos de los siglos XII y XIII como Cimabue y Giotto , quienes a su vez reflejan una tradición que se remonta a un tipo italo-bizantino y enfatiza su identificación con la catedral misma. Los historiadores del arte del siglo XIX pensaron que la obra fue ejecutada temprano en la carrera de van Eyck y atribuyeron su escala al error de un pintor relativamente inmaduro. La idea de que su tamaño representa su encarnación como iglesia fue sugerida por primera vez por Erwin Panofsky en 1941. [41] Till-Holger Borchert dice que van Eyck no pintó "la Virgen en una iglesia", sino como "la Iglesia". [42]
Las obras posteriores de Van Eyck contienen detalles arquitectónicos muy precisos y detallados, pero no están inspirados en edificios históricos reales. Probablemente buscó crear un espacio ideal y perfecto para la aparición de María, [43] y estaba más preocupado por su impacto visual que por su posibilidad física. [44]
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Las pinturas marianas se caracterizan por representaciones complejas tanto del espacio físico como de las fuentes de luz. Muchas de las obras religiosas de van Eyck contienen un espacio interior reducido que, sin embargo, está sutilmente gestionado y dispuesto para transmitir una sensación de intimidad sin sentirse restringido. La Virgen del Canciller Rolin está iluminada tanto desde el pórtico central como desde las ventanas laterales, mientras que las baldosas del piso, en comparación con otros elementos, muestran que las figuras están a sólo seis pies de la pantalla de la logia con columnas, y que Rolin podría haber tenido que apretarse. a través de la abertura para salir por allí. [45] Los diferentes elementos de la catedral en Madonna in the Church están tan específicamente detallados, y los elementos de la arquitectura gótica y contemporánea tan bien delineados, que muchos historiadores del arte y la arquitectura han concluido que debe haber tenido suficiente conocimiento arquitectónico para hacer matices. distinciones. Dada la exactitud de las descripciones, muchos estudiosos han intentado vincular la pintura con edificios concretos. [46] Pero en todos los edificios de la obra de van Eyck, la estructura es imaginada y probablemente una formación idealizada de lo que él veía como un espacio arquitectónico perfecto. Esto se puede ver en los muchos ejemplos de características que serían poco probables en una iglesia contemporánea, incluida la colocación de un triforio de arco de medio punto sobre una columnata puntiaguda en la obra de Berlín. [47]
Las obras marianas están repletas de inscripciones. Las letras del trono arqueado sobre María en el Retablo de Gante están tomadas de un pasaje del Libro de la Sabiduría (7,29): "Ella es más hermosa que el sol y el ejército de las estrellas; comparada con la luz, es superior Ella es verdaderamente el reflejo de la luz eterna y un espejo inmaculado de Dios". [32] Texto de la misma fuente en el dobladillo de su túnica, en el marco de la Virgen en la Iglesia y en su vestido en La Virgen y el Niño con el canónigo van der Paele , se lee EST ENIM HAEC SPECIOSIOR SOLE ET SUPER OMNEM STELLARUM DISPOSITIONEM. LUCI CONPARATA INVENITUR PRIOR [42] Aunque las inscripciones están presentes en todas las pinturas de van Eyck, son predominantes en sus pinturas marianas, donde parecen cumplir una serie de funciones. Dan vida a los retratos y dan voz a quienes veneran a María, pero también desempeñan un papel funcional; Dado que las obras religiosas contemporáneas fueron encargadas para la devoción privada, es posible que las inscripciones estuvieran destinadas a leerse como un encantamiento u oraciones de indulgencia personalizadas . Harbison señala que las obras encargadas de forma privada a van Eyck están inusualmente llenas de inscripciones con oraciones, y que las palabras pueden haber cumplido una función similar a las tablas de oración, o más propiamente "Prayer Wings", como se ve en el tríptico de la Virgen y el Niño de Londres . [48]
Van Eyck era muy buscado como retratista. La creciente riqueza en todo el norte de Europa significó que el retrato ya no fuera dominio exclusivo de la realeza o la alta aristocracia. Una clase media mercantil emergente y una creciente conciencia de las ideas humanistas de la identidad individual llevaron a una demanda de retratos. [21]
Los retratos de Van Eyck se caracterizan por su manipulación de la pintura al óleo y su meticulosa atención al detalle; sus agudos poderes de observación y su tendencia a aplicar capas de finos esmaltes translúcidos para crear intensidad de color y tono. Fue pionero en el retrato durante la década de 1430 y fue admirado incluso en Italia por la naturalidad de sus representaciones. [49] Hoy en día se le atribuyen nueve retratos vista tres cuartos . Su estilo fue ampliamente adoptado, sobre todo por van der Weyden, Petrus Christus y Hans Memling .
El pequeño Retrato de un hombre con un acompañante azul de c. 1430 es el retrato más antiguo que se conserva. Evidencia muchos de los elementos que se convertirían en estándar en su estilo de retrato, incluida la vista de tres cuartos (un tipo que revivió de la antigüedad y que pronto se extendió por Europa), [18] iluminación direccional, [21] tocado elaborado y, para los retratos individuales, el encuadre de la figura dentro de un espacio estrecho e indefinido, sobre un fondo negro plano. Destaca por su realismo y aguda observación de los pequeños detalles de la apariencia del modelo; el hombre tiene una barba clara de uno o dos días de crecimiento, una característica recurrente en los primeros retratos masculinos de van Eyck, donde el modelo suele estar sin afeitar o, según Lorne Campbell, "bastante afeitado de manera ineficiente". [50] Campbell enumera otros modelos sin afeitar de Van Eyck; Niccolò Albergati (1431), Jodocus Vijdt (1432), Jan van Eyck? (1433), Joris van der Paele (c. 1434-1436), Nicolas Rolin (1435) y Jan de Leeuw (1436). [50]
Las notas tomadas en el reverso de su estudio en papel para el Retrato del cardenal Niccolò Albergati brindan una idea del enfoque de Eyck para los detalles minuciosos de los rostros de sus modelos. Sobre sus detalles sobre el crecimiento de la barba, escribió: "die stoppelen vanden barde wal grijsachtig" ( la barba incipiente canosa ). [51] En otros aspectos de sus intentos de registrar el rostro del anciano, notó, "el iris del ojo, cerca de la parte posterior de la pupila, de color amarillo pardusco. En los contornos junto al blanco, azulado... el blanco también amarillento..." [52]
El retrato de Léal Souvenir de 1432 continúa la adhesión al realismo y la aguda observación de los pequeños detalles de la apariencia del modelo. [53] Sin embargo, en sus obras posteriores, el modelo se sitúa a una mayor distancia y la atención al detalle es menos marcada. Las descripciones son menos forenses, más una visión general, mientras que las formas son más amplias y planas. [51] Incluso en sus primeras obras, sus descripciones del modelo no son reproducciones fieles; partes de la cara o la forma de los modelos se modificaron para presentar una mejor composición o adaptarse a un ideal. A menudo alteraba las proporciones relativas de la cabeza y el cuerpo de sus modelos para centrarse en los elementos de sus rasgos que le interesaban. Esto le llevó a distorsionar la realidad en estas pinturas; en el retrato de su esposa alteró el ángulo de su nariz y le dio una frente alta y elegante que la naturaleza no tenía. [54]
El parapeto de piedra en la base del lienzo de Léal Souvenir está pintado como para simular piedra marcada o cicatrizada y contiene tres capas separadas de inscripciones, cada una representada de manera ilusionista , dando la impresión de que están cinceladas en piedra. [55] van Eyck a menudo colocaba las inscripciones como si estuvieran en la voz de los modelos, de modo que "parecieran estar hablando". [56] Los ejemplos incluyen el Retrato de Jan de Leeuw que dice ... Jan de [Leeuw], quien abrió sus ojos por primera vez en la fiesta de Santa Úrsula [21 de octubre] de 1401. Ahora que Jan van Eyck me ha pintado, puedes Mira cuando lo empezó. 1436 . [56] En el Retrato de Margaret van Eyck de 1439, las letras aclaman Mi marido Johannes me completó en el año 1439, el 17 de junio, a la edad de 33 años. Como puedo. [57]
Las manos desempeñan un significado especial en la pintura de van Eyck. [58] En sus primeros retratos, los modelos a menudo se muestran sosteniendo objetos indicativos de su profesión. El hombre de Léal Souvenir puede haber sido un profesional del derecho, ya que sostiene un pergamino que parece un documento legal. [59]
El Retrato de Arnolfini de 1432 está lleno de ilusionismo y simbolismo, [60] al igual que la Virgen del canciller Rolin de 1435 , encargada para mostrar el poder, la influencia y la piedad de Rolin. [61]
Van Eyck incorporó una amplia variedad de elementos iconográficos, que a menudo transmiten lo que él veía como una coexistencia de los mundos espiritual y material. La iconografía estaba incrustada discretamente en la obra; Por lo general, las referencias comprendían detalles de fondo pequeños pero clave. [62] Su uso del simbolismo y referencias bíblicas es característico de su trabajo, [62] un manejo de la iconografía religiosa que fue pionero, con sus innovaciones retomadas y desarrolladas por van der Weyden, Memling y Christus. Cada uno empleó elementos iconográficos ricos y complejos para crear un sentido elevado de creencias e ideales espirituales contemporáneos. [63]
Craig Harbison describe la combinación de realismo y simbolismo como quizás "el aspecto más importante del arte flamenco temprano". [63] Los símbolos incrustados estaban destinados a fusionarse con las escenas y "fue una estrategia deliberada para crear una experiencia de revelación espiritual". [64] Las pinturas religiosas de Van Eyck en particular "siempre presentan al espectador una visión transfigurada de la realidad visible". [65] Para él, el día a día está armoniosamente impregnado de simbolismo, de modo que, según Harbison, "los datos descriptivos fueron reorganizados... de modo que ilustraran no la existencia terrenal sino lo que él consideraba una verdad sobrenatural". [65] Esta mezcla de lo terrenal y lo celestial evidencia la creencia de van Eyck de que la "verdad esencial de la doctrina cristiana" se puede encontrar en "el matrimonio de los mundos secular y sagrado, de la realidad y el símbolo". [66] Representa Madonnas demasiado grandes, cuyo tamaño poco realista muestra la separación entre lo celestial y lo terrenal, pero las coloca en entornos cotidianos como iglesias, cámaras domésticas o sentadas con funcionarios de la corte. [66]
Sin embargo, las iglesias terrenales están profusamente decoradas con símbolos celestiales. En algunas cámaras domésticas (por ejemplo, en la Madonna de Lucca ) está claramente representado un trono celestial . Más difíciles de discernir son los escenarios de pinturas como la Virgen del canciller Rolin , donde la ubicación es una fusión de lo terrenal y celestial. [67] La iconografía de Van Eyck a menudo tiene capas tan densas e intrincadas que una obra debe verse varias veces antes de que incluso el significado más obvio de un elemento sea evidente. Los símbolos a menudo estaban sutilmente entretejidos en las pinturas, de modo que sólo se hacían evidentes después de una mirada cercana y repetida, [62] mientras que gran parte de la iconografía refleja la idea de que, según John Ward, hay un "paso prometido del pecado y la muerte a salvación y renacimiento". [68]
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Van Eyck fue el único pintor holandés del siglo XV que firmó sus paneles. [69] Su lema siempre contenía variantes de las palabras ALS ICH KAN (o una variante) - "Como puedo", o "Lo mejor que puedo", que forma un juego de palabras con su nombre. El aspirado "ICH" en lugar del brabantiano "IK" se deriva de su nativo limburgués . [70] La firma a veces se inscribe utilizando letras griegas como AAE IXH XAN . [71] La palabra Kan deriva de la palabra holandesa media kunnen relacionada con la palabra holandesa kunst o con la palabra alemana Kunst ("arte"). [72]
Las palabras pueden estar relacionadas con un tipo de fórmula de modestia que a veces se ve en la literatura medieval, donde el escritor introduce su obra con una disculpa por la falta de perfección, [72] aunque, dada la fastuosidad típica de las firmas y lemas, puede ser simplemente una referencia lúdica. De hecho, su lema a veces se registra de una manera que pretende imitar el monograma IHC XPC de Cristo, por ejemplo en su Retrato de Cristo de c 1440 . [72] Además, como la firma es a menudo una variante de "Yo, Jan van Eyck estuve aquí", puede verse como una afirmación, quizás algo arrogante, tanto de la fidelidad y confiabilidad del registro como de la calidad del trabajo. ( Como yo (K)Puedo ). [54]
El hábito de firmar su obra aseguró que su reputación sobreviviera, y la atribución no ha sido tan difícil e incierta como con otros artistas de la primera generación de la primera escuela holandesa. [73] Las firmas suelen completarse con una escritura decorativa, a menudo de un tipo reservado para documentos legales, como se puede ver en Léal Souvenir y el Retrato de Arnolfini , [74] el último de los cuales está firmado "Johannes de eyck fuit hic 1434 " ("Jan van Eyck estuvo aquí en 1434"), una forma de registrar su presencia.
Muchas de las pinturas de van Eyck tienen abundantes inscripciones en letras griegas, latinas o holandesas vernáculas. Campbell ve en muchos ejemplos una "cierta coherencia que sugiere que él mismo los había pintado", en lugar de ser adiciones posteriores. [52] Las letras parecen cumplir diferentes funciones dependiendo del tipo de trabajo en el que aparecen. En sus retratos de un solo panel dan voz al modelo, [75] más notablemente en Retrato de Margaret van Eyck , donde las letras griegas en el marco se traducen como "Mi marido Johannes me completó en el año 1439 el 17 de junio, a la edad de 33. Como puedo." [18] Por el contrario, las inscripciones en sus encargos religiosos formales y públicos están escritas desde el punto de vista del patrón, y allí para subrayar su piedad, caridad y dedicación al santo a quien se le muestra acompañando. Esto se puede ver en su Virgen y el Niño con el canónigo van der Paele , se lee. Una inscripción en el marco de imitación inferior hace referencia a la donación: "Joris van der Paele, canónigo de esta iglesia, encargó esta obra al pintor Jan van Eyck. Y Fundó aquí dos capellanías en el coro del Señor en 1434. Sin embargo, no las completó hasta 1436." [76]
Excepcionalmente para su época, van Eyck a menudo firmaba y fechaba sus marcos, [77] luego se los consideraba parte integral de la obra: los dos a menudo se pintaban juntos, y aunque los marcos eran construidos por un grupo de artesanos independientes del taller del maestro, su trabajo a menudo se consideraba igual en habilidad al del pintor.
Diseñó y pintó los marcos de sus retratos de una sola cabeza para que parecieran imitación de piedra, con la firma u otras inscripciones dando la impresión de que habían sido cinceladas en la piedra. Los marcos tienen otros propósitos ilusionistas; en Retrato de Isabel de Portugal , descrito en el marco, [78] sus ojos miran tímidamente pero directamente fuera de la pintura, mientras apoya sus manos en el borde de un parapeto de piedra falsa. Con este gesto Isabella extiende su presencia fuera del espacio pictórico hacia el del espectador. [59]
Muchos de los marcos originales se han perdido y sólo se conocen a través de copias o registros de inventario. El Retrato londinense de un hombre probablemente era la mitad de un retrato o colgante doble; el último registro de los marcos originales contenía muchas inscripciones, pero no todas eran originales; Los marcos fueron a menudo sobrepintados por artistas posteriores. [54] El retrato de Jan de Leeuw también conserva su marco original, que está pintado para que parezca bronce. [79]
Muchos de sus marcos están fuertemente inscritos, lo que tiene un doble propósito. Son decorativos pero también sirven para establecer el contexto del significado de las imágenes, similar a la función de los márgenes en los manuscritos medievales. Piezas como el Tríptico de Dresde solían encargarse para devoción privada, y van Eyck habría esperado que el espectador contemplara texto e imágenes al unísono. [80] Los paneles interiores del pequeño tríptico de Dresde de 1437 están delineados con dos capas de marcos de bronce pintado, inscritos con letras en su mayoría latinas. Los textos provienen de una variedad de fuentes, en los marcos centrales de descripciones bíblicas de la asunción , mientras que las alas interiores están revestidas con fragmentos de oraciones dedicadas a los santos Miguel y Catalina . [81]
Los miembros de su taller completaron obras basadas en sus diseños en los años posteriores a su muerte en el verano de 1441. Esto no era inusual; la viuda de un maestro solía continuar con el negocio después de su muerte. Se cree que su esposa Margarita o su hermano Lambert asumieron el poder después de 1441. [82] [83] Tales obras incluyen la Virgen del Salón Ince , San Jerónimo en su estudio , una Virgen de Jan Vos ( Virgen y el Niño con Santa Bárbara e Isabel ) C. 1443 y otros. [84] Varios diseños fueron reproducidos por artistas holandeses de primera generación de segunda generación, incluido Petrus Christus , quien pintó una versión de la Madonna de Exeter . [85]
Los miembros de su taller también terminaron pinturas incompletas después de su muerte. Las partes superiores del panel derecho del díptico de la Crucifixión y el Juicio Final generalmente se consideran obra de un pintor más débil con un estilo menos individual. Se cree que van Eyck murió dejando el panel inacabado pero con los dibujos inferiores terminados, y la zona superior fue terminada por miembros del taller o seguidores. [86]
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Hay tres obras que se le atribuyen con seguridad, pero que sólo se conocen por copias. El Retrato de Isabel de Portugal data de su visita a Portugal en 1428 para que Felipe redactara un acuerdo matrimonial preliminar con la hija de Juan I de Portugal . [87] De las copias supervivientes, se puede deducir que había otros dos marcos "pintados" además del marco de roble real, uno de los cuales tenía letras góticas en la parte superior, mientras que un parapeto de piedra falsa le proporcionaba soporte. manos para descansar. [59]
Se hicieron dos copias existentes de su Mujer bañándose en los 60 años posteriores a su muerte, pero se la conoce principalmente por su aparición en la amplia pintura de Willem van Haecht de 1628 La galería de Cornelis van der Geest , una vista de una galería de coleccionista que contiene muchas otros viejos maestros identificables. Mujer bañándose tiene muchas similitudes con Retrato de Arnolfini , incluido un interior con una cama y un perro pequeño, un espejo y su reflejo, una cómoda y zuecos en el suelo; más ampliamente similares son el vestido de la mujer asistente, el contorno de su figura y el ángulo desde el que mira. [87]
En la fuente significativa más antigua sobre van Eyck, una biografía de 1454 en De viris illustribus del humanista genovés Bartolomeo Facio , Jan van Eyck es nombrado "el pintor principal" de su época. Facio lo sitúa entre los mejores artistas de principios del siglo XV, junto con Rogier van der Weyden , Gentile da Fabriano y Pisanello . Es particularmente interesante que Facio muestre tanto entusiasmo por los pintores holandeses como por los pintores italianos. Este texto arroja luz sobre aspectos de la producción de Jan van Eyck ahora perdidos, citando una escena de baño propiedad de un destacado italiano, pero atribuyendo erróneamente a van Eyck un mapamundi pintado por otro. [88]
Jan van Eyckplein en Brujas lleva su nombre.
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