El estado moderno de Italia no surgió hasta 1861, aunque las raíces de la música en la península italiana se remontan a la música de la antigua Roma . Sin embargo, los fundamentos de gran parte de la música italiana moderna provienen de la Edad Media .
Italia fue el escenario de varios desarrollos musicales clave en el desarrollo de las liturgias cristianas en Occidente. Alrededor del año 230, mucho antes de que se legalizara el cristianismo, la Tradición Apostólica de Hipólito atestiguaba el canto de Salmos con estribillos del Aleluya en Roma . En 386, imitando los modelos orientales, San Ambrosio escribió himnos, algunos de cuyos textos aún sobreviven, e introdujo la salmodia antifonal en Occidente. Alrededor de 425, el Papa Celestino I contribuyó al desarrollo del rito romano introduciendo el canto responsorial de un Gradual , y Casiano, obispo de Brescia , contribuyó al desarrollo del Oficio monástico adaptando la salmodia monástica egipcia al uso occidental. Posteriormente, hacia el año 530, San Benito dispondría en su Regla el orden semanal de la salmodia monástica . Más tarde, en el siglo VI, Venantius Fortunatus creó algunos de los himnos más perdurables del cristianismo, incluido " Vexilla regis prodeunt ", que más tarde se convertiría en el himno más popular de las Cruzadas . [1]
La música más antigua que existe en Occidente es el canto llano , [2] una especie de canto cristiano primitivo, monofónico y sin acompañamiento, interpretado por monjes católicos romanos, que se desarrolló en gran medida aproximadamente entre los siglos VII y XII. Aunque el canto gregoriano tiene sus raíces en el canto romano y se asocia popularmente con Roma, no es autóctono de Italia, ni fue la primera ni la única tradición occidental de canto llano. Irlanda, España y Francia desarrollaron cada una una tradición local de canto llano, pero sólo en Italia prosperaron varias tradiciones de canto simultáneamente: el canto ambrosiano en Milán , el canto romano antiguo en Roma y el canto benventano en Benevento y Montecassino . El canto gregoriano, que suplantó a las tradiciones autóctonas romana antigua y benventana, derivó de una síntesis del canto romano y galicano en la Francia carolingia . Posteriormente, el canto gregoriano llegó a identificarse fuertemente con Roma, especialmente cuando se agregaron elementos musicales del norte al rito romano , como el Credo en 1014. Esto fue parte de una tendencia general en la que la tradición manuscrita en Italia se debilitó y Roma comenzó a seguir las tradiciones del canto llano del norte. El canto gregoriano suplantó a todas las demás tradiciones occidentales de canto llano, italianas y no italianas, excepto el canto ambrosiano, que sobrevive hasta el día de hoy. Las tradiciones nativas italianas del canto llano se destacan por un uso sistemático de movimientos melódicos ornamentados y escalonados dentro de un rango generalmente más estrecho, lo que da a las tradiciones del canto italiano una sensación más suave y ondulante que el gregoriano. [3] Cruciales en la transmisión del canto fueron las innovaciones de Guido d'Arezzo , cuyo Micrologus , escrito alrededor de 1020, describió el pentagrama musical , la solmización y la mano guidoniana . Esta primera forma de do-re-mi creó una revolución técnica en la velocidad a la que se podían aprender, memorizar y grabar los cánticos. Gran parte de la tradición musical clásica europea, incluida la ópera y la música sinfónica y de cámara , se remonta a estos desarrollos medievales italianos en notación musical , [4] educación musical formal y técnicas de construcción de instrumentos musicales .
Incluso cuando las tradiciones de canto del norte estaban desplazando al canto indígena italiano, los músicos desplazados del norte contribuyeron a una nueva cultura musical próspera en la Italia del siglo XII. La Cruzada Albigense , supuestamente para atacar a los herejes cátaros, puso el sur de Francia bajo control del norte de Francia y aplastó la cultura y el idioma occitano. La mayoría de los trovadores huyeron, especialmente a España e Italia. Italia desarrolló sus propios homólogos de los trovadores, llamados trovatori , incluido Sordello de Mantua . Federico II , el último gran emperador Hohenstaufen del Sacro Imperio Romano Germánico y rey de Sicilia, fomentó la música en la corte siciliana, que se convirtió en un refugio para estos trovadores desplazados, donde contribuyeron a un crisol de estilos musicales cristianos, judíos y musulmanes. La música secular italiana era en gran medida territorio de estos juglares, trovadores y mimos. [5] Una consecuencia importante de la influencia trovadora durante este período, en Italia y en toda Europa, fue el cambio gradual de la escritura estrictamente en latín a la lengua local, como lo defendió Dante en su tratado De vulgari eloquentia ; este desarrollo se extendió a las letras de canciones y formas populares como el madrigal , [6] que significa "en la lengua materna". También por esta época, los flagelantes italianos desarrollaron los himnos populares italianos conocidos como laude espiritual .
Entre 1317 y 1319, Marchettus de Padua escribió el Lucidarium in artae musicae planae y el Pomerium artis musicae mensuratae , importantes tratados sobre canto llano y polifonía , exponiendo una teoría de la notación rítmica que allanó el camino para la música del Trecento ( ars nova italiana ). Alrededor de 1335, el Códice Rossi , la colección más antigua existente de polifonía secular italiana, incluía ejemplos de géneros autóctonos italianos del Trecento , incluidos los primeros madrigales , cacce y ballate . El madrigal temprano era más simple que los madrigales posteriores más conocidos y generalmente consistía en tercetos dispuestos polifónicamente para dos voces, con un estribillo llamado ritornello . La caccia a menudo estaba en armonía de tres partes, con las dos líneas superiores escritas con palabras del canon musical. La primera balata era a menudo un poema en forma de virelai con una melodía monofónica . [7] El Códice Rossi incluía música de Jacopo da Bolonia , el primer compositor famoso del Trecento.
El Códice de Ivrea , fechado alrededor de 1360, y el Códice Squarcialupi , fechado alrededor de 1410, fueron fuentes importantes de la música tardía del Trecento, incluida la música de Francesco Landini , el famoso compositor ciego. El nombre de Landini se adjuntó a su característica " cadencia Landini " en la que la nota final de la melodía desciende dos notas antes de regresar, como C – B – A – C. La música del Trecento influyó en músicos del norte como Johannes Ciconia , cuya síntesis de los estilos francés e italiano presagiaba la música "internacional" típica del Renacimiento.
Durante el siglo XV, Italia entró en un período lento en la composición nativa, con la excepción de algunas luces brillantes como el intérprete y antólogo Leonardo Giustinian. A medida que las poderosas familias del norte, como los d'Este y los Medici , construyeron poderosas dinastías políticas, trajeron a sus cortes a compositores del norte de la escuela franco-flamenca, como Josquin y Compère . A partir de las últimas décadas del siglo, compositores italianos como Marchetto Cara y Bartolomeo Tromboncino escribieron canciones ligeras y cortesanas llamadas frottole para la corte mantuana de Isabella d'Este . Con el apoyo de los Medici, la temporada florentina de Mardi Gras condujo a la creación de ingeniosas y terrenales canciones de carnaval llamadas canti carnascialeschi .
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El siglo XVI vio la llegada de la música polifónica impresa y avances en la música instrumental, que contribuyeron a la distribución internacional de la música característica del Renacimiento. En 1501, Ottaviano dei Petrucci publicó Harmonice Musices Odhecaton , la primera colección sustancial de música polifónica impresa, y en 1516, Andrea Antico publicó Frottole intablate da sonari organi , la primera música italiana impresa para teclado. Italia se convirtió en el principal centro de construcción de clavecín, la producción de violines comenzó en Cremona en el taller de Andrea Amati y el laudista Francesco Canova da Milano le valió a Italia una reputación internacional por su virtuosismo musical. [8]
La música alcanzó nuevas alturas de respetabilidad cultural. El Libro del cortesano de Castiglione recomendaba el dominio de la música como una virtud cortesana, y Santa María de Loreto , el primer conservatorio de música, se construyó en Nápoles . Adrian Willaert desarrolló música para doble coro en San Marcos en Venecia . Esta tradición de la música policoral veneciana alcanzaría su apogeo en la música barroca temprana de Giovanni Gabrieli . A diferencia de los madrigales anteriores y más simples del Trecento , los madrigales del siglo XVI fueron escritos para varias voces, a menudo por personas no italianas traídas a las ricas cortes del norte. Los madrigalistas aspiraban a crear arte elevado, a menudo utilizando la poesía refinada de los sonetos petrarquistas y técnicas musicalmente sofisticadas como la pintura de textos. Compositores como Cipriano de Rore y Orlando di Lasso experimentaron con un cromatismo creciente , que culminaría en la música manierista de Carlo Gesualdo . En 1558, Gioseffo Zarlino , el principal teórico musical de la época, escribió la Istitutioni harmoniche , que abordaba cuestiones musicales prácticas como el contrapunto invertible . La música más ligera estuvo representada por la villanella , que tuvo su origen en canciones populares de Nápoles y se extendió por toda Italia.
La música no fue inmune a la atmósfera políticamente cargada de la Italia del Renacimiento. En 1559, Antonio Gardano publicó Musica nova , cuyas canciones partidistas políticamente pro republicanas agradaron a las repúblicas del norte de Italia e irritaron a la Iglesia. [9] En 1562/1563, la tercera parte del Concilio de Trento abordó cuestiones de la música en la Iglesia. La mayor parte de la música paralitúrgica, incluidas todas las secuencias excepto cuatro , fueron prohibidas. Entre bastidores se debatió una prohibición absoluta de la música polifónica y se emitieron directrices que exigían que la música religiosa tuviera palabras claras y un estilo puro y edificante. Aunque los cuentos de Giovanni Pierluigi da Palestrina "rescatando" la polifonía con la Missa Papae Marcelli ya no son aceptados por los estudiosos, la música de Palestrina sigue siendo el paradigma de la estética musical promovida por la Iglesia. [10] Poco después, en 1614, se publicó la Editio medicea (edición medicea) del canto gregoriano, reescribiendo el repertorio del canto gregoriano para purgarlo de corrupciones y barbarismos percibidos, y devolverlo a un estado "más puro" más cercano al estilo palestino. melodías.
A finales del siglo XVI y principios del XVII, los compositores comenzaron a traspasar los límites del estilo renacentista. El madrigalismo alcanzó nuevas alturas de expresión emocional y cromatismo en lo que Claudio Monteverdi llamó su seconda pratica (segunda práctica), que vio originarse con Cipriano de Rore y desarrollarse en la música de compositores como Luca Marenzio y Giaches de Wert . Esta música se caracterizó por una mayor disonancia y por secciones de homofonía , lo que llevó a rasgos del barroco temprano como voces desiguales donde la línea de bajo impulsaba las armonías y la melodía de agudos se volvía más prominente y solista. Este período de transición entre el Renacimiento y el Barroco incluyó el desarrollo de la escuela polifónica siciliana en las obras de Pietro Vinci, la primera polifonía existente escrita por mujeres, la fusión de textos hebreos y música europea en las obras de Salomone Rossi y la virtuosa música femenina. música de Luzzasco Luzzaschi interpretada por el Concerto delle donne en Ferrara .
La naturaleza exacta del drama musical griego antiguo es motivo de controversia. Sin embargo, lo que es importante para el desarrollo posterior de la música italiana y europea es que los poetas y músicos de la Camerata florentina de finales del siglo XVI pensaban (en palabras de uno de ellos, Jacopo Peri ) que los "antiguos griegos cantaban tragedias enteras". en el escenario". [11] Así nació la versión musical del Renacimiento italiano: rendir homenaje a la Grecia clásica volviendo a contar los mitos griegos dentro de un contexto musical escénico: las primeras óperas. Las obras surgieron en este período con melodías relativamente simples y los textos sobre la mitología griega cantados en italiano. (La ópera puede tener raíces más profundas en la tradición del maggio drammatico toscano . [12] [13] Tres ciudades son especialmente importantes en este período en Italia: Venecia , como lugar de nacimiento de la ópera comercial; Roma , por la escuela de polifonía renacentista de Palestrina ; y Nápoles , como lugar de nacimiento de los conservatorios de música patrocinados por la iglesia . Estos conservatorios evolucionaron hasta convertirse en campos de formación, proporcionando compositores y músicos para Italia y, de hecho, para Europa en su conjunto. Claudio Monteverdi es considerado el primer gran compositor de la nueva forma musical, la ópera . , la persona que convirtió la novedad florentina en un "drama musical unificado con una estructura planificada" [14] .
Los años 1600 a 1750 abarcan el barroco musical . Un nuevo predominio de la melodía dentro de la armonía a expensas del texto provocó grandes cambios, incluida la ampliación de los recursos instrumentales de la orquesta. El teclado se amplió y la fabricación de instrumentos de cuerda de Antonio Stradivari se convirtió en una gran industria en Cremona . La música instrumental comenzó a desarrollarse como una "pista" separada, bastante aparte del papel tradicional de acompañar la voz humana. Las formas instrumentales incluyen cosas como la sonata , la sinfonía y el concierto . Nombres importantes de la música de este período en Italia son Alessandro Scarlatti y Antonio Vivaldi , que representan la importancia de Nápoles y Venecia, respectivamente, dentro de este período.
Los recursos físicos para la música avanzaron mucho durante el siglo XVIII. Se construyeron los grandes teatros de ópera de Nápoles y Milán: el Teatro di San Carlo y La Scala , respectivamente. Es también la época del ascenso a la prominencia de la ópera cómica napolitana (y luego italiana) . También es importante restablecer el equilibrio entre texto y música en la ópera, en gran parte a través de los libretos de Pietro Trapassi, llamados Metastasio . [15]
Compositores italianos importantes en este siglo son: Domenico Scarlatti , Benedetto Marcello , Giovanni Battista Pergolesi , Niccolò Piccinni , Giovanni Paisiello , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa y Luigi Cherubini . Es también la época en la que la música italiana se hizo internacional, por así decirlo, y muchos compositores italianos comenzaron a trabajar en el extranjero.
El siglo XIX es la época del romanticismo en la literatura, el arte y la música europeos. La ópera italiana abandona la ópera cómica por la oferta más seria del romanticismo lírico italiano. Aunque el generalmente alegre y siempre popular Rossini fue ciertamente una excepción, la música italiana del siglo XIX está dominada al principio por artistas como Bellini y Donizetti , dando a la música italiana las melodías líricas que han permanecido asociadas con ella. desde entonces. Luego, los últimos cincuenta años del siglo estuvieron dominados por Giuseppe Verdi , el mayor icono musical de la historia italiana. La música de Verdi "buscaba la universalidad dentro del carácter nacional"; [16] es decir, mucho de lo que compuso en términos de temas históricos podría estar relacionado con su visión panitaliana. Verdi fue el compositor del Risorgimento italiano , el movimiento para unificar Italia en el siglo XIX. Más adelante en el siglo es también la época de los inicios de la carrera de Giacomo Puccini , quizás el mayor compositor de melodía pura en la historia de la música italiana.
Quizás la característica más notable de la forma musical italiana del siglo XIX, y lo que la distingue de los desarrollos musicales de otros lugares, es que siguió siendo principalmente operística. Todos los compositores italianos importantes del siglo escribieron ópera casi excluyendo otras formas, como la sinfonía. [17] No hay sinfonistas italianos en este siglo, como se podría hablar de Brahms en Alemania, por ejemplo. Muchos compositores italianos, sin embargo, escribieron música sacra importante, como Rossini a Stabat Mater y su difunta Petite messe solennelle y Verdi Messa da Requiem y Quattro pezzi sacri .
El romanticismo en toda la música europea ciertamente se mantuvo hasta principios del siglo XX. En Italia, la música de Verdi y Puccini siguió dominando durante varios años. Incluso las tramas realistas y las técnicas de composición más modernas de las óperas del verismo italiano , como Cavalleria rusticana de Mascagni , no afectaron en gran medida la naturaleza extremadamente melódica de la música italiana.