Henry McBride (25 de julio de 1867 - 31 de marzo de 1962) fue un crítico de arte estadounidense conocido por su apoyo a los artistas modernos , tanto europeos como estadounidenses, en la primera mitad del siglo XX. Como escritor durante la década de 1920 para el periódico The New York Sun y la revista de vanguardia The Dial , McBride se convirtió en uno de los partidarios más influyentes del arte moderno en su tiempo. [1] También escribió para Creative Art (1928-1932) y Art News (1950-1959). Vivió hasta los noventa y cinco años, McBride nació en la era de Winslow Homer y la Escuela del río Hudson y vivió para ver el ascenso de Jackson Pollock , Mark Rothko y la Escuela de Nueva York .
McBride nació en West Chester, Pensilvania , de padres cuáqueros . Estudió arte en la ciudad de Nueva York en el Artist-Artisan Institute y más tarde tomó clases nocturnas en la Art Students League de Nueva York . Fundó el departamento de arte de The Educational Alliance y dirigió la Trenton School of Industrial Arts en Nueva Jersey durante cinco años. Entre los estudiantes de sus clases de dibujo había hombres que luego alcanzarían una considerable reputación, entre ellos Samuel Halpert , Jacob Epstein y Abraham Walkowitz .
McBride llegó a la crítica de arte tarde en su vida, pero su timing fue excelente. En 1913, a los cuarenta y cinco años, fue contratado como escritor de segunda fila bajo el mando del crítico del New York Sun, Samuel Swift. McBride encontró empleo en un periódico conocido por sus buenos escritores y su cobertura entusiasta de las artes, [2] y comenzó a cubrir la escena artística de Nueva York en el año del famoso Armory Show , la primera introducción a gran escala en Estados Unidos del modernismo europeo. Al principio, sus perspectivas de ascenso no parecían buenas. Las instrucciones que le dieron fueron contundentes: "No seas intelectual". Eso era competencia de su jefe. Pero durante su primer invierno en el trabajo, Swift tuvo una pelea con el editor del periódico y, como escribió McBride, se vio felizmente obligado a "cambiar mi frente hacia lo intelectual". Se le encargó cubrir todas las exposiciones importantes en los museos y galerías principales de la ciudad en uno de los períodos culturales más emocionantes de la historia de Nueva York. [3] McBride trabajó para el Sun durante los siguientes treinta y seis años. Abandonado a los ochenta y tres años cuando el periódico se fusionó con otro menos consciente del arte, rápidamente comenzó a escribir una columna mensual con Art News.
McBride se hizo conocido rápidamente como uno de los críticos más abiertos y divertidos de la ciudad. Como muchos otros escritores de arte, había tenido la esperanza de ser artista y, mucho antes de empezar a escribir sobre arte, había hecho viajes de dibujo por Europa, había desarrollado un buen ojo para el color y la composición y se había empapado de historia del arte. Siempre se sintió profundamente identificado con las aspiraciones y presiones a las que se enfrentaban los artistas. Tuvo éxito desde el principio de su nueva carrera; Vanity Fair lo incluyó en su lista de honor de 1915 de "ocho críticos consagrados" sólo dos años después de la aparición de su primera columna semanal. [4] Se alineó con la vanguardia contra el status quo y se burló de los amantes del arte indignados y conservadores que consideraban que el posimpresionismo , el cubismo , el fauvismo , el precisionismo y los otros nuevos movimientos estaban más allá de su comprensión.
McBride tenía una extraña habilidad para descubrir talentos importantes a una edad temprana. Al reseñar la primera exposición de Charles Demuth , señaló al acuarelista como alguien a quien seguir de cerca, aunque conocía lo suficiente sobre arte contemporáneo como para esperar que Demuth no cayera demasiado bajo la influencia del igualmente talentoso John Marin . [5] La originalidad lo era todo para McBride. Sintió que vio mucha originalidad en 291, la avanzada galería dirigida por Alfred Stieglitz que a menudo exhibía obras que dejaban a otros críticos desconcertados o indignados. Aplaudió, mucho antes que la mayoría de sus colegas en la prensa artística, el trabajo de Seurat , Matisse , Kandinsky , Gaston Lachaise , Max Weber , Rufino Tamayo , Joan Miró , Charles Sheeler , Charles Burchfield , Georgia O'Keeffe , Elie Nadelman y Yasuo Kuniyoshi . Ayudó a promover el resurgimiento de Thomas Eakins en la época de la retrospectiva del Museo Metropolitano de 1916 y compartió su amor por el arte popular con sus lectores. Conoció a Gertrude Stein en un viaje a París en 1913 y se convirtió en un admirador tanto de su colección como de su escritura aventurera, y vio a Marcel Duchamp no como la figura amenazante que muchos vieron en Nueva York en la época de la Primera Guerra Mundial, sino como un espíritu cómico y liberador. Su cobertura de la inauguración de la ópera de Stein-Virgil Thomson Cuatro santos en tres actos en Hartford en 1934 fue extensa y elogiosa, y participó en la serie de conferencias patrocinadas por Katherine Dreier y la Société Anonyme , destinadas a promover la comprensión del modernismo entre el público en general. [6]
La respuesta de McBride al arte moderno no fue de un apoyo incondicional. La primera muestra de las pinturas de Oscar Bluemner en la galería de Stieglitz provocó una reacción fuertemente negativa, [7] y no tenía una buena opinión de Los ocho . Un crítico para quien Cézanne y Matisse se convirtieron en los pintores más importantes de la época quería algo más que los estridentes efectos de color de Bluemner y el realismo urbano de Los ocho. También le disgustaban las pinturas oscuras y melancólicas de Max Beckmann , hoy reconocido como el más grande de los expresionistas alemanes.
McBride, que no era un erudito ni un especialista, escribía con un estilo impresionista, coloquial, incluso locuaz y, a veces, fantasioso. En una reseña de una exposición que contenía el primer cuadro de Florine Stettheimer que había visto en su vida (se convertiría en un gran admirador y amigo íntimo de la pintora), escribió con admiración y humor sobre su extravagante escena de picnic, La Fête à Duchamp. Concluyó su reseña señalando que «la señorita Stettheimer parece ser una buena proveedora. Cuanto más pienso en ello, más molesto estoy por no haber sido invitado a esa fiesta». [8] McBride quiso decir esa afirmación tanto literal como metafóricamente: había decidido que el arte moderno era una gran fiesta y no tenía intención de que sus lectores se perdieran la diversión (ni quería). Algunos coleccionistas, como Duncan Phillips , estaban tan impresionados con el criterio y el estilo cautivador de McBride que esperaron a leer sus reseñas antes de hacer una compra. [9]
Incluso en los años 1940 y 1950, en una edad en la que mucha gente está menos abierta a nuevas experiencias culturales, McBride siguió buscando jóvenes talentos a los que elogiar. Fue uno de los primeros defensores de Milton Avery , cuyo sentido lúdico de la forma y suaves efectos de color lo cautivaron por completo. Cuando se refirió con admiración a Avery como "el W. C. Fields de los pintores", el artista sabía lo que quería decir. El humor es un elemento en la obra de Avery, que no se aprecia del todo incluso hoy en día. [10] También escribió con aprobación sobre la obra de Pollock, Rothko, Morris Graves y Bradley Walker Tomlin . "Aunque la vida y la era de McBride estaban llegando a su fin, se mantuvo receptivo a la siguiente fase". [11]
La amistad con los artistas sobre los que escribió fue una parte importante de la vida de McBride. Hizo referencias a "Gertrude y Alice" en sus columnas, asistió a las veladas de salón del centro de la ciudad en el apartamento de Stettheimer y disfrutó de la compañía de Matisse , Duchamp , Stieglitz , O'Keeffe y Peggy Bacon . Al igual que Demuth, McBride era homosexual, aunque no abiertamente, [12] y encontró un círculo acogedor de amigos en el mundo cosmopolita del Nueva York y París modernistas.
Florine Stettheimer rindió homenaje a su amigo pintando dos obras que tratan sobre él o lo incluyen. Su retrato de 1922, una sátira cariñosa (que se encuentra en la colección del Museo de Arte del Smith College), muestra a McBride sentado remilgadamente sobre un cojín mullido mientras lleva la cuenta de un partido de tenis (¿el crítico como anotador?), sobre un fondo alegre lleno de alusiones fantasiosas a los artistas que le gustaban a McBride: Demuth, Lachaise, Homer y la propia Stettheimer. Su Cathedrals of Art de 1942, que se encuentra en la colección del Museo Metropolitano de Arte, retrata a McBride agitando delicadamente señales de STOP y GO al pie de la gran escalera del Metropolitan, decidiendo qué artistas entrarán en sus instalaciones y quiénes no. También fue el tema de un busto de Gaston Lachaise, así como de dibujos de Peggy Bacon, Jules Pascin y otros.
Kirstein, Lincoln. "Henry McBride", ensayo introductorio para un catálogo de exposición no paginado, Knoedler Galleries, 1947.
Loughery, John. "The New York Sun y el arte moderno en Estados Unidos: Charles Fitzgerald, Frederick James Gregg, James Gibbons Huneker, Henry McBride", Arts Magazine (diciembre de 1984), págs. 77-82.
Rich, Daniel Catton (ed.). El flujo del arte: ensayos y crítica de Henry McBride, Nueva York: Atheneum, 1975.
Watson, Steven y Catherine Morris (ed.). Una mirada al siglo moderno: cartas seleccionadas de Henry McBride, New Haven: Yale University Press, 2000.