György Sándor Ligeti ( en húngaro : [ ˈliɡɛti ˈɟørɟ ˈʃaːndor ] ; 28 de mayo de 1923 - 12 de junio de 2006) fue un compositor húngaro-austriaco de música clásica contemporánea . [ 1] Ha sido descrito como "uno de los compositores de vanguardia más importantes de la segunda mitad del siglo XX" y "una de las figuras progresistas más innovadoras e influyentes de su tiempo". [2]
Nació en Rumania , vivió en la República Popular Húngara antes de emigrar a Austria en 1956. Se convirtió en ciudadano austriaco en 1968. En 1973 se convirtió en profesor de composición en la Hochschule für Musik und Theater de Hamburgo , donde trabajó hasta jubilarse en 1989. Murió en Viena en 2006.
Restringido en su estilo musical por las autoridades de la Hungría comunista, solo cuando llegó a Occidente en 1956 pudo Ligeti realizar plenamente su pasión por la música de vanguardia y desarrollar nuevas técnicas de composición. Después de experimentar con música electrónica en Colonia , Alemania, su gran avance llegó con obras orquestales como Atmosphères , para la que utilizó una técnica que más tarde denominó micropolifonía . Después de escribir su "anti-anti-ópera" Le Grand Macabre , Ligeti se alejó del cromatismo y se acercó a la polirritmia para sus obras posteriores.
Es más conocido por el público por el uso de su música en bandas sonoras de películas . Aunque no compuso directamente ninguna banda sonora, se tomaron fragmentos de piezas compuestas por él y se adaptaron para su uso en películas. El diseño de sonido de las películas de Stanley Kubrick , en particular la música de 2001: Una odisea del espacio , se basó en el trabajo de Ligeti.
Ligeti nació en 1923 en Diciosânmartin ( Dicsőszentmárton ; renombrada a Târnăveni en 1941) en Rumania , hijo del Dr. Sándor Ligeti y la Dra. Ilona Somogyi. Su familia era judía húngara . Era sobrino nieto del violinista Leopold Auer y primo segundo de la filósofa húngara Ágnes Heller . [3] [4] Algunas fuentes dicen que era sobrino nieto de Auer, en lugar de sobrino bisnieto. [5]
Ligeti recordó que su primer contacto con otros idiomas además del húngaro se produjo un día mientras escuchaba una conversación entre la policía de la ciudad que hablaba rumano. Antes de eso, no sabía que existían otros idiomas. [6] Se mudó a Cluj con su familia cuando tenía seis años. No regresó a la ciudad de su nacimiento hasta la década de 1990. En 1940, el norte de Transilvania pasó a formar parte de Hungría tras el Segundo Laudo de Viena , por lo que Cluj también pasó a formar parte de Hungría.
En 1941 Ligeti recibió su formación musical inicial en el conservatorio de Kolozsvár (Cluj) , [7] y durante los veranos de forma privada con Pál Kadosa en Budapest. En 1944, la educación de Ligeti se interrumpió cuando fue enviado a una brigada de trabajos forzados por el régimen de Horthy durante los acontecimientos del Holocausto. [5] Su hermano Gábor, de 16 años, fue deportado al campo de concentración de Mauthausen-Gusen y sus padres fueron enviados a Auschwitz . Su madre fue la única persona que sobrevivió en su familia inmediata. [8]
Después de la Segunda Guerra Mundial , Ligeti regresó a sus estudios en Budapest, graduándose en 1949 en la Academia de Música Franz Liszt . [9] Estudió con Pál Kadosa, Ferenc Farkas , Zoltán Kodály y Sándor Veress . Realizó investigaciones etnomusicológicas sobre la música folclórica húngara de Transilvania. Sin embargo, después de un año regresó a la Academia Franz Liszt en Budapest, esta vez como profesor de armonía , contrapunto y análisis musical . Consiguió este puesto con la ayuda de Kodály y lo mantuvo desde 1950 hasta 1956. [7] Cuando era un profesor joven, Ligeti tomó la inusual medida de asistir regularmente a las conferencias de un colega mayor, el director y musicólogo Lajos Bárdos , un cristiano conservador cuyo círculo representaba un refugio seguro para Ligeti. El compositor agradeció la ayuda y el consejo de Bárdos en los prefacios de sus dos libros de texto de armonía (1954 y 1956). [10] Debido a las restricciones del gobierno comunista , las comunicaciones entre Hungría y Occidente se habían vuelto difíciles en ese momento, y Ligeti y otros artistas quedaron efectivamente aislados de los desarrollos recientes fuera del Bloque del Este .
En diciembre de 1956, dos meses después de que el ejército soviético reprimiera violentamente el levantamiento húngaro , Ligeti huyó a Viena con su ex esposa Vera Spitz. [11] Se volvieron a casar en 1957 y tuvieron un hijo juntos. [12] [13] No volvería a ver Hungría hasta catorce años después, cuando fue invitado a participar como juez en un concurso en Budapest. [14] En su apresurada huida a Viena, dejó la mayoría de sus composiciones húngaras en Budapest, algunas de las cuales se han perdido. Se llevó sólo las que consideraba sus piezas más importantes. Más tarde dijo: "Consideraba que mi música antigua no tenía ningún interés. ¡Creía en la música dodecafónica !". [15] Finalmente obtuvo la ciudadanía austríaca en 1968. [12]
Unas semanas después de llegar a Viena, Ligeti se fue a Colonia. [16] Allí conoció a varias figuras clave de la vanguardia y aprendió estilos y métodos musicales más contemporáneos. [17] Entre estas personas se encontraban los compositores Karlheinz Stockhausen y Gottfried Michael Koenig , quienes trabajaban en música electrónica innovadora . Durante el verano, asistió al Darmstädter Ferienkurse . Ligeti trabajó en el Estudio de Música Electrónica de Colonia con Stockhausen y Koenig y se inspiró en los sonidos que escuchó allí. Sin embargo, produjo poca música electrónica propia, concentrándose en cambio en obras instrumentales que a menudo contienen texturas que suenan electrónicas .
Después de unos tres años de trabajar con ellos, se distanció de la Escuela de Música Electrónica de Colonia , porque había muchas luchas internas entre facciones: "Había [ sic ] muchas luchas políticas porque diferentes personas, como Stockhausen, como Kagel, querían ser los primeros. Y yo, personalmente, no tengo ninguna ambición de ser el primero o de ser importante". [6]
Entre 1961 y 1971 fue profesor invitado de composición en Estocolmo. En 1972 pasó a ser compositor residente en la Universidad de Stanford , en Estados Unidos. [7]
En 1973, Ligeti se convirtió en profesor de composición en la Hochschule für Musik und Theater de Hamburgo , y finalmente se jubiló en 1989. [18] Mientras vivía en Hamburgo, su esposa Vera permaneció en Viena con su hijo, Lukas , quien más tarde también se convirtió en compositor. [19]
Invitado por Walter Fink , Ligeti fue el primer compositor que apareció en el Komponistenporträt anual del Festival de Música de Rheingau en 1990. [20]
Además de su profundo interés por diferentes estilos de música, desde el Renacimiento hasta la música africana, Ligeti también estaba interesado en la literatura (incluidos los escritores Lewis Carroll , Jorge Luis Borges y Franz Kafka ), la pintura, la arquitectura, la ciencia y las matemáticas. Estaba especialmente fascinado por la geometría fractal de Benoit Mandelbrot y los escritos de Douglas Hofstadter . [21]
La salud de Ligeti se deterioró después del cambio de milenio; murió en Viena el 12 de junio de 2006, a la edad de 83 años. [19] [22] Aunque se sabía que había estado enfermo durante varios años y había usado una silla de ruedas durante los últimos tres años de su vida, su familia se negó a revelar detalles de la causa de su muerte. [23]
El canciller austríaco Wolfgang Schüssel y el secretario de arte Franz Morak rindieron homenaje a Ligeti. [24] Su funeral se celebró en el Feuerhalle Simmering . [25] El concierto conmemorativo fue interpretado por Pierre-Laurent Aimard y el coro Arnold Schoenberg . [25] Sus cenizas fueron enterradas en el Cementerio Central de Viena en una tumba de honor (en alemán: Ehrengrab ). [26]
Le sobreviven su esposa Vera y su hijo Lukas . [19] Este último es un compositor y percusionista radicado en los Estados Unidos. [27]
Muchas de las primeras obras de Ligeti fueron escritas para coro e incluían versiones de canciones populares. Su obra más importante en este período fue una composición de graduación para la Academia de Budapest , titulada Cantata para el Festival de la Juventud , para cuatro solistas vocales, coro y orquesta. Una de sus primeras piezas que ahora se encuentran en el repertorio es su Sonata para violonchelo , una obra en dos movimientos contrastantes que fueron escritas en 1948 y 1953. Inicialmente fue prohibida por la Unión de Compositores dirigida por la Unión Soviética y no se interpretó en público durante un cuarto de siglo. [28]
Las primeras obras de Ligeti son a menudo una extensión del lenguaje musical de Béla Bartók . Incluso su ciclo para piano Musica ricercata (1953), aunque escrito según Ligeti con un enfoque "cartesiano", en el que "consideraba toda la música que conocía y amaba como... irrelevante", [29] la pieza ha sido descrita por un biógrafo como de un mundo muy cercano al conjunto de obras para piano de Bartók, Mikrokosmos . [30] El conjunto de Ligeti comprende once piezas en total. La obra se basa en una restricción simple: la primera pieza utiliza exclusivamente una nota A, escuchada en múltiples octavas , y solo al final de la pieza se escucha una segunda nota, D. La segunda pieza utiliza tres notas (E ♯ , F ♯ , y G), la tercera pieza utiliza cuatro, y así sucesivamente, de modo que en la pieza final están presentes las doce notas de la escala cromática .
Poco después de su composición, Ligeti arregló seis de los movimientos de Musica ricercata para quinteto de viento bajo el título 'Seis bagatelas para quinteto de viento'. Las bagatelas se interpretaron por primera vez en 1956, pero no en su totalidad: el último movimiento fue censurado por los soviéticos por ser demasiado 'peligroso'. [31]
Debido a la censura soviética, sus obras más atrevidas de este período, incluyendo Musica ricercata y su Cuarteto de cuerdas n.º 1 Métamorphoses nocturnes (1953-1954), fueron escritas para el "cajón de abajo". Compuesto por un solo movimiento dividido en diecisiete secciones contrastantes unidas entre sí de forma motivadora , [32] el Primer Cuarteto de cuerdas es la primera obra de Ligeti que sugiere un estilo personal de composición. El cuarteto de cuerdas no se interpretó hasta 1958, después de que huyera de Hungría a Viena. [33]
Al llegar a Colonia, Ligeti comenzó a escribir música electrónica junto a Karlheinz Stockhausen y Gottfried Michael Koenig en el estudio electrónico de la Radio de Alemania Occidental (WDR) . Sin embargo, solo completó dos obras en este medio: las piezas Glissandi (1957) y Artikulation (1958), antes de regresar a la música instrumental. Se planeó una tercera obra, originalmente titulada Atmosphères pero más tarde conocida como Pièce électronique Nr. 3 , pero las limitaciones técnicas de la época impidieron que Ligeti la realizara por completo. Finalmente, fue realizada en 1996 por los compositores holandeses Kees Tazelaar y Johan van Kreij del Instituto de Sonología . [34]
La música de Ligeti parece haber sido influenciada posteriormente por sus experimentos electrónicos, y muchos de los sonidos que creó se parecían a texturas electrónicas . Ligeti acuñó el término " micropolifonía " para describir la textura del segundo movimiento de Apparitions (1958-59) y Atmosphères (1961). Esta textura es similar a la de la polifonía , excepto que la polifonía está oscurecida en una pila densa y rica de tonos. [35] La micropolifonía se puede utilizar para crear obras casi estáticas pero de evolución lenta como Atmosphères en las que los instrumentos individuales se ocultan en una compleja red de sonido. Según Ligeti, después de Apparitions y Atmosphères , "se hizo famoso". [36]
Con Volumina (1961-62, revisada en 1966) para órgano solista, Ligeti continuó con los grupos de notas , traducidos a bloques de sonido. En esta pieza, Ligeti abandonó la notación musical convencional y, en su lugar, utilizó diagramas para representar áreas generales de tono, duración y ráfagas de notas. [37]
Poème symphonique (1962) es una obra para cien metrónomos mecánicos durante su breve conocimiento del movimiento Fluxus .
Aventures (1962), al igual que su pieza complementaria Nouvelles Aventures (1962-65), es una composición para tres cantantes y un septeto instrumental, sobre un texto (de creación propia de Ligeti) que no tiene significado semántico. En estas piezas, cada cantante tiene cinco papeles que desempeñar, explorando cinco áreas de emoción, y pasan de uno a otro tan rápida y abruptamente que las cinco áreas están presentes a lo largo de la pieza. [38]
Réquiem (1963-65) es una obra para solistas de soprano y mezzosoprano, coro de veinte partes (cuatro de cada una de las siguientes: soprano, mezzosoprano, alto, tenor y bajo) y orquesta. Aunque, con una duración de aproximadamente media hora, es la pieza más larga que había compuesto hasta ese momento, [39] Ligeti solo pone en escena aproximadamente la mitad deltexto tradicional del Réquiem : el « Introito », el « Kyrie » (una cuasifugacompletamente cromática , donde las partes son un montaje de micropolifonía melismática , salteada) y el « Dies irae », dividiendo esta última secuencia en dos partes, «De die judicii» y « Lacrimosa ».
Lux Aeterna (1966) es una pieza a capella de 16 voces cuyo texto también está asociado con el Réquiem latino.
El Concierto para violonchelo de Ligeti (1966), dedicado a Siegfried Palm , se compone de dos movimientos: el primero comienza con un violonchelo casi imperceptible que lentamente cambia a grupos de tonos estáticos con la orquesta antes de alcanzar un crescendo y decaer lentamente, mientras que el segundo es una pieza virtuosa de melodía atonal dinámica por parte del violonchelo. [40]
Lontano (1967), para orquesta completa, es otro ejemplo de micropolifonía, pero el efecto general es más cercano a la armonía, con texturas complejas y opacidad del sonido que dan lugar a un efecto armonioso. Se ha convertido en una pieza estándar del repertorio. [41]
El Cuarteto de cuerdas nº 2 (1968) consta de cinco movimientos, que difieren ampliamente entre sí en sus tipos de movimiento. En el primero, la estructura está en gran parte fragmentada, como en Aventuras . En el segundo, todo se reduce a una cámara muy lenta y la música parece venir desde lejos, con gran lirismo. El tercer movimiento, en pizzicato, es un estudio mecánico, duro y mecánico, en el que las partes que tocan notas repetidas crean un continuo "granulado". En el cuarto, que es rápido y amenazante, todo lo que sucedió antes se amontona. Por último, en fuerte contraste, el quinto movimiento se expande. En cada movimiento, vuelven las mismas configuraciones básicas, pero cada vez su colorido o punto de vista es diferente, de modo que la forma general solo emerge realmente cuando se escuchan los cinco movimientos en contexto. [42]
Ramifications (1968-69), completada un año antes del Concierto de cámara, está escrita para un conjunto de cuerdas en doce partes (siete violines, dos violas, dos violonchelos y un contrabajo), cada una de las cuales puede ser interpretada por un solo intérprete o por varios. Los doce están divididos en dos grupos numéricamente iguales, pero los instrumentos del primer grupo están afinados aproximadamente un cuarto de tono más alto (cuatro violines, una viola y un violonchelo). A medida que el grupo toca, el que está afinado más alto tiende inevitablemente a deslizarse hacia abajo, hacia el otro, y ambos se acercan en tono. [42]
En el Concierto de cámara (1969-70), pueden tener lugar varias capas, procesos y tipos de movimiento en diferentes planos simultáneamente. A pesar de las frecuentes marcas de "senza tempo", los instrumentistas no tienen libertad lineal; Ligeti insiste en mantener su textura bajo estricto control en todo momento. La forma es como un "mecanismo de precisión". Ligeti siempre estuvo fascinado por las máquinas que no funcionan correctamente y por el mundo de la tecnología y la automatización. El uso de ruidos mecánicos periódicos, que sugieren una maquinaria no del todo fiable, se da en muchas de sus obras. La partitura es para flauta (doblando piccolo), oboe (doblando oboe d'amore y corno inglés), clarinete, clarinete bajo (doblando segundo clarinete), trompa, trombón, clavecín (doblando órgano Hammond), piano (doblando celesta) y quinteto de cuerda solista. [43] También escribió un Doble concierto para flauta, oboe y orquesta (1972).
La mayoría de estas composiciones establecen el timbre, en lugar de las dimensiones tradicionalmente favorecidas de tono y ritmo, como su principal parámetro formal, una práctica que ha llegado a conocerse como sonorismo . [44] A partir de la década de 1970, Ligeti se alejó del sonorismo y comenzó a concentrarse en el ritmo. Piezas como Continuum (1968) y Clocks and Clouds (1972-73) fueron escritas antes de que escuchara la música de Steve Reich y Terry Riley en 1972. Pero la segunda de sus Tres piezas para dos pianos (1976), titulada "Autorretrato con Reich y Riley (y Chopin en el fondo)", conmemora esta afirmación e influencia. Durante la década de 1970, también se interesó en la música polifónica de flauta de la tribu Banda -Linda de la República Centroafricana , que escuchó a través de las grabaciones de uno de sus estudiantes. [45]
En 1977, Ligeti completó su única ópera, Le Grand Macabre , trece años después de su encargo inicial. Basada libremente en la obra de Michel de Ghelderode de 1934, La balade du grand macabre , es una obra de teatro absurdo —Ligeti la llamó una "anti-anti-ópera"— en la que la Muerte (Nekrotzar) llega a la ciudad ficticia de Breughelland y anuncia que el fin del mundo ocurrirá a la medianoche. Musicalmente, Le Grand Macabre recurre a técnicas no asociadas con el trabajo anterior de Ligeti, incluidas citas y pseudocitas de otras obras [46] y el uso de terceras y sextas consonantes . Después de Le Grand Macabre , Ligeti abandonaría el uso del pastiche , [47] pero incorporaría cada vez más armonías consonantes (incluso tríadas mayores y menores ) en su obra, aunque no en un contexto diatónico .
Después de Le Grand Macabre , Ligeti luchó durante algún tiempo para encontrar un nuevo estilo. Aparte de dos piezas cortas para clave , no completó otra obra importante hasta el Trío para violín, trompa y piano en 1982, más de cuatro años después de la ópera. Su música de los años 1980 y 1990 continuó enfatizando ritmos mecánicos complejos, a menudo en un idioma cromático menos denso, tendiendo a favorecer tríadas mayores y menores desplazadas y estructuras polimodales . Durante este tiempo, Ligeti también comenzó a explorar sistemas de afinación alternativos mediante el uso de armónicos naturales para trompas (como en el Trío para trompa y el Concierto para piano ) y scordatura para cuerdas (como en el Concierto para violín ). Además, la mayoría de sus obras en este período son obras de varios movimientos, en lugar de los movimientos individuales extendidos de Atmosphères y San Francisco Polyphony .
Entre 1985 y 2001, Ligeti completó tres libros de Estudios para piano (Libro I, 1985; Libro II, 1988-94; Libro III, 1995-2001). Con un total de dieciocho composiciones, los Estudios se nutren de una amplia gama de fuentes, entre ellas el gamelan , [48] [49] [50] los polirritmos africanos , Béla Bartók, Conlon Nancarrow , Thelonious Monk , [50] [51] y Bill Evans . El Libro I fue escrito como preparación para el Concierto para piano, que contiene una serie de elementos motívicos y melódicos similares . La música de Ligeti de las dos últimas décadas de su vida es inconfundible por su complejidad rítmica. Al escribir sobre su primer libro de estudios para piano, el compositor afirma que esta complejidad rítmica proviene de dos fuentes de inspiración muy diferentes: la música para piano de la era romántica de Chopin y Schumann y la música indígena del África subsahariana . [52]
La diferencia entre las piezas anteriores y posteriores radica en una nueva concepción del pulso . En las primeras, el pulso es algo que se divide en dos, tres, etc. El efecto de estas diferentes subdivisiones, especialmente cuando ocurren simultáneamente, es difuminar el paisaje sonoro, creando el efecto micropolifónico de la música de Ligeti. [53]
Por otra parte, la música posterior —y algunas piezas anteriores como Continuum— trata el pulso como un átomo musical, un denominador común, una unidad básica, que no puede dividirse más. Los diferentes ritmos aparecen a través de multiplicaciones del pulso básico, en lugar de divisiones: este es el principio de la música africana que adoptó Ligeti. También aparece en la música de Philip Glass , Steve Reich y otros; y significativamente comparte mucho en común con los ritmos aditivos de la música folclórica de los Balcanes , la música de la juventud de Ligeti. [54] Describió la música de Conlon Nancarrow, con sus exploraciones extremadamente complejas de la complejidad polirrítmica, como "el mayor descubrimiento desde Webern e Ives ... ¡algo grande e importante para toda la historia de la música! Su música es tan absolutamente original, agradable, perfectamente construida, pero al mismo tiempo emotiva... para mí es la mejor música de cualquier compositor vivo hoy en día". [55]
En 1988, Ligeti completó su Concierto para piano, escribiendo que "presento mi credo artístico en el Concierto para piano : demuestro mi independencia de los criterios de la vanguardia tradicional , así como del posmodernismo de moda ". [56] Los bocetos iniciales del Concierto comenzaron en 1980, pero no fue hasta 1985 que encontró un camino a seguir y el trabajo avanzó más rápidamente. [57] El Concierto explora muchas de las ideas elaboradas en los Études pero en un contexto orquestal.
En 1993, Ligeti completó su Concierto para violín después de cuatro años de trabajo. Al igual que el Concierto para piano, el Concierto para violín utiliza la amplia gama de técnicas que había desarrollado hasta ese momento, así como las nuevas ideas que estaba desarrollando en ese momento. Entre otras técnicas, utiliza una pasacalle, [58] " microtonalidad , texturas que cambian rápidamente , yuxtaposiciones cómicas... melodías populares húngaras , ritmos de danza búlgaros , referencias a la música medieval y renacentista y escritura para violín solista que va desde lo lento y de tono dulce hasta lo angular y fogoso". [59]
Otras obras notables de este período son la Sonata para viola (1994) y los Madrigales sin sentido (1988-1993), un conjunto de seis composiciones a capela que ambientan textos en inglés de William Brighty Rands , Lewis Carroll y Heinrich Hoffman . El tercer Madrigal es una versión del alfabeto inglés .
Las últimas obras de Ligeti fueron el Concierto de Hamburgo para trompa solista, cuatro trompas naturales y orquesta de cámara (1998-99, revisado en 2003, dedicado a Marie-Luise Neunecker ), el ciclo de canciones Síppal, dobbal, nádihegedűvel ("Con gaitas, tambores y violines", 2000) y el decimoctavo estudio para piano "Canon" (2001). La partitura impresa y el manuscrito del Concierto de Hamburgo contienen numerosos errores e inconsistencias. [60] La revisión de la pieza, realizada por el compositor italiano Alessio Elia y publicada en el libro The Hamburgisches Konzert de György Ligeti, publicado por Edition Impronta, se utilizó para la primera interpretación revisada de esta obra, realizada por el Concerto Budapest Ligeti Ensemble con Szabolcs Zempléni como trompa solista. La orquesta debería haber sido dirigida por Peter Eötvös , reemplazado debido a una indisposición por Gergely Vajda. [61] Además, después de Le Grand Macabre , Ligeti planeó escribir una segunda ópera, primero basada en La tempestad de Shakespeare y más tarde en Alicia en el país de las maravillas de Carroll , pero ninguna de las dos llegó a buen término. [62] [63]
Ligeti ha sido descrito como "junto con Boulez , Berio , Stockhausen y Cage como una de las figuras progresistas más innovadoras e influyentes de su tiempo". [2] A partir de 1960, la obra de Ligeti se hizo más conocida y respetada. [ aclaración necesaria ] Su obra más conocida fue escrita durante el período comprendido entre Apparitions y Lontano , que incluye Atmosphères , Volumina , Aventures y Nouvelles Aventures , Réquiem , Lux Aeterna y su Concierto para violonchelo; así como su ópera Le Grand Macabre . En los últimos años, sus tres libros de estudios para piano también se han hecho muy conocidos y son el tema del proyecto Inside the Score del pianista Pierre-Laurent Aimard . [64]
La música de Ligeti es más conocida por el público no familiarizado con la música clásica del siglo XX por su uso en tres películas de Stanley Kubrick , que le valieron una audiencia mundial. [19] La banda sonora de 2001: Odisea del espacio incluye extractos de cuatro de sus piezas: Atmosphères , Lux Aeterna , Réquiem y Aventures . [65] Atmosphères se escucha durante la secuencia "Star Gate", con partes que también se escuchan en la obertura y el intermedio. Lux Aeterna se escucha en la escena del autobús lunar en camino al monolito de Tycho. La secuencia Kyrie de su Réquiem se escucha durante los primeros tres encuentros con el monolito. Una versión alterada electrónicamente de Aventures , que no aparece en los créditos de la película, se escucha en las crípticas escenas finales. La música se utilizó, y en algunos casos se modificó, sin el conocimiento de Ligeti y sin la autorización completa de los derechos de autor . Cuando se enteró del uso de su música en la película, "presentó una demanda con éxito por haber distorsionado su música" [66] y llegaron a un acuerdo extrajudicial . Kubrick pidió permiso y compensó a Ligeti por el uso de su música en películas posteriores. [67]
Lux Aeterna se utilizó nuevamente en la secuela de 2001 de Peter Hyams de 1984 , 2010: El año en que hacemos contacto . [68]
Una película posterior de Kubrick, El resplandor , utiliza pequeñas porciones de Lontano para la orquesta. [69]
Un motivo del segundo movimiento de Musica ricercata de Ligeti se utiliza en momentos cruciales de Eyes Wide Shut de Kubrick . [70] En el estreno alemán de esa película, cuando Kubrick ya había fallecido, su viuda fue escoltada por el propio Ligeti. [71]
El trabajo de Ligeti también ha sido utilizado en numerosas películas de otros directores. Lontano también fue utilizado en la película de suspenso psicológico Shutter Island de Martin Scorsese de 2010. [72] El primer movimiento del Concierto para violonchelo se utilizó en la película policial Heat de Michael Mann de 1995. [68] El Réquiem se utilizó en la película Godzilla de 2014. [73] El Concierto para violonchelo y el Concierto para piano se utilizaron en la película de 2017 de Yorgos Lanthimos The Killing of a Sacred Deer . [74] [75]
Su música también ha sido utilizada en televisión y radio. Lontano , Atmosphères y el primer movimiento del Concierto para violonchelo se utilizaron en el documental de Sophie Fiennes Over Your Cities Grass Will Grow , sobre el artista alemán de posguerra Anselm Kiefer . [76] Lontano , Melodien y Volumina se utilizaron en Fit the First , Fit the Fifth y Fit the Sixth de la serie de radio de The Hitchhiker's Guide to the Galaxy como música de fondo para secciones de la narrativa de la Guía. [77]
Gyorgy Ligeti, el compositor centroeuropeo cuya música se encontraba entre las más innovadoras de la segunda mitad del siglo XX –a veces inquietante, a veces humorística, generalmente fantástica y siempre refinada– murió ayer en Viena. Tenía 83 años. Su familia confirmó su muerte, pero se negó a divulgar la causa, diciendo únicamente que había estado enfermo durante varios años.
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