Fantasía 2000 es una película antológica musical animada estadounidense de 1999producida por Walt Disney Feature Animation y estrenada por Walt Disney Pictures . Producida por Roy E. Disney y Donald W. Ernst , es la secuela del largometraje animado Fantasía de Disney de 1940. Al igual que su predecesora, Fantasía 2000 consta de segmentos animados ambientados en piezas de música clásica. Los segmentos son presentados por celebridades como Steve Martin , Itzhak Perlman , Quincy Jones , Bette Midler , James Earl Jones , Penn & Teller , James Levine y Angela Lansbury en escenas de acción en vivo dirigidas por Don Hahn .
Después de numerosos intentos fallidos de desarrollar una secuela de Fantasía , The Walt Disney Company revivió la idea poco después de que Michael Eisner se convirtiera en director ejecutivo en 1984. El desarrollo se detuvo hasta que el éxito comercial del lanzamiento en video doméstico de Fantasía en 1991 convenció a Eisner de que había suficiente interés público y fondos para una secuela, a la que asignó a Disney como productor ejecutivo. La música de seis de los ocho segmentos de la película es interpretada por la Orquesta Sinfónica de Chicago dirigida por James Levine . La película incluye El aprendiz de brujo del original de 1940. Cada nuevo segmento se produjo combinando animación tradicional con imágenes generadas por computadora . Fantasía 2000 también se vincula generalmente con el Renacimiento de Disney , ya que conmemora el tercer largometraje animado de Walt Disney . [4] [5]
Fantasía 2000 se estrenó el 17 de diciembre de 1999 en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York como parte de una gira de conciertos que también visitó Londres, París, Tokio y Pasadena, California. La película se estrenó en 75 cines IMAX de todo el mundo desde el 1 de enero hasta el 30 de abril de 2000, lo que marcó la primera gran película de Hollywood estrenada en IMAX y también el primer largometraje animado estrenado en ese formato. Su estreno general en cines tradicionales se produjo el 16 de junio de 2000. La película recibió críticas mayoritariamente positivas de los críticos, que elogiaron varias de sus secuencias, aunque también consideraron que su calidad general era desigual en comparación con su predecesora. Sin embargo, con un presupuesto de entre 80 y 85 millones de dólares, la película solo recaudó 90,9 millones de dólares en todo el mundo, lo que la convirtió en un fracaso de taquilla . [6]
Fantasía es atemporal. Puede que siga vigente durante 10, 20 o 30 años. Puede que siga vigente después de que yo me haya ido. Fantasía es una idea en sí misma. Nunca podré crear otra Fantasía . Puedo mejorarla. Puedo elaborarla. Eso es todo.
—Walt Disney [9]
En 1940, Walt Disney estrenó Fantasía , su tercer largometraje animado, que constaba de ocho segmentos animados ambientados en piezas de música clásica. Inicialmente, planeó que la película se lanzara continuamente con nuevos segmentos que reemplazaran a los anteriores para que el público nunca viera la misma película dos veces. La idea se abandonó después de los bajos ingresos iniciales de taquilla de la película y una respuesta mixta de los críticos. Después del trabajo preliminar en nuevos segmentos, la idea se archivó en 1942 y no se volvió a considerar durante el resto de la vida de Disney. En 1980, los animadores Wolfgang Reitherman y Mel Shaw comenzaron el trabajo preliminar en Musicana , un largometraje "que mezclaba jazz, música clásica, mitos, arte moderno ... siguiendo el antiguo formato de Fantasía " que presentaría "cuentos étnicos de todo el mundo con la música de los diversos países". [10] El proyecto fue cancelado a favor de Mickey's Christmas Carol (1983). [11]
La idea de una secuela de Fantasía revivió poco después de que Michael Eisner se convirtiera en director ejecutivo de The Walt Disney Company en 1984, cuando el sobrino de Walt, el vicepresidente Roy E. Disney , se la sugirió en un almuerzo. [12] La idea había entrado por primera vez en la mente de Disney diez años antes, [13] y recordó la reacción de Eisner: "Fue como si una gran bombilla se encendiera sobre su cabeza. La idea era tentadora, pero no teníamos los recursos para llevarla a cabo". [14] Sin embargo, el presidente de Walt Disney Studios, Jeffrey Katzenberg, mostró una falta de interés en la película. [15] Una vez le había pedido a André Previn que trabajara en una película de Fantasía , pero Previn se negó después de enterarse de que iba a presentar canciones de los Beatles en lugar de música clásica. [16] Eisner se acercó a Leonard Bernstein con la misma idea, pero aunque parecía entusiasmado, Bernstein murió antes de que comenzara la producción. [17] Pasaron siete años más antes de que la película fuera reconsiderada, después de que la reedición de Fantasía en 1990 recaudara 25 millones de dólares en Estados Unidos [18] y el anuncio de su disponibilidad limitada en vídeo doméstico en 1991 impulsara 9,25 millones de pedidos anticipados. [19] Disney vio su éxito comercial como una señal de que había suficiente interés público en la franquicia Fantasía para hacer una secuela. Eisner finalmente dio luz verde a la película en 1991, y Disney actuó como productor ejecutivo sobre la base de que su producción se financiaría con las ganancias de las ventas de vídeos. [15] [20] Disney asignó a Donald W. Ernst como productor [20] y a Hendel Butoy como director supervisor, habiéndosele gustado su trabajo en The Rescuers Down Under (1990). [21]
Durante la búsqueda de un director adecuado, el presidente de Disney y Walt Disney Feature Animation, Thomas Schumacher, invitó al director de la Metropolitan Opera, James Levine, y al mánager Peter Gelb a una reunión en septiembre de 1991. [22] Disney recordó: "Le pregunté a James qué pensaba sobre una versión de tres minutos de la quinta sinfonía de Beethoven. Hizo una pausa y dijo: 'Creo que los tres minutos correctos serían hermosos'". [23] En noviembre de 1992, Disney, Schumacher, Levine, Gelb y Butoy se reunieron en Viena para discutir una colección de carretes de historias desarrollados, uno de ellos era Pines of Rome , por el que Levine se enamoró de inmediato. Butoy describió el entusiasmo de Levine hacia la película como "como un niño en una tienda de dulces". [23] Debido a que Katzenberg continuó expresando cierta hostilidad hacia la película, Disney realizó reuniones de desarrollo sin él y reportó directamente a Eisner en su lugar, algo que el autor James B. Stewart escribió "habría sido impensable en cualquier otro proyecto de animación futuro". [15]
La producción comenzó bajo el título provisional de Fantasia Continued con un estreno en 1997. [12] El título fue cambiado a Fantasia 1999 , seguido por Fantasia 2000 para coincidir con su estreno en cines en 2000. Disney formó su orden de ejecución inicial con la mitad del programa Fantasia y solo "tres o cuatro números nuevos" [24] con el objetivo de lanzar una "película seminueva". [25] Al darse cuenta de que la idea no funcionaría, mantuvo tres segmentos de Fantasía (El aprendiz de brujo , El cascanueces y La danza de las horas ) en el programa durante "bastante tiempo". [26] Night on Bald Mountain fue el segmento más difícil de eliminar para él de su orden de ejecución original porque era uno de sus favoritos. Lo había colocado en el medio de la película sin Ave María , pero sintió que no funcionaba y descartó la idea. [27] Más tarde, Dance of the Hours fue descartada y The Nutcracker Suite fue reemplazada por Rhapsody in Blue durante los últimos meses de producción luego de la respuesta de numerosas proyecciones de prueba . [28] Disney mantuvo a The Sorcerer's Apprentice en el programa final como un homenaje a Fantasia . [29] El segmento se sometió a una restauración digital por Cinesite en Los Ángeles. [30] Disney consideró usar Clair de Lune , una pieza originalmente hecha para Fantasia que seguía a dos garzas blancas volando por los Everglades por la noche, pero pensó que era "bastante aburrida". [28] Una idea de tener "una pesadilla y un sueño luchando por el alma de un niño dormido" con Rhapsody on a Theme of Paganini de Sergei Rachmaninoff fue completamente desarrollada, pero fracasó. [3]
La Sinfonía n.º 5 es un segmento abstracto creado por Pixote Hunt con el desarrollo de la historia a cargo de Kelvin Yasuda. En diciembre de 1997, después de rechazar propuestas de otros cuatro animadores, Disney y Ernst le pidieron a Hunt sus ideas. [31] Hunt pensó por primera vez en la historia durante una caminata matutina en Pasadena, California, una que mostraba una batalla del "bien" contra el "mal" y cómo se resuelve el conflicto. [32] Hunt tardó aproximadamente dos años, de principio a fin, en completar el segmento. Disney y Ernst decidieron seguir la idea de Hunt; Hunt evitó producir una obra completamente abstracta porque "se puede obtener algo abstracto en cada pantalla de computadora" con facilidad. [33] Hunt dividió el segmento en 31 miniescenas, anotando los puntos en los que emplearía colores vivos cuando la música fuera brillante y fluida, y luego cambiaría a tonos más oscuros cuando la música se sintiera más oscura y densa. [34] Para inspirarse en cómo se moverían las formas, Hunt y sus asociados visitaron el Zoológico de San Diego , una granja de mariposas, y observaron imágenes en cámara lenta de murciélagos. [35] El segmento combina fondos dibujados a mano con pasteles y pintura que se escanearon en el Sistema de producción de animación por computadora (CAPS) e imágenes generadas por computadora (CGI) de formas y efectos abstractos, que se superpusieron en la parte superior. [36] Hunt explicó que escanear cada dibujo "fue un proceso de una sola toma", ya que la platina que lo presionaba alteraría el pastel una vez que se hubiera escaneado. [37] En un momento durante la producción, Hunt y Yasuda completaron 68 dibujos al pastel en ocho días. [34] El segmento se produjo utilizando el software de animación Houdini . [30]
Pines of Rome fue la primera pieza que Disney sugirió para la película, así como la primera en ser animada; los diseños aparecieron en los diarios del estudio ya en octubre de 1993. [38] Butoy se desempeñó como director con James Fujii manejando la historia. [21] La apertura de la pieza le dio a Disney la idea de "algo volador". [39] Butoy esbozó la secuencia en notas adhesivas amarillas . [40] La historia originalmente involucraba a las ballenas volando desde la perspectiva de un grupo de pingüinos, pero la idea fue descartada para hacer de la ballena bebé un personaje central. Las ballenas también estaban programadas para regresar a la Tierra, pero Butoy dijo que "nunca se sintió del todo bien", lo que llevó a la decisión de que atravesaran un techo de nubes y entraran a un mundo diferente por la supernova. [41] Butoy creó un "diagrama de intensidad musical" para que lo siguieran los animadores que "rastreaba los altibajos de la música... a medida que la música se ilumina, también lo hace el color", y viceversa. [42] Explicó que debido a que la CGI estaba en sus inicios durante el desarrollo, el primer tercio del segmento fue dibujado a mano con lápiz para tener una idea de cómo se moverían las ballenas. Cuando los dibujos fueron escaneados en el sistema CAPS, Butoy descubrió que las ballenas se movían demasiado rápido o tenían menos peso. Los dibujos fueron alterados para hacer que las ballenas se desaceleraran y fueran "más creíbles". [43] Los ojos de las ballenas fueron dibujados a mano, ya que las miradas y los gestos deseados no eran completamente alcanzables usando CGI. [44] Butoy recordó el desafío de hacer que el agua apareciera y se moviera lo más naturalmente posible; el equipo decidió escribir el código de computadora desde cero ya que la animación tradicional habría llevado demasiado tiempo y habría producido resultados no deseados. [45] El código que manejaba la manada de ballenas fue escrito para que las ballenas se alejaran si chocaran y no chocaran, se superpusieran o se atravesaran entre sí. La misma técnica se utilizó para la escena de la estampida en El rey león (1994), que se produjo al mismo tiempo. [46]
Rhapsody in Blue es el primer segmento de Fantasía con música de un compositor estadounidense. Se originó en 1995 cuando el director y animador Eric Goldberg se acercó a Al Hirschfeld sobre la idea de un corto animado ambientado en la composición de Gershwin al estilo de las ilustraciones de Hirschfeld. En diciembre de 1998, los Goldberg presentaron Rhapsody in Blue a Thomas Schumacher y recibieron luz verde para producirlo, y Hirschfeld aceptó servir como consultor artístico y permitió que los animadores adaptaran sus obras. [47] Duke lleva el nombre del músico de jazz Duke Ellington . [48] La parte inferior de su tubo de pasta de dientes dice "NINA", un huevo de Pascua que hace referencia a la hija de Hirschfeld, Nina, cuyo nombre Hirschfeld inscribió en varios de sus dibujos desde su nacimiento en 1945. Otro huevo de Pascua hace referencia a la artista Emily Jiuliano, cuyo nombre se muestra como "E. Jiuliano". [49] Rachel fue diseñada en honor a la hija de los Goldberg; [50] John, o "Flying John", está basado en la caricatura de Alexander Woollcott hecha por el historiador y autor de animación John Culhane y Hirschfeld . [50] [51] [52] Goldberg tomó la ilustración original de Gershwin de Hirschfeld y la animó para que tocara parte de la "rapsodia" en el piano. [50] La parte más difícil de animar en esta escena en particular fue el giro de la cabeza de Gershwin, ya que el dibujo original mostraba un ángulo de su cabeza. La ilustración también presentaba a Ira Gershwin junto a su hermano George, pero Ira no aparece en la escena ni en ningún otro lugar de la película. Entre la multitud que sale del hotel se encuentran representaciones de Brooks Atkinson y Hirschfeld, junto con su esposa Dolly Haas . [53] [50] La secuencia era tan compleja cromáticamente que el proceso de renderizado con el sistema CAPS retrasó el trabajo en Tarzán . [30]
El Concierto para piano n.º 2 fue dirigido por Butoy con el director artístico Michael Humphries. Se originó en la década de 1930 cuando Walt Disney quiso adaptar una colección de cuentos de hadas de Hans Christian Andersen en una película animada. Los artistas completaron una serie de diseños preliminares basados en las historias, incluidos los de " El soldadito de plomo " de 1938 de Bianca Majolie [54] que se almacenaron en la biblioteca de investigación de animación del estudio y se usaron para un libro de Disney de 1991 que volvía a contar la historia acompañada de los bocetos del guion gráfico. Cuando Disney sugirió usar la pieza de Shostakovich, Butoy hojeó el libro y encontró que la estructura de la historia encajaba con la música. [55] Cuando Humphries vio los bocetos, diseñó el segmento con obras de Caravaggio y Rembrandt en mente para darle al segmento una sensación "atemporal", al tiempo que mantenía los colores "lo más románticos posible" durante las escenas en las que el soldado y la bailarina se conocen por primera vez. [56] [57] Se utilizaron imágenes en vivo de una bailarina real como guía para los movimientos de la bailarina de juguete. [58] Butoy encontró que el Jack-in-a-box era un personaje difícil de diseñar y animar con su base de resorte y cómo se movía con la caja. Su apariencia pasó por numerosos cambios, en parte debido a la falta de material de referencia disponible para el equipo. [59]
El segmento marcó la primera vez que el estudio Disney creó los personajes principales de una película completamente a partir de CGI; [30] solo los fondos, personajes secundarios o terciarios se habían producido usando CGI de antemano. [60] Inicialmente Butoy le pidió a Pixar Animation Studios que se encargara de los gráficos de computadora, pero el artista CGI Steve Goldberg lo convenció de dejar que el propio equipo de Disney los produjera. [30] Los fondos se completaron a mano. Originalmente, la secuencia del desagüe incluía ratas amigables que realizaban gags cómicos, pero el equipo descubrió que no encajaba con el estado de ánimo del resto del segmento. Los desagües se convirtieron en un entorno más aterrador, algo que Butoy dijo que era "lo que la música nos decía que hiciéramos". [61] La animación de lluvia de Bambi (1942) fue escaneada en el sistema CAPS y alterada digitalmente para encajar en el segmento. [30] El final iba a presentar el final original con el soldado y la bailarina derritiéndose en el fuego, pero la música era demasiado alegre para animarla y se cambió. [62] Un extracto del segmento se mostró en la conferencia SIGGRAPH de 1998. [30]
El Carnaval de los Animales, Final fue dirigido y animado por Goldberg; su esposa Susan fue su directora de arte. La idea se originó del animador Joe Grant , uno de los dos directores de historia de Fantasía que amaba a los avestruces en La Danza de las Horas . Cuando comenzó el desarrollo de Fantasía 2000 , Grant sugirió la idea de que uno de los avestruces jugara con un yo-yo en el último movimiento de El Carnaval de los Animales . Los avestruces fueron luego cambiados a flamencos ya que Disney deseaba evitar reintroducir personajes de la película original y pensó que los flamencos lucirían más coloridos en la pantalla. [63] Goldberg se inspiró en parte en el codirector Mike Gabriel , quien jugaría con un yo-yo mientras se tomaba un descanso de trabajar en Pocahontas (1995); Gabriel recibe un crédito por "trucos de yo-yo" en los créditos finales. [64] El segmento fue producido con CGI y 6000 pinturas de acuarela en papel bond grueso. [65] Susan eligió una paleta de colores distinta para el segmento, que comparó con el estilo de una camisa hawaiana. Los Goldberg y su equipo visitaron el zoológico de Los Ángeles y San Diego para estudiar la anatomía y el movimiento de los flamencos. [66]
Conocida principalmente como la canción patriótica más querida de Gran Bretaña (gracias a su contraparte coral Land of Hope and Glory ) [67], la marcha original fue creada para eventos reales y solemnes, pero Eisner sugirió su uso como pieza independiente después de asistir a una graduación y pensó que su familiaridad sería adecuada para un segmento de Fantasía . [68] Su idea involucraba una selección de princesas y héroes de Disney en una procesión nupcial llevando a sus futuros hijos que luego serían presentados en una ceremonia. Los diseños preliminares de los animadores mostraban un entorno grecorromano ; uno de los miembros del personal describió la obra de arte como "un abuso espantoso" de los personajes. Eisner aceptó abandonar la historia, pero insistió en que se usara la música. [69] Después de que se descartaran numerosas ideas debido a la dificultad de escribir una trama clara, [70] el animador y director Francis Glebas se le ocurrió la idea del Arca de Noé que tituló ¡ El último rodeo de Donald! , [71] más tarde retitulado como El pato de Noé , [27] y lo presentó pensando que estaba "cargado de posibilidades cómicas". [72]
Para cerrar la película, Disney quería una pieza que fuera "emocionalmente equivalente" a los segmentos de La noche en el monte pelado y Ave María que cerraron Fantasía . [73] Disney eligió El pájaro de fuego como la pieza a utilizar después de que "media docena" de otras fueran descartadas, incluyendo la Sinfonía n.º 9 de Beethoven y el " Coro del Aleluya " de El Mesías de Handel . [25] Disney pensó en la idea de la destrucción y renovación de la Tierra después de pasar el Monte Santa Helena tras su erupción en 1980. [ 74] Los gemelos franceses Paul y Gaëtan Brizzi del estudio de Disney en París fueron contratados para dirigir el segmento. [30] El Sprite es una criatura parecida a una dríada de la mitología griega . [75] Su forma cambia seis veces; se la presenta como un Sprite de agua que planta flores como un Sprite de flores. Se convierte en un Sprite neutral donde su rastro de crecimiento se detiene y en un Sprite de ceniza cuando el bosque ha sido destruido. El segmento termina con ella como un Sprite de Onda de Lluvia, seguido por el Sprite de Hierba. El segmento originalmente terminaba con el Sprite en forma de un río que fluye y se eleva hacia el cielo y se transforma en un Sprite de Sol, pero esto fue abandonado. [76] Las astas del alce fueron producidas por CGI y colocadas sobre su cuerpo que fue dibujado tradicionalmente. El segmento fue producido usando el software de animación Houdini. [30]
La música de El aprendiz de brujo ya había sido grabada el 9 de enero de 1938 para la primera película en Culver Studios , California, con Leopold Stokowski dirigiendo a un grupo de músicos de sesión. La grabación de Rhapsody in Blue utilizada en la película es una versión editada de la orquestación de Ferde Grofé de la pieza interpretada por la Orquesta Filarmónica con el director Bruce Broughton . La versión abreviada se hizo cortando 125 compases de solo de piano en tres lugares diferentes. [77] Una grabación de James Levine dirigiendo ambas piezas con la Filarmónica aparece en la banda sonora de la película. [78]
Las seis piezas restantes fueron grabadas en el Templo Medinah de Chicago, interpretadas por la Orquesta Sinfónica de Chicago dirigida por Levine. [79] Pines of Rome fue reorganizada en 1993 por Bruce Coughlin , quien redujo la pieza de cuatro movimientos cortando el segundo movimiento y recortando secciones del tercer y cuarto movimiento. La pieza fue grabada el 28 de marzo de 1994. [80] La segunda grabación involucró la Sinfonía n.º 5 , Carnival of the Animals , y Pomp and Circumstance , el 25 de abril de 1994. [80] Carnival of the Animals, Finale utiliza dos pianos tocados por Gail Niwa y Philip Sabransky. Pomp and Circumstance fue arreglada por Peter Schickele [81] y cuenta con el Coro Sinfónico de Chicago y la soprano solista Kathleen Battle . La siguiente grabación tuvo lugar el 24 de abril de 1995 para el Concierto para piano n.º 2 con el pianista Yefim Bronfman . [80] El 28 de septiembre de 1996, El pájaro de fuego fue la última pieza en grabarse; su sesión duró tres horas. [80] La pieza fue arreglada utilizando cuatro secciones de la revisión de la partitura de Stravinsky de 1919 .
Disney sintió la necesidad de mantener los intersticiales (puentes) como los que se usan en Fantasía para darle a la audiencia la oportunidad de "limpiar su paladar emocional" del segmento anterior y al mismo tiempo brindar algo de información sobre el siguiente. [82] Don Hahn dirigió las escenas de acción en vivo que fueron diseñadas por Pixote Hunt . [83] Hahn ideó el escenario y los fondos mientras almorzaba; procedió a esbozar una idea aproximada de lo que imaginaba en una servilleta. "Quería mostrar imágenes en formas como grandes velas de un barco clipper. Vuelan con el viento y forman una especie de sala de conciertos de Stonehenge en medio de una vasta llanura vacía e imaginaria". [84]
Hahn recordó algunas dificultades para encontrar a alguien que presentara la película, por lo que el estudio decidió utilizar un grupo de artistas y músicos de varios campos del entretenimiento. [85] Los intersticiales se filmaron en varias ubicaciones; la orquesta, Jones, Lansbury y Bronfman [86] se filmaron en Los Ángeles, Perlman y Midler en la ciudad de Nueva York y otros en Boston, Massachusetts. [87] Cada escena se filmó frente a una pantalla verde para permitir que las tomas de la orquesta o el escenario se colocaran detrás de ellas. [88] Las tomas de Levine, los artistas y la orquesta se filmaron el 31 de octubre de 1998. [89] El piano que Grierson toca en su escena con Jones es el mismo en el que tocó Rhapsody in Blue para la banda sonora. [90]
Fantasía 2000 se anunció oficialmente el 9 de febrero de 1999 durante una presentación de Disney en el New Amsterdam Theatre de la ciudad de Nueva York, que incluyó una proyección de El carnaval de los animales . [91] [92] La película se estrenó en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York el 17 de diciembre de 1999 durante tres noches como parte de una gira de conciertos por cinco ciudades. [93] La animación se presentó en una pantalla sobre el escenario mientras Levine dirigía la Orquesta Filarmónica [94] con un video auto-cue para sincronizar la música con las imágenes. [95] Las presentaciones siguieron en el Royal Albert Hall de Londres el 21 de diciembre; el Théâtre des Champs-Élysées de París el 22 de diciembre; el Orchard Hall de Tokio el 27 de diciembre; y el Auditorio Cívico de Pasadena en Pasadena, California, el 31 de diciembre, [96] donde Derrick Inouye dirigió como parte de un evento de Nochevieja de gala con un costo de $2000 por persona. [97] Cada una de las siete actuaciones costó más de $1 millón. [98]
Fantasía 2000 se lanzó por primera vez en VHS y DVD el 14 de noviembre de 2000, [99] [100] y ambos incluían una introducción especialmente hecha en la que Roy relata la historia de las innovaciones claves traídas por varias producciones de Disney (específicamente Steamboat Willie , Flowers and Trees , Blancanieves y los siete enanitos , Fantasía , El gran ratón detective , La bella y la bestia , Toy Story 2 y Dinosaurio ). Si bien estaba disponible como un DVD de un solo disco, se lanzó un conjunto de tres discos titulado The Fantasia Anthology , que incluía una copia digital de la película, una copia restaurada de Fantasía para conmemorar su 60 aniversario y un tercer disco que contenía material adicional. [101]
El 30 de noviembre de 2010, la película se lanzó en formato DVD y Blu-ray en un set de uno y dos discos junto con Fantasía y un paquete combinado de cuatro discos DVD y Blu-ray. La transferencia Blu-ray presenta la película en video de alta definición de 1080p con sonido envolvente DTS-HD Master Audio 7.1 . [102] La película fue retirada del estreno después de su regreso a la moratoria " Disney Vault " el 30 de abril de 2011. [103]
La película, junto con Fantasía y la compilación de 2018 Celebrating Mickey (que contiene 13 cortos de Mickey Mouse desde Steamboat Willie hasta Get a Horse! ), se reeditó en 2021 como parte de la exclusiva colección The Best of Mickey del Disney Movie Club de EE. UU. (Blu-ray/DVD/Digital). [104] Ambas películas también se estrenaron ampliamente por primera vez en 2021 en múltiples plataformas de transmisión compradas en EE. UU., incluidas Movies Anywhere y sus minoristas. [105] [106]
Walt Disney Records lanzó 60.000 copias de una edición limitada de la banda sonora de la película el 30 de noviembre de 1999 en los Estados Unidos e internacionalmente bajo el sello Sony Classical . [107] Con una duración de 60 minutos, el álbum presenta a Levine dirigiendo la Orquesta Filarmónica en Rhapsody in Blue y The Sorcerer's Apprentice en AIR Studios en Londres, y la Orquesta Sinfónica de Chicago para las seis pistas restantes utilizando las grabaciones del Templo de Medinah. [78] La banda sonora llegó a alcanzar el puesto número uno en la lista Billboard Top Classical Albums en julio de 2000. [108] Le siguió un casete y CD Fantasia 2000 Deluxe Read-Along que contiene dos pistas que cuentan las historias de Pomp and Circumstance y The Sorcerer's Apprentice , con narración de Pat Carroll . En el conjunto se incluye un libro de 44 páginas que contiene algunas de las ilustraciones de la película. [109]
Fantasía 2000 se estrenó por primera vez en los cines IMAX durante cuatro meses, del 1 de enero al 30 de abril de 2000, convirtiéndose en el primer largometraje animado que se muestra en ese formato. [93] [110] La idea de estrenarla en IMAX se originó por primera vez de Dick Cook durante las reuniones que tuvo el estudio sobre la mejor manera de crear "una sensación de acontecimiento" para la película. Roy Disney creía que su singularidad con respecto a los largometrajes típicos le daba una ventaja psicológica. [111] [112] Se construyó un cine temporal de 622 asientos que costó casi 4 millones de dólares en cuatro semanas para su presentación en Los Ángeles, ya que Disney no pudo llegar a un acuerdo para que la película solo se proyectara durante los cuatro meses en el único cine IMAX de la ciudad en ese momento en el California Science Center . [65] [113] Disney aplicó la regla de proyección exclusiva en los otros cines IMAX que mostraron la película, lo que limitó su estreno. [114] Cada cine estaba decorado con una exhibición similar a un museo con material educativo y grandes pantallas. [115]
Después de su estreno en 75 cines de todo el mundo, la película recaudó más de 2,2 millones de dólares en 54 cines de Norteamérica en su primer fin de semana, con un promedio de 41.481 dólares por cine, [116] y 842.000 dólares en 21 pantallas de 14 mercados. [117] Estableció nuevos récords de recaudación para cualquier exhibición en IMAX y superó el total semanal más alto de cualquier película IMAX estrenada anteriormente. [118] Su recaudación mundial en tres días superó los 3,8 millones de dólares , estableciendo nuevos récords en 18 salas de todo el mundo. [119] Fantasía 2000 recaudó un total mundial de 21,1 millones de dólares en 30 días, [120] y 64,5 millones de dólares al final de su exhibición en IMAX. [121]
Tras su estreno en 1.313 salas de cine de Estados Unidos el 16 de junio de 2000, la película recaudó 2,8 millones de dólares adicionales en su primer fin de semana, lo que la situó en el undécimo puesto de taquilla. Esto siguió a casi medio año de estreno en formato IMAX, lo que posiblemente redujo la cantidad recaudada en los fines de semana de estreno general. [122] Fantasía 2000 ha recaudado una recaudación total mundial de más de 90,8 millones de dólares desde su estreno, de los cuales 60,7 millones proceden del mercado estadounidense y el resto de las ventas de taquilla en el extranjero. [2] La película había costado alrededor de 90 millones de dólares y Eisner la consideró una "locura" de Roy Disney. [98]
En Rotten Tomatoes , Fantasía 2000 tiene un índice de aprobación del 81% basado en 85 críticas, con una calificación promedio de 7/10. Su consenso dice: "Proporciona una experiencia entretenida tanto para adultos como para niños". [123] En Metacritic , la película tiene una puntuación promedio ponderada de 59 sobre 100 basada en 27 críticos, lo que indica "críticas mixtas o promedio". [124]
Entertainment Weekly le dio una calificación de "B-"; su crítico, Bruce Fretts, calificó la Sinfonía n.º 5 como "desesperantemente abstracta", el Concierto para piano n.º 2 como "encantadoramente tradicional" y pensó que Rhapsody in Blue encajaba bien con la música, pero Pomp and Circumstance "inexplicablemente inspira kitsch bíblico". La reseña termina con una crítica a la calidad inadecuada de El aprendiz de brujo en la pantalla IMAX. [125] Todd McCarthy de Variety señaló que si bien la Fantasía original se sintió demasiado larga y formal, su "disfrutable continuación es, con 75 minutos, simplemente demasiado alegre y liviana". Resumió la película "como un ligero bufé de bocados sabrosos en lugar de una comida completa y satisfactoria". [126]
En su crítica de diciembre de 1999 para el Chicago Sun-Times , Roger Ebert le dio a la película una calificación de tres estrellas de cuatro. Describió algunas de las animaciones (como Firebird Suite , su segmento favorito) como "poderosas", aunque pensó que otras, como la danza de los triángulos abstractos en la Sinfonía n.º 5 , eran "un poco pedestres". Admiró Rhapsody in Blue y sus historias entrelazadas, señalando que su estilo recordaba a los libros ilustrados Madeline de Ludwig Bemelmans . Pensó que Pines of Rome se presentó bien en el formato IMAX y encontró que el Concierto para piano n.º 2 se interpretó "maravillosamente como una película independiente", mientras que encontró que El aprendiz de brujo "no era tan nítida visualmente como el resto de la película". No obstante, describió la película en general como "entretenimiento espléndido". [8] El crítico de cine Stephen Holden de The New York Times escribió que la película "a menudo da la sensación de una promoción corporativa gigante cuyas estrellas están allí simplemente para vender los productos de la empresa", al tiempo que señaló que la película "no es especialmente innovadora en su apariencia o temática". [98] Firebird Suite fue su segmento favorito que dejó "una impresión duradera de la belleza, el terror y la imprevisibilidad del mundo natural". Encontró que El aprendiz de brujo encajaba bien con el resto de la película y la batalla en la Sinfonía n.º 5 era demasiado abreviada para ser importante. [7] Encontró que el segmento con las ballenas falló en que las imágenes "rápidamente se vuelven redundantes". [7] Encontró que Rhapsody in Blue era la segunda mejor en la película con su evocación ingeniosa e hipercinética del crisol de culturas con personajes claramente definidos. Encontró que el segmento con los flamencos era lindo y el del soldadito de plomo era romántico. [7] James Berardinelli encontró que la película era de calidad desigual. En su opinión, la Sinfonía nº 5 era "aburrida y sin inspiración", los flamencos en el yo-yo "un desperdicio" y la historia de Rhapsody in Blue, ambientada en la ciudad de Nueva York, interesante pero fuera de lugar en esta película en particular. En su opinión, la historia del soldadito de plomo combinaba con éxito su música con una "animación de primera" y una "historia emocionalmente gratificante". En su opinión, la sección de Firebird era "visualmente ingeniosa" y Pomp and Circumstance el episodio más alegre y el que más atractivo tenía para los niños, en una película orientada por lo demás a los adultos.Para él, El aprendiz de brujo era un clásico perdurable. [75]
David Parkinson, de la revista de cine británica Empire, califica la película con tres estrellas de cinco, calificándola de "una obra maestra , con momentos de hilaridad y belleza que se alternan con lo pomposo y lo banal". Pensó que algunos momentos de la Sinfonía n.º 5 y El pájaro de fuego carecían de la "gracia abstracta" de la Toccata y fuga de la original, y Pines of Rome fue "aún menos exitosa" debido a las imágenes de computadora que afectaron su calidad. Afirma que Rhapsody in Blue es "culpable de algunas caricaturas raciales y sexuales dudosas", pero elogió la presentación IMAX de la película como "un espectáculo impresionante". Resumió la película como "un poco más exitosa" que la Fantasía original , más amigable para los niños y una "mezcla de delicias". [127] Richard Corliss de la revista Time escribió una crítica positiva de la película, citando Pines of Rome como "un vuelo del espíritu magnífico y edificante" y el Concierto para piano n.º 2 "una hermosa mezcla de animación tradicional y por computadora". Hizo una comparación entre El pájaro de fuego y la película animada japonesa de 1997 La princesa Mononoke . [3] Brian Sibley escribió una crítica mayoritariamente negativa en Sight & Sound , una revista mensual publicada por el British Film Institute , en junio de 2000. Señaló que aunque la película incluye momentos de comedia y pastoral, "los temas que recorren la antigua 'Fantasía' -la lucha entre la luz y la oscuridad, la guerra entre el caos y el orden, el triunfo final de la bondad- encuentran solo un pálido equivalente en esta nueva versión". Comparó la orquesta de la película con escenas de Una cuestión de vida y muerte (1946) y pensó que los efectos especiales generados por computadora en la Sinfonía n.º 5 carecían de las cualidades técnicas de Toy Story . Sibley argumentó que la película carecía de una calidad uniforme, destacando Pines of Rome con su apertura "impresionante" antes de que "su magia haya sido superada por el aburrimiento crónico" cuando la cría de ballena se reúne con sus padres. Pomp and Circumstance , pensó, contenía "una animación vergonzosamente descuidada" pero se salva gracias a los chistes cómicos de Donald, pero señaló Rhapsody in Blue , con sus "líneas fuertes y colores vivos y planos que son retro de moda", y la "belleza exquisita clásica de Disney y la violencia natural cruda" en Firebird Suite , como los segmentos más exitosos de la película, ya que "irónicamente,"remontarse a tiempos más antiguos". [128]
Nota: Todos los segmentos fueron interpretados por la Orquesta Sinfónica de Chicago bajo el director James Levine , excepto donde se indique lo contrario.
El desarrollo de una tercera película comenzó en 2002 bajo el título provisional Fantasia 2006. Se hicieron planes para incluir One by One de Pixote Hunt y The Little Matchgirl de Roger Allers en la película antes de que el proyecto se cancelara en 2004 por razones desconocidas, y los segmentos propuestos se lanzaran como cortometrajes independientes.
Destino es un cortometraje animado estrenado en 2003 por The Walt Disney Company. Destino es único porque su producción comenzó en 1945, 58 años antes de su finalización. El proyecto fue originalmente una colaboración entre Walt Disney y el pintor surrealista español Salvador Dalí , y cuenta con música escrita por el compositor mexicano Armando Domínguez e interpretada por Dora Luz. En 1999, el sobrino de Walt Disney, Roy E. Disney , mientras trabajaba en Fantasía 2000 , desenterró el proyecto inactivo y decidió revivirlo. Más tarde se lanzó como un corto adicional en la edición especial en DVD y Blu-ray de Fantasía 2000 .
Lorenzo es un cortometraje de animación estadounidense de 2004 producido por Walt Disney Feature Animation sobre un gato llamado Lorenzo que está "consternado al descubrir que su cola ha desarrollado una personalidad propia". El corto fue dirigido por Mike Gabriel y producido por Baker Bloodworth. Se estrenó en el Festival de Cine de Florida el 6 de marzo de 2004 y luego apareció como largometraje antes de la película Raising Helen ; sin embargo, no apareció en el lanzamiento en DVD de la película. El trabajo en la película comenzó en 1943, pero fue archivado. Más tarde se encontró junto con Destino .
One by One es un cortometraje de animación tradicional dirigido por Pixote Hunt y lanzado por Walt Disney Pictures el 31 de agosto de 2004, como contenido adicional en el lanzamiento en DVD de El Rey León II: El Orgullo de Simba Edición Especial.
La pequeña cerillera es un cortometraje animado de 2006 dirigido por Roger Allers y producido por Don Hahn . Está basado en un cuento original de Hans Christian Andersen titulado La niña de las cerillas o La pequeña cerillera , publicado en 1845. [132]
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