El arte gótico fue un estilo de arte medieval que se desarrolló en el norte de Francia a partir del arte románico en el siglo XII d. C., liderado por el desarrollo concurrente de la arquitectura gótica . Se extendió a toda Europa occidental y gran parte del norte , sur y centro de Europa , sin borrar nunca del todo los estilos más clásicos en Italia. A finales del siglo XIV, se desarrolló el sofisticado estilo cortesano del gótico internacional , que continuó evolucionando hasta finales del siglo XV. En muchas áreas, especialmente Alemania, el arte gótico tardío continuó hasta bien entrado el siglo XVI, antes de ser absorbido por el arte renacentista . Los medios primarios en el período gótico incluyeron esculturas , pinturas sobre tabla , vidrieras , frescos y manuscritos iluminados . Los cambios fácilmente reconocibles en la arquitectura del románico al gótico y del gótico al renacimiento se utilizan típicamente para definir los períodos en el arte en todos los medios, aunque en muchos sentidos el arte figurativo se desarrolló a un ritmo diferente.
El arte gótico más antiguo fue la escultura monumental , en las paredes de catedrales y abadías. El arte cristiano era a menudo de naturaleza tipológica (véase alegoría medieval ), mostrando las historias del Nuevo Testamento y el Antiguo Testamento una al lado de la otra. A menudo se representaban las vidas de los santos. Las imágenes de la Virgen María cambiaron de la forma icónica bizantina a una madre más humana y cariñosa, abrazando a su bebé, balanceándose sobre su cadera y mostrando los modales refinados de una dama aristocrática de buena cuna.
El arte secular cobró importancia durante este período con el auge de las ciudades, la fundación de universidades , el aumento del comercio, el establecimiento de una economía basada en el dinero y la creación de una clase burguesa que podía permitirse el lujo de patrocinar las artes y encargar obras, lo que dio lugar a una proliferación de pinturas y manuscritos iluminados. El aumento de la alfabetización y un creciente corpus de literatura vernácula secular alentaron la representación de temas seculares en el arte. Con el crecimiento de las ciudades, se formaron gremios comerciales y a menudo se exigía a los artistas que fueran miembros de un gremio de pintores . Como resultado, debido a un mejor mantenimiento de registros, conocemos a más artistas por su nombre en este período que en cualquier otro anterior; algunos artistas incluso fueron tan atrevidos como para firmar sus nombres.
El arte gótico surgió en Île-de-France , Francia, a principios del siglo XII, en la iglesia de la abadía de Saint Denis construida por el abad Suger . [1] El estilo se extendió rápidamente más allá de sus orígenes en la arquitectura a la escultura, tanto monumental como personal en tamaño, el arte textil y la pintura, que adoptó una variedad de formas, incluidos el fresco , las vidrieras , el manuscrito iluminado y la pintura sobre tabla . [2] Las órdenes monásticas , especialmente los cistercienses y los cartujos , fueron constructores importantes que difundieron el estilo y desarrollaron variantes distintivas del mismo en toda Europa. Las variaciones regionales de la arquitectura siguieron siendo importantes, incluso cuando, a fines del siglo XIV, había evolucionado un estilo universal coherente conocido como gótico internacional , que continuó hasta fines del siglo XV y más allá en muchas áreas.
Aunque hubo mucho más arte gótico secular de lo que a menudo se cree hoy, ya que en general la tasa de supervivencia del arte religioso ha sido mejor que la de sus equivalentes seculares, una gran proporción del arte producido en el período era religioso, ya fuera encargado por la iglesia o por los laicos. El arte gótico era a menudo de naturaleza tipológica , lo que reflejaba la creencia de que los eventos del Antiguo Testamento prefiguraban los del Nuevo, y que este era de hecho su principal significado. Las escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento se mostraban juntas en obras como el Speculum Humanae Salvationis y la decoración de las iglesias. El período gótico coincidió con un gran resurgimiento de la devoción mariana , en el que las artes visuales desempeñaron un papel importante. Las imágenes de la Virgen María evolucionaron desde los tipos hieráticos bizantinos, pasando por la Coronación de la Virgen , hasta tipos más humanos e íntimos, y los ciclos de la Vida de la Virgen fueron muy populares. Artistas como Giotto , Fra Angelico y Pietro Lorenzetti en Italia, y la pintura neerlandesa temprana , aportaron realismo y una humanidad más natural al arte. Los artistas occidentales y sus mecenas adquirieron mucha más confianza en la iconografía innovadora y se observa mucha más originalidad, aunque la mayoría de los artistas todavía utilizaban fórmulas copiadas.
La iconografía se vio afectada por los cambios en la teología, con representaciones de la Asunción de María ganando terreno a la más antigua Muerte de la Virgen , y en prácticas devocionales como la Devotio Moderna , que produjo nuevos tratamientos de Cristo en temas como el Varón de Dolores , Cristo Pensativo y La Piedad , que enfatizaban su sufrimiento humano y vulnerabilidad, en un movimiento paralelo al de las representaciones de la Virgen. Incluso en los Juicios Finales, Cristo ahora solía mostrarse exponiendo su pecho para mostrar las heridas de su Pasión . Los santos se mostraban con más frecuencia y los retablos mostraban santos relevantes para la iglesia en particular o el donante asistiendo a una Crucifixión o Virgen y Niño entronizados , u ocupando el espacio central ellos mismos (esto generalmente para obras diseñadas para capillas laterales). Durante el período, muchas características iconográficas antiguas que se originaron en los apócrifos del Nuevo Testamento fueron eliminadas gradualmente bajo la presión clerical, como las parteras en la Natividad , aunque otras estaban demasiado bien establecidas y se consideraban inofensivas. [3]
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La palabra " gótico " para el arte se utilizó inicialmente como sinónimo de " bárbaro ", y por lo tanto se usó de manera peyorativa. [4] Sus críticos vieron este tipo de arte medieval como poco refinado y demasiado alejado de las proporciones y formas estéticas del arte clásico . [5] Los autores del Renacimiento creían que el Saqueo de Roma por parte de las tribus góticas en 410 había desencadenado la desaparición del mundo clásico y todos los valores que apreciaban. En el siglo XV, varios arquitectos y escritores italianos se quejaron de que los nuevos estilos "bárbaros" que se filtraban desde el norte de los Alpes planteaban una amenaza similar al renacimiento clásico promovido por el Renacimiento temprano. [6] El calificativo "gótico" para este arte se utilizó por primera vez en la carta de Rafael al Papa León X c. 1518 y posteriormente fue popularizado por el artista y escritor italiano Giorgio Vasari , [7] quien lo utilizó ya en 1530, llamando al arte gótico un "desorden" "monstruoso y bárbaro". [8] Rafael afirmaba que los arcos apuntados de la arquitectura del norte eran un eco de las chozas primitivas que formaban los habitantes de los bosques germánicos doblando los árboles entre sí, un mito que resurgiría mucho más tarde en un sentido más positivo en los escritos del movimiento romántico alemán . El "arte gótico" fue duramente criticado por autores franceses como Boileau , La Bruyère y Rousseau , antes de convertirse en una forma de arte reconocida y de que la redacción se volviera fija. [5] Molière comentaría célebremente sobre el gótico:
El gusto embrutecido de los monumentos góticos,
esos monstruos odiosos de siglos ignorantes,
que los torrentes de la Berbería arrojaron. [5]
En sus inicios, el arte gótico fue llamado inicialmente «obra francesa» ( Opus Francigenum ), atestiguando así la prioridad de Francia en la creación de este estilo. [5]
La pintura de estilo gótico no existió hasta alrededor de 1200, más de 50 años después de los comienzos de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no es en absoluto una ruptura clara, y los detalles ornamentales góticos a menudo se introducen antes de que se vean muchos cambios en el estilo de las figuras o las composiciones mismas. Luego, las figuras se vuelven más animadas en pose y expresión facial, tienden a ser más pequeñas en relación con el fondo de las escenas y se disponen más libremente en el espacio pictórico, donde hay espacio. Esta transición ocurre primero en Inglaterra y Francia alrededor de 1200, en Alemania alrededor de 1220 e Italia alrededor de 1300. La pintura durante el período gótico se practicó en cuatro medios principales: frescos , pinturas sobre tabla , iluminación de manuscritos y vidrieras .
Los frescos siguieron utilizándose como principal arte narrativo pictórico en los muros de las iglesias del sur de Europa como continuación de las tradiciones cristianas primitivas y románicas. Un accidente de supervivencia ha dado a Dinamarca y Suecia los grupos más grandes de pinturas murales de iglesias supervivientes en el estilo Biblia pauperum , que normalmente se extienden hasta bóvedas de crucería de reciente construcción . Tanto en Dinamarca como en Suecia, casi todas estaban cubiertas con cal después de la Reforma , lo que las ha conservado, pero algunas también han permanecido intactas desde su creación. Entre los mejores ejemplos de Dinamarca se encuentran los del Maestro Elmelunde de la isla danesa de Møn , que decoró las iglesias de Fanefjord , Keldby y Elmelunde . [9] Albertus Pictor es posiblemente el artista de frescos más conocido de la época que trabajó en Suecia. Ejemplos de iglesias suecas con frescos bien conservados incluyen las iglesias de Tensta , Gökhem y Anga .
En el norte de Europa, las vidrieras fueron una forma de pintura importante y prestigiosa hasta el siglo XV, cuando fueron suplantadas por la pintura sobre tabla . La arquitectura gótica aumentó considerablemente la cantidad de vidrio en los grandes edificios, en parte para permitir amplias extensiones de vidrio, como en los rosetones . En la primera parte del período, se usaba principalmente pintura negra y vidrio transparente o de colores brillantes, pero a principios del siglo XIV, el uso de compuestos de plata, pintados sobre vidrio que luego se horneaba, permitió una serie de variaciones de color, centradas en los amarillos, para usarse con vidrio transparente en una sola pieza. Al final del período, los diseños usaban cada vez más piezas grandes de vidrio que se pintaban, con amarillos como colores dominantes, y relativamente pocas piezas de vidrio más pequeñas en otros colores. [10]
Los manuscritos iluminados representan el registro más completo de la pintura gótica, y proporcionan un registro de estilos en lugares donde no han sobrevivido obras monumentales. Los primeros manuscritos completos con ilustraciones góticas francesas datan de mediados del siglo XIII. [11] Muchos de estos manuscritos iluminados eran biblias reales, aunque los salterios también incluían ilustraciones; el Salterio parisino de San Luis , que data de 1253 a 1270, presenta 78 iluminaciones a página completa en pintura al temple y pan de oro. [12]
A finales del siglo XIII, los escribas comenzaron a crear libros de oración para los laicos, a menudo conocidos como libros de horas debido a su uso en momentos prescritos del día. [12] Entre los más antiguos se encuentra un ejemplo de William de Brailes que parece haber sido escrito para una laica desconocida que vivía en un pequeño pueblo cerca de Oxford alrededor de 1240. La nobleza compraba con frecuencia dichos textos, pagando generosamente por ilustraciones decorativas; entre los creadores más conocidos de estos se encuentra Jean Pucelle , cuyo Hours of Jeanne d'Évreux fue encargado por el rey Carlos IV como regalo para su reina, Jeanne d'Évreux . [13] Los elementos del gótico francés presentes en tales obras incluyen el uso de marcos de página decorativos que recuerdan a la arquitectura de la época con figuras alargadas y detalladas. [12] El uso de indicadores espaciales como elementos de construcción y características naturales como árboles y nubes también denotan el estilo de iluminación gótico francés. [12]
Desde mediados del siglo XIV, los libros en bloque con texto e imágenes tallados en xilografía parecen haber sido asequibles para los párrocos de los Países Bajos , donde eran más populares. A finales de siglo, los libros impresos con ilustraciones, todavía en su mayoría sobre temas religiosos, se estaban volviendo rápidamente accesibles para la próspera clase media, al igual que los grabados de bastante alta calidad de grabadores como Israhel van Meckenem y Master ES En el siglo XV, la introducción de grabados baratos , principalmente en xilografía , hizo posible que incluso los campesinos tuvieran imágenes devocionales en casa. Estas imágenes, diminutas en el fondo del mercado, a menudo toscamente coloreadas, se vendieron por miles, pero ahora son extremadamente raras, la mayoría de las cuales han sido pegadas en las paredes.
La pintura al óleo sobre lienzo no se popularizó hasta los siglos XV y XVI y fue un sello distintivo del arte renacentista . En el norte de Europa, la importante e innovadora escuela de pintura neerlandesa temprana es de estilo esencialmente gótico, pero también puede considerarse parte del Renacimiento del norte , ya que hubo un largo retraso antes de que el resurgimiento italiano del interés por el clasicismo tuviera un gran impacto en el norte. Pintores como Robert Campin y Jan van Eyck hicieron uso de la técnica de la pintura al óleo para crear obras minuciosamente detalladas, correctas en perspectiva, donde el realismo aparente se combinaba con un simbolismo ricamente complejo que surgía precisamente del detalle realista que ahora podían incluir, incluso en obras pequeñas. En la pintura neerlandesa temprana, de las ciudades más ricas del norte de Europa, un nuevo realismo minucioso en la pintura al óleo se combinó con alusiones teológicas sutiles y complejas, expresadas precisamente a través de los escenarios altamente detallados de escenas religiosas. El retablo de Mérode (década de 1420) de Robert Campin y la Anunciación o Madonna del canciller Rolin de Washington Van Eyck (ambas de 1430, de Jan van Eyck ) son ejemplos. [14] Para los ricos, las pinturas sobre tabla pequeñas , incluso los polípticos en pintura al óleo se estaban volviendo cada vez más populares, a menudo mostrando retratos de donantes al lado, aunque a menudo mucho más pequeños que la Virgen o los santos representados. Estos generalmente se exhibían en el hogar.
El periodo gótico se define esencialmente por la arquitectura gótica y no coincide del todo con el desarrollo del estilo en la escultura ni en su inicio ni en su fin. Las fachadas de las grandes iglesias, especialmente alrededor de las puertas, siguieron teniendo grandes tímpanos, pero también filas de figuras esculpidas que se extendían a su alrededor.
Las estatuas del portal occidental (real) de la catedral de Chartres ( c. 1145 ) muestran una elongación de columnas elegante pero exagerada, pero las del portal del transepto sur , de 1215-20, muestran un estilo más naturalista y un desapego creciente de la pared detrás, y cierta conciencia de la tradición clásica. Estas tendencias continuaron en el portal occidental de la catedral de Reims de unos años más tarde, donde las figuras son casi de bulto redondo, como se volvió habitual a medida que el gótico se extendía por Europa. [15] La catedral de Bamberg tiene quizás el conjunto más grande de esculturas del siglo XIII, que culmina en 1240 con el Jinete de Bamberg , la primera estatua ecuestre de tamaño natural en el arte occidental desde el siglo VI.
"En Italia, el Evangelio del gótico se predicaba desde púlpitos, no desde tímpanos, y la unidad del pensamiento del escultor era una obra de arte autónoma y autoconsistente" ( John Pope-Hennessy ). [16] Nicola Pisano (1258-1278) y su hijo Giovanni desarrollaron un estilo que a menudo se llama protorenacentista , con una influencia inconfundible de los sarcófagos romanos y composiciones sofisticadas y abarrotadas, incluido un manejo comprensivo de la desnudez, en paneles de relieve en su púlpito de la catedral de Siena (1265-1268) , el púlpito del Baptisterio de Pisa , la Fontana Maggiore en Perugia y el púlpito de Giovanni en Pistoia de 1301. [17]
Otro resurgimiento del estilo clásico se observa en la obra gótica internacional de Claus Sluter y sus seguidores en Borgoña y Flandes alrededor de 1400. [18] La escultura gótica tardía continuó en el norte, con una moda de retablos esculpidos de madera de gran tamaño con tallas cada vez más virtuosas y un gran número de figuras expresivas agitadas; la mayoría de los ejemplos sobrevivientes están en Alemania, después de mucha iconoclasia en otros lugares. Tilman Riemenschneider , Veit Stoss y otros continuaron el estilo hasta bien entrado el siglo XVI, absorbiendo gradualmente las influencias del renacimiento italiano. [19]
Las efigies de tamaño natural en piedra o alabastro se hicieron populares entre los ricos y surgieron las grandes tumbas de varios niveles; las Tumbas de Scaligero en Verona eran tan grandes que tuvieron que ser trasladadas fuera de la iglesia. En el siglo XV, había una industria que exportaba relieves de altar de alabastro de Nottingham en grupos de paneles a gran parte de Europa para parroquias con presupuestos económicos que no podían permitirse retablos de piedra. [20]
Las tallas pequeñas, destinadas principalmente a un mercado laico y a menudo femenino, se convirtieron en una industria considerable en París y en algunos otros centros. Los tipos de marfil incluían pequeños polípticos devocionales , figuras individuales, especialmente de la Virgen , estuches de espejo, peines y elaborados cofres con escenas de romances , utilizados como regalos de compromiso. [21] Los muy ricos coleccionaban piezas de metal extravagantemente elaboradas, adornadas con joyas y esmaltadas, tanto seculares como religiosas, como el Relicario de la Santa Espina del Duque de Berry , hasta que se quedaron sin dinero, cuando fueron fundidas nuevamente para obtener efectivo. [22]
Las esculturas góticas independientes del ornamento arquitectónico se crearon principalmente como objetos devocionales para el hogar o como donaciones para las iglesias locales, [23] aunque los pequeños relieves en marfil , hueso y madera cubren temas tanto religiosos como seculares, y fueron para uso eclesiástico y doméstico. Estas esculturas fueron creadas por artesanos urbanos, y el tema más común para las pequeñas estatuas tridimensionales es la Virgen María sola o con un niño. [24] París era el principal centro de talleres de marfil y se exportaba a la mayor parte del norte de Europa, aunque Italia también tenía una producción considerable. Un ejemplo de estas esculturas independientes se encuentra entre las colecciones de la Iglesia de la Abadía de Saint Denis; la Virgen con el Niño en plata dorada data de 1339 y presenta a María envuelta en un manto suelto sosteniendo una figura infantil de Cristo. [24] Tanto la simplicidad del manto como la juventud del niño presagian otras esculturas encontradas en el norte de Europa que datan del siglo XIV y principios del siglo XV. [24] Esta escultura muestra una evolución desde un estilo anterior rígido y alargado, todavía en parte románico, hacia una sensación espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del XIII. [24] Otros temas escultóricos del gótico francés incluían figuras y escenas de la literatura popular de la época. [24] Las imágenes de la poesía de los trovadores eran particularmente populares entre los artesanos de estuches de espejos y pequeñas cajas presumiblemente para uso de mujeres. [24] El Cofre con escenas de romances (Walters 71264) de 1330-50 es un ejemplo inusualmente grande con espacio para varias escenas de diferentes fuentes literarias.
Los recuerdos de las peregrinaciones a los santuarios, como las insignias de arcilla o plomo , las medallas y las ampollas estampadas con imágenes, también eran populares y baratos. Su equivalente secular, la insignia de librea , mostraba signos de lealtad o alianza feudal y política que llegaron a considerarse una amenaza social en Inglaterra bajo el feudalismo bastardo . Las formas más baratas a veces se regalaban gratuitamente, como en el caso de las 13.000 insignias encargadas en 1483 por el rey Ricardo III de Inglaterra en tela de fustán con su emblema de un jabalí blanco para la investidura de su hijo Eduardo como príncipe de Gales, [25] una cantidad enorme dada la población de la época. La joya del cisne de Dunstable , modelada completamente en redondo en oro esmaltado, es una versión mucho más exclusiva, que habría sido entregada a alguien muy cercano o importante para el donante.
