Los guitarristas de jazz son guitarristas que tocan jazz utilizando un enfoque de acordes, melodías y líneas solistas improvisadas, lo que se denomina interpretación de guitarra de jazz . La guitarra ha cumplido los roles de acompañante ( guitarra rítmica ) y solista en conjuntos pequeños y grandes y también como instrumento solista sin acompañamiento.
Hasta la década de 1930, las bandas de jazz utilizaban el banjo porque su sonido metálico era más fácil de escuchar que el de la guitarra acústica cuando competía con trompetas, trombones y baterías. El banjo también se podía escuchar con mayor facilidad en cilindros de cera en los primeros días de la grabación de audio. La invención de la tapa arqueada aumentó el volumen de la guitarra. En manos de Eddie Lang se convirtió en un instrumento solista por primera vez. Siguiendo el ejemplo de Lang, los músicos cambiaron sus banjos por guitarras y, en la década de 1930, el banjo apenas existía como instrumento de jazz.
Charlie Christian fue el primer guitarrista que exploró las posibilidades que ofrecía la amplificación. Aunque su carrera fue breve, fue lo suficientemente influyente como para que los críticos dividieran la historia de la guitarra de jazz en eras precristianas y poscristianas.
En los primeros días del jazz en Nueva Orleans, la mayoría de las bandas tenían guitarristas, pero no hay grabaciones de Lorenzo Staulz, [1] [2] Rene Baptiste, Dominick Barocco, Joe Guiffre, Coochie Martin y Brock Mumford. Buddy Bolden , uno de los primeros músicos de jazz, tocó en una banda en 1889 que estaba liderada por el guitarrista Charlie Galloway. King Oliver , otra figura temprana importante, perteneció a una banda en 1910 que estaba liderada por el guitarrista Louis Keppard , hermano de Freddie Keppard . [3]
Aunque la guitarra de jazz existía durante estos años, el banjo era un instrumento más popular. El sonido metálico del banjo era más fácil de escuchar en una banda que la guitarra acústica o el piano, y era más fácil de escuchar cuando se grababa en cilindros de cera . [3] [4] La primera persona en hacer grabaciones en solitario con guitarra fue Nick Lucas , el guitarrista dominante de la década de 1920, cuando lanzó "Pickin' the Guitar" y "Teasin' the Frets" en 1922. [3] Había experimentado con cilindros de cera diez años antes. Se convirtió en la primera persona en tener una guitarra personalizada que lleva su nombre, la Gibson Nick Lucas Special. [5] Sin embargo, su carrera se basó en su reputación como cantante. Fue popular en la radio, Broadway y en el vodevil. Con su voz aguda, vendió ocho millones de copias de su canción característica, " Tiptoe Through the Tulips ". Tanto la canción como el estilo de canto fueron tomados prestados décadas después por Tiny Tim . [5]
Los primeros guitarristas de jazz estaban destinados a formar parte de la sección rítmica. Freddie Green tocó la guitarra rítmica para la orquesta de Count Basie desde la década de 1930 hasta la muerte de Basie en la década de 1980, [4] [6] contribuyendo al swing de la banda invirtiendo acordes, también conocido como revoicing , [7] en cada pulso. [8] Al igual que Green, Eddie Condon tocó la guitarra rítmica durante toda su carrera sin hacer un solo. Allan Reuss le dio a la guitarra rítmica un lugar en la big band de Benny Goodman . [9]
El primer guitarrista de jazz que salió de la sección rítmica fue Eddie Lang . Lang, que quería hacer algo más que rasguear acordes para la banda, tocaba solos de una sola cuerda. Llamó la atención mientras era miembro de la orquesta de Paul Whiteman y como un popular músico de estudio . Como la mayoría de los guitarristas de la época, empezó con el banjo, y cuando se pasó a la guitarra, muchos otros lo siguieron. Su Gibson L-5 archtop se convirtió en un modelo popular entre los guitarristas de jazz. En 1934, en gran parte debido a Lang, la guitarra reemplazó al banjo como instrumento de jazz. [8] [10]
El llamativo estilo de Django Reinhardt se destacó en los primeros días de los guitarristas rítmicos. Nació en Bélgica en una familia gitana. Su jazz gitano estuvo influenciado por la guitarra flamenca de los gitanos españoles y el violín de los gitanos húngaros. En la década de 1930, formó el Quinteto del Hot Club de Francia , compuesto por tres guitarras acústicas, un violín y un contrabajo. Realizó una gira por los EE. UU. en 1946 con Duke Ellington. [6] [9] [11] [12] La tradición del jazz gitano tiene un pequeño pero fiel grupo de seguidores que continuó en el trabajo de la familia Ferré , la familia Schmitt , Angelo Debarre , Christian Escoudé , Fapy Lafertin , Biréli Lagrène , Jon Larsen , Jimmy Rosenberg y Stephane Wrembel .
Tocar una guitarra archtop sin amplificación es factible para el acompañamiento de guitarra rítmica en algunos grupos pequeños que tocan en lugares pequeños. Sin embargo, tocar solos de guitarra de una sola nota de manera audible sin un amplificador es un desafío en conjuntos más grandes y en salas más grandes. Hot Club of France de Django Reinhardt era un quinteto de cuerdas en el que ser escuchado por encima de los otros instrumentos rara vez era un problema. El argentino Oscar Alemán , que estaba en París al mismo tiempo que Reinhardt, intentó superar el problema de la audibilidad utilizando una guitarra resonadora , al igual que Eddie Durham , un arreglista y trombonista de la orquesta de Jimmie Lunceford que también tocaba la guitarra. Durham experimentó con la amplificación y se convirtió en la primera persona en hacer grabaciones de audio con guitarra eléctrica cuando grabó con los Kansas City Five en la década de 1930. Tocó una Gibson ES-150 de tapa arqueada que Gibson había comenzado a producir un par de años antes. [4] [8] [9] Durham convenció a Floyd Smith para que comprara una guitarra eléctrica y, mientras estaba de gira, le mostró su amplificador a Charlie Christian . [9]
Antes de Christian, George Barnes estaba experimentando con la amplificación en 1931. Afirmó ser el primer guitarrista eléctrico y el primero en grabar con una guitarra eléctrica, el 1 de marzo de 1938, en sesiones con el guitarrista de blues Big Bill Broonzy quince días antes de que Eddie Durham grabara con los Kansas City Five. [1]
Muchos músicos se sintieron inspirados a coger la guitarra después de escuchar a Charlie Christian con la orquesta de Benny Goodman . Christian fue la primera persona en explorar las posibilidades creadas por la guitarra eléctrica. Tenía grandes audiencias cuando tocaba solos con acordes de paso . [8] Según el crítico de jazz Leonard Feather , Christian tocaba una línea de una sola nota junto a una trompeta y un saxofón, alejando a la guitarra de su papel secundario en la sección rítmica. Probó acordes disminuidos y aumentados. Su ritmo sugería bebop . Mientras estaba en la ciudad de Nueva York, pasó muchas horas hasta tarde en el Minton's Playhouse en Harlem, tocando con músicos como Thelonious Monk y Dizzy Gillespie . [9]
Aunque Charlie Christian tuvo una carrera breve (1939-1941), su impacto fue tan grande que algunos críticos dividen la historia de la guitarra de jazz en eras precristianas y poscristianas. Mary Osborne vio tocar a Christian cuando visitó su estado natal de Dakota del Norte en 1938. La actuación la inspiró a comprar una guitarra eléctrica.
Oscar Moore , [13] Irving Ashby y John Collins fueron los guitarristas sucesivos del Nat King Cole Trio que ayudaron a establecer este tipo de formato de trío de jazz. A principios de la década de 1940, Al Casey contribuyó a la vivacidad del Fats Waller Trio, mientras que Tiny Grimes tocaba la guitarra eléctrica tenor de cuatro cuerdas con el Art Tatum Trio. Barney Kessel y Herb Ellis continuaron el aspecto swing de la música de Christian hasta la década de 1950. [9]
A medida que la era del swing se convirtió en bebop, los guitarristas se alejaron del estilo de Charlie Christian. Dos pioneros del bebop, Charlie Parker y Dizzy Gillespie , grabaron con los jóvenes guitarristas Bill DeArango [14] y Remo Palmier e inspiraron a Chuck Wayne a cambiar su enfoque. Billy Bauer exploró territorios poco convencionales con Lennie Tristano y Lee Konitz , [15] tocando acordes disonantes e intentando adaptar la abstracción de Konitiz y Warne Marsh a la guitarra. Aunque Jimmy Raney estaba influenciado por Tristano, sus armonías eran más sutiles y lógicas. Johnny Smith llevó este amor por la armonía a un estilo romántico y acordeado, como en su exitosa balada " Moonlight in Vermont ". Tal Farlow evitó la abstracción de Tristano. Farlow culpó de su capacidad para tocar rápidamente a la necesidad de seguir el ritmo del líder de la banda Red Norvo . [16] [9]
Wes Montgomery , Kenny Burrell y Jim Hall son quizás los guitarristas de jazz más importantes de los años sesenta y de las décadas siguientes.
La bossa nova se hizo popular a principios de los años 1960. El álbum Jazz Samba , lanzado por Verve Records en 1962, de Stan Getz y Charlie Byrd, mezcló jazz y samba. Dos años después, con el álbum Getz/Gilberto con algunas composiciones de Antonio Carlos Jobim , entre las que se encontraba « La chica de Ipanema », la bossa nova explotó. Aunque la bossa nova no es sinónimo de jazz, la mezcla fue fructífera para ambos géneros. Entre los guitarristas brasileños se encuentran João Gilberto , Baden Powell de Aquino y Bola Sete . [9]
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Cuando el guitarrista de rock Jimi Hendrix se hizo popular en los años 60, creó el personaje del héroe de la guitarra, el carismático guitarrista solista que deslumbraba al público. Creó posibilidades en la guitarra mediante el uso de unidades de efectos electrónicos . Hendrix inspiró a muchos músicos a tocar la guitarra eléctrica.
Uno de ellos fue Larry Coryell , que combinó jazz y rock en la década de 1960 antes de que el término jazz fusión fuera común. El guitarrista inglés John McLaughlin siguió a Coryell y Hendrix, pero también exploró otros estilos, como el blues , la electrónica, el folk, el free jazz , el jazz gitano y la música india . McLaughlin grabó un álbum de jazz acústico a principios de la década de 1980 con los guitarristas Paco de Lucía y Al Di Meola . El guitarrista inglés Allan Holdsworth tocó jazz rock en la década de 1980 que se inspiró en John Coltrane. Lee Ritenour es uno de los guitarristas de jazz fusión más populares. [16] Se estableció un nombre en la década de 1970 como un músico de estudio ocupado que grabó con artistas de muchos géneros. [17]
Durante la década de 1980, Stanley Jordan fue el primero en extender la técnica del hammer-on a todo su estilo de interpretación. Jordan golpeaba el diapasón con las yemas de los dedos de ambas manos, tocando el mástil de la guitarra como un piano. Otros que usaban técnicas de tapping en menor grado incluían a David Torn y Tuck Andress . Algunos guitarristas de fusión reaccionaron contra los excesos de sus predecesores tocando en un estilo más sobrio. Estos incluyeron a Larry Carlton , Steve Khan y Terje Rypdal . [16] Mike Stern comenzó su carrera con la banda Blood, Sweat & Tears , luego fue miembro de la banda de Miles Davis en la década de 1980. [18]
Bill Frisell , John Scofield y Pat Metheny son los guitarristas más importantes de los últimos 40 años. Todos nacieron a principios de los años cincuenta y
Las influencias del free jazz de los años 60 se trasladaron a la guitarra. Sonny Sharrock utilizó disonancias, unidades de efectos de distorsión y otros equipos electrónicos para crear "capas de ruido" sonoras que alejaban a algunos oyentes cuando actuaba en festivales. Se negaba a tocar acordes y se consideraba un trompetista, de ahí su inspiración. [19] El guitarrista inglés Derek Bailey se hizo famoso como parte de la escena europea del free jazz. Al igual que Sharrock, buscó la liberación por sí misma y la ruptura de todas las convenciones en nombre de la originalidad. Perteneció al Spontaneous Music Ensemble en los años 70.
Entre la siguiente generación de guitarristas surgidos
Véase también