Un cómic estadounidense es una publicación periódica delgada originaria de los Estados Unidos , de 32 páginas en promedio, que contiene cómics . Si bien la forma se originó en 1933, los cómics estadounidenses ganaron popularidad por primera vez después de la publicación de Action Comics en 1938 , que incluyó el debut del superhéroe Superman . Esto fue seguido por un auge de los superhéroes que duró hasta el final de la Segunda Guerra Mundial . Después de la guerra, mientras que los superhéroes fueron marginados, la industria del cómic se expandió rápidamente y géneros como el terror, el crimen, la ciencia ficción y el romance se hicieron populares. La década de 1950 vio un declive gradual, debido a un alejamiento de los medios impresos a raíz de la televisión [1] y el impacto de la Autoridad del Código de Cómics . [1] A fines de la década de 1950 y en la de 1960 se produjo un renacimiento de los superhéroes y los superhéroes siguieron siendo el arquetipo de personaje dominante a lo largo de fines del siglo XX hasta el siglo XXI.
Algunos aficionados coleccionan cómics, lo que contribuye a aumentar su valor. Algunos se han vendido por más de un millón de dólares . Las tiendas de cómics atienden a los aficionados, vendiéndoles cómics, fundas de plástico ("bolsas") y soportes de cartón ("cartones") para proteger los cómics.
Un cómic estadounidense también se conoce como cómic flexible . Suele ser fino y grapado, a diferencia de los libros tradicionales . [2]
Los cómics estadounidenses son una de las tres principales industrias del cómic a nivel mundial, junto con el manga japonés y los cómics franco-belgas . [nota 1]
El tamaño típico y el número de páginas de los cómics han variado a lo largo de las décadas, tendiendo generalmente hacia formatos más pequeños y menos páginas.
Históricamente, el tamaño se derivaba del plegado de una hoja de papel Quarter Imperial (15 pulgadas × 11 pulgadas o 380 mm × 280 mm), para imprimir 4 páginas de 7+1 ⁄ 2 por 11 pulgadas (190 mm × 280 mm). [ cita requerida ] Esto también significaba que el número de páginas tenía que ser un múltiplo de 4.
En las últimas décadas, los cómics estándar se han recortado a aproximadamente 6,625 x 10,25 pulgadas. [3] [4] [5]
El formato del cómic estadounidense ha sido adaptado periódicamente fuera de Estados Unidos, especialmente en Canadá y el Reino Unido .
Si bien los cómics pueden ser obra de un solo creador, el trabajo de crearlos suele dividirse entre varios especialistas. Puede haber un escritor y un artista independientes , o puede haber artistas independientes para los personajes y los fondos. [6]
Particularmente en los cómics de superhéroes, [7] el arte puede dividirse entre:
El proceso comienza con el escritor (a menudo en colaboración con una o más personas, que pueden incluir al editor y/o al dibujante) ideando una idea o concepto para la historia, luego trabajando en ella hasta convertirla en una trama y una historia , y finalizándola con un guion . Una vez que se prepara el arte, el diálogo y los subtítulos se escriben en la página a partir del guion, y un editor puede tener la última palabra (pero, una vez que está listo para imprimir, es difícil y costoso hacer cambios importantes), antes de enviar el cómic a la imprenta. [11]
El equipo creativo, el escritor y el artista o los artistas, pueden trabajar para una editorial de cómics que se encarga del marketing, la publicidad y otros aspectos logísticos. Un distribuidor mayorista, como Diamond Comic Distributors , el más grande de los EE. UU., distribuye el producto impreso a los minoristas.
Otro aspecto del proceso que implica el éxito de los cómics es la interacción entre los lectores/fans y el/los creador(es). Los dibujos de los fans y las cartas al editor solían imprimirse en la parte de atrás del libro, hasta que, a principios del siglo XXI, varios foros de Internet empezaron a sustituir esta tradición.
El crecimiento de las tiendas especializadas en cómics ayudó a permitir varias oleadas de cómics producidos de forma independiente, a partir de mediados de la década de 1970. Algunos de los primeros ejemplos de estos, generalmente denominados cómics "independientes" o "alternativos", como Big Apple Comix , continuaron en cierta medida la tradición de los cómics underground anteriores , mientras que otros, como Star Reach , se parecían a la producción de editoriales convencionales en formato y género, pero eran publicados por empresas más pequeñas propiedad de los artistas o por un solo artista.
Esta escena de las llamadas " pequeñas editoriales " (término derivado de la cantidad limitada de cómics impresos en cada tirada) continuó creciendo y diversificándose, y en los años 90 varias editoriales pequeñas cambiaron el formato y la distribución de sus cómics para parecerse más a la publicación de cómics tradicionales. La forma de los " minicomics ", una versión extremadamente informal de la autoedición , surgió en los años 80 y se hizo cada vez más popular entre los artistas en los años 90, a pesar de llegar a un público aún más limitado que las pequeñas editoriales.
El desarrollo del cómic estadounidense moderno se produjo en etapas. Los editores habían recopilado tiras cómicas en formato de libro de tapa dura desde 1842, con The Adventures of Obadiah Oldbuck , una colección de encartes de periódicos en inglés publicados originalmente en Europa como el libro de 1837 Histoire de Mr. Vieux Bois de Rodolphe Töpffer . [12]
La GW Dillingham Company publicó la primera revista de cómics conocida en los EE. UU., The Yellow Kid in McFadden's Flats , en 1897. Un libro de tapa dura, reimprimió material (principalmente la secuencia del 18 de octubre de 1896 al 10 de enero de 1897 titulada "McFadden's Row of Flats") de la tira cómica de periódico Hogan's Alley del dibujante Richard F. Outcault , protagonizada por Yellow Kid . La publicación de 196 páginas, encuadernada en forma cuadrada, en blanco y negro, que también incluye un texto introductorio de EW Townsend, medía 5 por 7 pulgadas (130 mm × 180 mm) y se vendía por 50 centavos. El neologismo "cómic" aparece en la contraportada. [12] A pesar de la publicación de una serie de cómics relacionados con Hearst poco después, [12] el primer protocómic mensual, Comic Monthly de Embee Distributing Company , no apareció hasta 1922. Producido en un 8 +En formato de 1 ⁄ 2 por 9 pulgadas (220 mm × 230 mm), reimprimió tiras cómicas de periódicos en blanco y negro y duró un año. [12] [13]
En 1929, Dell Publishing (fundada por George T. Delacorte, Jr. ) publicó The Funnies , descrito por la Biblioteca del Congreso como "un suplemento de corta duración para periódicos sensacionalistas " [14] y que no debe confundirse con la serie de cómics de Dell de 1936 del mismo nombre. El historiador Ron Goulart describe la publicación periódica de 16 páginas a cuatro colores como "más una sección de cómics dominical sin el resto del periódico que un verdadero cómic. Pero ofrecía todo el material original y se vendía en los quioscos ". [15] The Funnies tuvo 36 números, publicados los sábados hasta el 16 de octubre de 1930.
En 1933, el vendedor Maxwell Gaines , el gerente de ventas Harry I. Wildenberg y el propietario George Janosik de la empresa Eastern Color Printing de Waterbury, Connecticut (que imprimía, entre otras cosas, secciones de tiras cómicas para los periódicos dominicales ) produjeron Funnies on Parade como una forma de mantener sus prensas en funcionamiento. [16] Al igual que The Funnies , pero con solo ocho páginas, [17] apareció como una revista en papel de periódico . Sin embargo, en lugar de utilizar material original, reimprimió en color varias tiras cómicas licenciadas por McNaught Syndicate , Ledger Syndicate y Bell-McClure Syndicate . [18] Estas incluían tiras tan populares como Mutt and Jeff del dibujante Al Smith , Joe Palooka de Ham Fisher y Skippy de Percy Crosby . Eastern Color no vendió esta publicación periódica ni la puso a disposición en los quioscos , sino que la envió gratuitamente como artículo promocional a los consumidores que enviaban por correo cupones recortados de productos de higiene y jabón de Procter & Gamble . La empresa imprimió 10.000 copias. [17] La promoción resultó un éxito y Eastern Color ese año produjo publicaciones periódicas similares para los refrescos Canada Dry , Kinney Shoes , cereales Wheatena y otros, con tiradas de entre 100.000 y 250.000. [15] [19]
También en 1933, Gaines y Wildenberg colaboraron con Dell para publicar Famous Funnies: A Carnival of Comics , de 36 páginas , que los historiadores consideran el primer cómic estadounidense auténtico; [16] Goulart, por ejemplo, lo llama "la piedra angular de una de las ramas más lucrativas de la publicación de revistas". [15] La distribución se llevó a cabo a través de la cadena de grandes almacenes Woolworth's , aunque no está claro si se vendió o se regaló; la portada no muestra ningún precio, pero Goulart se refiere, ya sea metafórica o literalmente, a "pegar una etiqueta de precio de diez centavos [ sic ] en los cómics". [15]
Cuando Delacorte se negó a continuar con Famous Funnies: A Carnival of Comics , Eastern Color publicó por su cuenta Famous Funnies #1 (fecha de portada: julio de 1934), un gigante de 68 páginas que se vendía a 10¢. Distribuido en los quioscos por la gigantesca American News Company , resultó un éxito entre los lectores durante la Gran Depresión , en la que había problemas de liquidez , y vendió el 90 por ciento de sus 200.000 ejemplares, aunque dejó a Eastern Color en números rojos por más de 4.000 dólares. [15] Eso cambió rápidamente, y el libro generó una ganancia de 30.000 dólares en cada número a partir del número 12. [15] Famous Funnies acabaría publicando 218 números, inspirando a imitadores y, en gran medida, lanzando un nuevo medio de comunicación masivo .
Cuando la oferta de tiras cómicas existentes disponibles comenzó a disminuir, los primeros cómics comenzaron a incluir una pequeña cantidad de material nuevo y original en formato de tira cómica. Inevitablemente, debutó un cómic de material completamente original, sin reimpresiones de tiras cómicas. El editor novato Malcolm Wheeler-Nicholson fundó National Allied Publications, que evolucionaría hasta convertirse en DC Comics , para lanzar New Fun #1 (febrero de 1935). Esta se publicó como una revista de tamaño tabloide , de 10 por 15 pulgadas (250 mm × 380 mm), de 36 páginas con una cubierta de cartulina, no brillante. Una antología que mezclaba elementos de humor como el cómic de animales "Pelion and Ossa" y el cómic universitario "Jigger and Ginger" con temas dramáticos como la tira western "Jack Woods" y la aventura de " peligro amarillo " "Barry O'Neill", con un villano al estilo de Fu Manchú , Fang Gow. El número 6 (octubre de 1935) trajo el debut en cómic de Jerry Siegel y Joe Shuster , los futuros creadores de Superman . Los dos comenzaron sus carreras con el espadachín mosquetero "Henri Duval", haciendo las dos primeras entregas antes de entregárselas a otros y, bajo los seudónimos "Leger y Reuths", crearon la aventura de lucha contra el crimen sobrenatural Doctor Occult . [20]
En 1938, después de que el socio de Wheeler-Nicholson, Harry Donenfeld, lo despidiera, el editor de National Allied, Vin Sullivan, sacó una creación de Siegel/Shuster de la pila de manuscritos descartados y la utilizó como portada (pero solo como historia de respaldo) [21] en Action Comics #1 (junio de 1938). El héroe alienígena del dúo, Superman , estaba vestido con una capa y medias coloridas. El traje, influenciado por el atuendo de Flash Gordon de 1934, evocaba a los artistas aéreos de circo y a los forzudos de circo, y Superman se convirtió en el arquetipo de los " superhéroes " que vendrían después.
A principios de 1939, el éxito de Superman en Action Comics impulsó a los editores de National Comics Publications (la futura DC Comics) a solicitar más superhéroes para sus títulos. En respuesta, Bob Kane y Bill Finger crearon Batman , que debutó en Detective Comics #27 (mayo de 1939). [22] Los expertos en cómics se refieren al período comprendido entre finales de la década de 1930 y aproximadamente finales de la de 1940 como la Edad de Oro de los cómics . Presentó tiradas extremadamente grandes, con Action Comics y Captain Marvel vendiendo más de medio millón de copias al mes cada una; [23] Los cómics proporcionaron entretenimiento barato muy popular durante la Segunda Guerra Mundial , especialmente entre los soldados, pero con una calidad errática en las historias, el arte y la impresión. A principios de la década de 1940, más del 90 por ciento de las niñas y los niños de siete a diecisiete años leían cómics. [24]
En 1941, HG Peter y William Moulton Marston crearon el personaje femenino de superhéroe Wonder Woman , que debutó en All Star Comics #8 (diciembre de 1941) y Sensation Comics con Wonder Woman en 1942.
Pep Comics de MLJ debutó como una antología de superhéroes, ciencia ficción y aventuras, pero después de que el título introdujera la función de humor adolescente "Archie" en 1942, la popularidad de la función pronto eclipsaría todas las demás propiedades de MLJ, lo que llevó a la editorial a cambiar su nombre a Archie Comics .
Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, la popularidad de los superhéroes disminuyó considerablemente, [25] mientras que la industria del cómic se expandió. [26] Unos pocos personajes bien establecidos como Superman , Batman y Wonder Woman continuaron vendiéndose, pero DC canceló series protagonizadas por Flash y Green Lantern y convirtió All-American Comics y All Star Comics en títulos occidentales , y Star Spangled Comics en un título de guerra . La editorial también lanzó títulos de ciencia ficción como Strange Adventures y Mystery in Space . Timely Comics de Martin Goodman , también conocida como Atlas, canceló sus tres títulos de superhéroes anteriormente de gran venta protagonizados por el Capitán América (creado por Joe Simon y Jack Kirby ), la Antorcha Humana y Sub-Mariner , reviviendo brevemente a los personajes en 1954 solo para cancelarlos nuevamente poco después para centrarse en el terror, la ciencia ficción, el humor adolescente, el romance y los géneros occidentales. Los cómics románticos se establecieron con fuerza con Young Romance de Prize Comics y con Young Love , este último escrito y dibujado por Joe Simon y Jack Kirby; la popularidad de esos dos títulos condujo a una explosión de cómics románticos de muchas editoriales.
Los cómics de Dell representaron un tercio de todas las ventas en Norteamérica a principios de los años 50. Sus 90 títulos promediaron una tirada de 800.000 copias por título por cada número, y Walt Disney's Comics and Stories alcanzó una tirada máxima de tres millones al mes en 1953. Once de los 25 cómics más vendidos en ese momento eran títulos de Dell. [27] De los 40 editores activos en 1954, Dell, Atlas (es decir, Marvel), DC y Archie eran los principales protagonistas en volumen de ventas. En ese momento, los antiguos grandes protagonistas Fawcett y Fiction House habían dejado de publicar. [28]
La circulación alcanzó su punto máximo en 1952, cuando se publicaron 3161 números de varios cómics con una circulación total de alrededor de mil millones de copias. [nota 2] Después de 1952, el número de lanzamientos individuales cayó cada año durante el resto de la década, y las mayores caídas se produjeron en 1955-56. [29] El rápido declive siguió a la introducción de la Autoridad del Código de Cómics a raíz de las audiencias del Senado sobre la delincuencia juvenil , que, ignorando los problemas sociales causados por las guerras de 1939-45 y 1950-52, trató de culpar de esos problemas únicamente a los cómics. [30] Si bien solo hubo una caída del 9% en el número de lanzamientos entre 1952 y 1953, la circulación se desplomó en un estimado de 30-40%. [31] La causa de la disminución no está del todo clara. La televisión había comenzado a competir con los cómics, pero también hubo un aumento de los valores conservadores con la elección en 1952 de Dwight Eisenhower . La Comics Code Authority, un organismo de autocensura fundado para frenar la delincuencia juvenil supuestamente debida a los cómics de crímenes y terror, a menudo ha sido señalado como el culpable, pero las ventas habían comenzado a caer el año anterior a su fundación. [32] Las principales editoriales no se vieron gravemente perjudicadas por la caída de las ventas, pero las editoriales más pequeñas fueron eliminadas: EC (el objetivo principal de la CCA) dejó de publicar títulos de crímenes y terror, que era todo su negocio, y se vio obligada a abandonar el mercado por completo, recurriendo en su lugar a la publicación de revistas. [33] En 1960, la producción se había estabilizado en alrededor de 1.500 lanzamientos por año (lo que representa una disminución de más del cincuenta por ciento desde 1952). [29]
Los géneros de cómics dominantes de la década de 1950 posterior a la CCA fueron los animales divertidos, el humor, el romance , las producciones televisivas y los westerns . Los cómics de detectives, fantasía , adolescentes y de guerra también fueron populares, pero las aventuras, los superhéroes y las reimpresiones de tiras cómicas estaban en declive, [33] y Famous Funnies vio su último número en 1955. [34]
A finales de la década de 1940 y principios de la de 1950 florecieron los cómics de terror y crímenes reales , muchos de los cuales contenían violencia gráfica y gore. Debido a dicho contenido, los cruzados morales comenzaron a preocuparse por el impacto de los cómics en la juventud y culparon a los cómics de todo, desde las malas notas hasta la delincuencia juvenil y el abuso de drogas. [nota 3] Esta indecencia percibida resultó en la recolección y quema pública de cómics en Spencer, Virginia Occidental y Binghamton, Nueva York en 1948, lo que recibió atención nacional y desencadenó otras quemas públicas por parte de escuelas y grupos de padres en todo el país. [35] Algunas ciudades aprobaron leyes que prohibían los cómics por completo. En 1954, el psiquiatra Fredric Wertham publicó su libro Seduction of the Innocent , donde discutió lo que percibía como matices sádicos y homosexuales en los cómics de terror y los cómics de superhéroes respectivamente, y destacó a EC Comics debido a su éxito como editor de estos géneros. En respuesta a la creciente ansiedad pública, el Subcomité del Senado sobre Delincuencia Juvenil celebró audiencias sobre la indecencia en los cómics entre abril y junio de 1954.
A raíz de estos problemas, un grupo de editores de cómics, liderados por National y Archie, fundó la Comics Code Authority en 1954 y redactó el Comics Code, concebido como "el código más estricto existente para cualquier medio de comunicación". [36] Pronto apareció un sello de aprobación del Comic Code en prácticamente todos los cómics que se vendían en los quioscos. EC, después de experimentar con cómics menos controvertidos, abandonó su línea de cómics para centrarse en el satírico Mad , un antiguo cómic que ahora se convirtió en un formato de revista para eludir el Código. [37]
DC comenzó un resurgimiento de los cómics de superhéroes en 1956 con el resurgimiento en octubre de 1956 de su antiguo éxito de ventas de la época dorada, The Flash, en Showcase #4. Muchos historiadores de cómics consideran que este fue el comienzo de la Edad de Plata de los cómics estadounidenses, aunque Marvel (en ese momento todavía conocida como Timely y Atlas ) había comenzado a revivir algunos de sus viejos superhéroes ya en 1954. [25] El nuevo Flash se toma simbólicamente como el comienzo de una nueva era, aunque su éxito no fue inmediato. Pasaron dos años hasta que Flash recibió su propio título, y Showcase en sí era solo un libro bimestral, aunque uno que iba a presentar una gran cantidad de personajes duraderos. En 1959, el lento resurgimiento de los superhéroes se había vuelto evidente para los competidores de DC. Archie se subió a bordo ese año y Charlton se unió al carro en 1960. [38]
En 1961, a petición del editor Martin Goodman (que estaba reaccionando a un aumento en las ventas del nuevo título de superhéroes de National, The Justice League of America ), el escritor/editor Stan Lee y el artista/co-trazador Jack Kirby crearon los Cuatro Fantásticos para Atlas, que ahora se rebautizó como Marvel Comics . Con una innovación que cambió la industria del cómic, Fantastic Four #1 inició un estilo naturalista de superhéroes con fallas humanas, miedos y demonios internos: héroes que se peleaban y se preocupaban por cosas como pagar el alquiler. En contraste con los arquetipos de superhéroes bienhechores de los superhéroes establecidos en ese momento, esto marcó el comienzo de una revolución. Con ilustraciones dinámicas de Kirby, Steve Ditko , Don Heck y otros, que complementaban la prosa colorida y pegadiza de Lee, el nuevo estilo se volvió muy popular entre los adolescentes y estudiantes universitarios que podían identificarse con la naturaleza angustiada e irreverente de personajes como Spider-Man , Hulk , X-Men y Fantastic Four . Esta fue una época de agitación social, que dio origen a una nueva generación de jóvenes modernos y más contraculturales, que encontraron una voz en estos libros. Debido a que los libros de Marvel eran distribuidos por su rival, National, desde 1957 hasta 1968 Marvel se vio limitada a publicar solo ocho títulos al mes. [39] [40] Esto fue una nube con un resquicio de esperanza, y demostró ser la creación de Marvel, permitiendo a la compañía concentrar su talento más brillante y mejor en un pequeño número de títulos, en un momento en que sus rivales estaban dispersando su talento creativo en una gran cantidad de títulos mensuales. La calidad del producto de Marvel se disparó en consecuencia, y las ventas se dispararon con ella.
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Aunque en los primeros tiempos de los cómics se daba crédito a los creadores de cómics, esta práctica prácticamente había desaparecido durante los años 1940 y 1950. Los cómics eran producidos por compañías de cómics en lugar de por creadores individuales (EC era una notable excepción, una compañía que no solo daba crédito a sus equipos creativos sino que también incluía biografías de los creadores). Incluso los cómics de artistas reverenciados y coleccionables como Carl Barks no eran conocidos por el nombre de su creador: los cómics de Disney de Barks estaban firmados como " Walt Disney ". En los años 1960, DC, y luego Marvel, comenzaron a incluir créditos de escritor y artista en los cómics que publicaban. [41]
Otras empresas notables que publicaron cómics durante la Edad de Plata incluyeron American Comics Group (ACG), Charlton , Dell , Gold Key , Harvey Comics y Tower .
Sexo, drogas y rock 'n' roll fueron los temas centrales de la comedia underground antiautoritaria que se hizo popular en 1968, tras la publicación irregular de Zap Comix de Robert Crumb . Frank Stack había publicado The Adventures of Jesus en 1962, y había habido un goteo de publicaciones de este tipo hasta el éxito de Crumb. [42] Lo que había comenzado como una escena de autoedición pronto se convirtió en una industria menor, con Print Mint , Kitchen Sink , Last Gasp y Apex Novelties entre las editoriales más conocidas. Estas comedias eran a menudo extremadamente gráficas y se distribuían en gran medida en tiendas de artículos para fumadores que florecieron en la era contracultural. [43]
Los problemas legales y la escasez de papel provocaron un descenso de la producción de cómics underground, que había alcanzado su máximo nivel en 1972. En 1974, la aprobación de leyes contra la parafernalia en los EE. UU. provocó el cierre de la mayoría de las tiendas de artículos parafernales, lo que restringió la distribución de cómics underground. Sus lectores también se redujeron a medida que el propio movimiento hippie se extinguía a mediados de los años 70. [44]
Wizard utilizó originalmente la frase "Edad de Bronce", en 1995, para referirse a la era del terror moderno. Pero a partir de 2009,[update]los historiadores y los fanáticos usan " Edad de Bronce " para describir el período de la historia del cómic convencional estadounidense que comenzó con el período de cambios concentrados en los cómics en 1970. A diferencia de la transición de la Edad de Oro a la Edad de Plata, la transición de la Edad de Plata a la Edad de Bronce involucra muchos libros continuos, lo que hace que la transición sea menos pronunciada.
El desarrollo del sistema de distribución de " mercado directo " en la década de 1970 coincidió con la aparición de tiendas especializadas en cómics en toda América del Norte. Estas tiendas especializadas eran un refugio para voces e historias más distintivas, pero también marginaban a los cómics de la opinión pública. Las historias de cómics serializados se hicieron más largas y complejas, y los lectores tenían que comprar más ejemplares para terminar una historia.
A mediados y finales de la década de 1980, dos series publicadas por DC Comics , Batman: The Dark Knight Returns y Watchmen , tuvieron un profundo impacto en la industria del cómic estadounidense. Su popularidad, junto con la atención de los medios de comunicación y el reconocimiento de la crítica, combinados con los gustos sociales cambiantes, llevaron a un tono considerablemente más oscuro en los cómics durante la década de 1990, apodada por los fanáticos como la era "sombría y cruda".
La creciente popularidad de antihéroes como Wolverine y Punisher ejemplificó este cambio, al igual que el tono más oscuro de algunas editoriales independientes como First Comics , Dark Horse Comics y (fundada en la década de 1990) Image Comics . Esta tendencia hacia la oscuridad y el nihilismo se manifestó en la producción de DC de historias de cómics muy promocionadas como " Una muerte en la familia " en la serie Batman (en la que El Guasón asesinó brutalmente al compañero de Batman, Robin ), mientras que en Marvel la continua popularidad de los diversos libros de X-Men condujo a historias que involucraban el genocidio de "mutantes" con superpoderes en historias alegóricas sobre persecución religiosa y étnica.
Además, formatos publicados como la novela gráfica y el libro de bolsillo comercial relacionado permitieron que el cómic ganara cierta respetabilidad como literatura. Como resultado, estos formatos ahora son comunes en los comercios minoristas de libros y en las colecciones de las bibliotecas públicas de los Estados Unidos .
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