Rigoletto es una ópera en tres actos [a] de Giuseppe Verdi . El libreto en italiano fue escrito por Francesco Maria Piave, basado en la obra de teatro de 1832 Le roi s'amuse de Victor Hugo . A pesar de los serios problemas iniciales con los censores austríacos que tenían el control sobre los teatros del norte de Italia en ese momento, la ópera tuvo un estreno triunfal en La Fenice en Venecia el 11 de marzo de 1851.
La obra, la decimosexta de Verdi en este género, es considerada ampliamente como la primera de las obras maestras operísticas de la carrera media y tardía de Verdi. Su trágica historia gira en torno al licencioso duque de Mantua , su bufón jorobado de la corte , Rigoletto, y la hija de Rigoletto, Gilda. El título original de la ópera, La maledizione (La maldición), se refiere a una maldición que el conde Monterone, a cuya hija el duque ha seducido con el aliento de Rigoletto, lanzó sobre el duque y Rigoletto. La maldición se hace realidad cuando Gilda se enamora del duque y sacrifica su vida para salvarlo del asesino contratado por su padre.
En 1850, La Fenice de Venecia encargó a Verdi la composición de una nueva ópera. En esa época, ya era lo bastante importante como para disfrutar de cierta libertad a la hora de elegir los textos que musicalizar. En un principio, pidió a Francesco Maria Piave (con quien ya había creado Ernani , I due Foscari , Macbeth , Il corsaro y Stiffelio ) que examinara la obra Kean de Alexandre Dumas , padre, pero pronto llegó a la conclusión de que necesitaban encontrar un tema más enérgico. [1]
Esto se materializó en la controvertida obra de cinco actos de Victor Hugo Le roi s'amuse ("El rey se divierte"). Verdi explicó más tarde que "el tema es grandioso, inmenso, y hay un personaje que es una de las mayores creaciones de las que puede jactarse el teatro, en cualquier país y en toda la historia". [2] Sin embargo, la representación que hizo Hugo de un rey venal, cínico y mujeriego ( Francisco I de Francia ) se consideró inaceptablemente escandalosa. La obra había sido prohibida en Francia tras su estreno casi veinte años antes (no se volvería a representar hasta 1882); [3] ahora iba a presentarse ante la Junta de Censores de Austria (ya que Austria en ese momento controlaba directamente gran parte del norte de Italia ).
Desde el principio, tanto el compositor como el libretista sabían que este paso no sería fácil. Como escribió Verdi en una carta a Piave: «Usa cuatro patas, corre por la ciudad y encuéntrame una persona influyente que pueda obtener el permiso para hacer Le Roi s'amuse ». [2] Guglielmo Brenna, secretario de La Fenice, prometió al dúo que no tendrían problemas con los censores. Se equivocó y a principios del verano comenzaron a correr rumores de que la producción sería prohibida. En agosto, Verdi y Piave se retiraron a Busseto , la ciudad natal de Verdi, para preparar un plan de defensa mientras continuaban trabajando en la ópera. A pesar de sus mejores esfuerzos, incluida una correspondencia frenética con La Fenice, el censor austríaco De Gorzkowski negó enfáticamente el consentimiento para la producción de «La Maledizione» (su título provisional) en una carta de diciembre de 1850, calificando la ópera de «un repugnante [ejemplo de] inmoralidad y trivialidad obscena». [4]
Piave se puso a trabajar en la revisión del libreto, del que acabó sacando otra ópera, Il Duca di Vendome , en la que el soberano era un duque y tanto el jorobado como la maldición desaparecían. Verdi estaba completamente en contra de esta solución propuesta, prefiriendo negociar directamente con los censores sobre todos y cada uno de los puntos de la obra. [5] Brenna, la simpática secretaria de La Fenice, medió en la disputa mostrando a los austriacos algunas cartas y artículos que describían el mal carácter, pero el gran valor, del artista. En enero de 1851 las partes habían llegado a un compromiso: la acción de la ópera se trasladaría y algunos de los personajes serían renombrados. En la nueva versión, el duque presidiría Mantua y pertenecería a la familia Gonzaga . (La Casa de Gonzaga ya se había extinguido hacía tiempo a mediados del siglo XIX, y el Ducado de Mantua ya no existía.) La escena en la que se retiraba al dormitorio de Gilda sería eliminada, y su visita a la Taverna (posada) ya no sería intencional, sino el resultado de un truco. El bufón jorobado (originalmente llamado Triboulet ) fue rebautizado como Rigoletto (de la palabra francesa rigoler ) a partir de una parodia de una comedia de Jules-Édouard Alboize de Pujol : Rigoletti, ou Le dernier des fous (Rigoletti, o El último de los tontos) de 1835. [b] Para el 14 de enero, el título definitivo de la ópera había pasado a ser Rigoletto . [6]
Verdi finalmente completó la composición el 5 de febrero de 1851, un poco más de un mes antes del estreno. Piave ya había dispuesto que se diseñaran los decorados mientras Verdi todavía estaba trabajando en las etapas finales del acto 3. Los cantantes recibieron parte de su música para aprender el 7 de febrero. Sin embargo, Verdi conservó al menos un tercio de la partitura en Busseto. La trajo consigo cuando llegó a Venecia para los ensayos el 19 de febrero, y continuaría refinando la orquestación durante el período de ensayos. [7] Para el estreno, La Fenice había elegido a Felice Varesi como Rigoletto, al tenor Raffaele Mirate como el Duque y Teresa Brambilla como Gilda (aunque Verdi hubiera preferido a Teresa De Giuli Borsi ). [8] Debido al alto riesgo de copia no autorizada, Verdi exigió extrema confidencialidad a todos sus cantantes y músicos, particularmente a Mirate: el "Duque" tuvo acceso a su partitura sólo unas pocas noches antes del estreno, y se le hizo jurar que no cantaría ni siquiera silbaría la melodía de "La donna è mobile" excepto durante el ensayo. [9]
Rigoletto se estrenó el 11 de marzo de 1851 en un teatro con entradas agotadas en La Fenice como primera parte de un programa doble con el ballet Fausto de Giacomo Panizza . Gaetano Mares dirigió, y los decorados fueron diseñados y ejecutados por Giuseppe Bertoja y Francesco Bagnara . [10] La noche del estreno fue un triunfo total, especialmente la scena dramática y el aria cínica del duque , " La donna è mobile ", que se cantó en las calles a la mañana siguiente [11] (Verdi había maximizado el impacto del aria al revelarla al elenco y la orquesta solo unas horas antes del estreno, y prohibiéndoles cantar, silbar o incluso pensar en la melodía fuera del teatro). [11] [12] Muchos años después, Giulia Cora Varesi, la hija de Felice Varesi (el Rigoletto original), describió la actuación de su padre en el estreno. Varesi se sentía muy incómodo con la joroba falsa que tenía que llevar; estaba tan inseguro que, a pesar de ser un cantante bastante experimentado, sufrió un ataque de pánico cuando le llegó el turno de subir al escenario. Verdi se dio cuenta inmediatamente de que estaba paralizado y lo empujó bruscamente hacia el escenario, por lo que apareció dando una torpe voltereta. El público, pensando que se trataba de una broma intencionada, se divirtió mucho. [13]
Rigoletto fue un gran éxito de taquilla para La Fenice y el primer gran triunfo italiano de Verdi desde el estreno de Macbeth en Florencia en 1847. Inicialmente tuvo una duración de 13 representaciones y se repuso en Venecia al año siguiente y nuevamente en 1854. A pesar de una producción bastante desastrosa en Bérgamo poco después de su presentación inicial en La Fenice, la ópera pronto entró en el repertorio de los teatros italianos. En 1852, se había estrenado en todas las principales ciudades de Italia, aunque a veces con títulos diferentes debido a los caprichos de la censura (por ejemplo, como Viscardello , Lionello y Clara de Perth ). [c] A partir de 1852, también comenzó a representarse en las principales ciudades del mundo, llegando a lugares tan lejanos como Alejandría y Constantinopla en 1854 y tanto Montevideo como La Habana en 1855. El estreno en el Reino Unido tuvo lugar el 14 de mayo de 1853 en lo que hoy es la Royal Opera House , Covent Garden en Londres con Giovanni Matteo Mario como el duque de Mantua y Giorgio Ronconi como Rigoletto. En los EE. UU., la ópera se vio por primera vez el 19 de febrero de 1855 en la Academy of Music de Nueva York en una actuación de la Max Maretzek Italian Opera Company . [14] [10] [15] [16]
Varias producciones modernas han cambiado radicalmente el escenario original. Estas incluyen la producción de Jonathan Miller de 1982 para la Ópera Nacional Inglesa , que se desarrolla entre la mafia en la Pequeña Italia de la ciudad de Nueva York durante la década de 1950; la producción de Doris Dörrie de 2005 para la Ópera Estatal de Baviera , donde la Corte de Mantua se convirtió en El planeta de los simios ; la producción de la directora Linda Brovsky para la Ópera de Seattle, que sitúa la historia en la Italia fascista de Mussolini, en 2004 (repetida en 2014); y la producción de Michael Mayer de 2013 para la Ópera Metropolitana , que se desarrolla en un casino en Las Vegas de la década de 1960. Diferentes personajes representan diferentes arquetipos de la era del Rat Pack , con el Duque convirtiéndose en un personaje tipo Frank Sinatra y Rigoletto convirtiéndose en Don Rickles . [17] [18] En marzo de 2014, Lindy Hume , directora artística de la Ópera de Queensland de Australia , puso en escena la ópera ambientada en el mundo fiestero del deshonrado ex primer ministro italiano Silvio Berlusconi . [19]
Escena 1: Mantua. Magnífico salón del palacio ducal. Las puertas del fondo dan paso a otras estancias, espléndidamente iluminadas. En las estancias traseras se ve a una multitud de señores y damas con grandes trajes paseándose; los pajes van y vienen. La fiesta está en su apogeo. Se oye música desde fuera del escenario. El duque y Borsa entran por una puerta del fondo.
En un baile en su palacio, el duque canta sobre una vida de placer con tantas mujeres como sea posible y menciona que disfruta particularmente poniendo los cuernos a sus cortesanos: " Questa o quella " ("Esta mujer o aquella"). Menciona a Borsa que ha visto una belleza desconocida en la iglesia y desea poseerla, pero también desea seducir a la condesa de Ceprano. Rigoletto, el bufón jorobado de la corte del duque, se burla de los maridos de las damas a las que el duque presta atención, incluido el conde Ceprano. Aconseja humorísticamente al duque que se deshaga del conde Ceprano mediante la prisión, el exilio o la muerte. El duque se ríe indulgentemente, pero a Ceprano no le hace gracia. Marullo, uno de los invitados al baile, informa a los cortesanos de que Rigoletto tiene una "amante", lo que los asombra. (Marullo no sabe que la "amante" es en realidad la hija de Rigoletto.) Los cortesanos, a sugerencia de Ceprano, deciden vengarse de Rigoletto por haberse burlado de ellos. Las festividades se ven interrumpidas por la llegada del anciano conde Monterone, cuya hija había seducido el duque. Rigoletto lo provoca aún más burlándose de su impotencia para vengar el honor de su hija. Monterone se enfrenta al duque y es arrestado inmediatamente por los guardias del duque. Antes de ser llevado a prisión, Monterone maldice tanto al duque por el ataque a su hija como a Rigoletto por haberse burlado de su ira justificada. La maldición aterroriza a Rigoletto, que cree en la superstición popular de que la maldición de un anciano tiene un poder real.
Escena 2: Final de una calle sin salida. A la izquierda, una casa de aspecto discreto con un pequeño patio rodeado de muros. En el patio hay un árbol alto y un banco de mármol; en el muro, una puerta que da a la calle; encima del muro, una terraza sostenida por arcos. La puerta del segundo piso da a dicha terraza, a la que también se accede por una escalera situada delante. A la derecha de la calle se ve el altísimo muro del jardín y un lateral del palacio Ceprano. Es de noche.
Preocupado por la maldición del anciano, Rigoletto se acerca a la casa donde oculta a su hija del mundo y es abordado por el asesino Sparafucile, quien se acerca a él y le ofrece sus servicios. Rigoletto declina por el momento, pero deja abierta la posibilidad de contratar a Sparafucile más adelante, si surge la necesidad. Sparafucile se aleja, después de repetir su propio nombre unas cuantas veces. Rigoletto contempla las similitudes entre los dos: "Pari siamo!" ("¡Somos iguales!"); Sparafucile mata hombres con su espada, y Rigoletto usa "una lengua maliciosa" para apuñalar a sus víctimas. Rigoletto abre una puerta en la pared y abraza a su hija Gilda. Se saludan cálidamente: "¡Figlia!", "¡Mio padre!" ("¡Hija!", "¡Mi padre!"). Rigoletto ha estado ocultando a su hija del Duque y del resto de la ciudad, y ella no conoce la ocupación de su padre. Desde que le prohibió aparecer en público, no ha ido a ningún sitio excepto a la iglesia y ni siquiera sabe el nombre de su padre.
Cuando Rigoletto se ha ido, el Duque aparece y escucha a Gilda confesar a su nodriza Giovanna que se siente culpable por no haberle contado a su padre sobre un joven que había conocido en la iglesia. Ella dice que se enamoró de él, pero que lo amaría aún más si fuera estudiante y pobre. Mientras declara su amor, el Duque entra, lleno de alegría. Gilda, alarmada, llama a Giovanna, sin saber que el Duque le había dado dinero para irse. Fingiendo ser un estudiante, el Duque convence a Gilda de su amor: "È il sol dell'anima" ("El amor es el sol del alma"). Cuando ella le pregunta su nombre, él, vacilante, se llama Gualtier Maldè. Al oír sonidos y temer que su padre haya regresado, Gilda despide al Duque después de intercambiar rápidamente votos de amor: "Addio, addio" ("Adiós, adiós"). Sola, Gilda medita sobre su amor por el Duque, a quien cree un estudiante: "Gualtier Maldè!... Caro nome che il mio cor " ("Nombre querido").
Más tarde, Rigoletto regresa: «¡Riedo!... perché?» («¡He vuelto!... ¿por qué?»), mientras los cortesanos hostiles fuera del jardín amurallado (creyendo que Gilda es la amante del bufón, sin saber que es su hija) se preparan para secuestrar a la indefensa muchacha. Le dicen a Rigoletto que en realidad están secuestrando a la condesa Ceprano. Él ve que están enmascarados y les pide una máscara para él; mientras le atan la máscara a la cara, también le vendan los ojos. Con los ojos vendados y engañado, sostiene la escalera con firmeza mientras suben a la habitación de Gilda: Coro: «Zitti, zitti» («Suavemente, suavemente»). Con la ayuda inconsciente de su padre, Gilda es llevada por los cortesanos. Al quedarse solo, Rigoletto se quita la máscara y la venda de los ojos y se da cuenta de que, de hecho, fue Gilda la que fue llevada. Se derrumba desesperado, recordando la maldición del anciano.
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Una habitación del palacio ducal. Hay puertas a ambos lados y una más grande en el otro extremo, a cuyos lados cuelgan retratos de cuerpo entero del duque y su esposa. Hay una silla de respaldo alto junto a una mesa cubierta de terciopelo y otros muebles.
El duque está preocupado por la desaparición de Gilda: «Ella mi fu rapita!» («¡Me la robaron!») y «Parmi veder le lagrime» («Me parece ver lágrimas»). Los cortesanos entran y le informan de que han capturado a la amante de Rigoletto: Coro: «Scorrendo uniti» («Fuimos juntos al anochecer»). Por la descripción, reconoce que se trata de Gilda y se apresura a ir a la habitación donde se encuentra retenida: «Possente amor mi chiama» («El amor poderoso me llama»). Rigoletto entra cantando y fingiendo despreocupación, pero también buscando ansiosamente cualquier rastro de Gilda, que teme que haya caído en manos del duque. Los cortesanos fingen no notar su ansiedad, pero se ríen de él en voz baja. Llega un paje con un mensaje de la esposa del duque –la duquesa desea hablar con su marido–, pero los cortesanos responden sugestivamente que no se puede molestar al duque en ese momento. Rigoletto se da cuenta de que esto debe significar que Gilda está con el duque. Para sorpresa de los cortesanos, revela que Gilda es su hija. Primero exige y luego suplica entre lágrimas a los cortesanos que se la devuelvan: "Cortigiani, vil razza dannata" ("Raza maldita de los cortesanos"). Rigoletto intenta correr hacia la habitación en la que Gilda está retenida, pero los cortesanos le bloquean el paso. Después de un rato, Gilda entra y Rigoletto ordena a los cortesanos que lo dejen solo con ella. Los cortesanos abandonan la habitación, creyendo que Rigoletto se ha vuelto loco. Gilda le describe a su padre lo que le ha sucedido en palacio: "Tutte le feste al tempio" ("En todos los días santos") y él intenta consolarla. Monterone es conducido a través de la habitación de camino a la prisión y se detiene frente al retrato del duque para lamentar que su maldición sobre la libertina no haya tenido efecto. Mientras los guardias se llevan a Monterone, Rigoletto murmura que el anciano está equivocado; él, Rigoletto, el bufón deshonrado, hará que lluevan truenos y relámpagos del cielo sobre la cabeza del ofensor. Repite este juramento mientras Gilda suplica misericordia para su amante, el Duque: Dúo: "¡Sí! Vendetta, tremenda vendetta!" ("¡Sí! ¡Venganza, terrible venganza!").
La orilla derecha del río Mincio . A la izquierda hay una casa de dos pisos, medio en ruinas. A través de un gran arco en la planta baja se puede ver una taberna rústica, así como una escalera de piedra tosca que conduce a una habitación abuhardillada con una pequeña cama que está a la vista, ya que no hay contraventanas. En la pared de abajo que da a la calle hay una puerta que se abre hacia el interior. La pared está tan llena de agujeros y grietas que todo lo que sucede en el interior se ve fácilmente desde el exterior. Al fondo del escenario hay zonas desiertas junto al río que corre detrás de un parapeto que se ha derrumbado a medias. Más allá del río está Mantua. Es de noche. Gilda y Rigoletto, ambos inquietos, están de pie en la calle; Sparafucile está sentado a una mesa en la taberna.
Se ve una parte de la casa de Sparafucile, con dos habitaciones abiertas a la vista del público. Rigoletto y Gilda llegan al exterior. Se oye la voz del Duque desde el interior, cantando " La donna è mobile " ("La mujer es voluble"). La hermana de Sparafucile, Maddalena, lo ha atraído a la casa. Rigoletto y Gilda escuchan desde fuera cómo el Duque coquetea con Maddalena. Gilda lamenta que el Duque le sea infiel; Rigoletto le asegura que está planeando una venganza: " Bella figlia dell'amore " ("Hermosa hija del amor").
Rigoletto ordena a Gilda que se ponga ropa de hombre para prepararse para partir hacia Verona y le dice que planea seguirla más tarde. Después de que ella se va, Rigoletto completa su trato con el asesino, quien está dispuesto a asesinar a su invitada por 20 escudos . Rigoletto luego se retira.
Al caer la noche, se aproxima una tormenta y el Duque decide pasar el resto de la noche en la casa. Sparafucile lo dirige a los dormitorios del piso superior y decide matarlo mientras duerme.
Gilda, que sigue amando al duque a pesar de saber que le es infiel, regresa vestida de hombre y se queda fuera de la casa. Maddalena, que está enamorada del duque, le ruega a Sparafucile que le perdone la vida: "È amabile invero cotal giovinotto/ Ah, più non ragiono!". Sparafucile, un hombre de palabra, se muestra reacio, pero le promete que si antes de medianoche encuentra otra víctima, matará a la otra en lugar del duque. Gilda, al oír este intercambio, decide sacrificarse por el duque y entra en la casa: "Trío: Se pria ch'abbia il mezzo la notte toccato". Sparafucile la apuñala y ella se derrumba, mortalmente herida.
A medianoche, cuando Rigoletto llega con dinero, recibe un cadáver envuelto en un saco y se regocija por su triunfo. Lo carga con piedras y está a punto de arrojar el saco al río cuando oye la voz del Duque, que canta soñoliento una repetición de su aria "La donna è mobile". Desconcertado, Rigoletto abre el saco y, para su desesperación, descubre a su hija moribunda. Por un momento, ella revive y declara que está contenta de morir por su amado: "V'ho ingannato" ("Padre, te he engañado"). Muere en sus brazos. Rigoletto grita horrorizado: "¡La maledizione!" ("¡La maldición!") [22]
La orquesta requiere 2 flautas (2 flautas dobles piccolo ), 2 oboes (2 oboes dobles corno inglés ), 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas en mi♭, re, do, la♭, sol y fa, 2 trompetas en do, re y mi♭, 3 trombones, cimbasso , timbales , bombo y platillos , cuerdas .
El breve preludio orquestal se basa en el tema de la maldición, entonado suavemente en los metales al principio y aumentando en intensidad hasta que estalla en un grito apasionado por toda la orquesta, apaciguándose una vez más y terminando con repetidos redobles de tambor alternados con los metales, aumentando acumulativamente en volumen para llegar a una conclusión sombría. [22] Al subir el telón, se siente inmediatamente un gran contraste cuando una banda fuera del escenario toca una alegre música de baile mientras el Duque y sus cortesanos mantienen una conversación desenfadada. El Duque canta la cínica "Questa o quella" con una melodía frívola y luego se logra un mayor contraste cuando intenta seducir a la Condesa Ceprano mientras las cuerdas de una orquesta de cámara en el escenario tocan un elegante minueto . [22] La música de baile fuera del escenario se reanuda cuando un conjunto se construye entre Rigoletto, los cortesanos enojados y el Duque, interrumpido por la entrada furiosa de Monterone. Los efectos resbaladizos de las cuerdas acompañan a Rigoletto mientras se burla brutalmente del anciano, quien responde con su maldición, lo que da lugar a un conjunto dramático final.
En su gran variedad de tono y textura, su uso de recursos instrumentales (la orquesta en el foso, una banda fuera del escenario y un conjunto de cámara de cuerdas en el escenario), su ritmo dramático y la manera en que la música es continua en lugar de consistir en un "número" tras otro, esta concisa escena de apertura no tiene precedentes en la ópera italiana. [22]
El dúo entre Rigoletto y Sparafucile que abre la segunda escena del primer acto también es inédito en su estructura, siendo un diálogo libre con melodías no en las voces sino en la orquesta, en un violonchelo solo, un bajo solo y unos instrumentos de viento de madera graves para crear una atmósfera siniestra distintiva. [22]
El famoso cuarteto del tercer acto es en realidad un dúo doble en el que cada uno de los personajes tiene una identidad musical: el ardiente cortejo del duque, con la melodía principal, mientras Maddalena lo rechaza riendo, mientras que afuera Gilda tiene una figura sollozante en su línea vocal y su padre insta implacablemente a la venganza. [23]
A Víctor Hugo le molestó que su obra, que había sido prohibida en Francia, fuera transformada en una ópera italiana y la consideró un plagio (en ese momento no había restricciones de derechos de autor contra esto). [24] Sin embargo, cuando Hugo asistió a una representación de la ópera en París, se maravilló de la forma en que la música de Verdi en el cuarteto permitía que las emociones de los cuatro personajes diferentes se escucharan juntas y, sin embargo, se distinguieran claramente entre sí al mismo tiempo y deseó poder lograr ese efecto en un drama hablado. [25]
La sección que sigue al cuarteto, marcada como "Scena e Terzetto Tempesta" (trío de escena y tormenta) también carece, como ha escrito Julian Budden , de "antecedente alguno". [26] Muy diferente de la música de tormenta que se puede escuchar en Il barbiere di Siviglia o La Cenerentola de Rossini , la de la tormenta en Rigoletto no es un interludio entre actos o escenas, sino que está totalmente integrada en el desarrollo de la trama, con sus cuerdas en el registro grave, sus intervenciones de oboe y flautín, y especialmente el coro masculino tras bambalinas tarareando con la boca cerrada para crear el sonido del viento, un efecto completamente original. El compositor y profesor de música experimental Dieter Schnebel (1930–2018) escribió sobre esta escena
La escena central de la tormenta es, por así decirlo, una película sonora, cuyas imágenes en movimiento muestran un drama exterior e interior. Los encuentros furtivos entre personas en la oscuridad, irregularmente interrumpida por los relámpagos, quedan expuestos por las quintas vacías, los trémolos de las cuerdas, las breves irrupciones de los instrumentos de viento, los truenos y los siniestros suspiros del coro, que expresan a la vez un proceso externo que es interno: la muerte llega con truenos. La música pasa siempre en esta escena de recitativos espasmódicos a arias fluidas... [24]
El musicólogo Julian Budden considera que la ópera es "revolucionaria", al igual que lo fue la Sinfonía Heroica de Beethoven : "las barreras entre la melodía formal y el recitativo se han derribado como nunca antes. En toda la ópera, sólo hay una doble aria convencional [...y no hay...] finales de actos concertados". [27] Verdi utilizó esa misma palabra - "revolucionaria" - en una carta a Piave, [28] y Budden también hace referencia a una carta que Verdi escribió en 1852 en la que el compositor afirma que "concebí Rigoletto casi sin arias, sin finales sino sólo una interminable cadena de dúos". [29]
Las conclusiones de Budden sobre esta ópera y su lugar en la producción de Verdi se resumen en lo siguiente:
Poco después de 1850, a la edad de 38 años, Verdi cerró la puerta a un período de ópera italiana con Rigoletto . El llamado Ottocento en música había terminado. Verdi seguirá recurriendo a algunas de sus formas para las siguientes óperas, pero con un espíritu totalmente nuevo. [30]
Aunque tuvo un inmenso éxito de público desde el principio, muchos críticos de varios países condenaron la obra por su trama oscura y amargamente trágica combinada con una sucesión de melodías simplemente populares, como pensaban que era la música. Después de la primera representación en Venecia en 1851, la Gazzetta ufficiale di Venezia deploró el hecho de que, en su opinión, el libreto estaba inspirado en "la escuela satánica" y Verdi y Piave habían buscado la belleza en lo "deforme y repulsivo". [23]
Un ejemplo típico de la reacción crítica en Gran Bretaña, Austria y Alemania fue la reseña en el Frankfurter Nachrichten del 24 de julio de 1859: "Es bien sabido que esta obra de mala calidad presenta todos los vicios y virtudes de la música de Verdi: música ligera, ritmos de baile agradables para escenas espantosas; que la muerte y la corrupción están representadas, como en todas las obras de este compositor, por galops y cotilleos". [31]
En la segunda mitad del siglo XX y en el XXI, Rigoletto recibió grandes elogios incluso de compositores vanguardistas y experimentales como Luigi Dallapiccola , Luciano Berio y Ernst Krenek . [23] Igor Stravinsky escribió: "Digo que en el aria 'La donna è mobile', por ejemplo, que la élite considera solo brillante y superficial, hay más sustancia y sentimiento que en todo el ciclo del Anillo de Wagner ". [23]
Se han realizado docenas de grabaciones comerciales de Rigoletto . Las primeras incluyen la interpretación en francés de 1912 con François Ruhlmann dirigiendo la orquesta y el coro de la Opéra Comique ( Pathé ) y la interpretación en italiano de 1916 con Lorenzo Molajoli dirigiendo la orquesta y el coro de La Scala ( Columbia Records ). La primera edición en LP de Rigoletto (también la primera grabación de ópera en LP) fue lanzada por RCA Victor en 1950 dirigida por Renato Cellini y contó con Leonard Warren en el papel principal. La ópera también se ha grabado en alemán con Wilhelm Schüchter dirigiendo la orquesta y el coro de la Ópera Estatal de Berlín en una grabación de 1953 para EMI Records y en inglés con Mark Elder dirigiendo la orquesta y el coro de la Ópera Nacional Inglesa en una grabación de 1983 para EMI. En el siglo XXI se han publicado varias interpretaciones en directo en DVD, entre ellas una actuación en 2001 en la Royal Opera House de Londres con Paolo Gavanelli como Rigoletto y Marcelo Álvarez como el Duque (BBC/Opus Arte) y una actuación en 2006 en la Opernhaus de Zúrich con Leo Nucci como Rigoletto y Piotr Beczała como el Duque (ArtHaus Musik). [32] Las arias del Duque de Mantua, en particular " La donna è mobile " y "Questa o quella", han sido durante mucho tiempo escaparates para la voz de tenor y aparecen en numerosos discos de recitales. Entre las primeras grabaciones de Enrico Caruso se encuentran estas dos arias, grabadas con acompañamiento de piano en 1902 y nuevamente en 1908 con orquesta. [33] Luciano Pavarotti , que ha grabado las arias para varios discos de recitales, también canta el papel del Duque en tres grabaciones de estudio completas de la ópera: Decca (1971) dirigida por Richard Bonynge ; Decca (1989) dirigida por Riccardo Chailly y Deutsche Grammophon (1993) dirigida por James Levine . [32] Rigoletto ha sido un tema popular para películas desde la era del cine mudo . El 15 de abril de 1923, Lee de Forest presentó 18 cortometrajes en su proceso de sonido sobre película Phonofilm , incluido un extracto del acto 2 de Rigoletto.con Eva Leoni y compañía. Una de las películas más famosas basadas en la ópera es la película de 1987 [34] de Jean-Pierre Ponnelle protagonizada por Luciano Pavarotti como El Duque e Ingvar Wixell como Rigoletto. Algunas versiones cinematográficas se basan en la trama de la ópera, pero no utilizan la música de Verdi. La película de 2003 de Curtiss Clayton , Rick , ambientada en la Nueva York actual, tiene una trama basada en Rigoletto , pero aparte de "La donna è mobile" que se escucha de fondo durante una escena en un restaurante, no incluye ninguna otra música de la ópera. En el siglo XXI, la ópera fue filmada como Rigoletto Story dirigida por Vittorio Sgarbi con vestuario de Vivienne Westwood . Proyectada por primera vez en la Bienal de Venecia en 2004, posteriormente recibió dos nominaciones al Grammy . En septiembre de 2010, la RAI Television filmó la ópera en Mantua con las escenas de la corte ocurriendo en el Palazzo Te . La película siguió fielmente la especificación original de Verdi de que la acción se desarrollara durante dos días, y cada acto se realizó en el momento del día indicado en el libreto. Transmitida en vivo a 148 países, la película fue protagonizada por Plácido Domingo en el papel principal y Vittorio Grigolo como El Duque. [35] La trama de la película Quartet gira en torno al cuarteto " Bella figlia dell'amore ", con el que concluye la película.
Las adaptaciones de la música de la ópera incluyen la paráfrasis de Rigoletto de Franz Liszt , una transcripción para piano de "Bella figlia dell'amore" (el famoso cuarteto del acto 3) y una Fantasía sobre Rigoletto (Op. 82) de Sigismond Thalberg que se publicó en París en la década de 1860.
Notas
Referencias
Fuentes
