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En 1898, el barón Ferdinand de Rothschild legó al Museo Británico, como legado Waddesdon, el contenido de su nueva sala de fumadores en Waddesdon Manor . Se trataba de una amplia colección de casi 300 objetos de arte y arte , que incluían exquisitos ejemplos de joyería, platos, esmaltes, tallas, vidrio y mayólica . Uno de los primeros objetos es el extraordinario relicario de la Santa Espina , probablemente creado en la década de 1390 en París para Juan, duque de Berry . La colección sigue la tradición de una schatzkammer o casa del tesoro (y así se refieren algunos escritores [1] ), como las que formaban los príncipes renacentistas de Europa; [2] de hecho, la mayoría de los objetos proceden de la Europa del Renacimiento tardío, aunque hay varias piezas medievales importantes y ejemplares atípicos de la antigüedad clásica y la Siria medieval. [3]
Siguiendo la secuencia de los números del catálogo del museo, y dando el primer número para cada categoría, el legado consta de: "bronces", manijas y una aldaba (WB.1); armas, armaduras y herrajes (WB.5); esmaltes (WB.19); vidrio (WB.53); mayólica italiana (WB.60); "copas, etc." en oro y piedra dura (WB.66); platería (WB.87); joyas (WB.147); cubertería (WB.201); "cofres, etc." (WB.217); tallas en madera y piedra (WB.231–265). No hay grupo de pinturas, y WB.174, un retrato en miniatura sobre pergamino en un marco de madera, está incluido con las joyas, aunque esto se debe a que el sujeto lleva un colgante de la colección. [4]
La colección fue reunida para un lugar en particular y para reflejar una estética particular; otras partes de la colección de Ferdinand Rothschild contienen objetos de estilos muy diferentes, y el legado no debe interpretarse como un reflejo de la totalidad de su gusto. En este caso, lo que más atrajo a Ferdinand Rothschild fueron obras intrincadas, magníficamente ejecutadas, muy decoradas y bastante ostentosas de los períodos gótico tardío, renacentista y manierista . Se podría decir que pocos de los objetos se basan en la simplicidad o en el movimiento escultórico barroco para su efecto, aunque varios provienen de períodos y lugares en los que se realizaban muchas obras barrocas. [5] El 11 de junio de 2015 se inauguró una nueva exposición para la colección, que según los términos del legado debe mantenerse y exhibirse en conjunto.
La colección fue iniciada por el padre del barón Ferdinand, el barón Anselm von Rothschild (1803-1874), y puede incluir algunos objetos de colecciones Rothschild anteriores . Para Mayer Amschel Rothschild (1744-1812) de Frankfurt , quien inició la prominencia de la familia, su negocio de comercio de monedas, "antigüedades, medallas y objetos de exhibición" precedió y financió sus operaciones bancarias, y la mayoría de los Rothschild continuaron coleccionando arte. [6]
Al menos uno de los objetos que hoy se encuentran en el Museo Británico se puede ver en una vitrina en el fondo de un retrato familiar de 1838 (izquierda), el año anterior al nacimiento de Ferdinand. [8] En sus Reminiscencias, Ferdinand recordó su emoción cuando era niño cuando le permitieron ayudar a envolver y desempacar la colección de su padre, que pasaba los veranos en una cámara acorazada cuando la familia se iba de Viena a una villa en el campo. [9]
El período posterior a la Revolución Francesa y las Guerras Napoleónicas ofreció enormes oportunidades para los coleccionistas de artes decorativas de los períodos medieval y renacentista. Estas categorías eran muy poco valoradas por el mercado del arte en general, y las piezas de metal se vendían rutinariamente solo por su valor en lingotes . Es posible que algunos de los objetos más antiguos de metales preciosos de la colección hayan sido recibidos por primera vez por la familia como parte de transacciones bancarias; la propiedad de tales piezas siempre había sido en parte una forma de obtener algún uso del capital. [10] Ferdinand registra varias quejas de que su padre no aprovechó más sus oportunidades, pero en sus últimos años Anselm comenzó a expandir su gama de coleccionismo, y fue él quien compró tanto el Relicario de la Santa Espina como el Escudo Ghisi . [11] Esta época dorada para los coleccionistas había pasado cuando Ferdinand heredó su parte de la colección de su padre en 1874, que también fue el año en que compró la finca de Waddesdon y comenzó a construir allí. Ferdinand continuó ampliando la colección hasta su muerte en 1898, principalmente a través de comerciantes, y expandiendo la gama de objetos coleccionados. [12] En particular, Ferdinand amplió a alrededor de cincuenta las diez o más piezas de joyería de la colección de su padre. [13]
La nueva sala de fumadores, construida para albergar la colección, no se planeó hasta 1891, y la colección se trasladó allí a principios de 1896, menos de tres años antes de la muerte de Ferdinand. Las buenas fotografías permiten apreciar cómo se exhibían los objetos, en vitrinas y en estantes abiertos alrededor de las paredes, sobre puertas y sobre la pequeña chimenea, que tenía una elaborada repisa de madera en la parte superior. Varios objetos, incluido el ataúd de Santa Valeria, estaban en mesas alejadas de las paredes. Había muchos asientos cómodos, algunos tapizados con piezas de vestimentas medievales, y había fotografías enmarcadas y plantas de interior. [14] La sala ahora está repleta de objetos del mismo período, aunque de tipos algo diferentes, y los visitantes de Waddesdon Manor pueden verlo desde la puerta. [15]
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La sala, con la sala de billar contigua , es la única sala de recepción en Waddesdon Manor que sigue el estilo renacentista francés del exterior; [16] las otras salas son de estilos generales del siglo XVIII y contienen una magnífica colección de pinturas y muebles centrados en ese siglo. La segregación de la colección fue parte del concepto de lo que se ha llamado la "neo- Kunstkammer ", adoptado por algunos otros coleccionistas muy ricos de la época. [17] La Sala del Renacimiento en lo que ahora es la Colección Wallace y la colección de Sir Julius Wernher fueron otros ejemplos formados en Inglaterra durante el mismo período. [18] La neo- Kunstkammer tenía como objetivo emular las colecciones formadas durante el propio Renacimiento, principalmente por casas principescas; de estas, las supervivencias sobresalientes fueron las colecciones de los Habsburgo en Viena, Praga y Ambras , así como los tesoros de la Bóveda Verde en Dresde , la Residencia de Múnich y Kassel . A diferencia de esas colecciones, no se incluyeron objetos contemporáneos y recientes. [19]
El barón Ferdinand era un hombre inquieto y, según sus propias palabras, infeliz, cuya vida se vio arruinada por la muerte de su esposa después de dar a luz a su único hijo, que nació muerto; esto ocurrió en 1866. A partir de entonces vivió con su hermana soltera Alice . Además de ocupar cargos en la vida pública local, fue diputado liberal por Aylesbury desde 1885 hasta su muerte, y desde 1896 fideicomisario del Museo Británico, probablemente por instigación de Sir Augustus Wollaston Franks . [20]
Ferdinand reconoció y dio la bienvenida a la deriva del arte de alta calidad hacia las colecciones públicas, que había comenzado en serio durante su época como coleccionista. [21] Si bien la mayoría de sus activos y colecciones fueron dejados a su hermana Alice, la colección que ahora forma el legado y, por separado, un grupo de 15 manuscritos ahora en la Biblioteca Británica , [22] fueron dejados al Museo Británico. [23] Ya había donado algunos objetos importantes al museo en su vida, que no se cuentan en el legado. [24]
El legado del barón Fernando era muy específico y el incumplimiento de sus términos lo haría nulo. Decía que la colección debía ser
colocado en una sala especial que se llamará la Sala del Legado Waddesdon, separada y aparte del resto del contenido del Museo y, de ahí en adelante, para siempre, mantenerlo en dicha sala o en alguna otra sala que lo sustituya. [25]
Estas condiciones todavía se cumplen y hasta finales de 2014 la colección se exhibió en la sala 45, bastante pequeña, en una muestra inaugurada en 1973. [26] En 2015, el legado se trasladó a la sala 2A, una galería nueva y más grande en la planta baja, cerca de la entrada principal en Museum Street . [27] Hasta que la colección de cerámica china de la Fundación Percival David se trasladó al Museo Británico, el legado Waddesdon fue la única colección segregada de esta manera. [28]
Gran parte de la colección está formada por objetos de lujo del siglo XVI. Las grandes piezas de metalistería en plata o plata dorada causan una impresión inmediata en la exposición, y fueron diseñadas para deslumbrar e impresionar a los invitados cuando se usaban en la mesa o se exhibían en filas en un aparador con estantes como una estantería moderna o una cómoda galesa . [29] Muchas están muy decoradas en exhibiciones virtuosas de la técnica de los orfebres ; demasiado para el gusto moderno convencional. [30] Sin duda, son objetos ostentosos diseñados para mostrar la riqueza de su propietario, y en muchos casos fueron diseñados para ser apreciados cuando se sostenían en la mano, en lugar de verlos bajo un cristal. [31]
Hay varias copas verticales con tapa, muchas de ellas procedentes de Augsburgo y Núremberg ; se utilizaban para brindar con ellas para dar la bienvenida a un invitado y también eran un regalo habitual en política y diplomacia, y en las ciudades para los visitantes distinguidos. Su decoración reflejaba a veces el último gusto, a menudo basándose en diseños realizados como grabados y que circulaban por Europa, pero también había a menudo una continuación muy conservadora de los estilos góticos tardíos, que persistieron hasta que pasaron a formar parte de un renacimiento neugótico ("neogótico") a principios del siglo XVII. [32] El objeto más grande del legado con una conexión específicamente judía es una copa vertical de plata dorada fabricada en Núremberg alrededor de 1600, pero que en 1740 pertenecía a una sociedad funeraria judía en Bratislava , como registra una inscripción en idioma hebreo . [33]
Aparte de las piezas puramente de metal, una serie de ellas se centran en tallas de piedra dura u objetos orgánicos como cuernos, conchas marinas, cáscaras de huevo de avestruz y semillas de plantas exóticas. [34] Estas "curiosidades" son típicas del gusto de la Era de los Descubrimientos del Renacimiento y muestran la superposición de la schatzkammer y el gabinete de curiosidades . [35] Una forma diferente de novedad está representada por un adorno de mesa de una figura de un cazador de un pie de altura en plata dorada con un perro y blandiendo una lanza. Hay un mecanismo de relojería en su base que lo impulsa a lo largo de la mesa, y su cabeza se levanta para mostrar una copa, y habría sido utilizado en juegos de beber . Hay figuras separadas de un jabalí y ciervos para que los persiga, aunque no forman un conjunto; también pueden funcionar como copas. [36]
Uno de los objetos más importantes de la colección es el Escudo Ghisi , un escudo de desfile que nunca se pensó para usarse en batalla, hecho por Giorgio Ghisi , que era orfebre y un importante grabador . Está firmado y fechado en 1554. Con una empuñadura de espada, fechada en 1570 y ahora en el Museo Nacional Húngaro en Budapest , esta es la única obra de metal damasquinada sobreviviente de Ghisi. El escudo está hecho de hierro martillado en relieve, luego damasquinado con oro y parcialmente bañado en plata. Tiene un diseño intrincado con una escena de jinete luchando en el centro, dentro de un marco, alrededor del cual hay cuatro marcos más que contienen figuras femeninas alegóricas, los marcos en sí incorporan temas diminutos y abarrotados en una escala mucho más pequeña de la Ilíada y la mitología antigua, incrustados en oro. [37]
Otras piezas importantes son conjuntos de jarra y palangana, en este contexto palangana significa un plato grande o bandeja que, cuando se usaba, era llevado por parejas de sirvientes para que los invitados se lavaran las manos sin levantarse de la mesa. Sin embargo, los ejemplos de la colección probablemente casi nunca se usaron para esto, sino que estaban destinados exclusivamente a exhibirse en aparadores; por lo general, las palanganas son bastante poco profundas para su uso real. Estos fueron quizás el tipo de plato más grande, con grandes superficies donde la inventiva manierista podía desbocarse en la decoración. Ya eran caros debido al peso del metal precioso, al que se agregó una gran cantidad de tiempo por parte de plateros altamente calificados. [38] El conjunto Aspremont-Lynden del legado está documentado en esa familia desde 1610, unos 65 años después de que se hiciera en Amberes , y pesa un poco menos de cinco kilos. [39]
Aunque el legado Waddesdon contiene dos objetos medievales muy importantes con esmalte, y gran parte de la joyería y la cubertería decorada utilizan abundantemente el esmalte, la gran mayoría de los artículos que pueden llamarse "esmaltes" pertenecen al estilo francés del siglo XVI, que estaba encabezado por el esmalte de Limoges pintado , en lugar del esmalte champlevé por el que Limoges era famoso en el período románico . La nueva técnica produjo piezas pintadas con escenas figurativas o esquemas decorativos muy detallados. Al igual que con la mayólica italiana, las imágenes tendían a extraerse de la mitología clásica o la alegoría, aunque el legado incluye algunas escenas del Antiguo Testamento , y las composiciones se extraían muy a menudo de grabados alemanes, franceses o italianos. Los esmaltes se producían en talleres que a menudo persistían en la misma familia durante varias generaciones, y a menudo están firmados en el esmalte, o son identificables, al menos en lo que respecta a la familia o el taller, por marcas de punzón en la parte posterior de los paneles, así como por el estilo. Los principales artistas representados en la colección incluyen a Suzanne de Court , Pierre Reymond , Jean de Court , Pierre Courtois y Léonard Limousin . [40]
Los esmaltes se utilizaban para fabricar objetos como candelabros, platos, vasijas y espejos, y también como placas planas para incluir en otros objetos como cofres. La colección incluye todos estos tipos, tanto con placas sin montar como con cofres equipados con placas. Los alegres grotescos ilustrados a la derecha se encuentran en el reverso de un gran plato cuya cara principal muestra una representación en colores brillantes de la Destrucción del ejército del Faraón en el Mar Rojo . [41] Ambos diseños tienen un paralelo cercano, sin ser copiados exactamente, en piezas de otras colecciones, en particular una del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Los diseños también se basan en grabados, pero fueron adaptados por los esmaltadores para sus piezas. [42]
El Cofre de las Sibilas es un pequeño y elaborado cofre con cerradura, con un marco de plata dorada y gemas, engastado con paneles de grisalla con toques de oro y tonos de piel. Representa el sofisticado gusto de la corte de alrededor de 1535 y probablemente estaba destinado a albergar joyas de damas. La mayoría de estos conjuntos de insertos de esmalte han perdido los engastes para los que estaban destinados. [43]
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El énfasis de la joyería está muy firmemente puesto en las espectaculares insignias y joyas colgantes del Renacimiento tardío en lo que se conoce como el "Estilo Español" que fue adoptado en toda Europa entre 1550 y 1630, usando gemas junto con oro y esmalte para crear deslumbrantes esculturas diminutas. Estas fueron usadas originalmente por hombres y mujeres, pero como colección, el grupo Waddesdon fue elegido para exhibir (y en un entorno específicamente masculino) en lugar de para usar, excepto en algún baile de disfraces ocasional, una moda en ese momento. El grupo demuestra poco interés en las piedras preciosas y las perlas por sí mismas. Aunque estas piezas han sobrevivido con más frecuencia que los estilos que enfatizan las piedras preciosas y el oro macizo, que generalmente se reciclaban por sus materiales cuando la moda cambió, la demanda de los coleccionistas del siglo XIX excedió en gran medida la oferta de supervivencias auténticas, y muchas piezas incluyen mucho trabajo de ese período (ver más abajo). [44]
En el caso de muchas de las piezas, no resulta fácil determinar la fecha o el país de fabricación. No existe tal dificultad en el caso de la joya más famosa de la colección, la Joya Lyte , que se fabricó en Londres y se la regaló a Thomas Lyte de Lytes Cary , Somerset , en 1610 por el rey Jaime I de Inglaterra , que amaba las joyas grandes y regalarlas a otros. Lyte no era un habitual de la corte, pero había elaborado un árbol genealógico que rastreaba la ascendencia de Jaime hasta el legendario troyano Brut . La joya contiene un retrato en miniatura del rey realizado por Nicholas Hilliard , aunque por razones de conservación ahora se ha eliminado de la joya. Lyte lleva la joya en un retrato de 1611, que muestra una gota debajo del óvalo principal engastado con tres diamantes, que había desaparecido antes de 1882. La portada tiene un elaborado diseño calado con el monograma IR de Jaime , mientras que la parte posterior tiene una decoración de esmalte muy finamente ejecutada. [45]
Un colgante, con forma de linterna con una pequeña Crucifixión en su interior, fue fabricado en el México del siglo XVI y, comparándolo con otras piezas, es posible que originalmente incluyera trabajos en plumas mexicanas , un arte precolombino cuyos artesanos empleaban los misioneros españoles en talleres para exportar objetos de lujo. [46]
La colección incluye un grupo ecléctico de objetos de muy alta calidad que son anteriores al Renacimiento. Los objetos más antiguos son un conjunto de cuatro medallones de bronce helenísticos con cabezas que sobresalen en altísimo relieve y asas redondas colgando debajo. Estos datan del siglo antes de Cristo, y provienen de una tumba en la actual Turquía, y eran accesorios para algún objeto de madera, tal vez un cofre. Las cabezas se identifican como Ariadna , Dioniso , Perséfone y Plutón . [47] El cuerpo de ágata tallada de WB.68 puede ser de la época romana tardía, y se analiza a continuación.
La copa Palmer es una importante copa de vidrio islámica temprana , fabricada alrededor de 1200, en Siria o quizás Egipto, y pintada con esmaltes. En el mismo siglo se le dio un tallo y un pie de cristal de roca y plata dorada en Francia. Debajo de una inscripción árabe poética que alaba el consumo de vino, un príncipe sentado que sostiene una copa o vaso está flanqueado por cinco asistentes de pie, dos tocando castañuelas y los otros sosteniendo armas. Como una imagen temprana pintada con esmalte, la copa es extremadamente rara en vidrio islámico, aunque se encuentran imágenes similares en cerámica persa pintada de cerámica Mina'i de la época. Hay un puñado de copas de vidrio islámicas tempranas comparables con esmalte que han sobrevivido en antiguas colecciones europeas, como la Suerte de Edenhall en el Victoria and Albert Museum , y otras en la Bóveda Verde de Dresde y el Louvre , y otras están registradas en inventarios antiguos. A menudo se les dio un nuevo pie en la metalistería en Europa, como aquí. [48] También hay una gran lámpara de mezquita con decoración esmaltada de finales del siglo XIV. [49]
El arte románico está representado por un relicario de esmalte de Limoges de un tamaño inusualmente grande, con la forma común de chasse , como una casa con frontón . Este relicario fue realizado alrededor de 1170 para albergar las reliquias de Santa Valeria de Limoges , una virgen-mártir de la época romana que fue la santa local más importante de Limoges , un centro clave para el esmalte champlevé románico . Su historia altamente visual se cuenta en varias escenas que utilizan una amplia gama de colores, con el resto de la cara frontal decorada en el estilo "vermicular", con el espacio entre las figuras lleno de motivos de volutas sobre un fondo dorado. Según la leyenda, Santa Valeria era una santa cefalófora , que después de ser decapitada llevó su propia cabeza para dársela a su obispo, San Marcial , quien la había convertido. [50]
Hay muchos más objetos de estilo gótico y, como es típico en el norte de Europa, varios de ellos datan de bien entrado el siglo XVI y deben considerarse pertenecientes al Renacimiento nórdico . Sin embargo, el objeto medieval más importante, y posiblemente la pieza individual más importante de la colección, aunque es del período gótico tardío, no tiene nada estrictamente gótico en su estilo y representa un gusto cortesano muy avanzado en este sentido. Se trata del Relicario de la Santa Espina , que probablemente fue creado en la década de 1390 en París para el príncipe Valois Juan, duque de Berry , para albergar una reliquia de la Corona de Espinas . Se trata de una de las pocas obras de orfebrería o joyaux importantes que sobreviven del extravagante mundo de las cortes de la familia real Valois alrededor de 1400. Está hecha de oro, profusamente decorada con joyas y perlas, y utiliza la técnica del esmaltado en ronde bosse , o "en redondo", que se había desarrollado recientemente cuando se hizo el relicario, para crear un total de 28 figuras tridimensionales, en su mayoría en esmalte blanco. [51]
En contraste, dos cubiertas de metal muy elaboradas para las encuadernaciones del tesoro de los Libros de la Epístola y los Evangelios para el altar mayor de una gran iglesia, probablemente la Catedral de Ulm , se realizaron alrededor de 1506, pero están llenas de detalles arquitectónicos góticos puntiagudos, aunque las numerosas figuras en alto relieve están al borde del estilo renacentista. [52]
Hay dos estatuas alemanas de santos en madera, de aproximadamente la mitad de su tamaño natural, de las décadas cercanas a 1500, [53] y un mayor número de tallas en miniatura de boj . Entre ellas se encuentran "nueces de oración" de excelente calidad de alrededor de 1510 a 1530. Se trata de pequeñas "bolas" de madera que se abren para revelar tallas de escenas religiosas en las que caben docenas de figuras diminutas en un espacio de dos o tres pulgadas de ancho, y que estaban de moda entre la realeza y los ricos; aparentemente se fabricaron en el norte de los Países Bajos. Parece que a menudo se suspendían de cinturones o formaban parte de un rosario ; otras todavía tienen estuches de cobre para llevarlas. Un truco de la técnica para hacerlas es que la escena principal tallada se hace en un hemisferio más pequeño, lo que permite el acceso desde atrás, que luego se colocaba en el hemisferio principal. [54]
Hay siete vasos de vidrio en la colección, pero un mayor número de piezas en cristal de roca transparente o cuarzo , un mineral que fácilmente podría confundirse con vidrio. Este fue siempre un material mucho más valioso y prestigioso, calificado como una piedra semipreciosa. Al requerir un pulido y perforación muy pacientes , es mucho más difícil de trabajar que el vidrio (aunque correspondientemente menos fácil de romper una vez terminado), y las piezas incluyen monturas o bases en metal precioso, [55] que ninguno de los vidrios reales tiene; tampoco están pintadas las piezas de cristal de roca. El catálogo de Read agrupa estas y otras piezas en piedra semipreciosa con los objetos en oro, en contraposición a la "placa de plata", que probablemente refleja cómo los habría clasificado un coleccionista del Renacimiento. Hay diez piezas en cristal y nueve en otras piedras. [56]
Dos piezas de cristal son placas ovaladas simples grabadas con escenas figurativas, una tradición diferente que se remonta a piezas como el Cristal de Lotario carolingio , también en el Museo Británico. [57] En 1902, el catálogo de Read sugería que "es a esta sección a la que con toda probabilidad se sentirán atraídas la mayoría de las miradas, tanto por la belleza de los especímenes como por su rareza y el consiguiente coste"; si este era el caso entonces, probablemente no lo sea un siglo después. [58] Algunas piezas se consideran ahora del siglo XIX, o en gran medida así, [59] y Reinhold Vasters , el Van Meegeren de la metalistería renacentista, es ahora considerado responsable en varios casos. [60]
Un jarrón de cristal ancho y bajo con tapa está grabado con el nombre del emperador mogol Akbar . Durante mucho tiempo se creyó que era alemán, pero se envió a la India como regalo diplomático, ya que las monturas de metal son claramente de estilo europeo. Ahora se considera una talla de cristal mogol original y excepcionalmente rara, a la que se añadieron las monturas en el siglo XIX, tal vez en París. Sin embargo, el cartucho con el nombre de Akbar no parece ser adecuado para una pieza de la corte contemporánea, y el jarrón en la India probablemente fue tallado después de su reinado (1556-1605), y el nombre tal vez se añadió incluso más tarde. [61]
![Detalle de un Neptuno de plata en la montura de una pieza de cristal, probablemente de Reinhold Vasters alrededor de 1865-70, a pesar de las marcas falsas del siglo XVI en el metal.[62]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f1/Nept_DSCF9673_Waddesdon_bequest,_British_Museum_10.JPG/1280px-Nept_DSCF9673_Waddesdon_bequest,_British_Museum_10.JPG)
Aparte de las dos piezas de vidrio islámico descritas anteriormente, hay cinco vasos de vidrio renacentistas o barrocos, todos inusuales y de calidad excepcional. La mayoría son de vidrio veneciano ; uno es vidrio de Bohemia opaco moldeado (WB.56) con un Triunfo de Neptuno , y ahora está fechado a fines del siglo XVII; también es vidrio dicroico , que cambia de color dependiendo de si está iluminado desde el frente o desde atrás. [63] Hay una copa muy rara en vidrio turquesa opaco con esmaltes (WB.55); esto era para imitar o sugerir un vaso en piedra semipreciosa aún más cara. [64] La Copa Deblín de finales del siglo XV con su tapa es uno de un pequeño grupo de vasos hechos en Murano , Venecia, con un gusto alemán o centroeuropeo, que se inspira en las formas de metalistería utilizadas allí. Lleva una inscripción posterior en checo que insta a beber por la salud de los señores de Deblín , cerca de Brno , y probablemente fue la "copa de bienvenida" del castillo allí. [65]
Las seis piezas de mayólica italiana pintada , o loza pintada y vidriada con estaño, son todas más grandes que el promedio, y no hay ninguno de los platos que tengan la forma de mayólica más común. [66] La pieza más antigua es una gran estatua de Fortuna de pie sobre un delfín , sosteniendo una vela, de Giovanni della Robbia , hecha en Florencia alrededor de 1500-10. [67] Este es un raro representante del Renacimiento italiano temprano a alto en el legado.
Las demás piezas son de finales del siglo XVI. Las más importantes son un par de grandes jarrones con asas de serpiente, de casi sesenta centímetros de altura, pintados con escenas mitológicas, a los que se les añadieron bases y tapas de bronce dorado francés poco antes de que Horace Walpole los comprara en París para la «Galería» de Strawberry Hill House en 1765-1766. Los coleccionistas del siglo XVIII solían añadir monturas de bronce dorado a estas piezas, pero pocas han permanecido en su sitio. [68]
La colección incluye otros objetos, como algunas armas, espadas y equipo militar o de caza. También hay un "calendario de caza" alemán de latón con varias hojas delgadas que se despliegan. Estas incluyen líneas empotradas rellenas de cera, lo que permite al cazador entusiasta registrar a gran escala sus bolsas de lobos, osos, ciervos, jabalíes y conejos, así como el desempeño de sus perros. [69] Hay un pequeño gabinete con 11 cajones (más otros secretos) hecho como una fachada clásica, o tal vez un escenario de teatro con escenografía; la decoración es principalmente de hierro damasquinado y es obra milanesa del siglo XVI. [70]
Además de las tallas de madera más antiguas mencionadas anteriormente, el legado incluye una serie de pequeños retratos, en su mayoría alemanes, del Renacimiento, en forma de tallas de madera, ya sea en relieve o en bulto redondo. Estos son de muy alta calidad e incluyen dos bustos en miniatura de Conrad Meit de Philibert II, duque de Saboya , que murió joven antes de que se hiciera el busto, y su esposa Habsburgo, Margarita de Austria . [71] También hay algunos retratos en medallón en piedra muy blanda, que permite un detalle fino, y una escena alegórica atribuida a Peter Flötner . [72]
Es probable que cualquier colección formada antes del siglo XX (y muchas posteriores) contenga piezas que ya no puedan mantener sus atribuciones originales. En general, se puede decir que el legado Waddesdon se ha mantenido bien en este sentido, y el roce más significativo con la falsificación ha beneficiado a la colección. En 1959 se confirmó que el relicario de la Santa Espina de Waddesdon había estado en el Tesoro Imperial de los Habsburgo en Viena desde 1677 en adelante. Permaneció en Viena hasta después de 1860, cuando apareció en una exposición. Algún tiempo después de esto, fue enviado a ser restaurado por Salomon Weininger, un comerciante de arte con acceso a artesanos expertos, que secretamente hizo una serie de copias. [74] Más tarde fue condenado por otras falsificaciones y murió en prisión en 1879, pero todavía no se supo que había devuelto una de sus copias del relicario a las colecciones imperiales en lugar del original, y más tarde vendió el original, que ahora está en el legado. [75] Una de las copias permaneció en el Tesoro Eclesiástico de la Corte Imperial de los Habsburgo en Viena, donde el engaño permaneció sin ser detectado durante varias décadas. [76]
En el siglo XIX, una serie de objetos fueron objeto de importantes modificaciones, combinando algunas piezas originales con otras nuevas. Esto se produjo sobre todo en armas y armaduras, joyas [77] y objetos que combinaban tallas de piedra dura y monturas de metal. Esta tarea la llevaban a cabo sobre todo los comerciantes, pero a veces también los coleccionistas.
Otro objeto con una historia complicada y algo incierta es un jarrón de ágata de dos asas con monturas de metal de estilo renacentista, que fue adquirido, junto con otras piezas similares, para Waddesdon de la colección del duque de Devonshire alrededor de 1897, poco antes de la muerte del barón Ferdinand. El catálogo de Sir Hugh Tait de 1991 dice sobre el jarrón:
Según describe, fue Tait quien revocó la atribución a Cellini en 1971. [78]
En una colección de trabajos en metal del Renacimiento, Benvenuto Cellini (1500-1571) representa la atribución definitiva, ya que sus obras genuinas como orfebre son más raras que las pinturas de Giorgione . En su catálogo de 1902, Charles Hercules Read menciona que muchos de los colgantes habían sido atribuidos a Cellini, pero se abstiene de respaldar las atribuciones. [79] Una pequeña campanilla de plata (WB.95) había pertenecido a Horace Walpole, quien la elogió extravagantemente en una carta como "la cosa más única del mundo, una campana de plata para tintero hecha por Benvenuto Cellini. Hace que uno crea todos los elogios extravagantes que se dedica a sí mismo; de hecho, también lo hace su Perseo. Bueno, mi campana es del mejor gusto, y está plagada de orugas, lagartijas, saltamontes, moscas y máscaras, por lo que la tomarías por una de las plagas de Egipto. Todas están en altissimo , es más, en out-issimo relievo y, sin embargo, casi invisibles excepto con un cristal. ¡Qué follaje, qué fruta!" Sin embargo, el barón Ferdinand se había dado cuenta de que era más probable que fuera de Wenzel Jamnitzer , orfebre del emperador Rodolfo II , a quien todavía se le atribuye. [80] Otra pieza que ya no se atribuye a Cellini es un gran llamador de puerta de bronce, con una figura de Neptuno , de 40 cm de alto y un peso de más de 11 kilos. [81]
Una categoría del legado que ha sufrido varias degradaciones son las 16 piezas y juegos de cubiertos muy decorados (WB.201–216). Read no fechó ninguno de ellos después del siglo XVII, pero en la base de datos del Museo Británico en 2014 varios estaban datados en el siglo XIX y eran creaciones fraudulentas recientes cuando entraron en la colección, algunas hechas por Reinhold Vasters. [82] También se han planteado dudas sobre una copa de cristal y una tapa con la fecha de 1518 (WB.59), que de hecho podrían ser del siglo XIX. [83] Hugh Tait volvió a datar ocho piezas de plata en el siglo XIX, así como algunas de las joyas.
El legado estuvo expuesto en el Museo Británico desde el 9 de abril de 1900, en la sala 40, que hoy contiene las exposiciones medievales posteriores. En 1902 se publicó un catálogo ilustrado por Charles Hercules Read, que había sustituido a Franks como conservador de antigüedades británicas y medievales. Las fotografías del catálogo muestran una exposición de museo típica de la época, con vitrinas de madera y cristal espaciadas alrededor de las paredes y una exenta en el centro, esta última con dos niveles. En 1921 se trasladó al ala norte. [84]
En 1973, el nuevo diseño de la Sala 45 tenía como objetivo "crear un elemento de sorpresa y asombro" en un espacio pequeño, donde sólo los objetos estaban brillantemente iluminados y se exhibían en un octógono exterior de vitrinas de pared y otro interior de tabiques divisorios, que se elevaban hasta el techo bajo y estaban decorados con vitrinas poco profundas, algunas visibles desde ambos lados. En el centro, el Relicario de la Santa Espina ocupaba su propia columna de exhibición. [85]
La nueva sala de la planta baja en la parte delantera del museo, inaugurada en junio de 2015, devuelve el Legado a un espacio más grande y un entorno más abierto. Está en la parte más antigua del edificio y se han eliminado algunas ampliaciones posteriores de la sala como parte de la nueva instalación. El diseño es de los arquitectos Stanton Williams y el proyecto recibió financiación de la Fundación Rothschild. [86]
