Carousel es el segundo musical del equipo de Richard Rodgers (música) y Oscar Hammerstein II (libro y letra). La obra de 1945 fue una adaptación de la obra Liliom de Ferenc Molnár de 1909, trasplantando suescenario de Budapest a la costa de Maine . La historia gira en torno al ladrón de carrusel Billy Bigelow, cuyo romance con la trabajadora del molino Julie Jordan tiene el precio de sus trabajos. Participa en un robo para mantener a Julie y su hijo por nacer; después de que algo sale trágicamente mal, se le da la oportunidad de arreglar las cosas. Una trama secundaria trata sobre la trabajadora del molino Carrie Pipperidge y su romance con el ambicioso pescador Enoch Snow. El programa incluye las conocidas canciones " If I Loved You ", "June Is Bustin' Out All Over" y " You'll Never Walk Alone ". Richard Rodgers escribió más tarde que Carousel era su favorito de todos sus musicales.
Tras el espectacular éxito del primer musical de Rodgers y Hammerstein , Oklahoma! (1943), la pareja buscó colaborar en otra pieza, sabiendo que cualquier trabajo resultante sería comparado con Oklahoma. , muy probablemente de manera desfavorable. Al principio se mostraron reacios a reclamar los derechos de Liliom ; Molnár había negado en el pasado el permiso para adaptar la obra y el final original se consideró demasiado deprimente para el teatro musical. Tras adquirir los derechos, el equipo creó una obra con largas secuencias musicales e hizo que el final fuera más esperanzador.
El musical requirió modificaciones considerables durante las pruebas fuera de la ciudad, pero una vez que se estrenó en Broadway el 19 de abril de 1945, fue un éxito inmediato tanto entre la crítica como entre el público. Carousel inicialmente tuvo 890 funciones y duplicó su éxito en el West End en 1950. ¡Aunque nunca ha logrado tanto éxito comercial como Oklahoma! , la pieza ha sido revivida repetidamente, grabada varias veces y filmada en 1956 . Una producción de Nicholas Hytner tuvo éxito en 1992 en Londres, en 1994 en Nueva York y de gira. En 2018 se inauguró otra reposición de Broadway. En 1999, la revista Time nombró a Carousel como el mejor musical del siglo XX.
El drama en húngaro de Ferenc Molnár , Liliom , se estrenó en Budapest en 1909. El público quedó desconcertado por la obra y duró sólo treinta representaciones antes de ser retirada, la primera sombra de la exitosa carrera de Molnár como dramaturgo. Liliom no volvió a presentarse hasta después de la Primera Guerra Mundial . Cuando reapareció en el escenario de Budapest, fue un éxito tremendo. [1]
Excepto por el final, las tramas de Liliom y Carousel son muy similares. [2] Andreas Zavocky (apodado Liliom, la palabra húngara para "lirio", un término del argot para "tipo duro"), [3] un ladrón de carnaval , se enamora de Julie Zeller, una sirvienta, y comienzan a vivir juntos. . Con ambos despedidos de sus trabajos, Liliom está descontenta y contempla dejar a Julie, pero decide no hacerlo al enterarse de que está embarazada. Una trama secundaria involucra a Marie, la amiga de Julie, que se enamora de Wolf Biefeld, un portero del hotel; después de que los dos se casan, él se convierte en el dueño del hotel. Desesperada por ganar dinero para que él, Julie y su hijo puedan escapar a Estados Unidos y tener una vida mejor, Liliom conspira con el delincuente Ficsur para cometer un robo, pero todo sale mal y Liliom se apuñala. Muere y su espíritu es llevado al tribunal de policía del cielo. Como sugirió Ficsur mientras los dos esperaban para cometer el crimen, los posibles ladrones como ellos no se presentan ante Dios mismo. El magistrado le dice a Liliom que puede regresar a la Tierra por un día para intentar redimir los males que le ha hecho a su familia, pero que primero debe pasar dieciséis años en un purgatorio ardiente. [4]
A su regreso a la Tierra, Liliom se encuentra con su hija Louise, quien, como su madre, ahora trabaja en una fábrica. Diciendo que conocía a su padre, intenta darle una estrella que robó del cielo. Cuando Louise se niega a aceptarlo, él la golpea. Sin darse cuenta de quién es, Julie lo confronta, pero se ve incapaz de enfadarse con él. Liliom es conducida a su destino, presumiblemente el Infierno, y Louise le pregunta a su madre si es posible sentir una fuerte bofetada como si fuera un beso. Julie le dice a su hija que es muy posible que eso suceda. [4]
Una traducción al inglés de Liliom fue atribuida a Benjamin "Barney" Glazer , aunque hay una historia de que el traductor real, no acreditado, fue el primer socio importante de Rodgers, Lorenz Hart . [5] El Theatre Guild la presentó en la ciudad de Nueva York en 1921, con Joseph Schildkraut como Liliom, [5] y la obra fue un éxito, con 300 funciones. [6] Tanto Hammerstein como Rodgers vieron una reposición de 1940 con Burgess Meredith e Ingrid Bergman . [5] Glazer, al presentar la traducción al inglés de Liliom , escribió sobre el atractivo de la obra:
¿Y en qué parte de la literatura dramática moderna se pueden igualar tales perlas? Julie confesando incoherentemente a su amante muerto el amor que siempre le había dado vergüenza contar; Liliom gritando al carrusel lejano la buena noticia de que será padre; los dos ladrones apostando por el botín de su futuro robo; Marie y Wolf posan para su retrato mientras Julie, con el corazón roto, observa a Liliom que desaparece, mientras la canción de los ladrones resuena en sus oídos; los dos policías quejándose de salarios y pensiones mientras Liliom yace desangrándose; Liliom ofrece furtivamente a su hija la estrella que le ha robado en el cielo. ... Es difícil resistir la tentación de contar toda la cadena centelleante. [7]
En las décadas de 1920 y 1930, Rodgers y Hammerstein se hicieron conocidos por crear éxitos de Broadway con otros socios. Rodgers, con Lorenz Hart, había producido una serie de más de dos docenas de musicales, incluidos éxitos tan populares como Babes in Arms (1937), The Boys from Syracuse (1938) y Pal Joey (1940). [8] Algunos de los trabajos de Rodgers con Hart abrieron nuevos caminos en el teatro musical: On Your Toes fue el primer uso del ballet para sostener la trama (en la escena " Slaughter on Tenth Avenue "), mientras que Pal Joey burló la tradición de Broadway al presentar un bribón como su héroe. [9] Hammerstein había escrito o coescrito la letra de éxitos como Rose-Marie (1924), The Desert Song (1926), The New Moon (1927) y Show Boat (1927). Aunque menos productivo en la década de 1930, escribió material para musicales y películas, compartiendo un Oscar por su canción con Jerome Kern , " The Last Time I Saw Paris ", que fue incluida en la película de 1941 Lady Be Good . [10]
A principios de la década de 1940, Hart se había hundido en el alcoholismo y la confusión emocional, volviéndose poco confiable y lo que llevó a Rodgers a acercarse a Hammerstein para preguntarle si consideraría trabajar con él. [11] Hammerstein estaba ansioso por hacerlo, y su primera colaboración fue ¡ Oklahoma! (1943). [12] Thomas Hischak afirma, en su Enciclopedia The Rodgers and Hammerstein , que Oklahoma! es "la obra más influyente del teatro musical estadounidense. De hecho, la historia del musical de Broadway se puede dividir con precisión en lo que vino antes de Oklahoma y lo que vino después". [13] Una innovación para su época en la integración de canción, personaje, trama y danza, ¡ Oklahoma! serviría, según Hischak, como "el modelo para los espectáculos de Broadway durante décadas", [13] y resultó ser un gran éxito popular y financiero. Una vez que estuvo bien lanzado, qué hacer como bis fue un desafío abrumador para la pareja. El productor de cine Samuel Goldwyn vio Oklahoma! y aconsejó a Rodgers que se pegara un tiro, lo cual, según Rodgers, "fue la forma directa pero divertida de Sam de decirme que nunca crearía otro programa tan bueno como Oklahoma " . [14] Mientras consideraban nuevos proyectos, Hammerstein escribió: " Somos tan tontos. No importa lo que hagamos, todo el mundo está obligado a decir: '¡Esto no es otro Oklahoma!' " [15]
¡Oklahoma! Había sido una lucha para financiar y producir. Hammerstein y Rodgers se reunieron semanalmente en 1943 con Theresa Helburn y Lawrence Langner del Theatre Guild, productores del exitoso musical, quienes juntos formaron lo que denominaron "the Gloat Club". En uno de esos almuerzos, Helburn y Langner propusieron a Rodgers y Hammerstein que convirtieran Liliom de Molnár en un musical. Ambos se negaron: no sentían nada por el escenario de Budapest y pensaban que el final infeliz no era adecuado para el teatro musical. [5] Además, dada la inestable situación política en tiempos de guerra, es posible que necesiten cambiar el escenario de Hungría durante el ensayo. [16] En el siguiente almuerzo, Helburn y Langner propusieron nuevamente a Liliom , sugiriendo que trasladaran el escenario a Luisiana y convirtieran a Liliom en criolla . Rodgers y Hammerstein jugaron con la idea durante las siguientes semanas, pero decidieron que el dialecto criollo, lleno de "zis" y "zose", sonaría cursi y dificultaría la escritura de letras efectivas. [dieciséis]
Se produjo un gran avance cuando Rodgers, propietario de una casa en Connecticut , propuso un entorno de Nueva Inglaterra . [17] Hammerstein escribió sobre esta sugerencia en 1945,
Empecé a ver un conjunto atractivo: marineros, balleneros, muchachas que trabajaban en los molinos río arriba, almejas en islas cercanas, un parque de diversiones en la costa, cosas que la gente podía hacer en multitudes, personas fuertes y vivas y gente lujuriosa que siempre había sido representada en el escenario como puritanos de labios finos, una difamación que estaba ansioso por refutar... en cuanto a los dos personajes principales, Julie, con su coraje, su fuerza interior y su sencillez exterior, parecía más autóctona de Maine que a budapest. Liliom es, por supuesto, un personaje internacional, originario de ninguna parte. [18]
Rodgers y Hammerstein también estaban preocupados por lo que denominaron "el túnel" del segundo acto de Molnár (una serie de escenas lúgubres que condujeron al suicidio de Liliom) seguidas de un final oscuro. También sintieron que sería difícil poner música a los motivos de Liliom para el robo. [16] La oposición de Molnár a que se adaptaran sus obras también fue un problema; Había rechazado a Giacomo Puccini cuando el gran compositor deseaba transformar Liliom en una ópera, afirmando que quería que la pieza fuera recordada como suya, no como de Puccini. [5] En 1937, Molnár, que había emigrado recientemente a los Estados Unidos, había rechazado otra oferta de Kurt Weill para adaptar la obra a un musical. [3]
La pareja continuó trabajando en las ideas preliminares para una adaptación de Liliom mientras realizaban otros proyectos a finales de 1943 y principios de 1944: escribieron la película musical State Fair [19] y produjeron I Remember Mama en Broadway. [20] Mientras tanto, el Theatre Guild llevó a Molnár a ver Oklahoma. Molnár afirmó que si Rodgers y Hammerstein pudieran adaptar Liliom tan bellamente como habían modificado Green Grow the Lilacs en Oklahoma. , estaría encantado de que lo hicieran. [21] El Gremio obtuvo los derechos de Molnár en octubre de 1943. El dramaturgo recibió el uno por ciento de los ingresos brutos y 2.500 dólares por "servicios personales". [22] El dúo insistió, como parte del contrato, en que Molnár les permitiera realizar cambios en la trama. Al principio el dramaturgo se negó, pero finalmente cedió. Hammerstein afirmó más tarde que si no se hubiera ganado este punto, "nunca habríamos podido hacer Carousel ". [23]
Al tratar de establecer a través de la canción la motivación de Liliom para el robo, Rodgers recordó que él y Hart tenían un problema similar con Pal Joey . Rodgers y Hart habían superado el problema con una canción que Joey canta para sí mismo, "I'm Talking to My Pal". Esto inspiró el " Soliloquio ". Más tarde, ambos socios contaron la historia de que "Soliloquy" solo pretendía ser una canción sobre los sueños de Liliom de tener un hijo, pero que Rodgers, que tenía dos hijas, insistió en que Liliom considerara que Julie podría tener una niña. Sin embargo, las notas tomadas en su reunión del 7 de diciembre de 1943 dicen: "El Sr. Rodgers sugirió un excelente número musical para el final de la escena donde Liliom descubre que será padre, en el que canta primero con orgullo por el crecimiento. de un niño, y de repente se da cuenta de que podría ser una niña y cambia por completo". [24]
Hammerstein y Rodgers regresaron al proyecto Liliom a mediados de 1944. Hammerstein estaba incómodo mientras trabajaba, temiendo que, sin importar lo que hicieran, Molnár desaprobaría los resultados. [15] Green Grow the Lilacs había sido un trabajo poco conocido; Liliom era un estándar teatral. El texto de Molnár también contenía comentarios considerables sobre la política húngara de 1909 y la rigidez de esa sociedad. Un pregonero de carnaval despedido que golpea a su esposa, intenta un robo y se suicida parecía un personaje central improbable para una comedia musical. [3] Hammerstein decidió usar las palabras y la historia para hacer que el público simpatizara con los amantes. También formó a la pareja secundaria, que son incidentales en la trama de Liliom ; se convirtieron en Enoch Snow y Carrie Pipperidge. [25] "This Was a Real Nice Clambake" fue reutilizado de una canción, "A Real Nice Hayride", escrita para Oklahoma. pero no usado. [26]
El final de Molnár no fue adecuado y, después de un par de comienzos en falso, Hammerstein concibió la escena de graduación que pone fin al musical. Según Frederick Nolan en su libro sobre los trabajos del equipo: "De esa escena surgió casi de forma natural la canción " You'll Never Walk Alone ". [27] A pesar de la letra sencilla de Hammerstein para "You'll Never Walk Alone", Rodgers tuvo grandes dificultades para ponerle música. [28] Rodgers explicó su justificación para el final cambiado,
Liliom fue una tragedia sobre un hombre que no puede aprender a vivir con otras personas. Tal como lo escribió Molnár, el hombre termina golpeando a su hija y luego teniendo que regresar al purgatorio, dejando a su hija indefensa y desesperada. No podríamos aceptar eso. La forma en que terminamos Carrusel puede seguir siendo una tragedia, pero es esperanzadora porque en la escena final queda claro que la niña finalmente ha aprendido a expresarse y comunicarse con los demás. [29]
Cuando la pareja decidió convertir "This Was a Real Nice Clambake" en un número conjunto, Hammerstein se dio cuenta de que no tenía idea de cómo era un clambake e investigó el asunto. Basándose en sus hallazgos iniciales, escribió la frase "Primero vino la sopa de bacalao". Sin embargo, investigaciones posteriores lo convencieron de que el término adecuado era "sopa de bacalao", un término desconocido para muchos espectadores. Decidió conservarlo como "bacalao". Cuando la canción procedía a hablar de las langostas consumidas en el banquete, Hammerstein escribió la frase "Las cortamos por la espalda / y las salpimentamos bien". Le entristeció saber de un amigo que las langostas siempre se cortan por la parte delantera. El letrista envió a un investigador a un restaurante de mariscos y escuchó que las langostas siempre se cortan por la espalda. Hammerstein concluyó que existe desacuerdo sobre qué lado de la langosta es el lomo. Un error que no se detectó involucró la canción "June Is Bustin' Out All Over", en la que se representa a las ovejas buscando aparearse a fines de la primavera; en realidad, lo hacen en el invierno. Cada vez que Hammerstein se enteraba de esto, le decía a su informante que 1873 era un año especial, en el que las ovejas se apareaban en primavera. [30]
Rodgers pronto decidió prescindir de una obertura, sintiendo que la música era difícil de escuchar por el ruido de los asientos mientras los que llegaban tarde se acomodaban. [31] En su autobiografía, Rodgers se quejó de que sólo la sección de metales se puede escuchar durante una obertura porque nunca hay suficientes cuerdas en la pequeña orquesta de un musical. Decidió obligar al público a concentrarse desde el principio abriendo con una escena de pantomima acompañada de lo que se conoció como "El Vals del Carrusel". [32] La pantomima era paralela a la de la obra de Molnár, que también se utilizó para presentar los personajes y la situación al público. [33] El autor Ethan Mordden describió la efectividad de esta apertura:
Otros personajes captan nuestra atención: el Sr. Bascombe, el pomposo dueño del molino, la señora Mullin, la viuda que dirige el carrusel y, aparentemente, Billy; un oso bailarín; un acróbata. Pero lo que nos atrae es la intensidad con la que Julie mira a Billy: la forma en que se queda congelada, mirándolo, mientras todos los demás en la feria se balancean al ritmo de la perorata de Billy. Y mientras Julie y Billy viajan juntos en el carrusel giratorio, y la imagen del escenario surge con la emoción de la multitud, y la orquesta llega al clímax y cae el telón, nos damos cuenta de que R & H no sólo se han saltado la obertura y el número de apertura sino también la exposición. Se han sumergido en la historia, justo en medio de ella, en la primera escena más intensa que jamás haya tenido un musical. [34]
El casting para Carousel comenzó cuando ¡ Oklahoma!' El equipo de producción, incluidos Rodgers y Hammerstein, buscaba un reemplazo para el papel de Curly (¡el protagonista masculino en Oklahoma! ). Lawrence Langner había oído hablar, a través de un familiar, de un cantante de California llamado John Raitt , que podría ser adecuado para el papel. Langner fue a escuchar a Raitt y luego instó a los demás a que trajeran a Raitt a Nueva York para una audición. Raitt pidió cantar " Largo al factotum ", el aria de Fígaro de El barbero de Sevilla , para calentar. El calentamiento fue suficiente para convencer a los productores de que no solo habían encontrado un Curly, sino que también habían encontrado un Liliom (o Billy Bigelow, como se cambió el nombre del papel). [35] Theresa Helburn hizo otro descubrimiento en California, Jan Clayton , una cantante y actriz que había hecho algunas películas menores para MGM . La llevaron al este y audicionó con éxito para el papel de Julie. [27]
Los productores buscaron elegir desconocidos. Aunque muchos habían actuado en obras anteriores de Hammerstein o Rodgers, sólo uno, Jean Casto (elegido como la dueña del carrusel, la Sra. Mullin y veterano de Pal Joey ), había actuado antes en Broadway. [27] Resultó más difícil elegir al elenco que a los protagonistas, debido a la guerra; Rodgers le dijo a su director de casting, John Fearnley , que el único requisito para un bailarín era que estuviera vivo. [36] Rodgers y Hammerstein reunieron gran parte del equipo creativo que había creado Oklahoma. un éxito, entre ellos el director Rouben Mamoulian y la coreógrafa Agnes de Mille . Miles White fue el diseñador de vestuario, mientras que Jo Mielziner (que no había trabajado en Oklahoma! ) fue el diseñador escénico y de iluminación. ¡Aunque Oklahoma! El orquestador Russell Bennett había informado a Rodgers que no estaba disponible para trabajar en Carousel debido a un contrato de radio, Rodgers insistió en que hiciera el trabajo en su tiempo libre. Orquestó "The Carousel Waltz" y "(When I Marry) Mister Snow" antes de ser finalmente reemplazado por Don Walker . [37] Un nuevo miembro del equipo creativo fue Trude Rittmann , quien arregló la música de baile. Inicialmente, Rittmann sintió que Rodgers desconfiaba de ella porque era mujer y le resultaba difícil trabajar con él, pero los dos trabajaron juntos en los programas de Rodgers hasta la década de 1970. [33]
Los ensayos comenzaron en enero de 1945; [3] Rodgers o Hammerstein siempre estuvieron presentes. [38] A Raitt se le presentó la letra de "Soliloquy" en una hoja de papel de cinco pies de largo; la pieza duró casi ocho minutos. La puesta en escena de un número en solitario tan largo presentó problemas, y Raitt declaró más tarde que sentía que nunca se abordaron por completo. [39] En algún momento durante los ensayos, Molnár vino a ver qué le habían hecho a su obra. Hay varias variaciones de la historia. [35] [40] Como lo contó Rodgers, mientras miraba los ensayos con Hammerstein, el compositor vio a Molnár en la parte trasera del teatro y le susurró la noticia a su socio. Ambos sudaron durante una tarde de ensayo en la que nada pareció salir bien. Al final, los dos caminaron hacia la parte trasera del teatro, esperando una reacción de enojo por parte de Molnár. En cambio, el dramaturgo dijo con entusiasmo: "Lo que has hecho es tan hermoso. ¿Y sabes lo que más me gusta? ¡El final!". [41] Hammerstein escribió que Molnár se convirtió en un asistente habitual a los ensayos después de eso. [18]
Como la mayoría de las obras de la pareja, Carousel contiene un largo ballet, "Billy Makes a Journey", [42] en el segundo acto, mientras Billy mira hacia la Tierra desde "Up There" y observa a su hija. En la producción original, el ballet fue coreografiado por De Mille. [43] Comenzó con Billy mirando desde el cielo a su esposa en trabajo de parto, con las mujeres de la aldea reunidas para un "parto". El ballet involucró a todos los personajes de la obra, algunos de los cuales hablaban líneas de diálogo y contenía varias tramas secundarias. La atención se centró en Louise, interpretada por Bambi Linn , que al principio casi se eleva en su baile, expresando la inocencia de la infancia. Sus compañeros de escuela se burlan de ella y Louise se siente atraída por la gente ruda del carnaval, que simboliza el mundo de Billy. Un joven del carnaval intenta seducir a Louise, mientras ella descubre su propia sexualidad, pero él decide que es más niña que mujer y la abandona. Después de que Julie la consuela, Louise va a una fiesta infantil, donde la rechazan. La gente del carnaval reaparece y forma un círculo alrededor de la fiesta infantil, con Louise perdida entre los dos grupos. Al final, los intérpretes forman con sus cuerpos un enorme carrusel. [44]
La obra se abrió para pruebas en New Haven, Connecticut, el 22 de marzo de 1945. El primer acto fue bien recibido; el segundo acto no lo fue. [45] Casto recordó que el segundo acto terminó alrededor de la 1:30 am. [27] El personal inmediatamente se sentó para una conferencia de dos horas. Como resultado, se eliminaron del espectáculo cinco escenas, la mitad del ballet y dos canciones. John Fearnley comentó: "Ahora entiendo por qué esta gente tiene éxitos. Nunca en mi vida fui testigo de algo tan enérgico y valiente". [45] De Mille dijo de esta conferencia que "no se habían desperdiciado ni tres minutos suplicando por algo querido. Tampoco hubo bromas ociosas... Cortamos, cortamos y cortamos y luego nos fuimos a la cama". [46] Cuando la compañía abandonó New Haven, el ballet de De Mille se había reducido a cuarenta minutos. [44]
Una preocupación importante con el segundo acto fue la efectividad de los personajes Él y Ella (más tarde llamados por Rodgers "Sr. y Sra. Dios"), [47] ante quienes Billy apareció después de su muerte. El señor y la señora Dios fueron representados como un ministro de Nueva Inglaterra y su esposa, vistos en su salón. [39] [48] La pareja todavía era parte del espectáculo en la inauguración de Boston. [39] Rodgers le dijo a Hammerstein: "Tenemos que sacar a Dios de ese salón". Cuando Hammerstein preguntó dónde debería poner a la deidad, Rodgers respondió: "No me importa dónde lo pongas. Por lo que a mí me importa, ponlo en una escalera, ¡sólo sácalo de ese salón!". Hammerstein debidamente puso al Sr. Dios (rebautizado como Starkeeper) encima de una escalera, [49] y la Sra. Dios fue eliminada del programa. [39] La biógrafa de Rodgers, Meryle Secrest, califica este cambio como un error, que conduce a una vida futura más fantástica, que luego fue criticada por The New Republic como "una atmósfera rotaria agradable para audiencias que no buscan la realidad sino escapar de la realidad, no la verdad sino escapar de la realidad". verdad". [39]
Hammerstein escribió que el consejo de Molnár, de combinar dos escenas en una, fue clave para armar el segundo acto y representó "una desviación más radical del original que cualquier cambio que hubiéramos hecho". [18] Se añadió una repetición de "If I Loved You" en el segundo acto, que Rodgers sintió que necesitaba más música. [50] Tres semanas de pruebas en Boston siguieron a la breve presentación en New Haven, y el público le dio al musical una cálida recepción. [45] Se presentó una versión aún más corta del ballet durante las últimas dos semanas en Boston, pero en la última noche allí, De Mille la amplió a cuarenta minutos, lo que hizo que la sala se derrumbara, lo que provocó que tanto Rodgers como Hammerstein la abrazaran. . [44]
Dos jóvenes trabajadoras de una fábrica de Maine en 1873 visitan el carrusel de la ciudad después del trabajo. Una de ellas, Julie Jordan, atrae la atención del ladrón Billy Bigelow ("El vals del carrusel"). Cuando Julie deja que Billy la rodee con su brazo durante el viaje, la señora Mullin, la propietaria viuda del carrusel, le dice a Julie que nunca regrese. Julie y su amiga, Carrie Pipperidge, discuten con la señora Mullin. Billy llega y, al ver que la señora Mullin está celosa, se burla de ella; lo despiden de su trabajo. Billy, despreocupado, invita a Julie a tomar una copa con él. Mientras va a buscar sus pertenencias, Carrie presiona a Julie sobre sus sentimientos hacia él, pero Julie se muestra evasiva ("Eres una queer, Julie Jordan"). Carrie también tiene un novio, el pescador Enoch Snow ("(Cuando me case) Mister Snow"), con quien está recién comprometida. Billy regresa por Julie mientras Carrie, que se marcha, advierte que quedarse fuera hasta tarde significa la pérdida del trabajo de Julie. El Sr. Bascombe, propietario del molino, pasa junto con un policía y se ofrece a acompañar a Julie a su casa, pero ella se niega y es despedida. A solas, ella y Billy hablan sobre cómo sería la vida si estuvieran enamorados, pero ninguno de los dos confiesa la creciente atracción que sienten el uno por el otro (" If I Loved You ").
Pasa más de un mes y los preparativos para la almeja de verano están en marcha ("June Is Bustin' Out All Over"). Julie y Billy, ahora casados, viven en el spa de Nettie, la prima de Julie. Julie le confía a Carrie que Billy, frustrado por estar desempleado, la golpeó. Carrie tiene noticias más felices: está comprometida con Enoch, quien entra mientras habla de él ("(Cuando me case) Mister Snow (repetición))". Billy llega con su amigo ballenero Jigger, que nunca le va bien. El ex ladrón es abiertamente grosero con Enoch y Julie, luego se va con Jigger, seguido por Julie angustiada. Enoch le dice a Carrie que espera hacerse rico vendiendo arenque y tener una familia numerosa, quizás más grande de la que Carrie se siente cómoda ("Cuando los niños están dormidos").
Jigger y sus compañeros de barco, acompañados por Billy, luego cantan sobre la vida en el mar ("Blow High, Blow Low"). El ballenero intenta reclutar a Billy para que le ayude con un robo, pero Billy se niega, ya que es posible que haya que matar a la víctima, el antiguo jefe de Julie, el Sr. Bascombe. La Sra. Mullin entra e intenta tentar a Billy para que regrese al carrusel (y a ella). Tendría que abandonar a Julie; un ladrón casado no puede evocar la misma tensión sexual que uno soltero. Billy lo reflexiona a regañadientes cuando llega Julie y los demás se van. Ella le dice que está embarazada y Billy se siente abrumado por la felicidad, poniendo fin a todos los pensamientos de regresar al carrusel. Una vez solo, Billy imagina la diversión que tendrá con Bill Jr., hasta que se da cuenta de que su hija podría ser una niña y reflexiona con seriedad que "tienes que ser padre de una niña" (" Soliloquio "). Decidido a mantener económicamente a su futuro hijo, sean cuales sean los medios, Billy decide ser cómplice de Jigger.
Todo el pueblo sale a comer almejas. Billy, que anteriormente se había negado a ir, acepta unirse, para deleite de Julie, cuando se da cuenta de que ser visto en la almeja es parte integral de su coartada y la de Jigger ("Acto I Final").
Todos recuerdan la gran comida y la diversión ("This Was a Real Nice Clambake"). Jigger intenta seducir a Carrie; Enoch entra en el momento equivocado y declara que ha terminado con ella ("Geraniums In the Winder"), mientras Jigger se burla ("No hay nada tan malo para una mujer"). Las chicas intentan consolar a Carrie, pero para Julie lo único que importa es que "él es tu amigo y lo amas" ("¿Para qué sirve Wond'rin'?"). Julie ve a Billy tratando de escaparse con Jigger y, al intentar detenerlo, siente el cuchillo escondido en su camisa. Ella le ruega que se lo dé, pero él se niega y se marcha para cometer el robo.
Mientras esperan, Jigger y Billy juegan a las cartas. Se juegan su parte del botín del robo previsto. Billy pierde: su participación ahora es inútil. Sin que Billy y Jigger lo supieran, el Sr. Bascombe, la víctima prevista, ya depositó el dinero de la fábrica. El robo falla: Bascombe apunta con un arma a Billy mientras Jigger escapa. Billy se apuñala con su cuchillo; Julie llega justo a tiempo para que él le diga sus últimas palabras y muera. Julie le acaricia el pelo y finalmente puede decirle que lo ama. Carrie y Enoch, reunidos por la crisis, intentan consolar a Julie; Nettie llega y le da a Julie la determinación de seguir adelante a pesar de su desesperación (" Nunca caminarás sola ").
El espíritu desafiante de Billy ("El juez más alto de todos") es llevado allí para ver al Starkeeper, un funcionario celestial. El Starkeeper le dice a Billy que el bien que hizo en la vida no fue suficiente para llegar al cielo, pero mientras haya una persona viva que lo recuerde, podrá regresar por un día para intentar hacer el bien para redimirse. Le informa a Billy que han pasado quince años en la Tierra desde su suicidio y le sugiere que Billy puede llegar al cielo si ayuda a su hija Louise. Ayuda a Billy a mirar desde el cielo para verla (ballet instrumental: "Billy Makes a Journey"). Louise ha crecido hasta sentirse sola y amargada. Los niños locales la condenan al ostracismo porque su padre era un ladrón y un golpeador de esposas. En el baile, un joven rufián, muy parecido a su padre a esa edad, coquetea con ella y la abandona por ser demasiado joven. El baile concluye y Billy está ansioso por regresar a la Tierra y ayudar a su hija. Roba una estrella para llevársela, mientras Starkeeper finge no darse cuenta.
Fuera de la cabaña de Julie, Carrie describe su visita a Nueva York con el ahora rico Enoch. El marido de Carrie y sus numerosos hijos entran a buscarla; la familia debe prepararse para la graduación de la escuela secundaria ese mismo día. Enoch Jr., el hijo mayor, se queda atrás para hablar con Louise, mientras Billy y el Amigo Celestial que lo escoltan entran, invisibles para los otros personajes. Louise le confía a Enoch Jr. que planea huir de casa con un grupo de actores. Él dice que la detendrá casándose con ella, pero que su padre la considerará una pareja inadecuada. Louise está indignada: cada uno insulta al padre del otro y Louise le ordena a Enoch Jr. que se vaya. Billy, capaz de hacerse visible a voluntad, se revela ante Louise, que solloza, haciéndose pasar por un amigo de su padre. Él le ofrece un regalo: la estrella que robó del cielo. Ella lo rechaza y él, frustrado, le da una palmada en la mano. Se hace invisible y Louise le cuenta a Julie lo que pasó, afirmando que la bofetada milagrosamente se sintió como un beso, no un golpe, y Julie la entiende perfectamente. Louise se retira a la casa, mientras Julie nota la estrella que dejó caer Billy; ella lo levanta y parece sentir la presencia de Billy ("If I Loved You (Reprise)").
Billy asiste de manera invisible a la graduación de Louise, esperando tener una última oportunidad para ayudar a su hija y redimirse. El querido médico de la ciudad, el Dr. Seldon (que se parece al Starkeeper) aconseja a los graduados que no confíen en el éxito de sus padres ni se dejen frenar por su fracaso (palabras dirigidas a Louise). Seldon pide a todos que canten una vieja canción, "Nunca caminarás solo". Billy, todavía invisible, le susurra a Louise, diciéndole que crea en las palabras de Seldon, y cuando tentativamente se acerca a otra chica, descubre que no tiene por qué ser una marginada. Billy acude a Julie y finalmente le dice que la ama. Mientras su viuda y su hija se unen al canto, Billy recibe su recompensa celestial.
° denota el elenco original de Broadway
La producción original de Broadway se estrenó en el Majestic Theatre el 19 de abril de 1945. El ensayo general del día anterior había ido mal y la pareja temía que el nuevo trabajo no fuera bien recibido. [52] Un cambio exitoso de último minuto fue que De Mille coreografiara la pantomima. El movimiento de la multitud del carnaval en la pantomima había sido confiado a Mamoulian, y su versión no funcionaba. [44] Rodgers se había lesionado la espalda la semana anterior y observó la apertura desde una camilla apoyada en una caja detrás de la cortina. Sedado con morfina, sólo pudo ver una parte del escenario. Como no podía escuchar los aplausos y las risas del público, asumió que el espectáculo fue un fracaso. No fue hasta que sus amigos lo felicitaron esa misma noche que se dio cuenta de que el telón había sido recibido con un gran aplauso. [52] Bambi Linn , que interpretó a Louise, fue recibida con tanto entusiasmo por el público durante su ballet que se vio obligada a romper el personaje, la siguiente vez que apareció, y hacer una reverencia. Mary , la hija de Rodgers, vio a su amigo, Stephen Sondheim , ambos adolescentes entonces, al otro lado de varias filas; Ambos tenían los ojos húmedos de lágrimas. [45]
La producción original tuvo 890 funciones y cerró el 24 de mayo de 1947. El elenco original incluía a John Raitt (Billy), Jan Clayton (Julie), Jean Darling (Carrie), Eric Mattson (Enoch Snow), Christine Johnson (Nettie Fowler). , Murvyn Vye (Jigger), Bambi Linn (Louise) y Russell Collins (Starkeeper). En diciembre de 1945, Clayton se fue para protagonizar la reposición de Broadway de Show Boat y fue reemplazada por Iva Withers ; Raitt fue reemplazado por Henry Michel en enero de 1947; Darling fue reemplazada por Margot Moser. [53] [54]
Después de cerrar en Broadway, el espectáculo realizó una gira nacional durante dos años. Se presentó durante cinco meses sólo en Chicago, visitó veinte estados y dos ciudades canadienses, cubrió 15.000 millas (24.000 kilómetros) y se presentó ante casi dos millones de personas. La compañía de gira tuvo una presentación de cuatro semanas en el centro de la ciudad de Nueva York en enero de 1949. [55] Después de la presentación en el centro de la ciudad, el espectáculo se trasladó de nuevo al Majestic Theatre con la esperanza de llenar el teatro hasta que South Pacific abrió a principios de abril. . Sin embargo, la venta de entradas fue mediocre y el espectáculo cerró casi un mes antes. [56]
El musical se estrenó en el West End de Londres, en el Theatre Royal, Drury Lane, el 7 de junio de 1950. La producción fue reescenificada por Jerome Whyte, con un elenco que incluía a Stephen Douglass (Billy), Iva Withers (Julie) y Margot Moser. (Carri). Carousel tuvo 566 funciones en Londres y permaneció allí durante más de un año y medio. [53]
Carousel fue revivido en 1954 y 1957 en City Center, presentado por la New York City Center Light Opera Company. En ambas ocasiones, la producción contó con Barbara Cook , aunque interpretó a Carrie en 1954 y a Julie en 1957 (junto a Howard Keel como Billy). Luego, la producción fue llevada a Bélgica para ser representada en la Exposición Universal de Bruselas de 1958 , con David Atkinson como Billy, Ruth Kobart como Nettie y Clayton repitiendo el papel de Julie, que ella había originado. [57]
En agosto de 1965, Rodgers y el Music Theatre del Lincoln Center produjeron Carousel para 47 funciones. John Raitt repitió el papel de Billy, con Jerry Orbach como Jigger y Reid Shelton como Enoch Snow. Los papeles de Starkeeper y Dr. Seldon fueron interpretados por Edward Everett Horton en su última aparición en el escenario. [58] Al año siguiente, New York City Center Light Opera Company trajo a Carousel de regreso al City Center para 22 funciones, con Bruce Yarnell como Billy y Constance Towers como Julie. [57]
Nicholas Hytner dirigió una nueva producción de Carousel en 1992, en el Royal National Theatre de Londres , con coreografía de Sir Kenneth MacMillan y diseños de Bob Crowley . En esta puesta en escena, la historia comienza en el molino, donde trabajan Julie y Carrie, con la música ralentizada para enfatizar la monotonía. Una vez finalizado el trabajo, se trasladan a los astilleros y luego al carnaval. [57] A medida que avanzan en un escenario giratorio, aparecen personajes de carnaval y, finalmente, se monta el carrusel en el escenario para que las chicas lo monten. [59] [60] Louise es seducida por el chico rufián durante su ballet del Acto 2, ambientado alrededor de las ruinas de un carrusel. [59] Michael Hayden interpretó a Billy no como un hombre grande y brusco, sino como uno más pequeño y frustrado, una bomba de tiempo a punto de explotar. [57] Joanna Riding (Julie) y Janie Dee (Carrie) ganaron premios Olivier por sus actuaciones, la producción ganó como Mejor Reposición Musical y Hytner ganó como director. [61] Patricia Routledge interpretó a Nettie. [62] Clive Rowe , como Enoch, fue nominado a un premio Olivier. [63] Enoch y Carrie fueron elegidos para interpretar a una pareja interracial cuyos ocho hijos, según la reseña del New York Times , parecían "un anuncio ambulante de United Colors of Benetton". [59] La tirada limitada de la producción desde diciembre de 1992 hasta marzo de 1993 se agotó. [64] Se reabrió en el Teatro Shaftesbury de Londres en septiembre de 1993, presentado por Cameron Mackintosh , donde continuó hasta mayo de 1994. [65]
La producción de Hytner se trasladó al Teatro Vivian Beaumont de Nueva York , donde se estrenó el 24 de marzo de 1994 y tuvo 322 funciones. [57] [59] Ganó cinco premios Tony , incluido el de mejor reposición musical, así como premios para Hytner, MacMillan, Crowley y Audra McDonald (como Carrie). [66] El elenco también incluía a Sally Murphy como Julie, Shirley Verrett como Nettie, Fisher Stevens como Jigger y Eddie Korbich como Enoch. [67] Un cambio realizado de la producción de Londres a la de Nueva York fue que Billy golpeara a Louise en la cara, en lugar de en la mano. Según Hayden, "Él hace algo imperdonable, algo que no podemos perdonar. Es un desafío para el público agradarle después de eso". [68] The Hytner Carousel se presentó en Japón en mayo de 1995. [69] Una gira nacional por Estados Unidos con una producción reducida comenzó en febrero de 1996 en Houston [70] y concluyó en mayo de 1997 en Providence, Rhode Island . [71] Los productores buscaron incluir talentos jóvenes en la gira, [70] con Patrick Wilson como Billy y Sarah Uriarte Berry , [72] y más tarde Jennifer Laura Thompson , como Julie. [73]
Una reposición se estrenó en el Savoy Theatre de Londres el 2 de diciembre de 2008, después de una semana de avances, protagonizada por Jeremiah James (Billy), Alexandra Silber (Julie) y Lesley Garrett (Nettie). [74] La producción recibió críticas cálidas y mixtas. [75] Cerró en junio de 2009, un mes antes. [76] Michael Coveney, escribiendo en The Independent , admiraba la música de Rodgers pero afirmó: "El eficiente resurgimiento de Lindsay Posner no se compara con la versión de 1992 del Teatro Nacional". [74] Una producción en el Theatre Basel , Suiza, de 2016 a 2017, con diálogos en alemán, fue dirigida por Alexander Charim y coreografiada por Teresa Rotemberg. Bryony Dwyer, Christian Miedl y Cheryl Studer interpretaron, respectivamente, a Julie Jordan, Billy Bigelow y Nettie Fowler. [77] Una reposición semi-escenificada de la Ópera Nacional Inglesa se inauguró en el Coliseo de Londres en 2017. La producción fue dirigida por Lonny Price , dirigida por David Charles Abell y protagonizada por Alfie Boe como Billy, Katherine Jenkins como Julie y Nicholas Lyndhurst como el Guardián de las Estrellas. La producción recibió críticas mixtas a positivas. [78]
La tercera reposición de Broadway comenzó con sus avances en febrero de 2018 en el Imperial Theatre y se inauguró oficialmente el 12 de abril. Cerró el 16 de septiembre de 2018. [79] La producción fue protagonizada por Jessie Mueller , Joshua Henry , Renée Fleming , Lindsay Mendez y Alexander Gemignani . La producción fue dirigida por Jack O'Brien y coreografiada por Justin Peck . [80] Las canciones "Geraniums in the Winder" y "There's Nothin' So Bad for a Woman" fueron eliminadas de esta reposición. [81] Ben Brantley escribió en The New York Times : "La trágica inevitabilidad de Carousel rara vez se ha manifestado de forma tan cálida o tan escalofriante como en esta vívida reimaginación... [Con] las reflexivas y poderosas actuaciones del Sr. Henry y la Sra. Mueller, la historia de amor en el centro del programa nunca ha parecido tan desafortunada o, al mismo tiempo, tan sexy... [E]l Starkeeper... asume una nueva visibilidad en todo momento, asumiendo el papel de papel del supervisor angelical de Billy." Brantley elogió fuertemente la coreografía, todas las actuaciones y a los diseñadores. Sin embargo, no le convencieron el "diálogo madre-hija que tan abrasivamente llega a los oídos contemporáneos", donde Julie intenta justificar su amor por un hombre abusivo, ni otras escenas del segundo acto, particularmente las ambientadas en el cielo, y el optimismo de la escena final. [82] La mayoría de los críticos estuvieron de acuerdo en que, si bien la coreografía y las actuaciones (especialmente el canto) fueron excelentes, caracterizando la producción como sexy y suntuosa, la dirección de O'Brien hizo poco para ayudar al programa a abordar las sensibilidades modernas sobre el trato de los hombres a las mujeres. en cambio, entregarse a la nostalgia. [83]
De julio a septiembre de 2021 el Regent's Park Open Air Theatre de Londres presenta una puesta en escena de su director artístico Timothy Sheader , con coreografía de Drew McOnie. El elenco incluía a Carly Bawden como Julie, Declan Bennett como Billy y Joanna Riding como Nettie. [84]
En 1956 se hizo una versión cinematográfica del musical, protagonizada por Gordon MacRae y Shirley Jones . Sigue bastante de cerca la historia del musical, aunque se agregó un prólogo, ambientado en el cielo de Starkeeper. La película se estrenó sólo unos meses después del estreno de la versión cinematográfica de ¡ Oklahoma! Obtuvo algunas buenas críticas [85] y la grabación de la banda sonora fue un éxito de ventas. Sin embargo, como en ambas películas aparecían las mismas estrellas, las dos películas fueron comparadas a menudo, generalmente en desventaja para Carousel . Thomas Hischak, en The Rodgers and Hammerstein Encyclopedia , se preguntó más tarde "si el menor número de reposiciones teatrales de Carousel es producto de esta [película] musical a menudo pesada". [86]
También hubo una versión abreviada (100 minutos) de televisión de 1967 protagonizada por Robert Goulet , con coreografía de Edward Villella . [86]
La Filarmónica de Nueva York presentó una versión en concierto del musical del 28 de febrero al 2 de marzo de 2013 en Avery Fisher Hall . Kelli O'Hara interpretó a Julie, con Nathan Gunn como Billy, Stephanie Blythe como Nettie, Jessie Mueller como Carrie, Jason Danieley como Enoch, Shuler Hensley como Jigger, John Cullum como Starkeeper y Kate Burton como la Sra. Mullin. Tiler Peck bailó el papel de Louise con coreografía de Warren Carlyle . La producción fue dirigida por John Rando y dirigida por Rob Fisher . Charles Isherwood de The New York Times escribió: "Esta es una producción de este sublime musical de Broadway de 1945 tan magníficamente cantada como jamás la hayas escuchado". [87] Fue transmitido como parte de la serie PBS Live from Lincoln Center , que se estrenó el 26 de abril de 2013. [88]
Rodgers diseñó Carousel para que fuera un flujo casi continuo de música, especialmente en el Acto 1. En años posteriores, le preguntaron a Rodgers si había considerado escribir una ópera. Dijo que había estado muy tentado de hacerlo, pero que veía a Carousel en términos operísticos. Recordó: "Estuvimos muy cerca de la ópera en el Majestic Theatre... Hay mucho de operístico en la música". [89]
Rodgers usa la música en Carousel de manera sutil para diferenciar a los personajes y decirle a la audiencia su estado emocional. [90] En "You're a Queer One, Julie Jordan", la música de la plácida Carrie se caracteriza por ritmos uniformes de corcheas , mientras que la música de la emocionalmente inquieta Julie está marcada por corcheas y semicorcheas punteadas ; este ritmo la caracterizará durante todo el espectáculo. Cuando Billy silba un fragmento de la canción, selecciona las notas punteadas de Julie en lugar de las de Carrie. [91] Como reflejo de la estrecha asociación en la música entre Julie y la aún no nacida Louise, cuando Billy canta en "Soliloquio" de su hija, que "tiene hambre todas las noches", utiliza los ritmos punteados de Julie. Estos ritmos también caracterizan la canción del segundo acto de Julie, "What's the Use of Wond'rin'". [92] El amor estable entre Enoch y Carrie se ve fortalecido por su voluntad de permitir que Enoch no solo planifique toda su vida, sino también la de ella. Esto se refleja en "Cuando los niños están dormidos", donde los dos cantan en estrecha armonía , pero Enoch interrumpe musicalmente su turno en el coro con las palabras "Sueños que no serán interrumpidos". El biógrafo de Rodgers, Geoffrey Block, en su libro sobre el musical de Broadway, señala que aunque Billy puede golpear a su esposa, permite que sus temas musicales se conviertan en parte de él y nunca interrumpe su música. [93] Block sugiere que, por muy reprensible que sea Billy por sus acciones, Enoch exigió a Carrie que actuara como "la mujercita" y que tuvo nueve hijos con ella (más de los que ella había considerado aceptable en "Cuando los niños están dormidos"). ") puede considerarse aún más abusivo. [94]
La "escena de banco" de doce minutos de duración, [95] en la que Billy y Julie se conocen y que culmina con " If I Loved You ", según Hischak, "es considerada la pieza de drama musical más completamente integrada en el teatro musical americano". [6] La escena está extraída casi en su totalidad de Molnár y es una pieza musical extendida; Stephen Sondheim lo describió como "probablemente el momento más importante en la revolución de los musicales contemporáneos". [96] "If I Loved You" ha sido grabada muchas veces por artistas tan diversos como Frank Sinatra , Barbra Streisand , Sammy Davis Jr. , Mario Lanza y Chad y Jeremy . [95] El tema en re bemol mayor que domina la música del ballet del segundo acto parece una nueva melodía para muchos miembros de la audiencia. Sin embargo, es un desarrollo muy ampliado de un tema escuchado durante "Soliloquio" en la línea "Supongo que me llamará 'El viejo'". [97]
Cuando la pareja discutió la canción que se convertiría en "Soliloquio", Rodgers improvisó en el piano para darle a Hammerstein una idea de cómo imaginaba la canción. Cuando Hammerstein le presentó la letra a su colaborador después de dos semanas de trabajo (Hammerstein siempre escribía primero la letra, luego Rodgers escribía las melodías), Rodgers escribió la música de la canción de ocho minutos en dos horas. [98] "What's the Use of Wond'rin'", una de las canciones de Julie, funcionó bien en el programa pero nunca fue tan popular en la radio o en grabaciones, y Hammerstein creía que la falta de popularidad se debía a que había concluido el Línea final, "Y todo lo demás es charla" con una consonante dura, que no permite al cantante un clímax vocal. [98]
Irving Berlin declaró más tarde que "Nunca caminarás solo" tuvo en él el mismo tipo de efecto que el Salmo 23 . [99] Cuando el cantante Mel Tormé le dijo a Rodgers que "Nunca caminarás solo" lo había hecho llorar, Rodgers asintió con impaciencia. "Se supone que debes." [100] La canción que se graba con frecuencia se ha convertido en un himno ampliamente aceptado. [101] [102] La grabación del elenco de Carousel resultó popular en Liverpool, como muchos álbumes de Broadway, y en 1963, la banda dirigida por Brian Epstein , Gerry and the Pacemakers, obtuvo un éxito número uno con la canción. En ese momento, los diez primeros hits se jugaban antes de los partidos en casa del Liverpool FC ; Incluso después de que "You'll Never Walk Alone" saliera del top ten, los fanáticos continuaron cantándola y se ha asociado estrechamente con el equipo de fútbol y la ciudad de Liverpool. [103] Un programa de la BBC , Soul Music , lo clasificó junto a " Silent Night " y " Abide With Me " en términos de su impacto emocional y estatus icónico. [101]
El álbum del elenco de la producción de Broadway de 1945 se publicó en 78 y la partitura se redujo significativamente, al igual que la grabación del elenco de Londres de 1950. [104] El historiador del teatro John Kenrick señala de la grabación de 1945 que varias canciones tuvieron que ser abreviadas para ajustarse al formato 78, pero que hay una pequeña parte de "Soliloquio" que no se encuentra en ninguna otra grabación, ya que Rodgers la cortó del partitura inmediatamente después de realizar la grabación de estudio. [105] [106]
Se cortaron varias canciones para la película de 1956, pero dos de los números eliminados se grabaron y finalmente se conservaron en el álbum de la banda sonora. La versión ampliada en CD de la banda sonora, publicada en 2001, contiene todo el canto grabado para la película, incluidas las partes cortadas, y casi toda la música de baile. La grabación del resurgimiento del Lincoln Center de 1965 presentó a Raitt retomando el papel de Billy. Las grabaciones de estudio de las canciones de Carousel se publicaron en 1956 (con Robert Merrill como Billy, Patrice Munsel como Julie y Florence Henderson como Carrie), 1962 y 1987. La versión de 1987 incluía una mezcla de estrellas de la ópera y la música, entre ellas Samuel Ramey . Bárbara Cook y Sarah Brightman . [104] [106] Kenrick recomienda la grabación de estudio de 1962 por su destacado elenco, que incluye a Alfred Drake , Roberta Peters , Claramae Turner , Lee Venora y Norman Treigle . [105]
Tanto el álbum de reparto de Londres (1993) como el de Nueva York (1994) de la producción de Hytner contienen partes de diálogo que, según Hischak, hablan del poder de la interpretación de Billy de Michael Hayden. [104] Kenrick considera que la grabación de 1994 es la mejor interpretación general de Carousel en el disco, a pesar del canto desigual de Hayden, debido a Julie de Sally Murphy y el fuerte elenco de apoyo (llamando a Audra McDonald la mejor Carrie que ha escuchado). [105] [106] El Festival de Stratford emitió una grabación en 2015. [107]
El musical recibió críticas favorables casi unánimes después de su estreno en 1945. Según Hischak, las críticas no fueron tan exuberantes como las de Oklahoma. ya que esta vez los críticos no se sorprendieron. John Chapman del Daily News la calificó como "una de las mejores obras musicales que he visto en mi vida y la recordaré siempre". [108] El crítico del New York Times , Lewis Nichols, afirmó que "Richard Rodgers y Oscar Hammerstein 2d, que no pueden hacer nada malo, han continuado sin hacer nada malo al adaptar Liliom a una obra musical. Su carrusel es en general encantador. ". [109] Wilella Waldorf del New York Post , sin embargo, se queja: " Carousel nos pareció una velada bastante larga. La fórmula de Oklahoma! se está volviendo un poco monótona y también lo son los ballets de Miss de Mille. ¡Muy bien, adelante y dispara! " [108] [110] Dance Magazine elogió a Linn por su papel de Louise, afirmando: "Bambi no aparece hasta veinte minutos antes de las once, y durante los siguientes cuarenta minutos, prácticamente sostiene a la audiencia en su mano". [44] Howard Barnes en el New York Herald Tribune también aplaudió el baile: "Se ha esperado a que Miss de Mille presentara patrones de baile peculiarmente estadounidenses para que un espectáculo musical se convirtiera tanto en un espectáculo de danza como de canción". [44]
Cuando el musical regresó a Nueva York en 1949, el crítico del New York Times, Brooks Atkinson, describió a Carousel como "una obra musical notoriamente superior... Carousel , que fue muy apreciada cuando se estrenó, ahora parece nada menos que una obra maestra". [111] En 1954, cuando Carousel fue revivido en City Center, Atkinson habló sobre el musical en su reseña:
Carousel no tiene comentarios que hacer sobre nada de importancia actual. El tema es atemporal y universal: la devoción de dos personas que se aman en las buenas y en las malas, complicada en este caso por la personalidad díscolo del hombre, que no puede cumplir con las responsabilidades que ha asumido. ... Billy es un vagabundo, pero Carousel reconoce la decencia de sus motivos y admira su independencia. No hay soluciones ingeniosas en Carousel . [112]
¡Stephen Sondheim destacó la capacidad del dúo para aprovechar las innovaciones de Oklahoma! y aplíquelos a un entorno serio: "¡ Oklahoma! trata sobre un picnic, Carousel trata sobre la vida y la muerte". [113] El crítico Eric Bentley , por otro lado, escribió que "la última escena de Carousel es una impertinencia: me niego a que un guionista de comedia musical me dé sermones sobre la educación de los niños, la naturaleza de la buena vida y la contribución del pequeño pueblo americano a la salvación de las almas." [114]
El crítico del New York Times, Frank Rich , dijo sobre la producción londinense de 1992: "Lo notable de la dirección del Sr. Hytner, aparte de su fe poco ortodoxa en las virtudes de la simplicidad y la quietud, es su capacidad para hacer que el público de 1992 crea en la visión de redención de Hammerstein. , que dice que un pecador muerto puede regresar a la Tierra para hacer el bien piadoso". [115] La producción de Hytner en Nueva York fue aclamada por muchos críticos como un Carrusel más valiente , que consideraron más apropiado para la década de 1990. [116] Clive Barnes del New York Post lo llamó un " carrusel definitorio : duro, imaginativo y emocionante". [116]
El crítico Michael Billington ha comentado que "líricamente [ Carousel ] se acerca peligrosamente a la aceptación de la inevitabilidad de la violencia doméstica". [117] BroadwayWorld.com declaró en 2013 que Carousel ahora "se considera algo controvertido en términos de sus actitudes sobre la violencia doméstica" porque Julie elige quedarse con Billy a pesar del abuso; La actriz Kelli O'Hara señaló que la violencia doméstica con la que Julie "decide lidiar es algo real, existente y muy complicado. Y explorarla es una parte importante para curarla". [118]
Rodgers consideró a Carousel su favorito de todos sus musicales y escribió: "Me afecta profundamente cada vez que lo veo representado". [52] En 1999, la revista Time , en su lista "Lo mejor del siglo", nombró a Carousel como el mejor musical del siglo XX, y escribió que Rodgers y Hammerstein "establecieron los estándares para el musical del siglo XX, y este espectáculo presenta sus actuaciones más hermosa partitura y el ejemplo más hábil y conmovedor de su narración musical". [119] El nieto de Hammerstein, Oscar Andrew Hammerstein, en su libro sobre su familia, sugirió que la situación de guerra hizo que el final de Carousel fuera especialmente conmovedor para sus espectadores originales: "Todos los estadounidenses lamentaron la pérdida de un hermano, hijo, padre o amigo". ... la audiencia empatizó con los esfuerzos demasiado humanos [de Billy] para ofrecer consejos, buscar perdón, completar una vida inacabada y despedirse adecuadamente desde más allá de la tumba". [120] El autor y compositor Ethan Mordden estuvo de acuerdo con esa perspectiva:
¡ Si Oklahoma! Cuando desarrolló el argumento moral para enviar niños estadounidenses al extranjero, Carousel ofreció consuelo a aquellas esposas y madres cuyos hijos solo regresarían en espíritu. El significado no reside en la tragedia del presente, sino en la esperanza de un futuro en el que nadie camine solo. [121]
Nota: Los premios Tony no se establecieron hasta 1947, por lo que Carousel no fue elegible para ganar ningún Tony en su estreno. [124]
