Japonismo [a] es un término francés que se refiere a la popularidad e influencia del arte y el diseño japonés entre varios artistas de Europa occidental en el siglo XIX tras la reapertura forzada del comercio exterior con Japón en 1858. [1] [2] El japonismo fue descrito por primera vez por el crítico de arte y coleccionista francés Philippe Burty en 1872. [3]
Aunque los efectos de esta tendencia fueron probablemente más pronunciados en las artes visuales, se extendieron a la arquitectura, el paisajismo, la jardinería y la indumentaria. [4] Incluso las artes escénicas se vieron afectadas; El Mikado de Gilbert y Sullivan es quizás el mejor ejemplo.
A partir de la década de 1860, los ukiyo-e , grabados en madera japoneses , se convirtieron en una fuente de inspiración para muchos artistas occidentales. [5] Estos grabados se crearon para el mercado comercial en Japón. [5] Aunque un porcentaje de los grabados llegaron a Occidente a través de comerciantes holandeses, no fue hasta la década de 1860 que los grabados ukiyo-e ganaron popularidad en Europa. [5] Los artistas occidentales se sintieron intrigados por el uso original del color y la composición. Los grabados ukiyo-e presentaban escorzos dramáticos y composiciones asimétricas. [6]
Las artes decorativas japonesas , incluidas la cerámica , los esmaltes, la metalistería y la laca , fueron tan influyentes en Occidente como las artes gráficas. [7] Durante la era Meiji (1868-1912), la cerámica japonesa se exportó a todo el mundo. [8] A partir de una larga historia de fabricación de armas para samuráis , los trabajadores del metal japoneses habían logrado una gama expresiva de colores mediante la combinación y el acabado de aleaciones de metal. [9] El esmalte cloissoné japonés alcanzó su "edad de oro" de 1890 a 1910, [10] produciendo artículos más avanzados que nunca. [11] Estos artículos fueron ampliamente visibles en la Europa del siglo XIX: una sucesión de ferias mundiales exhibieron arte decorativo japonés a millones de personas, [12] [13] y fue recogido por galerías y tiendas de moda. [7] Los escritos de críticos, coleccionistas y artistas expresaron un considerable entusiasmo por este "nuevo" arte. [7] Coleccionistas como Siegfried Bing [14] y Christopher Dresser [15] expusieron y escribieron sobre estas obras. De esta manera, los estilos y temas japoneses reaparecieron en las obras de artistas y artesanos occidentales. [7]
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Durante la mayor parte del periodo Edo (1603-1867), Japón se encontraba en una época de aislamiento y solo un puerto internacional permanecía activo. [16] Tokugawa Iemitsu ordenó que se construyera una isla, Dejima , frente a las costas de Nagasaki desde la que Japón pudiera recibir importaciones. [16] Los holandeses eran los únicos occidentales capaces de comerciar con los japoneses, pero esta pequeña cantidad de contacto aún permitía que el arte japonés influyera en Occidente. [17] Cada año, los holandeses llegaban a Japón con flotas de barcos llenos de productos occidentales para comerciar. [18] El cargamento incluía muchos tratados holandeses sobre pintura y varios grabados holandeses. [18] Shiba Kōkan (1747-1818) fue uno de los artistas japoneses que estudió las importaciones. [18] Kōkan creó uno de los primeros grabados en Japón, que era una técnica que había aprendido de uno de los tratados importados. [18] Kōkan combinó la técnica de la perspectiva lineal , que aprendió de un tratado, con sus propias pinturas de estilo ukiyo-e.
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Las principales exportaciones japonesas fueron inicialmente plata, que fue prohibida después de 1668, y oro, principalmente en forma de monedas ovaladas, que fue prohibido después de 1763, y más tarde cobre en forma de barras de cobre. Las exportaciones japonesas finalmente disminuyeron y se desplazaron hacia productos artesanales como cerámica, abanicos, papel, muebles, espadas, armaduras, objetos de nácar, biombos y lacados, que ya se exportaban. [19]
Durante la era de reclusión, los productos japoneses siguieron siendo un lujo buscado por las élites europeas. [20] La producción de porcelana japonesa aumentó en el siglo XVII, después de que los alfareros coreanos fueran traídos al área de Kyushu. [21] Los inmigrantes, sus descendientes y sus homólogos japoneses desenterraron minas de arcilla de caolín y comenzaron a fabricar cerámica de alta calidad. La mezcla de tradiciones evolucionó hacia una industria japonesa distintiva con estilos como la cerámica Imari y Kakiemon . Más tarde influirían en los alfareros europeos y chinos. [20] La exportación de porcelana se vio impulsada aún más por los efectos de la transición Ming-Qing , que inmovilizó el centro de producción de porcelana china en Jingdezhen durante varias décadas. Los alfareros japoneses llenaron el vacío fabricando porcelana para los gustos europeos. [20] La porcelana y los objetos lacados se convirtieron en las principales exportaciones de Japón a Europa. [22] Una forma extravagante de exhibir porcelana en una casa era crear una sala de porcelana con estantes colocados por todas partes para exhibir las piezas exóticas, [22] pero la posesión de unas pocas piezas era posible para un rango social amplio y creciente de la clase media. María Antonieta y María Teresa son conocidas coleccionistas de laca japonesa, y sus colecciones a menudo se exhiben en el Louvre y el Palacio de Versalles. [23] La imitación europea de la laca asiática se conoce como Japanning . [24]
Durante la era Kaei (1848-1854), después de más de 200 años de aislamiento , los barcos mercantes extranjeros de diversas nacionalidades comenzaron a visitar Japón. Tras la Restauración Meiji en 1868, Japón puso fin a un largo período de aislamiento nacional y se abrió a las importaciones de Occidente, incluidas las técnicas de fotografía e impresión. Con esta nueva apertura en el comercio, el arte y los artefactos japoneses comenzaron a aparecer en pequeñas tiendas de curiosidades en París y Londres. [25] El japonismo comenzó como una locura por coleccionar arte japonés, particularmente ukiyo-e . Algunas de las primeras muestras de ukiyo-e se vieron en París. [26]
Durante esta época, los artistas europeos buscaban alternativas a las estrictas metodologías académicas europeas. [27] Alrededor de 1856, el artista francés Félix Bracquemond encontró una copia del libro de bocetos Hokusai Manga en el taller de su impresor, Auguste Delâtre. [28] En los años posteriores a este descubrimiento, hubo un aumento del interés por los grabados japoneses. Se vendían en tiendas de curiosidades, almacenes de té y tiendas más grandes. [28] Tiendas como La Porte Chinoise se especializaban en la venta de importaciones japonesas y chinas. [28] La Porte Chinoise, en particular, atrajo a los artistas James Abbott McNeill Whistler, Édouard Manet y Edgar Degas , quienes se inspiraron en los grabados. [29] Esta y otras tiendas organizaron reuniones que facilitaron la difusión de información sobre el arte y las técnicas japonesas. [27]
Los grabados ukiyo-e fueron una de las principales influencias japonesas en el arte occidental. Los artistas occidentales se inspiraron en los diferentes usos del espacio compositivo, el aplanamiento de los planos y los enfoques abstractos del color. En las obras de los artistas occidentales que se vieron influenciados por este estilo se puede observar un énfasis en las diagonales, la asimetría y el espacio negativo. [30]
El interés de Vincent van Gogh por los grabados japoneses comenzó cuando descubrió las ilustraciones de Félix Régamey que aparecían en The Illustrated London News y Le Monde Illustré . [31] Régamey creó grabados en madera, siguió técnicas japonesas y a menudo representó escenas de la vida japonesa. [31] Van Gogh utilizó a Régamey como una fuente confiable para las prácticas artísticas y las escenas cotidianas de la vida japonesa. A partir de 1885, Van Gogh pasó de coleccionar ilustraciones de revistas, como Régamey, a coleccionar grabados ukiyo-e que se podían comprar en pequeñas tiendas parisinas. [31] Compartió estos grabados con sus contemporáneos y organizó una exposición de grabados japoneses en París en 1887. [31]
El Retrato del padre Tanguy (1887) de Van Gogh es un retrato de su comerciante de colores, Julien Tanguy. Van Gogh creó dos versiones de este retrato. Ambas versiones presentan fondos de grabados japoneses [32] de artistas identificables como Hiroshige y Kunisada . Inspirado por los grabados en madera japoneses y sus paletas coloridas, Van Gogh incorporó una vitalidad similar en sus propias obras. [33] Llenó el retrato de Tanguy con colores vibrantes porque creía que los compradores ya no estaban interesados en pinturas holandesas en tonos grises y que las pinturas con muchos colores se considerarían modernas y deseables. [33]
El pintor belga Alfred Stevens fue uno de los primeros coleccionistas y entusiastas del arte japonés en París. [34] [35] Los objetos del estudio de Stevens ilustran su fascinación por los objetos y muebles japoneses y exóticos. Stevens era amigo cercano de Manet y de James McNeill Whistler , [36] con quien compartió este interés desde el principio. Muchos de sus contemporáneos estaban igualmente entusiasmados, especialmente después de la Exposición Internacional de 1862 en Londres y la Exposición Internacional de 1867 en París, donde el arte y los objetos japoneses aparecieron por primera vez. [36]
Desde mediados de la década de 1860, el japonismo se convirtió en un elemento fundamental en muchas de las pinturas de Stevens. Una de sus obras más famosas con influencia del japonismo es La parisienne japonaise (1872). Realizó varios retratos de mujeres jóvenes vestidas con kimono , y los elementos japoneses aparecen en muchas otras pinturas suyas, como La Dame en Rose (1866), que combina la vista de una mujer vestida a la moda en un interior con un examen detallado de objetos japoneses, y La psique (1871), en la que sobre una silla hay grabados japoneses, lo que indica su pasión artística. [37]
En la década de 1860, Edgar Degas comenzó a coleccionar grabados japoneses de La Porte Chinoise y otras pequeñas imprentas de París. [38] Sus contemporáneos también habían comenzado a coleccionar grabados, lo que le proporcionó una amplia gama de fuentes de inspiración. [38] Entre los grabados que se le mostraron a Degas había una copia del Manga de Hokusai , que Bracquemond había comprado después de verlo en el taller de Delâtre. [27] La fecha estimada de la adopción de japonismos por parte de Degas en sus grabados es 1875, y se puede ver en su elección de dividir escenas individuales colocando barreras verticales, diagonales y horizontales. [38]
Al igual que muchos artistas japoneses, los grabados de Degas se centran en las mujeres y sus rutinas diarias. [39] El posicionamiento atípico de sus figuras femeninas y la dedicación a la realidad en sus grabados lo alinearon con grabadores japoneses como Hokusai, Utamaro y Sukenobu . [39] En el grabado de Degas Mary Cassatt en el Louvre: La galería etrusca (1879-80), el artista utiliza dos figuras, una sentada y otra de pie, que es una composición común en los grabados japoneses. [40] Degas también continuó usando líneas para crear profundidad y separar el espacio dentro de la escena. [40] Su apropiación más clara es la de la mujer apoyada en un paraguas cerrado, que está tomada directamente del Manga de Hokusai . [41]
El arte japonés se exhibió en Gran Bretaña a principios de la década de 1850. [42] Estas exposiciones presentaban diversos objetos japoneses, incluidos mapas, cartas, textiles y objetos de la vida cotidiana. [43] Estas exposiciones sirvieron como una fuente de orgullo nacional para Gran Bretaña y sirvieron para crear una identidad japonesa separada de la identidad cultural generalizada de "Oriente". [44]
James Abbott McNeill Whistler fue un artista estadounidense que trabajó principalmente en Gran Bretaña. A finales del siglo XIX, Whistler comenzó a rechazar el estilo de pintura realista que favorecían sus contemporáneos. En cambio, encontró simplicidad y tecnicismo en la estética japonesa. [45] En lugar de copiar artistas y obras de arte específicos, Whistler se vio influenciado por los métodos generales japoneses de articulación y composición, que integró en sus obras. [45]
Las primeras representaciones populares de Asia fueron representaciones de Japón desde Inglaterra . La ópera cómica Kosiki (titulada originalmente El Mikado pero rebautizada tras las protestas de Japón) fue escrita en 1876. En 1885, Gilbert y Sullivan , aparentemente menos preocupados por las percepciones japonesas, estrenaron su Mikado . Esta ópera cómica gozó de una inmensa popularidad en toda Europa, donde diecisiete compañías la representaron 9.000 veces en los dos años siguientes a su estreno. Traducido al alemán en 1887, El Mikado siguió siendo el drama más popular en Alemania durante la década de 1890. A raíz de esta popularidad, las comedias ambientadas en Asia y protagonizadas por figuras cómicas asiáticas aparecieron en rápida sucesión, tanto en la ópera cómica como en el drama.
La sucesora de El Mikado como el drama japonés más popular de Europa, la ópera de Sidney Jones La geisha (1896) añadió el personaje principal a los personajes habituales que representan a Japón, la figura de la geisha pertenece a los "objetos" que en sí mismos significaban Japón en Alemania y en todo Occidente. El período de 1904 a 1918 vio un auge europeo en los dramas de geishas. El más famoso de ellos fue la ópera de Puccini Madama Butterfly . En 1900, Puccini vio una puesta en escena de la obra de David Belasco del mismo nombre y, según se dice, la encontró tan conmovedora que lloró. La popularidad de la ópera provocó una gran cantidad de Madame Something or Others, incluidas Madames Cherry, Espirit, Flott, Flirt, Wig-Wag, Leichtsinn y Tip Top, todas las cuales aparecieron alrededor de 1904 y desaparecieron con relativa rapidez. Sin embargo, no dejaron de tener un efecto duradero, y la geisha se había establecido entre los pergaminos, el jade y las imágenes del monte Fuji que simbolizaban a Japón en Occidente. De la misma forma que esta figura humana de la geisha quedó reducida al nivel de otros objetos que simbolizaban a Japón en el drama, los intérpretes japoneses en Alemania sirvieron a los dramaturgos alemanes en su búsqueda de renovar el drama alemán. Del mismo modo que el ukiyo-e había demostrado ser útil en Francia, separada de cualquier comprensión de Japón, las compañías de actores y bailarines japoneses que viajaban por Europa proporcionaron materiales para "una nueva forma de dramatizar" en el escenario. Irónicamente, la popularidad e influencia de estos dramas japoneses tuvieron mucho que ver con la occidentalización del teatro japonés en general y de las piezas representadas en Europa en particular.
El escenario giratorio, inventado en Japón en el siglo XVIII para el teatro kabuki, se introdujo en el teatro occidental en 1896 en el teatro Residenz de Múnich bajo la influencia de la fiebre del japonismo. La influencia japonesa en el drama alemán apareció por primera vez en el diseño de escenarios. Karl Lautenschlager adoptó el escenario giratorio kabuki en 1896 y diez años más tarde Max Reinhardt lo utilizó en el estreno de Frühlings Erwachen de Frank Wedekind . Pronto este escenario giratorio se convirtió en una tendencia en Berlín . Otra adaptación del escenario kabuki popular entre los directores alemanes fue el Blumensteg, una extensión del escenario que sobresale hacia el público. El conocimiento europeo del kabuki vino de viajes a Japón o de textos, pero también de compañías japonesas que viajaban por Europa. En 1893, Kawakami Otojiro y su compañía de actores llegaron a París, regresaron en 1900 y actuaron en Berlín en 1902. La compañía de Kawakami representó dos piezas, Kesa y Shogun, ambas occidentalizadas y representadas sin música y con la mayoría del diálogo eliminado. Siendo este el caso, estas representaciones tendieron hacia la pantomima y la danza. Los dramaturgos y críticos rápidamente se adhirieron a lo que vieron como una "re-teatralización del teatro". Entre los actores de estas obras estaba Sada Yacco , la primera estrella japonesa en Europa, que influyó en pioneros de la danza moderna como Loie Fuller e Isadora Duncan ; actuó para la reina Victoria en 1900 y disfrutó del estatus de estrella europea. [46] [47]
La estética de los jardines japoneses fue introducida al mundo angloparlante por la obra Landscape Gardening in Japan ( Kelly & Walsh , 1893) de Josiah Conder , que dio origen a los primeros jardines japoneses en Occidente. En 1912 se publicó una segunda edición. [48] Los principios de Conder a veces resultaron difíciles de seguir: [ cita requerida ]
Despojado de su vestimenta y sus modales locales, el método japonés revela principios estéticos aplicables a los jardines de cualquier país, enseñando, como lo hace, cómo convertir en un poema o cuadro una composición que, con toda su variedad de detalles, de otro modo carece de unidad e intención. [49]
Tassa (Saburo) Eida creó varios jardines influyentes, dos para la Exposición Japón-Británica en Londres en 1910 y uno construido durante cuatro años para William Walker, primer barón Wavertree . [50] Este último todavía se puede visitar en el Irish National Stud . [51]
La obra Japanese Garden Construction (1939) de Samuel Newsom ofreció la estética japonesa como una corrección en la construcción de jardines de rocas , que debían sus orígenes bastante separados en Occidente al deseo de mediados del siglo XIX de cultivar plantas alpinas en una aproximación al pedregal alpino . Según la Garden History Society , el jardinero paisajista japonés Seyemon Kusumoto participó en el desarrollo de alrededor de 200 jardines en el Reino Unido. En 1937, exhibió un jardín de rocas en el Chelsea Flower Show y trabajó en Burngreave Estate en Bognor Regis, un jardín japonés en Cottered en Hertfordshire y patios en Du Cane Court en Londres.
El pintor impresionista Claude Monet modeló partes de su jardín en Giverny a partir de elementos japoneses, como el puente sobre el estanque de nenúfares, que pintó en numerosas ocasiones. En esta serie , al detallar solo algunos puntos seleccionados, como el puente o los nenúfares, se vio influenciado por los métodos visuales tradicionales japoneses que se encuentran en los grabados ukiyo-e , de los que tenía una gran colección . [52] [53] [54] También plantó una gran cantidad de especies japonesas nativas para darle una sensación más exótica.
En Estados Unidos, la fascinación por el arte japonés se extendió a coleccionistas y museos que crearon importantes colecciones que aún existen y han influido en muchas generaciones de artistas. El epicentro estuvo en Boston, probablemente debido a Isabella Stewart Gardner , una pionera coleccionista de arte asiático. [55] Como resultado, el Museo de Bellas Artes de Boston ahora afirma albergar la mejor colección de arte japonés fuera de Japón. [56] La Freer Gallery of Art y la Arthur M. Sackler Gallery albergan la biblioteca de investigación de arte asiático más grande de los Estados Unidos, donde albergan arte japonés junto con las obras de influencia japonesa de Whistler .
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![George Hendrik Breitner, Chica con kimono blanco, óleo sobre lienzo, 1894[57]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/21/George_Hendrik_Breitner_-_Meisje_in_witte_kimono_(Geesje_Kwak).jpg/1280px-George_Hendrik_Breitner_-_Meisje_in_witte_kimono_(Geesje_Kwak).jpg)
![jarrón de carpa; por Eugène Rousseau [fr]; 1878–1884](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/27/Appert_Fr%C3%A8res_-_Carp_Vase_-_Walters_47384_-_Profile.jpg/1280px-Appert_Fr%C3%A8res_-_Carp_Vase_-_Walters_47384_-_Profile.jpg)
