David Bowie es el álbum de estudio debut del músico inglés David Bowie , lanzado originalmente en el Reino Unido el 1 de junio de 1967 a través de Deram Records , subsidiaria de Decca . Producido por Mike Vernon y grabado desde noviembre de 1966 hasta marzo de 1967 en Londres, el álbum siguió a una serie de sencillos que Bowie lanzó para Pye Records que no lograron entrar en las listas. Vernon contrató a numerosos músicos de estudio para las sesiones del álbum; Bowie y su ex compañero de banda de Buzz, Derek Fearnley, compusieron las listas musicales ellos mismos usando una guía musical.
El álbum muestra un sonido pop barroco y de music hall influenciado por Anthony Newley y los estilos eduardianos de las bandas de rock británicas contemporáneas. Las canciones están lideradas principalmente por instrumentos de viento de madera y de metal de orquesta en lugar de los instrumentos tradicionales de la música pop de la época, aunque algunas pistas incluyen guitarra. El contenido lírico varía desde la inocencia infantil desenfadada hasta el consumo de drogas y el totalitarismo , temas a los que Bowie volvería en obras posteriores. La portada es una foto de Bowie con un corte de pelo moderno y una chaqueta de cuello alto.
David Bowie, publicado en mezclas mono y estéreo , recibió críticas positivas de los periodistas musicales , pero fue un fracaso comercial debido a la falta de promoción por parte de Deram. Se omitieron dos temas para su lanzamiento en los Estados Unidos en agosto de 1967. Después de su lanzamiento, Bowie proporcionó más temas para Deram, todos los cuales fueron rechazados y llevaron a su salida del sello. Las críticas retrospectivas comparan desfavorablemente a David Bowie con los trabajos posteriores de Bowie, pero algunos lo reconocen positivamente en sus propios términos. El álbum fue reeditado en una edición de lujo de dos discos en 2010, que incluía ambas mezclas y otros temas de la época.
David Bowie fue despedido de Pye Records en septiembre de 1966 tras una serie de sencillos que no llegaron a las listas. [1] La falta de promoción por parte de Pye también contribuyó a su desencanto con el sello. [2] Para asegurarle un nuevo contrato discográfico, su futuro manager Kenneth Pitt financió una sesión de grabación en los RG Jones Recording Studios de Londres . [3] El 18 de octubre, Bowie y su banda de acompañamiento The Buzz llevaron a cabo una sesión de cuatro horas con un grupo de músicos de estudio locales, produciendo una nueva versión de la canción rechazada de Pye " The London Boys " y dos nuevas canciones, " Rubber Band " y "The Gravedigger". [1] [2]
Pitt mostró acetatos de las pistas a los ejecutivos de Decca Records , quienes quedaron impresionados y contrataron a Bowie para el sello de pop progresivo subsidiario del sello, Deram Records . Su contrato le dio un trato que financió la producción de un álbum de estudio de larga duración y pagó £ 150 por las tres pistas y un adelanto adicional de £ 100 por regalías del álbum. Según el biógrafo Nicholas Pegg , que se le otorgara un contrato para un álbum antes de tener un sencillo exitoso era algo poco común en ese momento. [2] [4] El gerente de A&R de Decca, Hugh Mendl, dijo más tarde: "Tenía una pequeña obsesión con David: simplemente pensé que era la persona más talentosa y mágica ... Creo que lo habría contratado incluso si no tuviera un talento musical tan obvio. Pero tenía talento. Estaba repleto de creatividad". [3]
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Bowie pasó un tiempo antes de las sesiones del álbum escribiendo canciones, acumulando casi 30 nuevas composiciones. Según el autor Paul Trynka , su composición se centró menos en la instrumentación tradicional y más en los arreglos orquestales, en la línea del recientemente lanzado Pet Sounds de los Beach Boys . [3] Las sesiones comenzaron oficialmente el 14 de noviembre de 1966 en Decca Studio 2 en West Hampstead , Londres con la grabación de "Uncle Arthur" y "She's Got Medals". [2] El productor interno de Decca, Mike Vernon, manejó la producción mientras que Gus Dudgeon fue el ingeniero. [5] La banda de Bowie, The Buzz, contribuyó con la excepción del tecladista Derek Boyes. [6]
No nos dimos cuenta de lo ridículas que debían parecer [las partituras]. Supongo que fue simplemente la audacia de las mismas lo que hizo que ninguno de los muchachos se riera de nosotros y nos echara del estudio. De hecho, intentaron tocar nuestras partes y les dieron sentido. Son pequeñas partes de cuerdas bastante bonitas; estábamos escribiendo para fagot y todo eso. Si Stravinsky puede hacerlo, ¡entonces nosotros podemos hacerlo! [7]
—David Bowie, 1993
En lugar de contratar a un arreglista, Derek "Dek" Fearnley, miembro de Bowie y Buzz, utilizó la guía musical Observer's Guide to Music de Freda Dinn para estudiar los arreglos de orquesta y le pidió a Vernon que contratara a los músicos adecuados. Fearnley tenía poca experiencia escribiendo diagramas musicales, mientras que Bowie no sabía leer música en absoluto, por lo que Fearnley lo encontró una tarea abrumadora, y más tarde declaró: "Fue un trabajo muy duro. Sabía leer los pentagramas y que un compás tenía cuatro horquillas; David nunca había visto ni escrito una nota, así que yo era el calificado para escribir el material". [3] [5] Descubrió que cuando presentaba los diagramas a los músicos, algunos de los cuales eran miembros de la Orquesta Filarmónica de Londres , los rechazaban y solicitaban nuevas partituras, lo que tenía que hacer él mismo mientras Bowie monitoreaba desde la sala de control. [2] [3] [6]
«There Is a Happy Land», «We Are Hungry Men», «Join the Gang» y el lado B «Did You Ever Have a Dream» se completaron el 24 de noviembre. [2] Casi al mismo tiempo, Pitt y el actual representante de Bowie, Ralph Horton, decidieron que Bowie dejaría de actuar en directo para poder centrarse en la grabación del álbum y que se separaría de The Buzz. Bowie y The Buzz hicieron su última actuación en directo juntos el 2 de diciembre, el mismo día en que Deram publicó el sencillo «Rubber Band». Las sesiones continuaron entre el 8 y el 13 de diciembre con la grabación de «Sell Me a Coat», «Little Bombardier», « Silly Boy Blue », «Maid of Bond Street», «Come and Buy My Toys» y «The Gravedigger», ahora titulada «Please Mr. Gravedigger». [2] [6]
Además de la orquesta, Vernon contrató a varios músicos de sesión no acreditados que fueron fundamentales para el sonido del álbum; los músicos acreditados incluyeron al guitarrista John Renbourn , cuya interpretación se escucha de manera destacada en "Come and Buy My Toys", y al multiinstrumentista Big Jim Sullivan , quien contribuyó con el banjo y el sitar en "Did You Ever Have a Dream" y "Join the Gang", respectivamente. La amiga de Fearnley, Marion Constable, también contribuyó con los coros de "Silly Boy Blue". [2] Vernon recordó haberse "divertido mucho" durante las sesiones y describió a Bowie como "la persona con la que era más fácil trabajar", agregando además que "algunas de las melodías eran extremadamente buenas, y el material real, las letras, tenían una calidad que era bastante única". [2] Dudgeon también encontró el material único, diciéndole al biógrafo David Buckley que "la música era muy cinematográfica, muy visual y bastante honesta y sin afectación". [8]
A finales de diciembre de 1966 se elaboró un orden provisional de las canciones, que incluía temas que no estaban en el álbum final, como «Did You Ever Have a Dream», «Your Funny Smile» y «Bunny Thing». A mediados de enero de 1967, Bowie despidió a Horton como su representante tras meses de mala gestión financiera y contrató a Pitt en su lugar. [2] Bowie y los músicos volvieron a reunirse en Decca el 26 de enero, para grabar las pistas de acompañamiento de « The Laughing Gnome » y «The Gospel According to Tony Day», que fueron elegidas como el siguiente sencillo; las voces se añadieron a principios de febrero. [9] Se grabó una nueva versión de «Rubber Band» para su inclusión en el álbum el 25 de febrero, así como « Love You till Tuesday » y «When I Live My Dream». Estas pistas presentaban arreglos no acreditados de Arthur Greenslade . Las sesiones se completaron el 1 de marzo. [9]
David Bowie fue mezclado tanto en mono como en estéreo , [9] lo que lo convirtió en uno de los primeros álbumes en ser lanzado en ambos formatos. Según Pegg, las dos variantes presentaban pequeñas diferencias en la instrumentación y la mezcla: [2] las ediciones mono usaban mezclas ligeramente diferentes de "Uncle Arthur" y "Please Mr. Gravedigger". [10]
En cuanto a la letra, supongo que se trataba de un intento de ser algo, de contar historias breves. En cuanto a la música, es bastante extraño. No sé dónde estaba. Parecía tener sus raíces en todas partes, en el rock, el vodevil y el music hall. No sabía si era Max Miller o Elvis Presley . [2]
—David Bowie sobre el álbum, 1990
David Bowie consta de 14 temas, todos escritos íntegramente por Bowie. [7] Sus influencias en este momento incluyeron a Anthony Newley , artistas de music hall como Tommy Steele , material centrado en lo británico de Ray Davies de los Kinks , las canciones infantiles psicodélicas de Syd Barrett para los primeros Pink Floyd y el estilo eduardiano compartido por las obras contemporáneas de los Kinks y los Beatles . [8] El deseo de Pitt de que Bowie se convirtiera en un "artista completo" en lugar de una "estrella de rock" también influyó en el estilo del compositor. [11] Según el autor James E. Perone, las canciones incluyen estilos de pop de ritmo rápido , rock y vals ; [12] BBC Music categorizó retrospectivamente a David Bowie como pop barroco y music hall. [13] En lugar de utilizar instrumentos tradicionales de la música pop de la época, como la guitarra, el piano, el bajo y la batería, los instrumentos de David Bowie se asemejaban a los del music hall y la música clásica , como los instrumentos de metal ( tuba , trompeta y trompa ) y los instrumentos de viento de madera ( fagot , oboe , corno inglés y flautín ). [12] Buckley nota una ausencia casi total de guitarra principal en la mezcla final. [8]
Las pistas con instrumentos de viento incluyen "Rubber Band", "Little Bombardier" y "Maid of Bond Street", [8] las pistas con instrumentos de viento incluyen "Uncle Arthur" y "She's Got Medals". [14] "Little Bombardier" y "Maid of Bond Street" están en tiempo de vals, [8] mientras que "Join the Gang" incluye sitar y una cita musical del reciente éxito de Spencer Davis Group " Gimme Some Lovin' ". [15] La influencia de Newley está presente en "Love You till Tuesday", "Little Bombardier" y "She's Got Medals". [2] [5] Con respecto a la influencia, el propio Newley declaró en 1992: "Siempre me burlé de eso, en cierto sentido. La mayoría de mis discos terminaban en una risita estúpida, tratando de decirle a la gente que no estaba hablando en serio. Creo que a Bowie le gustaba esa cosa irreverente, y su forma de decirlo era muy similar a la mía, esa cosa cockney". [7]
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"Love You till Tuesday" y "Come and Buy My Toys" se encuentran entre las pocas canciones del álbum con una guitarra acústica, la primera muy aumentada por cuerdas. [16] El biógrafo Chris O'Leary señala que la última es de naturaleza más minimalista, [5] y ejemplifica el folk de una manera que el autor Peter Doggett compara con Simon & Garfunkel . [17] "Please Mr. Gravedigger", que Buckley describió como "uno de los momentos genuinamente locos del pop", [8] utiliza varios efectos de sonido de estudio y no tiene instrumentación de acompañamiento. Los biógrafos la comparan con una obra de radio de los años 1940 y 1950 y la consideran una parodia cómica de la antigua canción británica " Oh! Mr Porter ". [5] [18]
Al igual que la música, los temas líricos de David Bowie son muy variados y van desde lo alegre a lo oscuro, pasando por lo divertido y lo sarcástico. Los personajes van desde marginados sociales hasta perdedores, "casi filósofos" y dictadores. [12] Según O'Leary, David Bowie se encontró componiendo narraciones en tercera persona en comparación con las historias de amor en primera persona de sus lanzamientos anteriores, [5] una declaración compartida por Kevin Cann, quien compara las narraciones de las canciones con historias folclóricas tradicionales. [7] En 1976, Bowie comentó que "la idea de escribir una especie de cuentos cortos, pensé que era bastante novedosa en ese momento". [5] Marc Spitz escribe que David Bowie contiene varias "canciones de historias inglesas vagamente oscuras y arcanas" ("Please Mr. Gravedigger", "Uncle Arthur", "Maid on Bond Street") que Pitt imaginó que Bowie interpretaría en salones. [19] "Rubber Band", "Little Bombardier" y "She's Got Medals" evocan el tema eduardiano. [7]
Los temas alegres, como la inocencia infantil, se celebran en "Sell Me a Coat", "When I Live My Dream" y "Come and Buy My Toys", [7] así como en "There Is a Happy Land", de influencia psicodélica, que tomó su título y temática del himno de Andrew Young del mismo nombre . [5] [20] "Silly Boy Blue" expresa el interés entonces reciente de Bowie en el budismo . [21] Los ideales más oscuros como la presión de grupo y el consumo de drogas se discuten en "Join the Gang", [16] mientras que "We Are Hungry Men" describe un mundo totalitario que refleja la adoración mesiánica y el canibalismo de una manera cómica. [22] [23] "Little Bombardier" trata sobre un veterano de guerra que se ve obligado a abandonar la ciudad tras ser sospechoso de pedofilia , [12] y la canción a capela "Please Mr. Gravedigger" detalla a un asesino de niños que contempla su próxima víctima mientras está de pie en un cementerio. [5] [8] [18]
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David Bowie fue lanzado en el Reino Unido el 1 de junio de 1967, con los números de catálogo DML 1007 (mono) y SML 1007 (estéreo). [2] Su lanzamiento coincidió con el de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles . [24] [25] [26] El lanzamiento estadounidense, publicado en agosto de 1967, omitió "We Are Hungry Men" y "Maid of Bond Street", lo que Pegg especula que posiblemente se debió a la práctica estadounidense de recortar las listas de canciones para "reducir las regalías editoriales". [2]
La fotografía de la manga es un retrato completo de Bowie con un corte de pelo moderno y una chaqueta de cuello alto. La manga fue tomada por el hermano de Fearnley, Gerald, en su estudio en el sótano cerca de Marble Arch , donde Bowie y Dek Fearnley habían dirigido los ensayos para las sesiones. El propio Bowie eligió la chaqueta y más tarde recordó que estaba "muy orgulloso" de ella, bromeando con que "en realidad estaba hecha a medida". [2] Spitz considera que la imagen está "muy arraigada" a mediados de la década de 1960, [19] mientras que Blake Goble de Consequence of Sound la llamó "quizás la portada de álbum más aburrida y anticuada de la carrera de Bowie" en 2018. [27] Las notas de Pitt en la portada describen la visión de Bowie como "recta y aguda como un rayo láser. Corta la hipocresía, el prejuicio y la hipocresía. Ve la amargura de la humanidad, pero rara vez con amargura. Ve el humor en nuestros defectos, el patetismo de nuestras virtudes". [2]
A pesar de los intentos de promoción por parte de otros países fuera del Reino Unido y los EE. UU., [7] David Bowie fue un fracaso comercial, en parte debido a la falta de promoción de Deram; el sello no quedó impresionado con el sencillo "Rubber Band" y uno de los ejecutivos que fue fundamental en el fichaje de Bowie abandonó la compañía en mayo de 1967, dejando poca confianza en Bowie. [2] [28] Vernon sintió más tarde que Decca "no entendía lo que era la música rock ... en absoluto". [8] Otros sencillos de Bowie para Deram, "The Laughing Gnome" y una nueva versión de "Love You till Tuesday", publicados en abril y julio, respectivamente, [29] no llegaron a las listas, lo que señaló aún más su declive con el sello. [2] [19]
David Bowie recibió pocas críticas, aunque positivas, de los críticos musicales en su lanzamiento. [2] En New Musical Express , Allen Evans elogió el disco como "muy refrescante" y llamó al artista "un talento muy prometedor", con "un sonido fresco para los arreglos musicales ligeros [de Bowie y Fearnley]". [30] Chris Welch de Melody Maker disfrutó del álbum como "una colección singularmente gratificante" que presenta una producción "excelente". Welch se sorprendió de que Bowie aún no hubiera impactado en la escena pop. [31] Un crítico de Disc & Music Echo describió el álbum como "un álbum debut notable y creativo de un londinense de 19 años", declarando: "Aquí hay un nuevo talento que merece atención, porque aunque David Bowie no tiene una gran voz, puede proyectar palabras con un 'lado' descarado que es entrañable pero no precioso ... lleno de fascinación abstracta. Pruebe David Bowie. Es algo nuevo". [32] El periodista también sugirió que Bowie podría obtener más atención si "consiguiera el éxito y los sencillos adecuados". [32] Pitt envió copias de David Bowie a ejecutivos musicales con el fin de generar publicidad, recibiendo cartas de admiración de Lionel Bart , Bryan Forbes y Franco Zeffirelli . [2]
Después del fracaso del álbum, Bowie grabó varias canciones más para Deram desde finales de 1967 hasta principios de 1968 como posibles sencillos, todos los cuales fueron rechazados. [2] Partiendo del sonido de David Bowie , estas incluyeron « Let Me Sleep Beside You », « Karma Man », una nueva versión de «When I Live My Dream», «In the Heat of the Morning» y una nueva versión de «London Bye Ta–Ta». [33] [34] [35] El fracaso de David Bowie , sus sencillos y los intentos fallidos de seguimiento llevaron a la salida de Bowie de Deram en mayo de 1968. [2] Fuera de la música, actuó en la obra del actor de mimo Lindsay Kemp Pierrot in Turquoise a principios de 1968, interpretando las canciones de David Bowie «When I Live My Dream», «Sell Me a Coat» y «Come and Buy My Toys». [36]
El fracaso comercial de David Bowie llevó a Pitt a autorizar una película promocional en un intento de presentar a Bowie a un público más amplio. La película, Love You till Tuesday , no se estrenó hasta 1984. [37] Bowie escribió una nueva canción para la película, « Space Oddity », una historia sobre un astronauta ficticio. [38] Producida por Dudgeon y lanzada como sencillo en julio de 1969 para Philips Records , filial de Mercury , «Space Oddity» se convirtió en el primer éxito del artista, 18 meses después del lanzamiento de David Bowie . [2] [39]
No diría que nos costó mucho, pero fue una aventura. En ese momento no estaba seguro de qué pensar del álbum ni de si era comercial, pero, como siempre, dejé de lado mis gustos y disgustos y me puse a trabajar. Fue un disco único, muy, muy peculiar e ideal para Deram. [7]
—Mike Vernon, 2009
David Bowie , y el período Deram en general, fueron objeto de burlas rutinarias a lo largo de la carrera de Bowie, siendo descartados, en palabras de Pegg, como "tonterías de music-hall derivadas de una moda pasajera de Anthony Newley". [2] Dudgeon reconoció más tarde las similitudes con Newley, diciendo que le "molestaba" a él y a Vernon porque sentían que Bowie era "realmente bueno y sus canciones son jodidamente geniales". [8] El propio Bowie minimizó o repudió por completo el período en décadas posteriores, descartándolo como "vergonzoso" en 1990. [2] Según Pegg, los fanáticos de Bowie han intentado culpar a Pitt por el sonido del disco, a pesar de que Pitt estuvo ausente de la persona de Bowie durante la mayor parte del período de escritura y grabación. El propio mánager descartó la teoría en sus memorias, afirmando que fue idea exclusiva de Bowie imitar a Newley. [2]
Otras afirmaciones hechas sobre David Bowie incluyen el argumento de que no sonaba como nada más en ese momento, [26] lo que se atribuye principalmente a la descripción "a menudo citada" de Dudgeon del álbum como "la cosa más extraña que cualquier compañía discográfica haya lanzado jamás". [2] Pegg desacredita esta idea, escribiendo que la mezcla de "narrativa folk y de cuentos cortos" del disco compartía similitudes con los lanzamientos más comerciales del movimiento de psicodelia británica de 1966-1967, mientras que los motivos de nostalgia de tiempos de guerra e inocencia infantil reflejaban los ideales contemporáneos de Pink Floyd de Syd Barrett, Bonzo Dog Doo-Dah Band y los Beatles. [2] Los Beatles, en particular, embellecieron ideas similares a las de David Bowie en sus discos recientes Revolver (1966) y Sgt. Pepper : " Being for the Benefit of Mr. Kite! " de esta última coincidía con el estilo de vals de "Little Bombardier", mientras que Pegg compara los estilos de "Uncle Arthur", "She's Got Medals" y "Sell Me a Coat" con " Eleanor Rigby ", " Lovely Rita " y " She's Leaving Home ". [2] Buckley escribe que el uso de instrumentos de viento de metal y madera por parte de Bowie en "Rubber Band" fue anterior a su uso por parte de los Beatles en Sgt. Pepper , [8] mientras que Doggett argumenta que "Rubber Band" y " With a Little Help from My Friends " presentan gags líricos sobre actuar "desafinados". [40] En cuanto a la mezcla de folk, pop y clásico, Perone sostiene que Days of Future Passed de Moody Blues , también lanzado por Deram en 1967, era más viable comercialmente pero mostró la combinación en David Bowie , particularmente en "Rubber Band" y "Sell Me a Coat". [12] Bowie también utilizó los mismos efectos de sonido que el sencillo debut de Bonzo Dog Doo-Dah Band "My Brother Makes the Noises for the Talkies" para "We Are Hungry Men" de David Bowie , "Please Mr. Gravedigger" y la toma descartada "Toy Soldier". [2]
Los comentaristas han reconocido temas en David Bowie que informaron las obras posteriores del artista, [16] [8] como el mesías autodenominado de "We Are Hungry Men". [2] Perone argumenta que la canción anticipó los estilos post-punk y new wave de finales de la década de 1970, nombrando el primer y segundo álbum de Talking Heads . [12] El folk de "Come and Buy My Toys" también anticipó la exploración de Bowie del género en su segundo álbum homónimo de 1969 , [2] mientras que Doggett encuentra que la sensación de desesperación en "Rubber Band" precedió a los LP Station to Station y "Heroes" de 1976 y 1977, respectivamente. [40] Otros encontraron que los temas de cambio de género de "She's Got Medals" precedieron a " Queen Bitch " de 1971 y " Rebel Rebel " de 1974. [5] [8]
Las reseñas retrospectivas de David Bowie han comparado desfavorablemente el LP con los trabajos posteriores del artista, aunque algunos lo han reconocido positivamente en sus propios términos. [41] [48] Pegg resume: David Bowie reside justificadamente a la sombra de su trabajo posterior, pero aquellos con los oídos y las mentes abiertas lo conocen como un álbum dulce e inteligente que ha soportado décadas de burla con consumada dignidad". [2]
En un artículo para AllMusic , Dave Thompson calificó el LP como "una colección intrigante, tanto por sí misma como por la luz que arroja sobre la futura carrera de Bowie" y concluyó que "aunque este material ha sido reempaquetado con una frecuencia tan abrumadora que parece casi irrelevante hoy en día, David Bowie sigue siendo una obra notable. Y suena menos a cualquier otra cosa que haya hecho que a cualquier disco posterior en su catálogo". [41] Stephen Thomas Erlewine de la misma publicación lo vio como "un debut fascinante y muy disfrutable" por sus propios méritos. [48] En una reseña de 2010, Sean Egan de BBC Music encontró un talento "sin refinar" en Bowie, señalando letras "por encima del promedio" que son "poco profundas". Sin embargo, elogió el compromiso de Bowie con el proyecto, concluyendo que " David Bowie no es una escucha esencial, pero es históricamente interesante como inequívocamente el plato principal de alguien con futuro". [13] En 2017, Dave Swanson de Ultimate Classic Rock encontró la música alegre, pero sintió que el disco estaba fuera de lugar con la industria musical en ese momento, lo que contribuyó principalmente a su fracaso. [26]
Los biógrafos de Bowie han tenido opiniones encontradas sobre David Bowie . Los críticos de NME Roy Carr y Charles Shaar Murray dijeron que "un oyente estrictamente acostumbrado a David Bowie en sus variadas apariencias de los años 70 probablemente encontraría este álbum debut chocante o simplemente pintoresco", [16] mientras que Buckley describe su estatus en la discografía de Bowie como "el equivalente en vinilo de la loca en el ático ", ridiculizándolo como una "pieza de juventud que provoca vergüenza" que solo puede ser desafiada por "aquellos con un umbral de vergüenza lo suficientemente alto". [8] Perone sintió que la amplia variedad de estilos musicales se mostró "generalmente con buenos resultados". [12] Trynka elogia la confianza de Bowie y destaca temas individuales, como "We Are Hungry Men" y "Uncle Arthur", pero señala que carecía de ambición y comercialidad en ese momento. [49] Doggett sostiene de manera similar que sus "estudios de personajes caprichosos" contrastaban con el "ambiente psicodélico" de la época. [50]
En una lista de 2016 que clasificaba los álbumes de estudio de Bowie del peor al mejor, Bryan Wawzenek de Ultimate Classic Rock colocó a David Bowie en el puesto número 23 (de 26), criticando las interpretaciones vocales de Bowie, las letras y el sonido general que carece de "ingenio y energía". [51] Incluyendo los dos álbumes de Bowie con Tin Machine , los escritores de Consequence of Sound clasificaron a David Bowie en el puesto número 26 (de 28) en su lista de 2018. Goble lo llamó "un artefacto incómodo", que representa señales de lo que estaba por venir para el artista, pero como álbum independiente, sigue siendo "no esencial". [27]
Las grabaciones de Deram de Bowie se han reciclado en una multitud de álbumes recopilatorios , incluidos The World of David Bowie (1970), Images 1966–1967 (1973), Another Face (1981), Rock Reflections (1990) y The Deram Anthology 1966–1968 (1997). [56]
Deram reeditó por primera vez David Bowie en LP en agosto de 1984, seguido por un lanzamiento en CD en abril de 1989. [57] En enero de 2010, Deram y Universal Music reeditaron el álbum en un paquete de edición de lujo remasterizado de dos discos. Con un total de 53 pistas, la colección recopila tanto las mezclas mono como estéreo originales, otras grabaciones de Deram de Bowie, como "The London Boys" y "The Laughing Gnome", mezclas de sencillos, mezclas estéreo inéditas, tomas alternativas y, por primera vez, la primera sesión de radio de Bowie en la BBC ( Top Gear , diciembre de 1967). [48] [54] [58] Las pistas fueron remasterizadas por Peter Mew y Tris Penna, quienes previamente se encargaron de la reedición de lujo de Virgin de David Bowie (1969). Penna declaró en las notas de la edición de lujo que querían "asegurarse de que [las pistas] sonaran tan bien, si no mejor, que cuando se lanzaron por primera vez". [59]
En su reseña de la edición de lujo de The Second Disc , Joe Marchese la consideró un complemento bienvenido a The Deram Anthology 1966-1968 que mostraba que Bowie tenía talento pero carecía de dirección. Concluyó que el conjunto permite a los oyentes reexaminar a David Bowie y "presenta el mejor caso posible de esta 'era perdida' de la historia de Bowie". [59] Pegg también calificó el conjunto de "excelente". [2] Barry Walters de Rolling Stone describió la colección como un "retrato temprano del último metamorfo del pop". [55] Erlewine elogió la adición de las nuevas pistas, argumentando que realzan el debut en lugar de disminuirlo, ofreciendo una visión más completa del talento de Bowie en esta etapa de su carrera. [48] Más desfavorablemente, Egan sintió que la colección era "completa" pero "estéticamente demasiado, incluso si el álbum original fue el mejor jamás hecho". [13]
Todas las pistas están escritas por David Bowie . [7]
Lado uno
Lado dos
Notas
Fuentes: [2] [7] [5]
Técnico